Una Discografía Mágica

 

Be Prog! My Friend 2016

Steven Wilson + Opeth + Magma + Beetween The Buried and Me + Anneke and The Gentle Storm + Textures + The Pineapple Thief + Agent Fresco + IamTheMorning + Exxasens + Obsidian Kingdom - 
Poble Espanyol, Barcelona - 1y2-julio-2016

Este era el año del tercer Be Prog, festival progresivo internacional que reunía un cartel increíble y subía aún mucho más el listón que ya de por sí había quedado muy alto en las dos ediciones anteriores, por las que han pasado artistas como Camel, Riverside, Opeth, Meshuggah, Katatonia, Devin Townsend, Haken, Leprous...entre otros.
El sitio elegido para este magnífico evento tuvo lugar en un bellísimo conjunto arquitectónico al aire libre llamado Poble Espanyol, en la montaña mágica de Montjuic de la ciudad de Barcelona. Un entorno ideal para un festival en el que durante dos días se llenaron los oídos de la multitud que allí estuvo, con la mejor música progresiva actual, de vanguardia, legendaria y ecléctica.

Día 1

The Pineapple Thief,  Agent Fresco, IamTheMorning, Exxasens, Obsidian Kingdom 

El primer día sirvió como aperitivo de lo que iba ocurrir el sábado con las bandas que eran cabeza de cartel. Las bandas barcelonesas Exxasens y Obsidian Kingdom abrieron el festival con una fuerza arrolladora y mucha energía, soportando el calor sofocante y terrible sol de la tarde

Seguidamente fue el turno del dúo ruso Iamthemorning integrado por la etérea y angelical Marjana Semkina en voz y Gleb Kolyadin en teclados, apoyados por un percusionista, un violín y un violonchelo, daban su primer concierto en España ofreciendo una propuesta intimista, muy diferente del resto del festival. Durante el set, Marjana, recibió un ramo de flores por ser tan adorable. Iamthemorning nos brindó un concierto muy simpático con delicadas composiciones llenas de matices menos cercanos al progresivo pero dando una clase magistral de música para piano y voz.

Agent Fresco

A continuación llegó el turno de los islandeses Agent Fresco, una de las nuevas bandas más interesantes de los últimos años, que presentaban su último trabajo "Destrier".

En ese momento tuve la experiencia de compartir con Nick Beggs y David Kilminster una pequeña charla con firmas y fotos en un bar al costado del recinto, en donde también se encontraba el mismísimo Steven Wilson, al mejor estilo celebrity inaccesible, con un par de guardaespaldas mirando un partido de fútbol de la Eurocopa, mientras sonaba de fondo el concierto de Agent Fresco, que para muchos fueron por lejos los más asombrosos y la revelación del Be Prog.

La banda se mostró muy sólida y con una contundencia arrolladora, sin dejar de lado los arreglos melodiosos, destacándose el cantante y frontman Arnór Dan Arnarson, que a pesar de estar sufriendo una neumonía decidió no perderse esta oportunidad de mostrar su música en este evento, con una actuación alucinante (hasta se bajó del escenario para cantar con la gente), que sorprendió a todos los asistentes. De su discografía interpretaron siete temas de "Destrier", su último trabajo , y cinco temas del anterior "A Long Time Listening". Pasaron desde la intensidad de "The Autumn Red" o las más accesibles como "Pyre" o la propia "Destrier" . La versiones en vivo de "Angst" y "Dark Water" mucho más poderosas que en el disco, cerraron un concierto alucinante.

The Pineapple Thief

El grupo de Bruce Soord cerró la primera noche como la banda más importante del día. Con una puesta en escena discreta y un juego de luces muy elegante, arrancaron el show con "What Have We Sown?", tema que duró 27 minutos. El set elegido sonó muy cuidado y con buenos arreglos electrónicos, predominando los temas de "Magnolia"su último trabajo recientemente editado.
Ya se podía decir que  la jornada del viernes había superado las expectativas de todos los que habíamos asistido.

Día 2

Steven Wilson, Opeth, Magma, Beetween The Buried and Me, Anneke and The Gentle Storm, Textures

The Gentle Storm

La banda recientemente creada entre Arjen Lucassen y la ex-The Gathering Anneke Van Giersbergen, se presentaba como el grupo que abriría fuego a la tan esperada jornada del sábado. Ante la ausencia de Lucasen, liderados por la poderosa voz de Anneke y su carismática sonrisa, acompañada por la vocalista mexicana Marcela Bovio como segunda voz, mostraron sus enormes facultades como cantantes. Con el sol de pleno, la banda soportó el calor sofocante de la tarde con buen humor: "Soy holandesa y de piel muy blanca, creo que mañana estaré roja como una sandía" decía Anneke entre risas.

