sinopsis Esta vez, el Enmascarado de Plata se enfrentará a una invasión marciana con maléficos planes para nuestro planeta, al que trata de reducir ante la escalada nuclear que amenaza al mundo.
Ficha Técnica Alfredo B. Crevenna. Productor: Alfonso Rosas Priego para Producciones Cinematográficas, Películas Nacionales. Guión: Rafael García Travesí. Fotografía: Jorge Stahl Jr. Música: Antonio Díaz Conde. Montaje: Alfredo Rosas Priego. Diseño de producción: Francisco Marco Chillet. Intérpretes: Santo (Santo, el Enmascarado de Plata), Wolf Ruvinskis (Argos), El Nazi (marciano), Beny Galán (marciano), Ham Lee (Morfeo), Eduardo Bonada, Antonio Montoro, Maura Monti (Afrodita), Eva Nordind (Selene), Belinda Corel (Diana), Manuel Zozaya (profesor Ordorica)... Nacionalidad y año: México 1966. Duración y datos técnicos: 85 min. B/N 1.66:1.
Comentario De nuevo otra obra maestra de nuestro amigo Alfredo B. Crevenna que rebosa esa estética camp que tanto nos gusta, esta vez con Santo “el enmascarado de plata” como súper héroe.
En México se realizaron gran cantidad de películas con púgiles de lucha libre como protagonistas. Uno de los más famosos fue “Santo, el enmascarado de plata”. Personaje que se enfrentó contra todo lo habido y por haber (fantasmas, vampiros, momias aztecas,…) en una interminable saga llena de aventuras y luchas coreografiadas. En este caso, nuestro héroe se enfrenta a una invasión alienígena.
Lo curioso que aunque la película parezca una auténtica chorrada, sigue los postulados de la ciencia-ficción norteamericana de los 50, encontrándonos con la versión mejicana de “Ultimátum a la tierra” (1951). Los invasores vienen a la Tierra a darnos un ultimátum: o dejamos de jugar con el átomo o destruyen el planeta. Bueno, y ya de paso apoderarse de la fuerza de “Santo”, que con sus puños desnudos y sus llaves infernales, combate a los invasores con tesón y, como no, con éxito.
La trama argumental es difícil de tragar y está llena de momentos que de absurdos rozan el surrealismo. Por ejemplo, los extraterrestres deciden cambiar sus vestimentas marcianas por otras más acordes con las costumbres terrestres. Y se embuten en unos trajes más propios de la antigüedad romana que otra cosa. Momentos memorables como éste los hay a espuertas.
En definitivas cuentas, es un film infumable recomendado para adeptos de la lucha libre y el cine mejicano de enmascarados.
sinopsis Procedentes de un planeta habitado sólo por mujeres guerreras, aterriza en México una nave espacial con un grupo de sexys alienígenas. Su objetivo: capturar algunos especímenes humanos para hacer pruebas con ellos y hallar la manera de fabricar un filtro para sus sistemas respiratorios y soportar el aire de la atmósfera terrestre, para preparar una invasión en toda regla.
Ficha Técnica Director: Alfredo B. Crevenna / Productor: Emilio Gómez Muriel / Guión: Emilio Gómez Muriel sobre una historia de Alfredo Ruanova / Fotografía: Alfredo Uribe / Música: Antonio Díaz Conde / Montaje: Raul J. Casso / Intérpretes: Lorena Velázquez (Adastrea; Alburnia), Elizabeth Campbell (Martesia), Maura Monti (Eritrea), Guillermo Murray (Daniel Wolf), Adriana Roel (Silvia), Rogelio Guerra (Marcos Godoy), José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla' (Rey Taquito), Raúl Ramírez (Tono), Ethel Carrillo (Desinea), Graciela Doring (Mujer secuestrada), Guillermo Álvarez Bianchi (Hombre gordo secuestrado), José Chávez (Beto), Enrique Ramírez (Ramón), Aarón Hernán (Hombre secuestrado), Monica Miguel (Fitia), ... / Nacionalidad y año: México 1966 / Duración y datos técnicos: 87 min. ByN 1.33:1.
Comentario Si pensabais que íbamos a acabar con la bizarra filmografía del simpar Alfredo B. Crevenna, estabais equivocados. Y menos teniendo en cuenta que para aprobar esta asignatura es de obligado visionado el film que nos ocupa: “El Planeta de Las Mujeres Invasoras”. Película que alcanza la categoría de psicotrónica por méritos propios. Pero vayamos paso a paso.
Alfredo B. Crevenna fue un muy prolífico realizador mejicano con más de 150 películas a sus espaldas (la última la dirigió un año antes de su muerte, con 81 años), entre las que hay unas cuantas dedicadas al género. Pero su más importante aportación a la serie Z más casposa y bizarra es ésta.
“El Planeta de las Mujeres Invasoras” viene a ser la secuela de “Gigantes Planetarios”. Bueno, más que una secuela un remake. Ya que prácticamente ambas películas son idénticas (hasta en equipo técnico y actores) pero con una salvedad: en esta ocasión las malvadas alienígenas son hermosas señoras con trajes muy cortos luciendo palmito.
Ya desde la antigüedad (con las amazonas) la historia de la existencia de tribus, civilizaciones o, como es el caso, planetas poblados únicamente por féminas ha aparecido cientos de veces en novelas, comics y, como no, en el cine. Desde el mismísimo Tarzán hasta nuestros simpáticos viajeros interplanetarios del film de Crevenna, la idea de una sociedad sólo compuesta por mujeres supuso un filón de oro para los estudios de cine, ya que permitía la aparición de decenas de mujeres en paños menores en muchos casos ávidas de presencia masculina (para, por ejemplo, la perpetuación de la especie) que al final eran cautivadas por el apuesto protagonista. En el género, filmes como “Queen Of Outer Space” (1958), “Missile to the Moon” (1959), “Cat Women Of The Moon” o la lisérgica (ya que hay que estar colocado para entenderla) “Mesa Of Lost Women” (1953) son un claro ejemplo de esta corriente. “El Planeta de las Mujeres Invasoras” será la aportación mejicana. Aunque, en este caso, la intención de las alienígenas, aparte de exhibirse, no tiene ningún afán sexual o amoroso, sino que sólo desean de los humanos sus pulmones para poder respirar en la Tierra y así poder invadirla.
