El Experimento del Doctor Quatermass (1954) (Dual Español/Inglés + Subs) ("The Quatermass Xperiment")

Nuevo repost de un clásico ya posteado antes. En versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Si preferís la versión doblada al español, sólo debéis ir al post original, a través de este Link





sinopsis
Un cohete enviado por el gobierno inglés cae en una granja. De su interior sale un astronauta en estado de shock incapaz de explicar lo sucedido; los otros dos han desaparecido, pese a que la nave no ha sido abierta en vuelo. El doctor Quatermass, promotor del experimento, colabora en la investigación de lo sucedido...




Ficha Técnica

Director: Val Guest / Productor: Anthony Hinds para Hammer / Guión: Richard Landau y Val Guest, basado en el serial televisivo de Nigel Kneale / Fotografía: Walter Harvey / Música: James Bernard / Efectos especiales: Les Bowie / Diseño de producción: Walter Harvey / Montaje: James Needs / Intérpretes: Brian Donlevy (Dr. Bernard Quatermass), Jack Warner (Lomax), Margia Dean (Judith Carroon), Richard Wordsworth (Victor Carroon), David King-Wood (Briscoe), Harold Lang (Christie), Lionel Jeffries (Blake), Thora Hird (Rosie), Gordon Jackson (realizador de televisión), Sam Kydd, Jane Asher... / Nacionalidad y año: RU 1954 / Duración y datos técnicos: 79 min. B/N. 1.38:1





Comentario


“El experimento del Dr. Quatermass” fue la primera de las legendarias películas de la saga Quatermass. Un personaje que nació para un serial de televisión de la BBC de seis episodios de treinta minutos de duración cada uno (lo que hoy llamaríamos un mini-series) titulada “The Quatermass Experiment” (1953). En vista del éxito que tuvo, Hammer Films compró los derechos de la historia y lo reconvirtió al primer título de la trilogía. “The Quatermass Experiment” había sido concebida por el guionista Nigel Kneale. Kneale escribió bastantes guiones para televisión, muchos de los cuales fueron adaptados más tarde al cine, pero Quatermass fue su creación más célebre y así, Kneale hizo regresar al personaje a la televisión en dos ocasiones más: “Quatermass II” (1955) y “Quatermass and the Pit” (1958-9). Ambas fueron filmadas también por la Hammer como, respectivamente, “Quatermass 2/The Enemy from Space” (1957) y “Quatermass and the Pit/Five Million Years to Heart” (1967). Dos décadas más tarde, Kneale volvería a completar la saga Quatermass con “Quatermass/The Quatermass Conclusion” (1979).
Nigel Kneale resultó ser un escritor de ciencia-ficción prolífico y muy popular durante las dos décadas siguientes. Se hizo muy conocido por elaborar una ciencia-ficción diferente, llena de ideas audaces, originalidad e intriga. Como en “The Creature/The Abominable Showman” (1955) donde el Yeti resulta ser una criatura llena de una humanidad sorprendente; o en “Quatermass and the pit”, que entremezcla gran cantidad de ideas en la trama, combinando el pasado y los orígenes del hombre, el diablo, poderes extrasensoriales y visitantes de Marte; “The Quatermass Conclusión” en la que unos megalitos antiguos se revelan como exóticos portales alienígenas utilizados para abducir terrestres; “The Road” (1963), acerca de lo inquietante que puede ser un viaje en el tiempo, “The Stone Tape” (1972), que ofrece explicaciones científicas a fantasmas y espectros; y “Beasts“(1976), una antología de historias de monstruos ambientadas en lugares cotidianos para el ser humano, como una granja, un supermercado, un bar, etc…
“The Quatermass Xperiment” fue una piedra angular del género en una serie de áreas cruciales. Para empezar fue una de las primeras producciones realizadas por la Hammer Films, y su primer gran éxito internacional. Igualmente importante es que, “The Quatermass Xperiment” (con la excepción de “Devil Girl from Mars”, en 1954) fue la primera película británica que se aventura en el tema de la invasión extraterrestre tan de moda ya en los EE.UU., con filmes de la talla de “The Thing from Another World” (1951), “It Came from Outer Space” (1953) o “The War of the Worlds” (1953), entre muchos otros.
También es de destacar que la idea del astronauta que es infectado y que, poco a poco, va mutando en algo extraño ha sido copiado hasta la saciedad. Títulos como “First Man into Space” (1959), “The Hideous Sun Demon” (1959), “The Crawling Hand” (1963) y algunos episodios de la serie “Doctor Who” (1963-89), sobre todo “The Seeds of Doom” (1976), así como varios años más tarde “The Incredible Melting Man” (1977) y una pequeña película llamada “Alien” (1979). También la Hammer realizó una pseudosecuela con “X the Unknown” (1956), copia descarada de “The Quatermass Xperiment”, que tiene como protagonista a un tal Dr. Adam Royston, ya que Kneale no autorizó el uso del nombre de Quatermass. Muchas películas británicas del genero posteriores también usarán el truco de importar de los Estados Unidos al actor protagonista (aquí el adusto Brian Donlevy) para así abrir las puertas del mercado de ultramar.
Es de destacar la buena labor que realizan Val Guest y Richard Landau, a la hora de dar forma a la adaptación de la idea original (concebida para las limitaciones de la televisión de los años 50) en un producto nuevo que, evidentemente, sigue fielmente la trama pero con el añadido de contar con un presupuesto mayor y, por tanto, más medios técnicos, lo que permite cosas como la ubicación en exteriores y efectos visuales más elaborados. Aunque la diferencia más importante entre las dos versiones es el carácter del profesor Quatermass, que en las distintas series y producciones, es un científico dominado por la ciencia y la razón, pero sin perder las formas, al más puro estilo Peter Cushing, encarnando a Van Helsing en los Dráculas de la Hammer o al Doctor Who. Brian Donlevy, como Quatermass, interpreta a un bulldog despótico, de mal carácter, falto de sensibilidad y educación, arrogante y prepotente, que es capaz de hacer lo que sea para cumplir sus objetivos, sin importarle un bledo los demás (véase la escena con la esposa del astronauta… ¡Dan ganas de pegarle un guantazo!).
“The Quatermass Xperimen” carece de la complejidad de ideas que se encuentran en los trabajos posteriores de Nigel Kneale, pero se desarrolla con una atmósfera espeluznante. Val Guest realiza una película llena de misterio, con escenas inquietantes, (¿por qué Richard Wordsworth esconde la mano en el bolsillo de la chaqueta?). La realización es magistral con un tono semi-documental, de informe periodístico que otorga unos excitantes visos de plausibilidad a lo narrado; ello, unido a su oscura y tenebrosa fotografía, imprime a la película un matiz sombrío, casi terrorífico. El prodigioso guión va desenvolviendo paulatinamente su intriga, desde su inicio, una versión espacial del "misterio del cuarto cerrado", pasando por la incógnita que rodea al astronauta superviviente, llegando a su misteriosa mutación hasta el soberbio clímax en la abadía de Westminster; todo ello, con una urdimbre increíble, compone una obra maestra del suspense, un film que origina la continua expectación del espectador, manteniéndolo en vilo durante toda la proyección. Arropado, claro está, por unas excelentes interpretaciones, en especial la de Richard Wordsworth quien ofrece a su anti-héroe del astronauta víctima de la maldición espacial un porte tortuoso, un designio trágico, que refleja en el sufrimiento de su rostro, y que es equiparado con la criatura de Frankenstein. Val Guest hace un excelente trabajo a la hora de contrastar su silencio de mutante sufriente con las reacciones de la gente a su alrededor. Hay un encuentro con una niña que evoca la escena de la niña con Boris Karloff de “Frankenstein” (1931).
Rodado desde el 18 de octubre hasta diciembre de 1954, el film fue estrenado el 26 de agosto de 1955 con clasificación X. Lejos de asustarles esta eventualidad, fue explotada, y de hecho el título original fue variado a The Quatermass Xperiment para jugar con una gigantesca "X" en los carteles.