Tocaron cinco temas del último trabajo "The Diary", y cuatro covers de bandas en las que Anneke ha participado, destacándose el clásico de The Gathering, la emotiva "Strange Machines", que para mucho fue lo mejor del concierto, otro tema de su primer proyecto llamado Aqua de Annike, también "Isis And Osiris" de Ayreon, y el tema del final, "Fallout", obra del gran Devin Towsend .

Between The Buried And Me

La banda norteamericana demostró muchas de sus virtudes que ya hemos apreciado en sus discos, una técnica perfecta, mucho virtuosismo, y contrastes fascinantes.

Si bien presentaban su último trabajo llamado "Coma Ecliptic", el set elegido fue muy variado y giró en torno a sus dos últimos álbumes. Con un destacadísimo Paul Waggoner en guitarras, demostrando todos los recursos posibles e imaginativos, y llevándose todas las ovaciones, y con un frontman, buen cantante y tecladista, Tommy Rogers, la banda sonó muy equilibrada y muy ajustada.

Magma
Esta banda de Francia, pionera del movimiento Zeuhl, es conocida por su misticismo legendario y por su obra siempre vanguardista y transgresora, su sonido muchas veces impenetrable, y que canta en su propio lenguaje, el kobaïano.
Liderados por su fundador, el excéntrico baterista Christian Vander, su principal compositor. Vander es el eje de Magma y muchas veces es quien se lleva todas las miradas y las mayores ovaciones durante el concierto.
El comienzo con "Theusz Hamtaakh" fue impresionante. Esta obra maestra de media hora de duración fue un impacto de prog jazz fusión al máximo nivel. Los ocho integrantes de la banda muy compenetrados logran que Magma suene complejo e hipnótico en todo momento, y si bien su música no es para todos los gustos, es considerada por muchos una rareza, y una gran parte del público estaba totalmente en éxtasis con la magistral exhibición de los franceses.
A Vander lo acompaña desde siempre su esposa, la cantante Stella Vander, y la otra voz femenina es la de Isabelle Feuillebois,  mientras que Hervé Aknin es el peculiar cantante que se expresa en Kobaiano. A continuación, en principio iban a tocar su obra maestra "Mekanïk Destrukïw Kommandöh", pero por un problema de tiempo, dada su extensa duración, tuvieron que reeplazarla por los temas "Zombies" y "Kobaïa", y como siempre sonaron extravagantes y maravillosos, y como anécdota valen las palabras de Mikael Akerfeldt, el líder de Opeth, que contó al inicio de su show que se sentían intimidados por tocar tras ellos...

Opeth
Los suecos Opeth, fueron la única banda que repetía una actuación en este festival. Las expectativas por verlos eran enormes, ya que sus últimos y excelentes trabajos muestran un estilo absolutamente orientado hacia el rock progresivo y con una búsqueda musical muy ambiciosa.
El show lo arrancaron de manera arrolladora con "Cusp of Eternity", un tema del último disco "Pale Communion", que mostraba toda la contundencia de la banda en directo, pero a medida que avanzaba el concierto nos dábamos cuenta que el set elegido era un recorrido por toda su discografía, casi un repaso por toda la historia de la banda, y así fue porque durante las dos horas que duró el show tocaron un total de diez temas pertenecientes a nueve álbumes diferentes...
El único miembro original y fundador que permanece es el líder Mikael Åkerfeldt, "Miguelito" se mostró todo el tiempo muy comunicativo. En una de sus introducciones, dijo que iban a presentar "Sorceress" su nuevo disco aún no editado, y ante la sorpresa de todos solamente tocó la primera nota...
Fue un paseo sublime y demoledor a través de una magistral demostración de fuerza, contundencia y precisión, combinando los elementos oscuros del death metal con elementos acústicos y limpios de exquisita belleza,

Steven Wilson

No me alcanzan los calificativos para contar lo que se vivió en este concierto de ensueño, lleno de magia y plagado de emociones. Para muchos fans (entre los que me incluyo), hablar de Steven Wilson es hablar del nuevo maestro del rock progresivo. Para mí es el genio más grande de nuestra época, porque su música está hecha desde el alma, con todo el conocimiento del mejor rock progresivo como fuente de la que se alimenta y de la que logra una música con etiqueta propia.