Pero eso no quita para que el elenco de bellas mozas que no pronuncian frase se pasen casi toda la película posando, con la mano en la cintura y en una actitud más de un concurso de belleza que de una invasión en toda regla. Y qué más da. La película es mala con avaricia, aunque yo la incluiría en ese pequeño grupo de productos infumables que de malas que son provocan, como mínimo, la simpatía del espectador.
Porque “El Planeta de las Mujeres Invasoras” tiene su gracia. Es un film simpático, lleno de humor (provocado o no) que causa la hilaridad del que la ve. Con unos diálogos tontos a más no poder, llenos de chistes malos, dentro de un delirante hilo argumental sin pies ni cabeza. Si a esto le añadimos unos paupérrimos efectos especiales (se ven los hilos que sujetan los platillos, o la forma tan ruda de aterrizarlos que tienen, por ejemplo), y que no hacen nada por disimularlos, y una realización más que discreta (opta sobre todo por el plano general para evitar calentamientos de cabeza) nos encontramos con una de esas maravillas que te hacen, como mínimo, sonreír durante todo su visionado.
También hay que destacar que esta modesta “space opera” mejicana bebe de las fuentes de los seriales pulps nortamericanos, especialmente de “Flash Gordon”, como podréis comprobar por la estética (y el rayo de la muerte).
En fin, para amantes de lo “camp” y en general, para todos los que querráis pasar un muy buen rato. Ideal para ver con amigotes (esta vez no es necesaria la cerveza. La risa sale sola)
P.D.: No he destripado nada del argumento porque es una de estas ocasiones en que es preferible ver el film sin ninguna referencia externa. Gusta aún más.
sinopsis En el París de mediados de los 60’s Le Théâtre De La Mort continúa la tradición del Grand Guignol decimonónico con gran éxito. Sus representaciones de horrores y truculencias siguen atrayendo al público, que aplaude a rabiar los montajes del genial e imprevisible Phillippe Darvas.
Esto es una peli de miedo, así que, como pasa siempre en estos casos, comienza a producirse una serie de crímenes singularmente extraños. Todas las víctimas aparecen sin una gota de sangre en las venas; como si hubiesen sufrido el ataque de un vampiro. Un policía que investiga el caso y, al mismo tiempo, frecuenta la compañía de una de las actrices del citado teatro, no puede evitar establecer conexiones entre los asesinatos y el sitio en el que trabaja la chica...
Ficha Técnica Director: Samuel Gallu / Productora: Pennea Productions Ltd. / Guión: Ellis Kadison, Roger Marshall / Fotografía: Peter Proud / Música: Elisabeth Luytens / Montaje: Barrie Vince / Intérpretes: Christopher Lee, Julian Glover, Lelia Goldoni, Jenny Till, Evelyn Laye, Ivor Dean, Joseph Furst, Betty Woolfe, Leslie Handford, Fraser Kerr, Dilys Watling, Terence Soall, Peter Cleall, Esther Anderson, Steve Plytas / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 91 min. Color DVDRip V.O. con subts en archivo aparte.
Comentario Aquí estamos otra vez, mes amis. Volviendo por do solíamos. Uséase, el viejo, agradecido y maravilloso brit-terror de la época dorada. Aquellos esplendorosos años 60’s en los que la cinematografía británica detentaba la hegemonía imperial (Rule Britannia) sobre el género terrorífico. Antes de que los norteamericanos contraatacasen y le arrebatasen el imperium a principios de los 70’s.
Y, en concreto, debemos situarnos en 1966, año en que se realizó esta peli, Theatre Of Death. Una época en la que la Hammer se encontraba en el cénit de su gloria, secundada por sus eternas hermanas menores, la Amicus y la Tigon. Cuando el Swingin’ London marcaba las tendencias musicales, sociales y estéticas y Londres, por ésas y otras razones, volvía a ser el centro del mundo (tal y como lo había sido durante el largo reinado de la reina Victoria, ochenta años antes).
En lo que a la cultura pop se refiere, 1966 es el año de transición por antonomasia. El punto de inflexión entre las antiguas y las viejas formas estéticas, musicales, espirituales. El momento culminante del pop sesentero, los flequillos y la frescura ingenua, maravillosa y adolescente del rock’n’roll y el pop primigenios... pero también, en cierto modo, su final. Y, en consecuencia, el inicio de algo diferente. Por así decirlo, la entrada en la edad adulta de la música. La invención de la psicodelia, la adopción de nuevas formas, nuevos sonidos, nuevas estéticas e imágenes.
Bueh… Pues de alguna forma también pasa algo parecido en el cine de terror, mes amis. Aunque sea forzar los paralelismos, a mí me parece que 1966 supone un punto de inflexión. Es el año en que el viejo y maravilloso Gótico Italiano se despide con algunas de sus obras cumbre (Operazione Paura, Un Angelo Per Satana). A partir de entonces, el Giallo tomará el relevo y los antiguos castillos, los corredores oscuros, los cementerios cuajados de niebla y los ambientes decimonónicos darán paso a asesinos más o menos psicópatas con una refinada sensibilidad estética y un gusto muy pronunciado por la truculencia. En USA se prepara el contraataque, ya que Polanski está rodando Rosemary’s Baby (que se estrenará al año siguiente) y acaba de terminar su particular homenaje al brit-terror: El Baile De Los Vampiros. Corman y la AIP han dado carpetazo al ciclo Poe-Price y pasan a ocuparse de otras cosas, otros miedos. Se inicia la reivindicación y popularización de Lovecraft a un nivel casi de icono pop. En la propia Gran Bretaña, productoras como la AMICUS y la TIGON (a las que siempre caracterizamos como seguidistas de su hermana mayor, la Hammer) obvian casi por completo los elementos góticos para narrar historias de terror ambientadas en la más evidente modernidad.
No toméis mis palabras al pie de la letra… Es evidente que el género gótico todavía dio juego. La propia Hammer siguió frecuentándolo casi hasta su último momento, a mediados de los 70’s. La aparición de la Tyburn en 1973 fue un intento de revitalización que, desgraciadamente, no tuvo éxito; pero que hay que valorar. En España comenzó la edad dorada del Fantaterror (a partir de 1967-68) en el que no faltaron, en absoluto, las inmersiones en el goticismo más desaforado (de alguna forma fue España la última reserva espiritual –jejeje- de lo gótico). La propia Alemania alumbró una de las obras cumbres del género (cinematográficamente hablando) justo al año siguiente: El Tormento De Las 13 Doncellas. Incluso en Italia hubo ejemplos tardíos y más o menos aislados.