La BBC hizo un remake de “The Quatermass Experiment” para televisión en 2005, con Jason Flemyng como Quatermass.


 


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Cuando El destino Nos Alcance (1973) (Dúal Español/Inglés + Subs) ("Soylent Green")

Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión dúal más una pista en inglés con comentarios y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Ripeado desde el dvd, gran calidad. Si preferís la versión doblada, de menor peso y calidad, sólo debéis ir al post original, a través de este Link

sinopsis

Año 2022. La superpoblación, la contaminación y la falta de recursos energéticos y alimenticios han provocado que gran parte de la población mundial viva hacinada, en la pobreza y alimentada con galletitas baratas creadas por el Sistema, las Soylent Green. Mientras, una élite privilegiada vive en apartamentos de lujo y sin problemas. En ese contexto de privilegio, un hombre importante es asesinado, y el agente Thorn habrá de investigar.

Ficha Técnica

(Título Original: "Soylent Green") / Director: Richard Fleischer / Productores: Wanter Seltzer, Russell Thacher para MGM / Guión: Stanley G. Greenberg, según la novela de Harry Harrison / Fotografía: Richard H. Kline / Música: Fred Myrow / Montaje: Samuel E. Beetley / Efectos especiales: Robert R. Hoag, Matthew Yuricich (efectos fotográficos), Augie Lohman (efectos visuales) / Intérpretes: Charlton Heston (detective Robert Thorn), Leigh Taylor-Young (Shirl), Chuck Connors (Tab Fielding), Joseph Cotten (William R. Simonson), Brock Peters (teniente Hatcher), Paula Kelly (Martha Phillips), Edward G. Robinson (Sol Roth), Stephen Young, Mike Henry, Lincoln Kilpatrick, Leonard Stone, Whit Bissell, Dick Van Patten, Robert Ito… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1973 / Duración y datos técnicos: 97 min. color 2.35:1.

Comentario

En el año 2022, la ciudad de Nueva York tiene 40 millones de personas, la mitad de ellos desempleados. El aire está lleno de polución y el sol abrasa la tierra todos los días. La superpoblación y la destrucción del medio ambiente han hecho que la vida humana sea barata, pero la comida (es decir, verdadera comida) muy cara. Un frasco de mermelada de fresa real cuesta 150 dólares, si está disponible (los supermercados ya no existen). El gobierno ahora dispensa raciones de alimentos preparados por la corporación Soylent: Soylent Amarillo, Soylent Red, y el más reciente producto, Soylent Green (elaborado a base de plancton).

Pero incluso estos productos Soylent son escasos. La policía antidisturbios es enviada cuando el Soylent se distribuye, porque la violencia se inicia cuando los alimentos se agotan. Thorn (Charlton Heston) es un miembro de esta fuerza de policía, que es llamado para investigar la muerte de un ejecutivo (Joseph Cotten) de la Soylent Corporation.

“Cuando el destino Nos alcance” es otra de esas películas que, al igual que “Fahrenheit 451” o “1984” entran de lleno en el género “distópico”. Presentándonos un futuro desesperanzador pero no ajeno a nosotros. Ya que con el cambio climático, la superpoblación y el hambre, nuestro mundo no difiere tanto del que refleja el film.Nos encontramos así, con un film de ciencia-ficción al servicio de un thriller apocalíptico que juega con tres ideas básicas de gran relevancia actual: el cambio climático, la superpoblación, y el monopolio de los recursos por parte de una minoría empresarial. Un relato solvente que expone una trama policíaca en un entorno apocalíptico, con lo cual viene a ser un claro precedente de obras maestras como Blade Runner, aunque, eso sí, la obra de Fleischer no aprovecha la temática y el escenario de forma tan sugestiva, como sucede en el filme de Ridley Scott. Ya que Fleischer realizó una película correcta pero muy alejada de sus grandes obras anteriores.

El guión está escrito por Stanley R. Greenberg, que trabajó sobre todo en televisión, y que ya había escrito un film anterior protagonizado por Charlton heston (“¡Alarma! Vuelo 502”). En esta ocasión consigue entremezclar hábilmente todas las líneas argumentales: así el reflejo de ese futuro degradado, el contraste con el otro mundo de élite, la investigación policial del asesinato y todo lo que se refiere al Soylent Green (algo de lo que no vamos a hablar para no fastidiarle la película a aquellos que no la hayan visto).