El concierto comenzó con la presentación de "Hand Cannot Erase", álbum conceptual que incluye elementos muy variados y técnicos, y que es una maravilla canción por canción, rozando la perfección en su conjunto compositivo.
"First Regret", "3 Years Older", "Hand Cannot Erase" fueron el comienzo en donde ya se notaba que las imágenes jugaban un papel fundamental marcando el salto cualitativo por su limpieza y su definición, y los temas se beneficiaban totalmente del sonido envolvente. "Routine" nos sumerge directamente en la melancolía inherente y crea un paisaje sonoro que se corresponde totalmente con la belleza de las imágenes proyectadas en la pantalla gigante. "Home Invasion" y "Regret #9", sonaron increíbles, y es aquí en donde la intensidad instrumental progresiva hermanada con el jazz alcanza la mayor cota de protagonismo de todo el concierto. Luego, una gran canción de Porcupine Tree, "Lazarus"  (esta vez dedicada a David Bowie y a Prince) pone una pausa de belleza mucho más acústica, seguida de "Ancestral", una composición que crece a cada segundo y que también nos emociona, llegando al clímax justo en el final de esta historia con la exquisita y delicada "Happy Returns/ Ascendant Here On", una gema para todos los amantes de la música de Wilson que nos conmueve en cada una de sus líneas.
A continuación siguieron varios temas de su discografía solista y de Porcupine Tree. Index", "Harmony Korine", luego los estrenos de la noche "Don't Hate Me", de la época dorada de Porcupine, en nueva versión y "Vermillioncore", instrumental intenso que también pertenece al último disco, el EP "4 ½". Finalizando con esa obra maestra llamada "Sleep Together", generando una apoteosis con su final orquestado tan psicodélicamente, y trabajado con muchas capas de sonido que envuelven al oyente en una sensación alucinante.
Ovación para el maestro Wilson y su gran banda que integran el tecladista Adam Holzman, el enorme bajista Nick Beggs, el legendario guitarrista David Kilminster, y el joven baterista Craig Blundell.
En algún momento se especulaba con que Akerfeldt entraría para tocar junto a Steven algún tema de "Storm Corrosion" el proyecto que hicieron juntos, pero no fue así...La banda se retira durante un par de minutos para regresar y tocar dos temas más. "The Sound of Muzak", uno de de grandes éxitos de Porcupine Tree, y el genial "The Raven That Refused to Sing", con su espectacular orquestación con la que consigue el ambiente ideal para redondear un bellísimo y épico final.
Para Steven Wilson  la fantasía no tiene límites, y estamos seguros que este Artista (con mayúscula) ya pertenece al altar del olimpo de los más grandes creadores musicales.

Ya no necesitábamos nada más después del concierto de Steven Wilson. Y mientras sonaba la fuerza de los holandeses Textures, banda que cerraba el festival, nos fuimos retirando lentamente, abandonando el recinto con una felicidad increíble, conscientes de haber vivido una experiencia única.
La edición 2016 del Be Prog ya es historia, y quedará en nuestros recuerdos más queridos.
Fue un evento inolvidable entre los que tuvimos el privilegio de poder disfrutarlo y vivirlo con intensidad.
Esperamos con expectativas renovadas a las futuras ediciones, y ya creo que podemos decir que el Be Prog es y será por sus características uno de los mejores festivales progresivos de Europa, y posiblemente del mundo.


                                                               Fernando Gonzalez

Genealogía del Rock Progresivo

Hace un tiempo alguien se tomó el trabajo de buscar las raíces, orígenes y estilos de las bandas que crearon y desarrollaron lo que conocemos como rock progresivo o rock experimental con sus vertientes y ramificaciones. El cuadro expresado como un árbol genealógico es una excelente forma para poder entender el origen del movimiento progresivo y sus diferentes subgéneros a medida que va evolucionando y se va enriqueciendo con el paso de los años hasta nuestros días.

Ampliaremos...

"The Raven That Refused To Sing" El mejor disco del siglo XXI

"The Raven That Refuses To Sing (and other stories)"

"The Raven That Refuses To Sing" es el fruto de la inagotable inspiración del genial Steven Wilson, en donde logra superarse a sí mismo creando uno de los discos de rock progresivo más ambiciosos de los últimos tiempos. Es sin dudas la mejor obra de su etapa solista, por su solidez y calidad desde el primer segundo hasta el último. En este trabajo Steven Wilson descarga su caudal de imaginación. Renovador del género, apuesta por un estilo progresivo mucho más setentero e incluso virtuoso.
Las elaboradas composiciones tienen una técnica envidiable, llenas de virtuosismo y compuestas con gran imaginación y dominio de las estructuras. Están dotadas de una atmósfera muy cuidada, de un aire hipnótico, y todas ellas fluyen con naturalidad y sentido, además de tener un nivel altísimo y una gran capacidad para emocionarnos y llevarnos más allá.
Steven Wilson recurre en este trabajo a la experimentación orientada hacia múltiples direcciones y a muchas referencias progresivas. Es una delicada e inteligente combinación con lo mejor de Porcupine Tree, Steven Wilson band y el mejor progresivo de los setenta, altas dosis de jazz rock y virtuosismo por doquier. Cubierto con una pátina de atemporalidad consciente y pretendida, que bien pueda recordar a los clásicos de los setenta, o bien pueda suponer un guiño de modernidad, logra un resultado enigmático y misterioso y a la vez fascinante y adelantado.
Este trabajo es una obra maestra de principio a fin, ya sea por lo anteriormente expuesto, por la impecable producción de Alan Parsons, y en buena medida porque Wilson se ha rodeado de músicos virtuosos juntando a una formación de lujo, de la que ha sabido sacar lo mejor: Guthrie Govan (guitarra), Adam Holzman (teclados, piano), Theo Travis (saxo, flauta), Nick Beggs (bajo) y Marco Minnemann (batería).