Pero a mí (es una opinión) me parece evidente que a partir de 1965-67 el gótico da paso a nuevos lenguajes en el terror. Y no es que antes no hubiesen existido… Pero es a mediados de los 60’s cuando la balanza se inclina definitivamente a favor de las ambientaciones modernas, los terrores no sobrenaturales, los psycho-killers, el diabolismo explícito y los nuevos monstruos (estrictamente) humanos. Con permiso de George A. Romero y sus hordas zombificadas, of course…
Pues bien… Es en 1966 cuando se estrena Theatre Of Death. Una película arquetípica del brit-terror pero, al mismo tiempo, con un toque bastante original. Y, sobra decirlo, perfectamente válida para justificar todo lo que he expuesto antes.
Protagonizada por el mismísimo Christopher Lee (bueh… lo de protagonizada es un decir… En realidad hace de secundario de lujo, como casi siempre), sólo por eso merecería la pena. Pero, además, tiene sus virtudes y peculiaridades propias. Ambientada en un París moderno y contemporáneo (de 1966) a primera vista no parece deber nada a goticismos ni gaitas. De hecho, sería como una hija tardía de esa corriente del brit-terror que he nombrado alguna vez y que está más emparentada con las Penny Dreadfulls que con las Ghost-Stories victorianas. Ya sabéis a lo que me refiero… ¿No os recuerda el argumento a pelis como Horrors Of Black Museum o Circus Of Horrors). Pero cuidado, porque aquí la cosa no está tan clara.
Para empezar, las referencias a las Penny Dreadfulls son tan explícitas, tan evidentes, que casi resultan desarmantes. Todo eso del Teatro De La Muerte y la tradición grandguinolesca francesa es definitivo. Un guiño evidente. Y tanto… No hay alusiones ni gaitas. La cosa está clara.
Pero, al mismo tiempo, no hay truculencia alguna. En eso se aleja de las (maravillosas) burradicas de finales de los 50’s y principios de los 60’s. La peli es elegantona y cruel, pero nunca tremendista. Se juega con el tema del vampirismo y, lo que es más, mantiene un pie en el viejo gótico y otro en la modernidad yeyé. Incluso hay una especie de homenajes implícitos a películas italianas (La Maschera Del Demonio, comohaydiós. Cosas así) en las propias representaciones teatrales. Todo eso del cine dentro del cine, pero de otra forma.
En 1966 todo estaba codificado. No había ya lugar para la ingenuidad ni lo naíf. Si se quería jugar había que aceptar las reglas. O, mejor dicho, jugar con ellas. Darles la vuelta.
Y la película lo sabe. Entra en la partida y sale airosa. Empezando, sobre todo, por la fotografía, maravillosa, oscura, llena de luces y sombras. Como una especie de reinterpretación (humilde, sin pretensiones, casi de andar por casa) del expresionismo. Y siguiendo por los continuos guiños y referencias al género, tanto a través de las escenas “teatrales” (que, ya digo, lo mismo evocan al gótico italiano que juegan a homenajear a la propia Hammer) como de otros efectos (ese momento en que Phillippe Darvas/Christopher Lee proyecta imágenes en blanco y negro en las que salen vampiras y viejas fotos de Lon Chaney).
La película, es evidente, me parece una delicia. Una joyica perdida y olvidada que merece una urgentísima reivindicación. Un ejemplo del brit-terror de mediados de los 60’s que ejemplifica la época y que sirve de puente entre las viejas y las nuevas formas. Una pequeña maravilla sin pretensiones que da sopas con honda a cualquier sosada de ahora mismo y que vale su peso en oro. Todo en ella es encantador. El color, las luces, las sombras, la demora narrativa, la presencia de sir Christopher Lee, el flequillo de las mozas, la corbata negra y estrecha del policía francés, el baile final de la bailarina mulata. Y ese empleo de una fotografía oscura, tenebrosa, que le da un aire curiosamente moderno.
Polanski había estrenado El Baile De Los Vampiros y había dejado claro que el buen y viejo neogótico británico llegaba a su fin (la comedia polanskiana funcionó, en cierto modo, con respecto al género clásico de vampiros de la misma forma que –salvando las distancias- el Quijote con respecto a las novelas de caballería casi cuatrocientos años antes… Certificando su defunción mediante una parodia genial) . Carnaby Street era el centro del mundo, igual que Trafalgar Square lo había sido setenta años antes. La delgada línea roja se batía en retirada (sin cejar, sin ceder, sin perder. Órdenes de la superioridad) en Adén y en los desiertos de Omán. Los Beatles se dibujaban en blanco y negro en la portada del Revolver. Los Hollies esperaban el autobús, bajo la lluvia. Syd Barret cantaba extrañas e hipnóticas canciones sobre gnomos, bicicletas y viajes interestelares desde el escenario de la UFO, envuelto en luces de colores. La psicodelia llamaba a la puerta.
Pero el brit-terror seguía allí, aguantando el temporal. Jugando el viejo juego, dejando claras sus referencias. Orgulloso, austero, entrañable. Fiel a sí mismo pero más abierto a las nuevas tendencias de lo que, a priori, podría parecer. Siempre culto, elegante, receptivo… Pero también lúcido, consciente. Sabedor, tal vez, del poco tiempo que le quedaba antes de ceder la hegemonía y decidido a hacer las cosas bien hasta el último momento.
Los subtítulos son obra de un amigo llamado Arch Stanton, realizados ex novo, además (lo que es muy costoso). Y a fe mía que son excelentes, bastante mejores que los que suelo hacer yo. A ver si la cosa sigue y mantenemos la sociedad (En realidad, esta peli la hemos posteado a medias los dos. Uséase, que el mérito, si es que lo hay, está repartido, ejem).
Yo, la verdad, cada día estoy más viejo y más tonto. Así que este tipo de colaboraciones van a ser más frecuentes cada día (si los colaboradores se dejan, ejem…).
El ripeo proviene de un DVD del que no tengo muy claro si es británico, americano o italiano (pues al menos existen esas tres ediciones). En cualquier caso, la calidad de imagen es excelente. Subimos la película en dos servidores, Megaupload y Mediafire. Además, he de hacer notar que la versión subida a este último (Mediafire) incluye audio doblado al español (se trata de un doblaje latinoamericano bastante bueno. Hecho en la época). La de Megaupload no. Es sólo en inglés.