Las interpretaciones sobresalientes. Con un elenco de actores tan interesantes como Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Joseph Cotten y Brock Peters. Charlton Heston consigue una sólida interpretación ya que ese tipo de papeles (personalmente me recuerda a los protagonistas de “El Planeta de los Simios” o “El Último hombre vivo”) le van como anillo al dedo. Todos recordamos ese Charlton Heston casi cincuentón, con la cara de estreñido y enseñando sus dientes inferiores. Pero lo mejor del film es sin lugar a dudas Edward G. Robinson, que nos ofrece una actuación estremecedora, con un personaje eminente al que sabe sacar todo su potencial. Él es uno de los pocos que aún recuerda lo que fue la comida, el campo, la hierba,… Y durante la película habla frecuentemente de cómo era el planeta antes. Alejado de la realidad actual. Finalmente sucumbe a la desesperación y renuncia a su vida, yendo a un centro de eutanasia (regido por el gobierno). Robinson nos ofreció esos momentos finales al compás de la música clásica, que ha devenido en uno de los iconos visuales de la ciencia ficción de todos los tiempos, y que consigue estremecer a todo espectador. En su mundo, las personas sólo ven el cielo azul y el campo en un vídeo que pueden visonar durante los últimos 20 minutos de su vida en ese centro para la eutanasia.

También hay que destacar la excelente fotografía de Richard H. Kline, de un cromatismo ensuciado por verdes neblinas para mostrar el ambiente polucionado de ese desesperanzador futuro que, si no lo evitamos, será el nuestro propio.

En definitivas cuentas, no nos encontramos con una obra maestra. Pero a mí personalmente me gusta. Me impresionó en su momento y me produjo una desazón que, quién sabe, quizás era miedo. 

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El Planeta Sangriento (1966) ("Queen Of Blood")

sinopsis

En el año 1990 llega al planeta Tierra una llamada de auxilio de una misión alienígena estrellada en la superficie de Marte. Una expedición terrestre es enviada al planeta rojo pero luego de varios contratiempos logra dar con la nave extraterrestre. Todos sus tripulantes han desaparecido; y la misión terrestre de apoyo, localizada en la luna Fobos, ha logrado dar con el paradero de una sobreviviente alienigena. Pero en el viaje de regreso a la Tierra, la alien comienza a develar un desesperado apetito por la sangre humana. Con varias bajas en su tripulación, la misión de rescate parece llevar un destino incierto.

Ficha Técnica

(Título Original: "Queen Of Blood") / Director:  Curtis Harrington / productor: Samuel Z. Arkoff / Productor Ejecutivo: Roger Corman / Guión: Curtis Harrington / Fotografía: Vilis Lapenieks / Música: Leonard Morand / Efectos Especiales: Mikhail Karyukov / Intérpretes: John Saxon (Allan Brenner), Basil Rathbone (Dr. Farraday), Judi Meredith (Laura James), Dennis Hopper (Paul Grant), Florence Marly (Reina Alienígena), Robert Boon (Anders Brockman), Don Eitner (Tony Barrata), Forrest J Ackerman (Ayudante de Farraday) / Nacionalidad y Año:  USA, 1966 / Duración y Datos Técnicos: 78' Color

Comentario

Roger Corman, en toda su prolífica carrera, se ha caracterizado por la economía de sus proyectos y su rapidez a la hora de elaborarlos (por ejemplo, el rodaje de “La Pequeña tienda de los Horrores” duró dos días). Para ello echaba mano de todo aquello que estuviese a su alcance. Uno de sus métodos para abaratar y a la vez acelerar sus producciones era, en los años 60, el adquirir los derechos de algunos filmes del cine soviético de ciencia-ficción y utilizar escenas de éstos para completar sus propias producciones.

La URSS utilizaba el cine como medio de propaganda política y la conquista del espacio era un pilar importante de dicha propaganda. La carrera espacial estaba muy reñida entre rusos y americanos, y los primeros no escatimaban en gastos a la hora de producir películas sobre el espacio, con unos efectos especiales muy conseguidos para la época.

Corman se quedaba con lo que le interesaba del film (exteriores, naves espaciales, multitudes, etc…), eliminando a los actores rusos, y le añadía nuevas escenas. Cortar y pegar. Se agita y ya tienes un film original de Roger Corman. Lo hizo por primera vez con el film “Batalla más allá del Sol” (Battle Beyond the Sun, 1963), dirigida por Francis Ford Coppola, que fue creada a partir de la rusa “Nebo zovyot”, de Aleksandr Kozyr, de la que sacó también imágenes para este “El Planeta Sangriento”. También por aquel entonces utilizó esta misma técnica con otras películas del género con aires prehistóricos: “Viaje Al Planeta Prehistórico” (“Voyage to the Prehistoric Planet", 1965), también dirigida por Curtis Harrington, y “Viaje al Planeta de las Mujeres prehistóricas” (“Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, 1968), a partir del film ruso “Planet Burg” (1962). El colmo del descaro es que ambas películas dirigidas por Harrington estaban protagonizadas por Basil Rathbone y sus apariciones en los dos filmes fueron rodadas a la vez y en los mismos decorados. Algo rápido (“Planeta Sangriento” fue rodado en ocho días) y barato (costó 65.000 dólares). Y a ganar dinero.

Una vez Harrington recoge el metraje soviético concibe una historia de ciencia-ficción y terror delirante. Científicos y astronautas terrestres van al rescate de una expedición alienígena y se encuentran de repente con “un vampiro” que se dedica a chupar la sangre a todo aquel que se le cruza en su camino. En realidad sigue una trama que recuerda en primer lugar a “El terror del Espacio exterior” (“It! The Terror From Beyond Space”, 1958) y, como no, a la genial “Alien” de Ridley Scott.