"The Raven That Refuses to Sing (and other stories)" en palabras de Steven Wilson:

"Mientras componía el álbum estaba leyendo muchas historias de espíritus y cuentos sobrenaturales de autores británicos como M. R. James, Algernon Blackwood y toda la escuela de principios del siglo XX. Me gustaron y me encontré escribiendo algunas cosas que, incluso instrumentalmente, parecían que estaban tratando de contar algo, como que tenían una especie de narración. Y las dos ideas se juntaron: usar esa música y tomar los cuentos de fantasmas como inspiración para escribir las letras."
Luminol:
"Esta es la historia de un músico ambulante. Fue inspirada por un tipo que toca en mi ciudad. Él está ahí, en la calle, todos los días. No importa qué clima haga; siempre está ahí, tocando su guitarra acústica y cantando las mismas canciones. Nieve, lluvia, viento fuerte, nada detendrá que ocupe ese puesto. Y la cosa es que es terrible, una porquería lo que hace. No parece que mejore nada, no importa cuánto toque las mismas canciones. Yo soy uno de las muchas personas que pasan a su lado todos los días; él forma parte de la misma calle, de alguna manera. De repente se me ocurrió pensar, ¿qué pasaría si (Dios no quiera) si se cayera muerto un día en el medio de la calle? ¿La gente se daría cuenta de que ya no estaría ahí? Entonces, tuve otro pensamiento: él es la clase de persona que está tan establecida en su rutina que ni siquiera la muerte podría detenerlo. De esa manera se me ocurrió que podría caer muerto un día, pero al siguiente él estaría en el mismo lugar, tocando las mismas canciones, como lo ha hecho siempre. Esta clase de idea que alguien puede ser un fantasma en vida, tanto como un fantasma en la muerte. Alguien que es completamente ignorado incluso en su vida no llega a romper la rutina. Ésa es la historia detrás de "Luminol".
Musicalmente, se puede dividir la canción en muchas partes: riffs, armonías, melodías, ritmos. Arranca con una fuerte y excitante parte y después el tema se secciona en el medio, y a continuación le sigue la gran parte con el Mellotron. Finalmente, recapitula el comienzo. Hubo algunas cosas que cambiaron en la grabación, pero en realidad no la cambiamos mucho de cómo la tocamos en vivo. Guthrie era nuevo; él no había tocado la canción antes. Y yo no toqué mucho la guitarra. Una vez que tenés a Guthrie en la banda, das un paso atrás y decís: “Bien, no tiene sentido para mí tratar de hacer solos ahora”.
Drive Home:
"La canción está basada en una historia. El concepto es el de una pareja que conduce un auto en la noche, muy enamorados ambos; el hombre conduce, y su compañera (su esposa o novia) está en el asiento del acompañante, y de un momento a otro desaparece. El hombre enloquece: ¿Qué pasó? ¿Adónde se fue? Él hace todas las cosas obvias: mira debajo de los asientos, se detiene y mira en la ruta, todo eso. La canción trata básicamente sobre el tiempo perdido; es la idea de bloquear el tiempo a causa de algo tan traumático que literalmente lo removés de tu mente. La historia finalmente acaba con el fantasma de la acompañante que regresa, años más tarde, diciendo: “Voy a recordarte ahora qué ocurrió esa noche”. Hubo un accidente de auto tremendo, y ella murió, etc, etc. De nuevo, la idea de un trauma llevando a la pérdida de una parte de la vida del hombre. Él no puede lidiar con la realidad de lo que pasó, así que lo bloquea, es como tomar una cinta y editar una gran parte de ella. Es una muy triste y hermosa canción sobre la pérdida.
Tiene un extraordinario solo de guitarra. El modo de tocar de Guthrie es simplemente sublime. Eso, para mí, es el recuerdo que te deja esta canción. Hice un solo en el demo, sabiendo que quería un solo épico hacia el final. En el estudio, hicimos cuatro o cinco tomas, y cada vez Guthrie reinventaba la idea de lo que el solo podía ser. Fue tan inspirado y tuvo un sentido tan hermoso de lógica y capacidad de contar la historia por sí mismo. Es una toma, sin editar, y es increíblemente brillante. Y está improvisada, Guthrie no planeó nada. Fue una experiencia tan conmovedora el escucharlo tocar el solo, que casi me hizo llorar".
The Pin Drop:
"Por varias razones, ésta es una de las piezas más simples del álbum, pero fue a la vez la más difícil de hacer bien. Todo se trata de la dinámica y el sentido sostenido de tensión y relajación. Hay, realmente, uno o dos motivos musicales en la canción, así que se trata todo de la manera de estructurar las distintas capas. Hicimos más tomas con esta canción que con el resto. En cuanto a la letra, es una de dos canciones, consecutivas en el álbum, acerca de matrimonios y relaciones que van mal ("The Watchmaker" es la segunda). Ambas son canciones que tratan la idea de inercia o espacios dentro de los matrimonios; es el concepto de que podés estar con alguien porque es cómodo y conveniente, no porque exista amor o empatía. La canción está básicamente cantada por la esposa. Ella está muerta, ha sido lanzada en el río por el marido, y está flotando río abajo mientras canta, desde el más allá, desde de la tumba. Es bastante macabra. La idea es que a veces en una relación puede haber mucha tensión como resentimiento y odio callados, que la cosa más pequeña puede desencadenar un episodio violento, y en este caso, uno que termina con una tragedia. El sonido de una aguja al caer en el piso puede ser la cosa que instigue la furia.
Con esta banda, me pude concentrar más en el canto. Traté algo un poco diferente: abrí mi garganta y canté de un modo menos contenido ni controlado. Fui muy inspirado por un cantante llamado Nick Harper (que es el hijo de Roy Harper). Ambos cantan de una forma dramática que me encanta. Pensé en Nick cuando canté. Guthrie toca otro solo extraordinario hacia el final. En esta ocasión fue alimentado por un amplificador Leslie. Soy un gran fanático de los Leslies. Mucha gente los asocia con el pasado, pero yo creo que tiene un sonido atemporal. Amplificaré lo que sea a través de un Leslie: guitarras, teclados, voces. Tiene un sonido tan maravillosamente rico".