Pues eso. Que voacés disfruten la peli tanto como lo hemos hecho nosotros.
La mision Zero X, el primer vuelo tripulado a Marte, fracasa después que el villano conocido como The Hood saboteara la nave. Meses más tarde una nueva misión a Marte se encuentra lista para partir, y el alto mando espacial decide que Rescate Internacional supervise el operativo. Después de abortar un nuevo ataque de The Hood, la Zero X logra llegar a Marte. Pero el encuentro con alienígenas poco amistosos daña a la nave, la que tiene numerosos problemas en su reingreso a la Tierra. Jeff Tracy y su familia, a bordo de los fabulosos Thunderbirds, deberán acudir al rescate sobre último momento.
Ficha Técnica
Dirección: David Lane / Productor: Sylvia Anderson / Guión: Gerry Anderson, Sylvia Anderson / Música: Barry Gray / Montaje: Len Walter / Efectos especiales: Derek Meddings / Intérpretes: Las voces de Peter Dyneley (Jeff Tracy), Sylvia Anderson (Lady Penelope Creighton-Ward), Shane Rimmer (Scott Tracy), Jeremy Wilkin (Virgil Tracy), Matt Zimmerman (Alan Tracy), David Graham (Gordon Tracy / Brains / Aloysius Parker), Ray Barrett (John Tracy / The Hood),... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 93 min. color 2.35:1. (Dual Español Latino/Inglés + Subs)
Comentario
Creada en 1964 por los británicos Ferry y Sylvia Anderson (quienes ya cosecharan éxitos en la pequeña pantalla protagonizados por marionetas como “Fireball XL5” o “Stingray”), la mítica teleserie “Thunderbirds” desgranaría a lo largo de 32 espectaculares episodios las maravillosas aventuras, emplazadas en el siglo XXI, de la filantrópica organización “Rescate Internacional”, compuesta por la heroica familia Tracy en pleno: el padre Jeff y sus cinco hijos, John, Gordon, Virgil, Scott y Alan, todos ellos pilotos de unas futuristas naves: las Thunderbirds.
Al término de su aclamado periplo en las 625 líneas, estas célebres marionetas conocerían todavía una breve prolongación de sus hazañas gracias a un par de largometrajes cinematográficos, de los cuales éste primero también resulta el más acertado y acorde con el mito televisivo. Un ambicioso viaje científico a
Marte resulta saboteado (no sabemos muy bien por qué), por lo que los bienhechores “guardianes del espacio” deberán tomar cartas en el asunto y proteger la siguiente expedición, mientras que, en la Tierra, la encantadora y sofisticada agente Lady Penélope (cuya voz en la versión original pertenecía a la propia Sylvia Anderson) intenta desarticular con su inconfundible automóvil y ayudada por su fiel mayordomo, una misteriosa red terrorista.
Pese a mantener la excelente factura (soberbios decorados y efectos especiales) de la serie y, sobre todo, su candoroso, “sense of Wonder”, tanto este primer film como el siguiente, “Thunderbird 6” (1968), también dirigido por el habitual de la serie David Lane, adolecen de cierta artrosis narrativa del todo impensable en aquellos concisos y fulminantes episodios catódicos, caracterizada por mucha verborrea innecesaria (cuentas atrás, órdenes, mediciones del tiempo, etc…) que rellenan casi la totalidad del guión. En definitivas cuentas, una trama insustancial y mal construida dentro de un entorno visual maravilloso. Pero, y a pesar de todo, deliciosa de visionar.
Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Ripeado desde el dvd, gran calidad. Si preferís la versión doblada, de menor peso y calidad, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis
A finales del siglo XX, el científico checo Jan Benes es requerido por los Estados Unidos por su conocimiento sobre la capacidad de alargar el período de reducción de un individuo al tamaño de una bacteria. Hasta el momento, los investigadores americanos han experimentado con un máximo de una hora. A su llegada a América, Jan Benes sufre una hemorragia cerebral. Para poder operar en el cerebro del eminente científico, el capitán Owens comanda un submarino atómico miniaturizado que viaja por el flujo sanguíneo del paciente. El doctor Duval, la doctora Cora y su asistente, el doctor Michaels, y el agente secreto Grant acompañan a Owens en su viaje por el interior del cuerpo humano
Ficha Técnica
Director: Richard Fleischer / guión: Harry Kleiner, basado en una historia de Otto Klement y Jerome Bixby / Productor: Saul David / Fotografía: Ernest Laszlo / Música: Leonard Rosenman / Montaje: William B. Murphy / Efectos especiales: L.B. Abbott / Intérpretes: Stephen Boyd (Grant), Raquel Welch (Cora), Edmond O'Brien (General Carter), Donald Pleasence (Dr. Michaels), Arthur O'Connell (Coronel Donald Reid), William Redfield (Capitán Bill Owens), Arthur Kennedy (Dr. Duval), Jean Del Val (Jan Benes), Ken Scott (Servicio Secreto), Shelby Grant (Nurse)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. color
Comentario
la ciencia-ficción americana de los años 50 alertaba sobre grandes peligros: invasiones desde el espacio exterior, mutaciones debidas a la radioactividad, los peligros de la investigación... Todo motivado por ese clima de miedo a lo desconocido, el peligro nuclear, la carrera espacial. Así, mientras todos miraban hacia el infinito, Richard Fleischer se concentró en algo que hace que "Viaje Alucinante" sea una obra original y maravillosa: el cuerpo humano.
El film trata del viaje que unos científicos realizan a través del interior de un hombre para poder salvarle la vida. Su misión es eliminar un tumor que pone en peligro su vida. Para ello deben ser miniaturizados y e introducidos en el interior de su cuerpo. Ahí comienza la aventura. Porque en realidad, aunque Viaje Alucinante entre de lleno en el género de la ciencia-ficción, también se podría calificar como cine de aventuras, en el que un grupo de personas comienzan una odisea llena de dificultades que van superando poco a poco. Y son esas dificultades las que hacen que esta película sea atípica. Porque no hablamos de alienígenas invasores o monstruos creados a partir de una bomba atómica. En esta ocasión, los protagonistas están expuestos a los peligros que puede pasar una bacteria en el organismo cuando el sistema inmunológico del cuerpo se activa al notar algo extraño. Si a ello añadimos los sabotajes a los que están sometidos por un miembro de la expedición, nos encontramos con una aventura de las de tomo y lomo.