La película en sí no está mal. Entretiene. Es evidente esa contraposición existente a lo largo de todo el film, entre las escenas rodadas por los rusos, llenas del lujo y de los detalles propios de una superproducción, y los decorados cutres de celofán de la factoría Corman. Por ejemplo, nada más empezar la película el protagonista (John Saxon) camina por el Instituto Internacional de tecnología Espacial (bastante pobre para tan rimbombante título) y se dirige hacia una puerta con un cartel (de papel) que pone “Comunicaciones Astra”. Entra y se encuentra con su prometida escuchando mensajes interestelares a través de una especie de… ¿generador eléctrico? Pero es evidente que son detalles que hay que perdonar en la gran mayoría de las películas de ciencia-ficción de serie B.

El guión está lleno de esos diálogos anodinos repetidos hasta la saciedad en cientos de películas del género y de fallos garrafales. Porque, digo yo: acaban de recoger a una alienígena verde con pinta sospechosa y de repente muere uno de sus astronautas de forma violenta. ¿Y qué hacen al respecto? Nada. 

Las actuaciones son mediocres, a excepción claro está de la alienígena-vampiro superviviente, interpretada por la checoslovaca Florence Marly. A pesar de su parecido con “El grinch” que quería robar la navidad, Marly tiene una presencia magnética, llena de maldad, que absorbe y engancha. Es lo mejor del filme.

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La Masa Devoradora ("The Blob") (1958) (V.O.S.E.)

sinopsis

Este clásico de la ciencia ficción, una de las películas de monstruos más memorables de los años 50, trata de una masa amorfa llegada del espacio que consume a todos los que cruzan en su camino. Cada vez que se alimenta aumenta de tamaño de forma espectacular, poniendo en peligro a un pequeño pueblo. A pesar de las burlas de la policía, Steve Andrews (Steve McQueen en su primer papel protagonista), su novia y sus compañeros intentarán alertar a todo el mundo de la amenaza que supone "La Masa Devoradora"

Ficha Técnica

(Título Original: "The Blob") / Director: Irvin S. Yeaworth Jr. / productor: Jack H. Harris / Guión: Theodore Simonson, Kay Linaker (Historia: Irving H. Millgate) / Fotografía: Thomas E. Spalding / Música: Ralph Carmichael / Intérpretes: Steve McQueen (Steve Andrews), Aneta Corsaut (Jane Martin), Earl Rowe (Teniente Dave), Olin Howland (Anciano), Alden 'Stephen' Chase (Doctor T. Hallen), John Benson (Sargento Jim Bert), George Karas (Oficial Ritchie), Lee Paton (Kate, la enfermera), Elbert Smith (Henry Martin), Hugh Graham (Señor Andrews), Vincent Barbi George (propietario del café), Audrey Metcalf (Elizabeth Martin), Jasper Deeter (Voluntario de la defensa civil), Elinor Hammer (Señora Porter),…/ Nacionalidad y Año:  USA, 1958 / Duración y Datos Técnicos: 82' Color

Comentario

Hay filmes que sobreviven a su propia impericia y logran convertirse en clásicos, o al menos en favoritos del público. Es el caso de The Blob, una producción independiente financiada por capitales de feligreses de una iglesia y dirigida por un cineasta especializado en filmes industriales, religiosos y educativos, que lograría un gran éxito de taquilla y pasaría al status de culto inmediatamente. El éxito de La Masa Devoradora tiene que ver con varios ingredientes que funcionan muy bien en el film: el monstruo es totalmente original, hay una muy buena banda sonora (compuesta tanto por el musico Ralph Carmichael como con inserts de la Valentino Production Music Library, una firma que aún hoy genera soundtracks de stock a precio barato y que cualquiera puede adquirir y utilizar en su film; la prueba está en que cientos de películas de horror y sci fi de los 60 y 70 han usado a rabiar esta banda sonora - inmediatamente reconocible cuando se la escucha -, como The Green Slime o El Cerebro que no Podía Morir), el tema de titulo de Burt Bacharach es un hit ultrapegadizo, los efectos especiales son más que aceptables para su escaso presupuesto (sólo costó 120.000 dólares de la época), y tiene el claro objetivo de apuntar al público adolescente. A su vez logra montar algunas escenas realmente memorables.
Pero el enorme lastre que tiene el film es que el director Yeaworth y los guionistas Kate Phillips & Theodore Simonson son absolutamente incompetentes a la hora de intentar realizar un desarrollo dramático potable cuando el monstruo no está en escena. Mientras que secuencias como el descubrimiento de la masa por parte del anciano, el ataque en el consultorio del Dr. Martin o el grand finale en el cine son escenas memorables que poseen tensión y horror - toda la secuencia en que el viejo es fagocitado lentamente bajo las mantas sigue siendo espeluznante -, cuando los personajes hablan e interactúan lo hacen de la manera más torpe y lenta posible. Uno no puede dejar de pensar en el origen religioso de la producción del film, y lo que esto se termina por transmitir a la conducta general de los personajes. Los adolescentes son correctos y algo rebeldes, el sheriff Dave es bondadoso y comprensivo, y todo termina en una comunión de jovenes y adultos luchando contra la ameba alienígena. Las escenas iniciales son realmente eternas, como la pequeña carrera de Steve con sus amigos; y cuando éstos son advertidos por Steve de la presencia del monstruo, se precisa una ración doble de buena voluntad por parte del espectador para aceptar que los adolescentes han comprado una idea tan absurda y que por ello salen inmediatamente a advertir a todo el pueblo. En todo caso, podría asumirse que todos son buenas personas integrantes de alguna iglesia, que los desmanes de los adolescentes son solo travesuras, que la palabra de cada uno de ellos vale, y que el film termina por obrar con cierta moralina acerca de que hay que confiar en los jóvenes. En cualquier otro film menos logrado, la audiencia y la crítica hubiera apedreado la pantalla en dichas escenas.

A esto se suma la pétrea actuación de todo el elenco, del cual ni Steve McQueen se salva. McQueen ya era algo conocido por su trabajo en series de TV, pero aquí resulta absolutamente anodino, lo que no le impidió ser un dolor testicular para los productores con ciertos desplantes que hizo en el rodaje - al actor le ofrecieron un porcentaje de las ganancias pero quiso un sueldo relativamente alto; sus problemas en el set hizo que los productores terminaran por anular un contrato por tres filmes que habían firmado -, algo que sería la marca de fábrica del astro hasta el fin de sus días.