The Holy Drinker:
"Esta es casi una broma. Trata de un tipo que es muy beato, muy religioso, sermoneador. Estoy pensando en los tipos evangelistas de la televisión, tipos que les dicen a las personas que están viviendo sus vidas del mal modo y que están perdiendo algo porque no creen en Dios o lo que sea. Este hombre es también un alcohólico, el típico argumento. Él te dice que tu vida es una porquería y que sos malo, que tenés muchos vicios, mientras que él tiene muchos otros por su lado. Un día, se encuentra en un bar y desafía a un extraño al lado suyo a una competición para ver quién bebe más, sin darse cuenta de que esa persona es en realidad el Diablo. Claro, no podés derrotar al Diablo en una competencia de bebida (no podés vencerlo en nada), así que el hombre pierde. La gran ironía es que se reivindica, de alguna forma, pero de la peor manera posible. Es arrastrado al infierno. Es algo graciosa, pero la música más bien oscura. Empieza con una sección de tres minutos instrumental antes de que entre la parte vocal, y ese comienzo tiene un poco de prisa furiosa de energía. Creo que estaba pensando en Mahavishnu Orchestra cuando la escribí. Le sigue un hermoso solo en el Moog, por Adam, similar al clásico estilo de Jam Hammer, y muchos sonidos indecentes en el teclado. Me encanta la última sección, que tiene un sonido perverso. La gente piensa que es una guitarra, pero es un Fender Rhodes, conectado a un amplificador distorsionado. Muchas de estas canciones tienen diferentes motivos que surgen, y me gusta eso. Uno de los sellos de las malas bandas de rock progresivo, si puedo usar ese término (soy bastante ambivalente sobre esto) es que se trata sólo de un montón de secciones ensartadas juntas, que realmente no se asocian. Esta idea de dar gravedad y peso por medio de pedacitos encadenados, es fácil. Yo podría sacar un montón de ocurrencias que están medio formadas, ponerlas juntas a todas en un conjunto “épico” de 20 minutos y decir: “Ahora soy un artista”.
Muchas malas bandas de rock progresivo, particularmente modernas, de rock neo-progresivo, suena así para mí. Es como si no pudieran escribir una canción decente, por lo que salen con un montón de medias-ideas y las ensamblan para hacerlas sonar de manera sustancial. Eso no funciona para mí. Lo que me gusta es tener secciones floreciendo de la misma fuente musical."
The Watchmaker:
"Otra aventura. Esta es la historia del relojero, un tipo que es meticuloso en su oficio, pero que nunca tuvo ninguna clase de explosión emocional, ni expresa violencia o alguna emoción extrema, para nada. El concepto es el de una pareja que ha estado junta durante 50 años o más, principalmente porque era algo conveniente y cómodo. Hay una línea que dice algo como: “Fuiste pensado para ser temporario mientras aguardaba por algo mejor”. Así que es la idea de que ellos se juntaron solamente porque no querían estar solos, y así terminaron juntos por 50 años, aun cuando nunca hubo un sentimiento fuerte de amor entre ambos. Si lo permitís, la vida puede pasarte de lado. El tiempo marca y marca. Si no sos prudente, podés descubrir que tu vida se ha marchado, con esa idea de “Quizá lo haré algún día…” Es un sentimiento muy triste de arrepentimiento, de lo que debía y podría haber sido. A veces ese sentimiento de comodidad puede funcionar como una verdadera droga. El relojero termina matando a su esposa y enterrándola bajo las tablas del piso de su taller. Pero, claro, ella regresa, porque ha estado con él durante 50 años; no iba a dejarlo ahora. Así que de nuevo, está esta idea de la muerte no haciendo ninguna diferencia en una situación. Podés matarme, desmembrarme, enterrarme, pero aun así no me iré. Sobre el final, es muy oscuro, la esposa regresa para llevárselo con ella, algo que es muy clásico en las historias de fantasmas, en cierto sentido.