Catherine, una británica casada con el aristócrata Phillippe De Montfaucon, llega con sus dos hijos a la hacienda solariega de su esposo, en la localidad francesa de Bellenac. Phillippe ya está allí, pues se adelantó unas semanas para atender asuntos relacionados con la sequía y los problemas de los viñedos. Nada más instalarse en el chateau familiar, la mujer comenzará a percibir extrañas cosas, extraños comportamientos en las gentes del pueblo y en su propio marido. Hasta el punto de sospechar que allí, bajo la aparente normalidad y la típica devoción católica de la Francia rural, todavía sobrevive un antiguo culto pagano…
Ficha Técnica
Director: J. Lee Thompson / Productor: John Calley y Martin Ransohoff para Filmways Pictures. / Guión: Dennis Murphy, según la novela “Day of the Arrow” de Philip Loranie / Fotografía: Erwin Hillier / Música:Gary McFarland / Montaje: Ernest Walter / Intérpretes: Deborah Kerr, David Niven, Sharon Tate, Donald Pleasence, Edward Mulhare, Flora Robson, Emlyn Williams, David Hemmings, John Le Mesurier, Michael Miller, Donald Bisset, Pauline Lets, Robert Duncan / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. Blanco y Negro SatRip (Excelente) V.O. Inglés con subtítulos en castellano.
Comentario
Mirad bien la lista de intérpretes: David Niven (sí... una peli de terror protagonizada por ese impecable gentleman, aunque parezca mentira), Deborah Kerr (todavía reciente esa maravilla que es “The Innocents”), David Hemmings (un actor muy de moda en aquellos tiempos, y con un toque inquietante bastante efectivo), Sharon Tate (resplandeciente, desarmante en su hermosura en un 1966 que tendría que haber durado para siempre. Penica de moza... Que los viejos dioses amables la hayan acogido junto a ellos. Y, de paso, que el loco Azzathot termine agarrando –más pronto que tarde– por los testículos al hideputa de Charlie Manson y lo arrastre consigo hasta el centro del caos, junto a los flautistas ciegos para que ulule como un lechuzo por los siglos de los siglos...) y Donald Pleasance (también en su buena época). Y comprobad quién es el director: J. Lee Thompson (el de “Los Cañones De Navarone”, “El Cabo Del Miedo” o “Taras Bulba”).¿A que la cosa promete?
Bueh... pues, a pesar del reparto, del director y de la época (en 1966 Lee Thompson todavía no había entrado en barrena... Y los actores estaban en el momento cumbre de su carrera. De hecho, la Tate justo empezaba) la película es bastante desconocida. Hasta el punto de encontrarse ilocalizable en DVD tanto en las Españas (lo que no es raro... lo extraño sería encontrarla aquí. Aunque, eso sí, llegó a estrenarse en nuestro país en 1967. Y yo juraría haberla visto de chico en la tele o en el cine) como en Gran Bretaña o Estados Unidos.
Que no ha sido editada, vaya. Cosa que me resulta inexplicable, porque es encantadora y le sobran méritos propios y cualidades. Está muy bien dirigida e impecablemente interpretada (como no podía ser menos). Y en segundo porque su argumento es tremendamente original, hasta el punto de anticipar, siete años antes, una película tan querida por mí como “The Wicker Man” (Robin Hardy, 1973. Ya está colgada en este mismo blog).
La primera versión que colgué (en un foro de descarga directa) era un ripeo de la tele, del canal TCM, que existe aquí también, en Canal Satélite... aunque éste sería el británico o el americano porque iba en inglés original y sin subtítulos.
Olvidaos del diablo que aparece en el título. Aquí no hay satanismo strictu sensu ni brujerías canónicas, sino pervivencias paganas, antiguos ritos (más o menos druídicos) que todavía siguen vigentes en el corazón de la Francia rural a mediados de los 60’s.
La señora Montfaucon (Deborah Kerr) viaja hasta la finca familiar de su marido para descubrir que en ese pueblo de Bellenac todavía pervive la antigua religión. Y que, bajo la capa de catolicismo más o menos tradicional, se esconde el culto a los viejos dioses, las viejas tradiciones precristianas. De hecho, ante la sequía que amenaza la cosecha de uva (es una región vitivinícola) la solución, a la antigua usanza, pasa por realizar un sacrificio humano...
La película tiene bastantes tics característicos del cine inglés de los sesenta. Tomas raras, movimientos de cámara, encuadres. En algún lugar he leído que ese tipo de cosas la lastran un poco. Pero a mí, que soy muy raro, en realidad me gustan... Le dan encanto, la ambientan mejor. La hacen más sixties. Como curiosidad, la peli empieza casi igual que “Get Carter” (“Asesino Implacable” Mike Hodges, 1971), con la cámara rodando las vías del tren, aunque sin ningún tipo de música.
David Niven lo borda en su papel de aristócrata más o menos atormentado por lo que sabe es su destino inexcusable, lejos de esos papeles de comedia con los que casi siempre lo recordamos. Deborah Kerr está hecha una dama (tan guapa y eficaz como siempre), mientras que Donald Pleasance hace lo que mejor sabe hacer (inquietarnos sin que acertemos a saber bien qué es lo que nos desazona cada vez que lo vemos). Hemmings y Sharon Tate, por su parte, parecen dos yeyés recién llegados de Portobello Road y del Swinging London a la campiña francesa (sin que la cosa chirríe, que conste. Prerrogativas y ventajas de los maravillosos 60's...).
Y vale, que me enrollo.
Bueh... Ya he dicho que la primera versión que colgué eran un SatRip del TCM en inglés y sin subs. Finalmente, hace ya unos meses, encontré unos en polaco y los aproveché como plantilla para ir traduciendo la peli "de oído". Poco después, un compañero argentino que firma como Lord Of Bedlam (o Sims) halló un SatRip todavía mejor que el inicial, y con 5 minutos de duración adicionales. Adaptó los subs que yo había hecho y añadió algunas frases. Ésa es la versión que ahora cuelgo. Siendo un SatRip tiene una calidad de imagen fabulosa (y, cosa importante, no aparece el logo de TCM que aparecía en la mía). Eso sí... las capturas que adjunto pertenecen a mi aporte original (por eso llevan el logo del canal televisivo). Pero, insisto, la versión que ahora posteo es superior en calidad de imagen. Y el verdadero fautor es maese Sims/Lord Of Bedlam.
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Y nada más: que la disfruten voacés. Y ya me dirán si es no un curioso "antecedente" de "The Wicker Man".