Pero si el drama y las actuaciones van de lo mediocre a lo abominable, al menos cuando “La Masa devoradora” aparece en escena las cosas se animan. Filmada como una base de gelatina de silicona mezclada con gasolina en medio de miniaturas (que representan a las habitaciones de las escenas donde aparecen, y que fueron rodadas de modo vertical para simular el movimiento de la misma), el efecto es convincente. Muchos hoy consideran a The Blob un monstruo ridículo, pero en el estilo en que está filmado - atacando silenciosamente, escurriéndose entre las rendijas - es efectivo. Es cierto que el remake de 1988, con mejores efectos, lo muestra mucho más letal, veloz y de aspecto impresionante; pero para ser un film de 1958 sigue siendo una criatura animada de buena calidad e igual de mortal. Existe también una secuela (Beware! The Blob de 1972 y dirigida por Larry Hagman) que retoma el tema en tono de comedia y es considerada abominable. Pero el original sigue siendo un clásico, aun a pesar de enormes defectos, simplemente por la originalidad tanto de la criatura como de las escenas de los ataques.

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El Ser Del Planeta X (1950) (V.O.S.E.) ("The Man From Planet X")

sinopsis

El Profesor Elliot ha instalado un observatorio en los páramos nebulosos de una remota isla de Escocia para estudiar el extraño acercamiento a la tierra de un planeta desconocido. Conviven con él su hermosa hija y el Doctor Mears, un antiguo alumno de pasado oscuro. Poco tiempo después de la llegada del reportero John Lawrence, una nave del planeta X aterriza cerca del observatorio. ¿Viene el visitante en son de paz? ¿Cuáles son los verdaderos motivos del Dr. Mears para comunicarse con él? 

Ficha Técnica

("Título Original: "The Man From Planet X") / Director: Edgar G. Ulmer / Productores: Aubrey Wisberg, Jack Pollexfen para Mid Century Film Prod. Ltd. / Guión: Aubrey Wisberg, Jack Pollexfen / Fotografía: John L. Russell / Música: Charles Koff / Efectos especiales: Andy Anderson, Howard Weeks (esp.), Jack R. Glass (fot.), Jack Rabin (vis.) / Montaje: Fred R. Feitshans Jr. / Intérpretes: Robert Clarke, William Schallert, Margaret Field, Raymond Bond, Roy Engel, Charles Davis, Pat Golding, David Ormont, Gilbert Fallman... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1950 / Duración y datos técnicos: 68' B/N 1.37:1.

Comentario

Puente entre la edad de oro del cine fantástico de los años 30 y 40 y la oleada de películas de ciencia ficción de los años 50, “The Man From Planet X” es, gracias a la inteligencia, la humanidad y la atmósfera que el rey de la serie B, Edgar G. Ulmer supo infundirle, una de las joyas del género. Con su simpático extraterrestre y su nave en forma de escafandra, esta es la primera película en la que se nos muestra a un visitante llegado del espacio. Pero no hay aquí mensajes de anticomunismo primario o de acercamiento entre pueblos como en “Ultimátum a la tierra” o “El enigma de otro mundo”, rodadas durante el mismo año. Este retrato de un ser incomprendido y sólo contra todos, tiene en realidad muchísimos puntos en común con Frankenstein..Es verdad que en la trama está presente la temática habitual en el cine de ciencia-ficción de los años 50, con los temores fruto de la guerra fría. Pero es que en este film no destaca la narración, sino lo visual. Edgard G. Ulmer juega con la iluminación, con las sombras, con la niebla… para crear una atmósfera sugerente que recuerda más a los clásicos de terror gótico de los años 30 (véase “Frankenstein”, de james Whale) que a cualquier film de ciencia-ficción de los 50.
Se realizó en seis días y con un presupuesto de 38000 $. Se aprovecharon los decorados de “Juana de Arco” (Victor Fleming). El resultado una pequeña joyita de la serie B de los cincuenta.

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Cuando El destino Nos Alcance (1973) ("Soylent Green") (2 versiones: Doblada y Dúal Esp/Ing + Subs)

sinopsis

Año 2022. La superpoblación, la contaminación y la falta de recursos energéticos y alimenticios han provocado que gran parte de la población mundial viva hacinada, en la pobreza y alimentada con galletitas baratas creadas por el Sistema, las Soylent Green. Mientras, una élite privilegiada vive en apartamentos de lujo y sin problemas. En ese contexto de privilegio, un hombre importante es asesinado, y el agente Thorn habrá de investigar.

Ficha Técnica

(Título Original: "Soylent Green") / Director: Richard Fleischer / Productores: Wanter Seltzer, Russell Thacher para MGM / Guión: Stanley G. Greenberg, según la novela de Harry Harrison / Fotografía: Richard H. Kline / Música: Fred Myrow / Montaje: Samuel E. Beetley / Efectos especiales: Robert R. Hoag, Matthew Yuricich (efectos fotográficos), Augie Lohman (efectos visuales) / Intérpretes: Charlton Heston (detective Robert Thorn), Leigh Taylor-Young (Shirl), Chuck Connors (Tab Fielding), Joseph Cotten (William R. Simonson), Brock Peters (teniente Hatcher), Paula Kelly (Martha Phillips), Edward G. Robinson (Sol Roth), Stephen Young, Mike Henry, Lincoln Kilpatrick, Leonard Stone, Whit Bissell, Dick Van Patten, Robert Ito… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1973 / Duración y datos técnicos: 97 min. color 2.35:1.

Comentario

En el año 2022, la ciudad de Nueva York tiene 40 millones de personas, la mitad de ellos desempleados. El aire está lleno de polución y el sol abrasa la tierra todos los días. La superpoblación y la destrucción del medio ambiente han hecho que la vida humana sea barata, pero la comida (es decir, verdadera comida) muy cara. Un frasco de mermelada de fresa real cuesta 150 dólares, si está disponible (los supermercados ya no existen). El gobierno ahora dispensa raciones de alimentos preparados por la corporación Soylent: Soylent Amarillo, Soylent Red, y el más reciente producto, Soylent Green (elaborado a base de plancton).