En cuanto a la música, la sección del comienzo está muy inspirada en la manera en que Genesis usaba sus guitarras acústicas en los comienzos. Nunca fui un gran fan de Genesis; nunca los escuché cuando era chico. Pero comencé a escucharlos más recientemente porque soy un buen amigo de Steve Hackett. Una cosa que adoro de sus primeros discos es el sonido como de campanadas de las guitarras acústicas de 12 cuerdas. Eso devino en la inspiración para crear The Watchmaker. Me gusta entrelazar armonías vocales, dos o tres líneas que trabajan en un contrapunto. Es algo que aprendí de tipos como Brian Wilson, así como de Crosby, Stills & Nash y de Todd Rundgren, y de todos los que tienen fabulosas multipartes armónicas.
Obtuvimos unos muy buenos graves en el disco, gracias a Alan. Hay algo como un solo de bajo en esta canción, uno que escribí y planée meticulosamente. En el pasado, no había muchas oportunidades para mí para poder explorar eso. En mi trabajo solista actual, sin embargo, me retiré de las guitarras pesadas, lo que dejó todo un espacio para cosas como teclados y sonidos de viento, así como este gran y presente sonido grave. Pienso en Geddy Lee o Chris Squire o John Entwistle".
The Raven That Refused To Sing:
"Se trata de una canción bastante sencilla, de nuevo, acerca de la pérdida y la mortalidad. Creo que hubiera sido difícil para cualquiera escribir acerca de la mortalidad sin ser, en algún grado, personal.
Así lo admitamos a nosotros mismos o no, estamos todos obsesionados con la mortalidad. Y debemos estarlo, porque sabemos que algún día dejaremos de existir. Vamos a morir. Es la única cosa que todos los humanos tenemos en común. Y posiblemente, somos la única especie en la tierra que está consciente de su propia e inminente muerte. Ésa es una carga bastante pesada para llevar con uno; y lo afecta todo en la vida.
La canción se refiere a un hombre viejo sobre el final de su vida que está aguardando la muerte. Piensa en el pasado, en su infancia cuando era extremadamente cercano a su hermana mayor. Ella lo significaba todo para él, y él era todo para ella. Desafortunadamente, ella murió cuando ambos eran muy jóvenes. No es autobiográfica; es ficción en ese sentido. Entonces el hombre está ahora en el final de su vida, y nunca ha sido capaz de formar alguna otra clase de relación. Se pasó la vida entera solo, incapaz de relacionarse con otros seres humanos.
Un cuervo comienza a visitar el jardín de este hombre, y el cuervo viene a representar un símbolo o una manifestación de su hermana. La cosa es, su hermana podía cantarle siempre que él se sentía atemorizado o inseguro, y era una calma, una influencia muy grata para él. En su ignorancia, decide que si atrapa al cuervo, éste le cantará, siendo la prueba final de que es, de hecho, su hermana que ha venido a llevárselo a la siguiente vida.
Una de las cosas con respecto a mis letras es que trato de ser simple. Lo hago con la música, también. No me gusta que las cosas sean complejas, intelectuales u obtusas sólo por la razón de serlo. Amo la simplicidad de ciertas frases. Lo realmente especial es poder decir “Te amo” de una forma nueva…es muy difícil de lograr. Hay tantos clichés. Sentirse temeroso de amar a alguien, estar enamorado de alguien…si podés encontrar la forma de que esas cosas suenen frescas nuevamente, eso es algo muy especial para hacer.
La única preocupación que tengo con todos estos muchachos, pero particularmente con Guthrie (mi nuevo guitarrista) es que es un guitarrista por demás extraordinario; es uno de esos tipos que pueden despedazar y tocar muchísimas notas. Puede pasarle el trapo a muchos otros. Me dirigí hacia él con esta canción y le dije: “¿Te parece BIEN? Te estoy pidiendo que toques dos o tres notas”. Pensé que podía ser aburrido para él. Y me respondió: “No, me encantaría hacerlo, porque esas son las tres justas notas, y es lo correcto para tocar en la canción.” Eso, para mí, fue una respuesta profunda.
Si le das a la gente algo donde la simplicidad es la conductora, y se trata todo de los sentimientos… es romper el corazón con una nota en lugar de apelar al intelecto con miles de ellas. ¡Y a la gente le encanta! Guthrie la pasó muy bien tocando esas notas, porque sentía que era lo correcto para esa pieza musical.
Lo más importante es hacer a la gente sentir, conmoverse. Es fácil acudir a su intelecto. Podría escribir algo tonto y complicado, pero lo más difícil es alcanzar el corazón y el alma del otro. Prefiero lo espiritual a lo técnico".