Segunda mitad del siglo XIX. Un lugar indeterminado de Europa. Un médico llega a una localidad donde ha muerto una chica a instancias del policía que investiga el caso. Lo que descubre es que todo el mundo está aterrorizado por una singular presencia espectral... El fantasma de una niña que murió veinte año atrás
Ficha Técnica
Director: Mario Bava / Productor: Luciano Catenaci y Lando Pisani. / Guión: Mario Bava, Romano Migliorini, Roberto Natale / Fotografía: Antonio Rinaldi / Música: Carlo Rustichelli / Montaje: Romana Fortini / Intérpretes: Giacomo Rossi-Stuart, Erika Blanc, Fabienne Dalí, Piero Lulli, Luciano Catenacci, Micaela Esdra, Valerio Valeri, Gianna Vivaldi / Nacionalidad y año: Italia 1966 / Duración y datos técnicos: 85 min. Color (maravilloso, gozoso, esplendoroso color).
Comentario
Pues aquí va otra joya del Gótico Italiano. Esta vez en (maravilloso, fastuoso, insuperable) color. Porque se trata, nada más y nada menos, que de una maravilla del maestro Mario Bava. Una historia clásica de fantasmas a la que no puedo ponerle ningún pero. Todo: la historia, la fotografía (faltaría más), la atmósfera, la dirección, las interpretaciones, es perfecto. Una clasicazo con todas las de la ley.
Bueh... ejem... se nota que me gusta Bava ¿No?. Pero es que con este hombre yo no puedo ser imparcial. Y, además, la peli es de su época dorada, los sesenta. Luego, desde mi punto de vista, bajó un poquico el listón (aunque todo lo que hizo es aprovechable, de una forma u otra). Aquí, desde luego, estaba en plena forma.
A destacar la imagen del fantasma, esa niña rubia, pálida e inexpresiva vestida de blanco. Todo un icono que Fellini reutilizó en su episodio de "Historias Extraordinarias" (1968) y que a veces pienso que influyó en el género más de lo que podemos pensar (desde las niñas espectrales japonesas de los noventa hasta las posesas de los setenta). Lo de usar niños como elemento terrorífico tuvo bastante predicamento a partir de entonces. Pero fue el maestro Bava el primero (o uno de los primeros) en hacerlo.
Bueno... Esta vez me voy a contener. Porque la mayor parte de mis posteos son un tochazo insoportable. Así que no digo más.
La peli está cortada con HJSplitter, como siempre. Y como siempre la he subido a Rapidshare porque es el cargador que a mí me funciona (y que no me da problemas... sobre todo últimamente... va como la seda).
Los subtítulos van aparte. Pero si quieren voacés un consejo (y una opinión) casi no hacen falta. Por una parte, la película es de una hermosura formal que sólo viendo las imágenes puede uno extasiarse. En serio. Y por otra, el toscano original resulta perfectamente comprensible para un castellanoparlante (ventajas de ser primos hermanos. Para algo tiene que servir ser "della famiglia"... ejem...)
Arthur Pimm es el joven ayudante de dirección en un prestigioso museo británico. A pesar de su aspecto respetable, equilibrado y responsable, en realidad está aquejado de serios problemas psicológicos. No sólo siente que su labor no es suficientemente valorada sino que, además, está inútilmente enamorado de Ellen Grove (la rubia y guapa hija del director) y, lo peor de todo, se niega a aceptar que su madre ha muerto (cosa que sólo él sabe… pues guarda el cadáver de la mujer en su casa).
Cuando, a raíz de un incendio en los almacenes del museo, encuentra una extraña estatua esculpida en Bohemia en el siglo XVI, las cosas se precipitan. La pieza no es otra cosa que un Golem, construido por un sabio judío en la ciudad de Lvov. Un autómata que puede ser animado mediante un procedimiento cabalístico y que, por su carácter semimágico, es totalmente indestructible.
Ficha Técnica
Director: Herbert J Leder / Productor: Herbert J Leder / Guión: Herbert J Leder / Fotografía: David Boulton / Música: Carlo Martelli / Montaje: Tom Simpson / Intérpretes: Roddy McDowall, Jill Haworth, Paul Maxwell, Aubrey Richards, Noel Trevarthen, Oliver Johnston, Ernest Clark, Ian McCulloch, Richard Golden, Dorothy Frere, Brian Haines / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Color / Versión Original Inglés Con Subtítulos en archivo aparte.
Comentario
Aquí va un extraño ejemplo de Brit-Terror de los 60’s, mes amis. Bien raro, de verdad. Y me explico… Si echáis un vistazo a la sinopsis, si veis los fotogramas, incluso si os fijáis en el título, entenderéis a lo que me refiero. Esta película está hecha en 1966, pero todo, absolutamente todo (salvo la forma de vestir y de peinarse de los protagonistas, claro está… Y eso con matices…) remite a diez años antes… Y a un país distinto.
Sí, mes amis, It! es, por decirlo de alguna forma, una peli fuera de su tiempo y de su lugar. Una cinta típica del circuito de serie B de Estados Unidos que no hubiera desentonado nada en los autocines americanos de 1956 o 1957. Pero que en la Gran Bretaña de 1966 resulta verdaderamente extraña. A veces recuerda a uno de esos episodios de terror sobrenatural de Twilight Zone, y otras a una peli de monstruos a la japonesa en versión reducida… Pero en todo momento parece lo que antes os he comentado: una producción yanqui de mediados de los 50’s para el mercado adolescente. En serio, sino fuese por el corte de los trajes de Roddy McDowall y el peinado de Jill Haworth (que se parece sorprendentemente a nuestra adorada Teresa Gimpera circa 1965… Y está tan mordisqueable como ella, of course) y por el uso del color (eso sí) nadie podría pensar que la película está filmada en 1966.