Pero incluso estos productos Soylent son escasos. La policía antidisturbios es enviada cuando el Soylent se distribuye, porque la violencia se inicia cuando los alimentos se agotan. Thorn (Charlton Heston) es un miembro de esta fuerza de policía, que es llamado para investigar la muerte de un ejecutivo (Joseph Cotten) de la Soylent Corporation.

“Cuando el destino Nos alcance” es otra de esas películas que, al igual que “Fahrenheit 451” o “1984” entran de lleno en el género “distópico”. Presentándonos un futuro desesperanzador pero no ajeno a nosotros. Ya que con el cambio climático, la superpoblación y el hambre, nuestro mundo no difiere tanto del que refleja el film.Nos encontramos así, con un film de ciencia-ficción al servicio de un thriller apocalíptico que juega con tres ideas básicas de gran relevancia actual: el cambio climático, la superpoblación, y el monopolio de los recursos por parte de una minoría empresarial. Un relato solvente que expone una trama policíaca en un entorno apocalíptico, con lo cual viene a ser un claro precedente de obras maestras como Blade Runner, aunque, eso sí, la obra de Fleischer no aprovecha la temática y el escenario de forma tan sugestiva, como sucede en el filme de Ridley Scott. Ya que Fleischer realizó una película correcta pero muy alejada de sus grandes obras anteriores.

El guión está escrito por Stanley R. Greenberg, que trabajó sobre todo en televisión, y que ya había escrito un film anterior protagonizado por Charlton heston (“¡Alarma! Vuelo 502”). En esta ocasión consigue entremezclar hábilmente todas las líneas argumentales: así el reflejo de ese futuro degradado, el contraste con el otro mundo de élite, la investigación policial del asesinato y todo lo que se refiere al Soylent Green (algo de lo que no vamos a hablar para no fastidiarle la película a aquellos que no la hayan visto).

Las interpretaciones sobresalientes. Con un elenco de actores tan interesantes como Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Joseph Cotten y Brock Peters. Charlton Heston consigue una sólida interpretación ya que ese tipo de papeles (personalmente me recuerda a los protagonistas de “El Planeta de los Simios” o “El Último hombre vivo”) le van como anillo al dedo. Todos recordamos ese Charlton Heston casi cincuentón, con la cara de estreñido y enseñando sus dientes inferiores. Pero lo mejor del film es sin lugar a dudas Edward G. Robinson, que nos ofrece una actuación estremecedora, con un personaje eminente al que sabe sacar todo su potencial. Él es uno de los pocos que aún recuerda lo que fue la comida, el campo, la hierba,… Y durante la película habla frecuentemente de cómo era el planeta antes. Alejado de la realidad actual. Finalmente sucumbe a la desesperación y renuncia a su vida, yendo a un centro de eutanasia (regido por el gobierno). Robinson nos ofreció esos momentos finales al compás de la música clásica, que ha devenido en uno de los iconos visuales de la ciencia ficción de todos los tiempos, y que consigue estremecer a todo espectador. En su mundo, las personas sólo ven el cielo azul y el campo en un vídeo que pueden visonar durante los últimos 20 minutos de su vida en ese centro para la eutanasia.

También hay que destacar la excelente fotografía de Richard H. Kline, de un cromatismo ensuciado por verdes neblinas para mostrar el ambiente polucionado de ese desesperanzador futuro que, si no lo evitamos, será el nuestro propio.

En definitivas cuentas, no nos encontramos con una obra maestra. Pero a mí personalmente me gusta. Me impresionó en su momento y me produjo una desazón que, quién sabe, quizás era miedo. 

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Versión Doblada

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Versión Dúal Español/Inglés + Subs

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Alphaville (1965) (Dúal Esp/Fr + Subtítulos)

sinopsis

El agente secreto Lemmy Caution es enviado a la lejana galaxia de Alphaville, con la misión de traer consigo (o eliminarlo, si se niega) al profesor Von Braun, inventor de un rayo mortal. Pero lo primero que nota Caution es el comportamiento anormal de los habitantes de Alphaville - son autómatas de carne y hueso, carentes de emociones -. Caution pronto descubrirá que la galaxia se encuentra dominada por la gigantesca computadora Alphaville 60, creada por Von Braun, que controla a los habitantes de la misma con mano de hierro y suprime sus emociones. Habiéndose enamorado de Natasha - la hija de Von Braun -, Caution decide acabar con la tiranía del régimen, y destruir al profesor y al cerebro cibernético.

Ficha Técnica

(Título Original: "Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution") / Director: jean-Luc Godard / productor: André Michelin  / Guión: Jean-Luc Godard / Fotografía: Raoul Coutard / Música: Paul Misraki / Intérpretes: Eddie Constantine (Lemmy Caution),Anna Karina (Natacha Von Braun), Akim Tamiroff (Henri Dickson), Jean-Louis Comolli (Profesor Jeckell), Michel Delahaye (Asistente de Von Braun), Jean-André Fieschi (Profesor Heckell), László Szabó (Ingeniero Jefe), Howard Vernon (Profesor Leonard Nosferatu aka Von Braun) / Nacionalidad y Año: Francia, 1965 / Duración y Datos Técnicos: 99' b/n

Comentario

Quien escribe estas líneas decidió crear esta columna para evaluar el cine de acuerdo a sus propios méritos, no al de las etiquetas que todos los críticos repiten como loros sin analizar si son buenas obras o buenos directores. Hay un montón de cineastas realmente sobrevaluados, que quizás tuvieran algunas ideas originales, pero no siempre las han plasmado de modo digerible en la pantalla. Por supuesto, entran los gustos personales a jugar en esta evaluación. En lo personal, detesto el cine de Robert Altman con escasas excepciones. Pier Paolo Pasolini es un pornógrafo retorcido y un pésimo director. Y el otro cineasta que me saca de la vaina es Godard. Son directores pretensiosos cuyas buenas ideas las terminan matando por un bizarro estilo narrativo que utilizan y que, supuestamente, es su marca de fábrica. 