"La música triste, melancólica, deprimente, que es de forma un tanto perversa, me levanta. Encuentro a la música alegre extremadamente deprimente. Yo soy el tipo de persona que responde mejor a la melancolía: me hace sentir bien". Steven Wilson.

                                                        Fernando Gonzalez

Klaatu o una confusión beatlesca

En agosto del 1976, Klaatu, un grupo hasta entonces desconocido edita su primer disco llamado simplemente: "Klaatu".
"Klaatu" es el nombre de un extraterrestre que visita la tierra en el clásico de ciencia ficción del año 1951 "The Day The Earth Stood Still".
Pero esta historia comienza en febrero de 1977 cuando un periodista de Rhode Islands escribe un artículo para el diario "Providence" al que titula "Klaatu podrían ser Los Beatles?"...A partir de ese artículo, sumado al deseo mundial de una posible reunión del cuarteto de Liverpool, comenzó a correr el rumor que ese grupo podría ser su vuelta o un proyecto formado por algunos de ellos.
Al parecer, algunas de las pistas del disco, incluían mensajes subliminales que hacían referencia a ellos en algunas de sus letras e incluso en la portada se decía que estaba escondida la palabra "Beatles".
Por todo lo que generó el misterioso lanzamiento de este disco, la compañía discográfica mantuvo en secreto los nombres de los integrantes de Klaatu, alimentando la teoría de que Los Beatles estaban allí. El secreto duró durante los dos discos siguientes que grabaron a continuación.
El disco contenía canciones pop bien trabajadas, con muchas armonías vocales realmente muy buenas que podrían ser temas de Los Beatles no incluídos en sus últimos trabajos, o el nuevo sonido inédito que perfectamente podría encajar como el de Los Beatles en los años setenta.
Aunque creo que era imposible confundir este proyecto con Los Beatles, fue más el deseo de la gente que ésto hubiera sido un sueño hecho realidad.
En 1982 se supo que los músicos de la banda eran tres canadienses de la ciudad de Toronto llamados Kraper Terry, John Woloschuck y Long Dee.
Se han escrito varios artículos que demostraban que Klaatu tenían que ser los Beatles. Algunos tienen que ver con la portada del álbum creada por Edward Jones, con un gran sol, al que Los Beatles le cantan en Abbey Road. En la contratapa hay un planeta de dos colores, al que algunos tomaron como una alusión al álbum "Venus and Mars" que Paul Mc Cartney había grabado recientemente con su grupo Wings.
Desde la separación de Los Beatles siempre se especuló y se contaron historias de una posible reunión, la historia del primer disco de Klaatu fue justamente eso: una buena historia...

                                                        Fernando Gonzalez

Magical Mistery Tour in London

Londres es una de las urbes con mayor efervescencia musical, tiene una gran banda sonora, es la ciudad del rock por excelencia y merece un sitio privilegiado en la historia de la música por ser el lugar de nacimiento de muchísimas bandas y artistas, también por ser la residencia de muchos de ellos, en especial de Los Beatles, que a pesar de haber nacido en Liverpool, casi toda su discografía fue creada mientras vivieron en esta gran ciudad.

Entre los muchos lugares que marcaron hitos históricos del grupo en la capital británica, el más importante es el cruce más famoso de la historia del Rock donde Los Beatles hicieron la foto de la portada del disco Abbey Road. Es el sito de Londres por excelencia más relacionado con Los Beatles. La foto de los fabulosos cuatro cruzando la calle es un ícono. Su emplazamiento es un lugar de culto y peregrinaje para los fanáticos de la banda quienes, replicando la foto de la portada, caminan sobre el paso peatonal de la esquina de Abbey Road con Grove End Road.