El argumento, como ya os he adelantado, aborda el tema del Golem. Supongo que casi todos sabéis de qué se trata… pero por si acaso hay alguien que no (ejem) os lo recuerdo. El Golem es un autómata más o menos gigantesco, construido con barro (cocido y endurecido, desde luego) que, según la tradición judía askhenazi puede ser animado mediante técnicas cabalísticas. En unos sitios he leído que mediante la inserción en alguna parte de su cuerpo de un pequeño rollo de papel o pergamino con la palabra Vida en hebreo (que es la solución que adopta esta película). En otros, escribiendo en su frente el nombre secreto de Dios. En el primer caso, para “desactivarlo” basta con retirar la nota… En el segundo hay que borrar una de las letras de la palabra, convirtiéndola en otra (que significa Muerte). Bueh… en cualquier caso, todas las fuentes coinciden en que el moñaco era una especie de monstruo de Frankenstein creado con fines altruistas por un sabio del ghetto (según dicen, se construyeron varios en diferentes ciudades, siendo el más famoso el de la judería de Praga) para proteger a la comunidad judía local de los progromos que, periódicamente, se abatían sobre ellos. En todos los casos relatados la cosa terminó mal. Con el muchachote hecho una fiera, destrozándolo todo a su paso y siendo conjurado, en último término, mediante las susodichas operaciones de “desactivación”.
Gustav Meyrink, un escritor austriaco de principios de siglo, escribió una espléndida novela sobre el tema (eso sí… algo dificililla… Lo digo para los aficionados a la literatura fantástica que todavía no la conozcan. Avisados quedan). Y en 1920 Carl Boesse dirigió una película que ha pasado a la historia del cine como ejemplo pluscuamperfecto de expresionismo alemán.
Bueh… pues en éstas que a mediados de los 60’s un americano que andaba queriendo hacer una peli en Gran Bretaña y que se llamaba Herbert J Leder decidió retomar el mito y montar su propia versión. Y, con cuatro perras, dio a luz a esta película que ahora os cuelgo.
La película se resiente de la exigüidad presupuestaria, desde luego (aunque a mí, estas carencias, me resultan más enternecedoras que otra cosa) y el bueno de Leder intenta evitarla renunciando por completo a los efectos especiales. La estatua es un mazacote bastante abizarrado, alejado por completo de la imagen canónica que tenemos del Golem (y que, como ocurre con el monstruo de Frankenstein y su interpretación karloffiana, está absolutamente condicionada por la iconografía de la peli alemana de 1920) y que debió de consumir los cuatro duros con los que contaban… Los actores no están, precisamente para darles un óscar (Roddy McDowall siempre me ha caído muy simpático y me ha parecido muy eficaz… pero aquí peca un tantico de histrión; la rubia Haworth se limita a hacer mohínes y a pasear el palmito; y los demás ponen gesto serio y cara de preocupación y poco más…). Además de eso, hay cosas que chirrían bastante. Todo eso de la psicopatología de Pimm con respecto a su madre muerta… guardando el cadáver en casa (como Anthony Perkins en "Psycho", of course) me parece excesivo, gratuito. Un detalle que, queriendo demostrar algo (la inestabilidad psíquica del protagonista), se pasa dos o tres pueblos. Hay mejores formas de hacerlo… más inteligentes…
Pero bueno. No todo es malo, coñe. La peli es (o me lo parece a mí) encantadora. La carencia de presupuesto se suple con cierta gracia. Los diálogos son creíbles. La fotografía y la iluminación son espléndidos (hay algunos juegos de luces, muy 60’s style, que me han gustado mucho). El desarrollo de la historia, dentro de su sencillez, es bastante coherente. La imagen del puente de Hammersmith derribado por el Golem (supongo que pintura sobre cristal) es de una pulcritud maravillosa (esos azules…). Además, en ningún momento la película resulta ridícula o excesiva. Hay una contención y un respeto por el espectador más que evidente (qué tiempos aquellos en los que los directores, guionistas y productores pensaban que los que iban al cine eran gente normal, inteligente, avisada, digna de consideración…). Y, sobre todo, a pesar de haber afirmado al principio que la película parece estar más cerca de una producción yanqui de 1957 que de otra cosa (lo mantengo), mantiene un aire rematadamente british que la hace deliciosa.
Yo me lo he pasado como un crío viéndola. La he disfrutado de principio a fin. Así que espero que voacés hagan lo mismo (que la disfruten también).
Como siempre, está cortada con File Splitter & Joiner. El ripeo lo he hecho yo de un DVD de “sesión doble” (Doble Feature) en el que iban esta peli y otra titulada "The Shuttered Room" (en España se estrenó como "¿Por Qué Lloras Susan?" y un día de éstos la colgaré también). Los subtítulos los he extraído de ese mismo DVD y, como eran en inglés, los he tenido que traducir. Creo que han quedado bastante aparentes… pero ya me dirán vuesas mercedes.
Pues eso, lo dicho… A disfrutar (no hay que esforzarse nada… simplemente volver a tener diez, once años otra vez).
Hace muchos años, en el principio de los tiempos... Tumak, miembro de la tribu de las rocas, es expulsado de ésta por una cuestión de dominio tribal; vagando, llega cerca del mar y conoce la tribu de las conchas, y a la rubia y hermosa Loana. El carácter aún salvaje de aquél provoca que sea también expulsado de la nueva tribu, más civilizada, pero Loana decidirá partir con él...
Ficha Técnica
Director: Don Chaffey / Productor: Michael Carreras para Hammer Film/Seven Arts / Productores asociados: Aida Young, Hal Roach / Guión: Michael Carreras, según el guión de Mickell Novak, George Baker, Joseph Frickert / Fotografía: Wilkie Cooper / Música: Mario Nascimbene / Efectos especiales: Ray Harryhausen (efectos visuales), Les Bowie (diseño del prólogo), George Blackwell / Montaje: Tom Simpson / Intérpretes: Raquel Welch (Loana), John Richardson (Tumak), Percy Herbert (Sakana), Martine Beswick (Nupondi), Robert Brown (Akhoba), Malya Nappi (Tohana), Yvonne Horner (Ullah), Jean Wladon, Lisa Thomas, Richard James, William Lyon Brown, Frank Hayden, Terence Maidment, Micky De Rauch... / Nacionalidad y año: RU 1966 / Duración y datos técnicos: 97' C-B/N 1.85:1
Comentario
A mediados de los 60 la Hammer era ya una consumada productora en cine fantástico. Su especialidad, claro está, era el terror, pero por aquellas fechas explorarían otros subgéneros limítrofes. Así, la fantasía prehistórica les llamó la atención, y decidieron realizar una nueva versión del clásico (hoy, parece ser, imposible de ver) Hace un millón de años, que en los 40 protagonizaron Victor Mature, Carole Landis y Lon Chaney Jr. Según parece, la versión de la Hammer es absolutamente fiel al original, salvo en su final.