Alphaville es un claro ejemplo de lo mal director que es Godard. Sin duda es bueno creando los conceptos básicos de la historia, pero como guionista es mediocre, y como director es terrible. Quizás el problema exceda a Godard y tenga que ver con la Nouvelle Vague, el movimiento cinematográfico vanguardista francés que estuvo tan de moda en los 50 y los 60. La Nouvelle Vague se basaba en la falta de códigos narrativos tradicionales, y tendía a ser arte filmado. Los personajes carecen de profundidad, son simples recitadores de los delirios intelectuales del realizador. No es extraño ver a Caution o a Natasha disparando una enorme cantidad de líneas poéticas excesivamente crípticas que el espectador no llega a comprender. Un cineasta puede ser profundo pero debe manejar los tiempos del cine; volcar información en pasos graduales para que la platea interprete sus intenciones. Pero aquí hay porciones enteras del filme que deberían ser transcriptas al papel para que la audiencia pueda dilucidar cuál es el mensaje. Según mi criterio, si un mensaje no puede ser develado, no es un signo de la superioridad intelectual del director / guionista, sino un grave problema de entendimiento con el público. Eso no me obliga a que, si hay algo que no entiendo, lo catalogue de intelectualmente brillante. Simplemente el cineasta es un pésimo interlocutor de sus ideas.


Y es que algunas de las ideas de Alphaville son originales y brillantes. No hay ningún tipo de efectos especiales. La nave espacial de Lemmy Caution es un vulgar auto Ford (Galaxie), los viajes galácticos se hacen a través de autopistas corrientes, y Alphaville es el Paris de 1965 sin ningún tipo de aditamentos. No deja de ser una ciencia ficción metafísica, en donde basta que las personas se porten de manera extraña para parecer alienígenas. No son humanos simplemente porque no se portan como tal. También es muy bueno el aporte del pastiche pop a la historia. Lemmy Caution es un personaje que existió en la literatura tradicional de espionaje (Eddie Constantine pasó la mitad de su filmografía interpretándolo), y acá pasa a ser una figura de comic en un mundo de comic. Esto termina por darle un toque bizarro y fantástico al film, donde Caution le pregunta a uno de sus contactos si Alphaville ha eliminado a Dick Tracy. Uno de los personajes se llama Von Braun (como el profesor alemán que inventara las bombas voladoras V1 y V2, y propulsara los vuelos espaciales), Caution es un espía con prefijo 003 al estilo de James Bond, y hay un par de caracteres que se llaman como las urracas de los Terry Toons (Eckel y Jeckel).

El problema empieza cuando, pasada la novedad, la cinta empieza a transcurrir en los senderos de la Nouvelle Vague. El héroe es cínico y expeditivo, atentan contra su vida (las escenas de los atentados son risiblemente malas) mientras progresa en su investigación hasta llegar a Von Braun. Pero mientras tanto comienzan los discursos de Godard sobre el amor (algo típico de la Nouvelle Vague) y todo un análisis intelectual de los sentimientos. Desde ese punto de vista, Godard ha elegido plantear la historia de esta manera para reflexionar sobre la ausencia de emociones. Esta es la parte que más lastra al filme por ser excesivamente críptica.
Y también están los errores de estilo de Godard. En mitad de los dialogos inserta palabras y avisos en luces de neón que muchas veces no tienen relación con la escena (por ejemplo, la formula de la relatividad de Einstein). Hay exagerados primeros planos, actuaciones terribles, o inserts de fotogramas donde los protagonistas realizan cosas excesivas (cuando Caution escapa después de liquidar a Von Braun, que se ve asesinando a un esbirro de Alphaville de varias maneras diferentes). La secuencia final, en donde Alphaville 60 es destruído (se insertan escenas en negativo) y donde los habitantes comienzan a actuar como robots que se apagan (pegándose a las paredes o revolcándose por el piso) es inintencionalmente cómica. 

Soy consciente de que ciencia ficción no implica héroes de torso desnudo en mallas plateadas, blandiendo sables de luz y piloteando naves espaciales. Me gusta la ciencia ficción intelectual, pero no los experimentos pedantes. Alphaville es un collage que tiene muy buenas ideas, otras no tan buenas y mal expresadas, y un montón de soberbia intelectual. Es un gran concepto arruinado por un mediocre guionista y un pésimo director - que en este caso, son la misma persona -.

                                                                         (Alejandro Franco, Arlequín)

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Fahrenheit 451 (1966)

sinopsis

Ciencia-ficción. Fahrenheit 451 es la temperatura a la que arde el papel de los libros. Guy Montag, un disciplinado bombero encargado de quemar los libros prohibidos por el gobierno, conoce a una revolucionaria maestra que se atreve a leer. De pronto, se encuentra transformado en un fugitivo, obligado a escoger no sólo entre dos mujeres, sino entre su seguridad personal y su libertad intelectual. 
Truffaut retrata el mundo alienante del clásico de ciencia-ficción de Bradbury donde los libros estan prohibidos.

Ficha Técnica

(Título Original: "Fahrenheit 451") / Director: François Truffaut / productor: Lewis M. Allen / Guión: François Truffaut y Jean-Louis Richard, a partir de la novela homónima de Ray Bradbury / Fotografía: Nicolas Roeg / Música: Bernard Herrmann / Intérpretes: Oskar Werner (Guy Montag), Julie Christie (Clarisse / Linda Montag), Cyril Cusack (El capitán), Anton Diffring (Fabian / Directora), Jeremy Spenser (Hombre con la manzana), Bee Duffell (mujer-libro), Alex Scout (Hombre-libro: “La vida de Henry Brulard”), / Nacionalidad y Año: Reino Unido, 1966 / Duración y Datos Técnicos: 98' Color

Comentario

“La sola sospecha de que en el futuro el arte resultará devorado por la ciencia
me angustia. Todos los días topamos con personas que desean la destrucción de
la sabiduría humanista recogida por los hombres para poder manejar a estos
como máquinas. Hitler, sin ir más lejos. El tema de Fahrenheit 451 surgió de
esta obsesión y del descubrimiento de un documento de 1790 que exigía a los
bomberos norteamericanos la quema de cualquier libro de influencia británica en
las colonias. El firmante de esa orden era nada menos Benjamín Franklin”.