Los estudios EMI, luego llamados Abbey Road desde el año 1969, fueron testigos de casi toda la producción de Los Beatles entre los años 1962 y 1970.
No sólo Los Beatles grabaron allí sus discos, estos estudios fueron testigos de la grabación con orquesta de muchas de las bandas sonoras más famosas de nuestro tiempo. También ha pasado por allí  Pink Floyd, que grabó varios de sus discos de estudio, entre ellos "The Dark Side Of The Moon". La lista de músicos que grabaron en Abbey Road es enorme, se destacan The Alan Parsons Project, Blur, Kate Bush, Camel, Nick Cave, Michael Bublé, Depeche Mode, Duran Duran, Foo Fighters, Robert Fripp, Green Day, Iron Maiden, Michael Jackson, Jamiroquai, Dave Matthews, Madness, Morrisey, Muse, Oasis, Queen, Red Hot Chilli Peppers, U2, Stevie Wonder, Sigur Ros, Radiohead, Mike Oldfield, Travis, y varios más.
En el año 2010 el Gobierno británico declaró a los estudios Abbey Road monumento histórico.

En el 34 Montagu Square vivieron John y Yoko, pero fue una propiedad con muchas historias...
Todo comenzó a mediados de los sesenta cuando fue alquilada por Ringo Starr, y utilizada como estudio de grabación para demos. Paul Mc Cartney grabó allí las primeras tomas de "I´m Looking Through You" y "Eleanor Rigby". Luego allí vivió Jimy Hendrix con su mánager y sus respectivas novias. En 1968 John Lennon y Yoko Ono alquilaron el piso, y fue allí, en su primer apartamento en Londres donde tomaron la escandalosa fotografía que se convertiría en la portada del álbum "Two Virgins". En la mañana del 18 de octubre John y Yoko fueron detenidos por la Brigada anti drogas. Finalmente Ringo rescindió el contrato de alquiler en febrero de 1969.

Muy cerca de los estudios Abbey Road, en 7 Cavendish Avenue, se encuentra la casa en la que Paul Mc Cartney vivió cuarenta años desde 1966.

Entre los muchos lugares en donde Los Beatles filmaron sus películas y realizaron fotos promocionales encontramos el callejón ubicado en pleno Barrio Chino, en el Soho: Ruppert Court.

La famosa Apple Boutique fue una tienda ubicada en 94 Baker Street en Londres, así como una de las primeras aventuras empresariales desarrollada por The Beatles tras la creación de Apple Corps.  Se destacaba el mural psicodélico pintado en una de las fachadas del edificio, diseñado por el grupo artístico alemán The Fool.

Coincidentemente con Apple Store, en Baker Street, está el London Beatles Store, la tienda indicada para comprar recuerdos de Los Beatles, y en la que se pueden encontrar todo tipo de objetos y merchandising con imágenes de los cuatro genios de Liverpool. Muy cerca de allí está la casa de Sherlock Holmes, y también el museo de cera de Madame Tussauds, donde entre otras muchas celebridades, están también Los Beatles.

Los Estudios Trident en el corazón del Soho londinense fueron testigos de la grabación de uno de los himnos más importantes del rock: Hey Jude. A mediados de 1968 Trident Studios fueron los primeros en el Reino Unido en utilizar el sistema Dolby para la reducción de ruido, además de emplear ocho pistas de grabación, mientras Abbey Road utilizaba cuatro.  Además de "Hey Jude", Los Beatles utilizaron estos estudios para las pistas del "White Album": "Dear Prudence", "Honey Pie", "Savoy Truffle" y "Martha My Dear ", como también "I Want You" para el álbum "Abbey Road".
Aquí también grabaron obras fundamentales de la música contemporánea artistas como Genesis, Queen, Beck, Elton John, David Bowie, Lou Reed, Peter Gabriel, Supertramp, Bee Gess, Van der Graaf  Generator, entre otros.

Los estudios de Paul Mc Cartney en la actualidad, MPL Communications, la sede está situada en una casa de estilo georgiano en el número 1 de Soho Square. La empresa fue creada por Paul en 1970, y su mención aparece por primera vez en el álbum "Venus and Mars".

Carnaby Street, el principal sitio de la movida vanguardista londinense de los años sesenta. Por la locura que se vivía en aquellos años, le valió el apodo de Swinging London Carnaby Street. Emblema de la moda, el vestido y la música. The Beatles, The Rolling Stones, The Who y Pink Floyd eran asiduos visitantes del lugar. Allí también Paul Mc Cartney conoció a Linda, su futura esposa.

En este edificio ubicado en el 3 Savile Row, junto a la zona comercial de Regent Street muy cerca de la parada del metro Piccadilly Circus, funcionaba Apple Records. El 30 de enero de 1969 Los Beatles dieron su último concierto en la azotea del mismo. Savile Row también es famosa por ser el centro mundial de las sastrerías. El concierto, que fue interrumpido por la policía, fue grabado y se puede ver en la película "Let it be".

                                                    Fernando Gonzalez