Para realizar los efectos especiales, Roach padre e hijo contaron con Roy Seawright y Jack Shaw, quienes emplearon el sobado recurso, muy poco convincente, de utilizar lagartos e iguanas aumentados de tamaño. Para el remake, la Hammer optó por contratar a Ray Harryhausen, especialista en el método de la stop motion. La primera criatura que aparece en la película es un lagarto aumentado, tal como en la antigua. Según declaraciones de Harryhausen, lo hizo para conferirle un aire de mayor autenticidad al film; sin embargo, yo creo que es más bien lo contrario: tras ver ese recurso facilón, después se nos ofrecen las magistrales creaciones del maestro, demostrándose ostentosamente superiores y convincentes a las criaturas reales. El trabajo de Harryhausen es el que da una dimensión tan atractiva a la película y, de hecho, es el único factor por el cual se la suele valorar.
Sin embargo, para mí, el film ofrece otras virtudes. Brinda, en efecto, un guión sencillo, como sencillos son sus personajes, más no por ello la película debe ser desechada sin más. Es una sencillez primitiva, elemental, que muestra a los personajes, las situaciones, en su absoluta desnudez, enfrentados a sentimientos y reacciones acaso vírgenes para el ser humano hasta entonces: la risa, el miedo, la furia, el deseo... Lo elemental de caracterizar a la morena tribu de las rocas como primitiva y salvaje, y a la rubia tribu de las conchas como civilizada y sensible no es tanto un recurso dramático como una metáfora para representar el acceso a la evolución paulatina de la especie humana -determinada por un tercer representante como son los prehomínidos de la cueva que los protagonistas se encuentran a mitad de camino, y que incluso a Tumak dan miedo-. Ese mismo primitivismo es fielmente reflejado por la magistral partitura de Mario Nascimbene, autor también de una composición que retrotrae a viejos tiempos como es la de la magistral “Los vikingos” (The Vikings, 1958), de Richard Fleischer.
Otro elemento que representa esa "elementalidad" de los personajes es el interesante recurso de ofrecer a los salvajes hablar una lengua inventada de escaso vocabulario, apenas unos pocos términos. Curiosamente, la crítica tomó esta opción de Carreras a mofa; años después, cuando se empleó igual recurso en la también prehistórica, y más realista, “En busca del fuego” (La guerre du feu, 1981), de Jean-Jacques Annaud, se recibió como algo originalísimo.
Hablábamos de realismo y es que, evidentemente, Hace un millón de años no pretende ser una película realista -el propio título ya supone un anacronismo-, sino sólo ser una fantasía ambientada en un mundo antiguo, muy antiguo, donde personas, animales y el propio ambiente reaccionaban a principios elementales, donde lo primero era subsistir, aunque luego se vistieran unas ropas dignas de las modelos que vivían esos tiempos terribles. Una joya más cercana al onirismo que al cine (pre)histórico.
Un lugar del norte de Italia, durante la segunda mitad del siglo XIX. En el lago cercano ha aparecido una estatua clásica que representa a una mujer (¿O una diosa?) de singular belleza. Tras el hallazgo, comienzan a suceder cosas raras: muertes, crímenes inmotivados, casos de locura. La gente murmura sobre algún tipo de maldición relacionada con la figura de piedra que, por cierto, se parece extraordinariamente a una mujer del pueblo, la esposa del Signore de Montebruno...
Ficha Técnica
Director: Camillo Mastrocinque / Productor: Lilian Biancini y Luciano Simonetti / Guión: Camillo Mastrocinque y Giussepe Macione / Fotografía: Giusepe Aquari / Música: Francesco De Masi / Montaje: Gisa Radichi Levi / Intérpretes: Barbara Steele, Claudio Gora, Ursula Davis, Anthony Steffen, Marina Berti, Aldo Berti, Mario Brega, Giovanna Lenzi, Antonio Acqua, Vassili Karis / Nacionalidad y año: Italia 1966 / Duración y datos técnicos: 90 min.(V.O.S.E.)(Subs incrustados)
Comentario
Pues aquí va una joya directamente extraída de la época dorada del gótico italiano (aunque en este caso un poco tardía… porque es de 1966). Un cuento cruel y desazonador, remotamente basado en el relato "La Venus De Ille" de Próspero Merimée, fotografiado exquisitamente en un blanco y negro que empezaba a ser raro en la época y con una Barbara Steele que se supera a sí misma en belleza y expresividad.
La película, de verdad, es elegantísima. Conozco muy poco la trayectoria del director, Camillo Mastrocinque; pero sé que dirigió, al menos, otra película de género ("La Cripta E L’Incubo", conocida en España como "La Maldición De Los Karnstein", espléndida) y que fue un director prolífico y dedicado a muchos palos, sobre todo a la comedia e, incluso, al Spaghetti-Western. Lo que sí puedo decir es que en esta película demuestra un oficio y un pulso absolutamente satisfactorios. Sin aspavientos, con seriedad, construye una película menos tremendista de lo que su título podría hacer imaginar. Sobria, inquietante, pausada (pero no morosa) tiene un punto de originalidad que la diferencia un tantico de las producciones italianas de la misma época y el mismo género. Ambientada como ellas en un indefinido siglo XIX (lo mismo que la mayor parte de las producciones de la Hammer de carácter terrorífico. Era un signo de los tiempos…), ofrece más lecturas de lo que es habitual en este tipo de películas. Desde una cierta visión feminista (siendo imaginativos) hasta un análisis (siquiera sea superficial) de los mecanismos que crean las supersticiones populares…
Una aclaración: He dicho que la historia está remotamente inspirada en el relato de Merimée "La Venus De Ille", pero tengo que reconocer que lo pongo más que nada porque así se señala en todos los sitios donde he consultado sobre la película. Y no quiero llevarles la contraria… Pero, eso sí, decir que el relato de don Próspero es el origen de la película es lo mismo que afirmar que "El Planeta De Los Simios2 es una adaptación (muy libre, claro está) de "El Origen De Las Especies" de Charles Darwin. Lo único que "La Venus De Ille" y "Un Angelo Per Satana" tienen en común es la aparición de una estatua clásica (por cierto, en el caso del relato la acción transcurre en el Rosellón francés… los personajes y el ambiente son catalanoparlantes) y el carácter más o menos terrorífico y sobrenatural de los hechos que siguen a continuación.
En cualquier caso, mes amis, tanto el relato francés como la película italiana que ahora cuelgo son absolutamente disfrutables. Mira… eso sí que lo tienen en común.