                                                                                                                Ray Bradbury


Una distopía es una utopía perversa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal, es decir, en una sociedad opresiva, totalitaria o indeseable. El término fue acuñado como antónimo de utopía y se usa principalmente para hacer referencia a una sociedad ficticia (frecuentemente emplazada en el futuro cercano) en donde las tendencias sociales se llevan a extremos apocalípticos. 
Los textos basados en distopías surgen como obras de advertencia, o como sátiras, que muestran las tendencias actuales extrapoladas en finales apocalípticos. En ese sentido difieren de las utopías, que no se basan en la sociedad actual, sino que transcurren en una época y un lugar remotos, o indeterminados, o luego de una ruptura de la continuidad histórica (por ejemplo, las obras de H.G. Wells).
Por ello, gran cantidad de esos escritos entran de lleno en el campo de la ciencia-ficción, ya que plantean hipótesis de futuro, algunos de ellos en un contexto tecnológico diferente al actual, donde el dilema de lo que es bueno o es malo para el ser humano llega a conformar una sociedad manipulada por clases dirigentes manipuladoras.
“Fahrenheit 451”, de Ray Bradbury, entra de lleno en ese género de novela distópica y nos muestra un mundo en el que la gente es anulada totalmente siguiendo dos vías principales. 
En primer lugar es necesario mantener a la gente sumisa, no debe cuestionar nada. No puede tener opciones. Para ello se erradica totalmente cualquier fuente de conocimiento: las ideas escritas, la cultura. Todo ello complementado con un, digamos, lavado de cerebro a través de la televisión y unos contenidos vacíos, superficiales… que hacen “feliz” a la gente pero le impide pensar. La alienación del hombre para conseguir un estado perfecto pleno en bienestar pero vacío en sí.
Bradbury en esta obra, como otros novelistas de la época (véase George Orwell, “1984” o Aldous Huxley, “Un Mundo feliz”), nos muestra un posible futuro donde muchos son dirigidos y manipulados por unos pocos. La combinación de ciencia, tecnología y estado como forma de control. La cuadriculación en su máximo exponente. Todo está previsto, la monotonía es la reina, el control absoluto. Hay paz, estabilidad, tranquilidad, pero se anula al ser humano. 
Truffaut hace una buena adaptación en la “gran pantalla” de la novela de Bradbury, creando una fascinante historia futurista de una sociedad donde todos los materiales impresos están prohibidos. En este film se nos presenta una sociedad totalmente dominada por los medios masivos de difusión, los tranquilizantes y el conformismo, en donde lo individual no existe y todo el ocio se basa en actividades colectivas evitando así el recogimiento necesario para la reflexión propia del ser humano (la novela fue escrita en 1953, en plena guerra fría, cuando el régimen soviético del otro lado del telón de acero se podía describir en los mismos términos). En esta sociedad, los libros son un peligro para el Poder y por ello deben ser eliminados. Paradójicamente, los encargados de eliminarlos son los bomberos que han pasado de apagar incendios a crearlos puesto que, al haberse convertido en los guardianes del nuevo orden social, incendian las casas donde los disidentes conservan y leen los libros. Uno de ellos, Guy Montag, convencido destructor de libros, verá tambalear sus convicciones cuando conoce a Clarisse una lectora disidente quien se encargará de “contagiarle su vicio”. Esto lleva a Montag a una situación esquizofrénica en la que debe quemar libros que adora y que no es capaz de soportar durante mucho tiempo teniendo que huir y emprender un camino que le revelará un mundo diferente al suyo. La adaptación cinematográfica que de Farenheit 451 realizó Truffaut es bastante fiel (su título es también homónimo al del libro) y como tal defiende el mensaje del valor de la palabra escrita con la misma fuerza y convicción que lo hace el libro. Sin embargo, la primera experiencia de Truffaut en el mundo de la ciencia ficción es quizás su película más cuestionada. Esto puede achacarse a diversos factores que dificultaron en gran medida su realización. La barrera lingüística (fue rodada en inglés), las constantes reescrituras del guión y los cuatro años empleados para rodarla, los problemas entre la pareja protagonista (Oskar Werner, aunque en un principio se pensó en Paul Newman para el papel, y Julie Christie) no fueron el marco ideal para su realización. A esto se añade que fue filmada con pocos recursos, con lo que el relato no es apuntalado desde su vertiente visual presentando una escenografía que se nos antoja actualmente un tanto “retro”. A pesar de todo ello, la película es más que correcta, gracias sobre todo a una historia inquietante y lúcida, a una puesta en escena contundente (incluido el desdoblamiento de una impecable Julie Christie), sin olvidarnos de la música de Bernard Hermann, que evidencia todo ello el honesto intento por parte de Truffaut de mostrarnos el amor que siempre sintió por los libros y de hacer un rotundo homenaje a la literatura. En sus propias palabras: “Films-libros, libros-films, tal es el engranaje de mi vida puesto que mi amor gemelo por los libros y por los films me ha llevado a rodar ‘Jules et Jim’ homenaje a un libro en particular, o también ‘Farenheit 451’ que los engloba a todos”.
Algo digno de mención en esta película es que los títulos de crédito iniciales son hablados, y no por escrito. No hay nada que leer en toda la película, excepto las páginas de los libros.
Destacar que el primer libro que Truffaut hace quemar en el film es “Don Quixote”, una de las obras cumbre de la literatura universal, y también curioso es ver que el libro que muestra más tiempo como va a ser consumido por las llamas es “The world of Salvador Dalí”, donde vamos viendo la obra del genial pintor a medida que pasan las hojas, y nos preguntamos si el director quiere plantearnos una reflexión, buscar un símil, que al igual que las obras de Dalí son surrealistas e irreales, igual de irreal y surrealista es quemar libros

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