The Animals-The Animals (1964)

The Animals son una de las fundamentales bandas de la llamada "British Invasion", la cual en sus primeros años fueron duros competidores de los mismísimos The Beatles y los Rolling Stones. Esta banda surgida inicialmente como The Alan Price Combo, estaba formada por el teclista Alan Price, el cantante Eric Burdon, el guitarrista Hilton Valentine, el bajista Chas Chandler y el baterista John Steel. Su primer contrato discográfico fue con la MGM con la que en 1964 lanzaron su álbum debut “The Animals”. En este primer disco destaca por encima de todo la legendaria "House Of The Rising Sun", una canción tradicional readaptada con nuevos arreglos, añadiendoles unas atractivas líneas de guitarras y un singular sonido de órgano que la llevaron a colocarse en los primeros puestos a ambos lado del Atlántico, convirtiéndose de paso en una de las inmortales canciones del siglo veinte. Además de esta canción aquí aparecen otras brillantes versiones bajo los ritmos hipnóticos del Rhythm and Blues como "Around And Around" de Chuck Berry, "I´ve Been Around" de Fats Domino, "I'm Mad Again" de John Lee Hooker o "Talkin´ Bout You" de Ray Charles.

Tracy Chapman-Tracy Chapman (1988)

La música de Tracy Chapman esta cargada de historias ásperas sobre la vida real, su compromiso social y político le llevaría en contra de lo habitual entre los cantautores de la canción protesta, lograr vender su mensaje bajo un manto de folk intimista y sincero.
Curtida en las calles y clubs de la ciudad de Cambridge en Massachussets, lograría que la Elektra Records se fijara en su talento y publicara su primer álbum a mediados de 1988.
En este primer disco, la cantante afroamericana va relatando de manera sobria, intimista y melancólica, los sinsabores de la vida empezando por la pobreza "Fast Car", la incomunicación de la pareja "Baby I Can Hold You", las miserias del ser humano "Why", la rebelión de los perdedores "Talkin´Bout a Revolution", el racismo "Across The Lines" o el exagerado consumismo "Mountain O´Things", todas ellas narradas a modo de angustioso lamento y teñidas en un mágico envoltorio de folk y pop atractivo.
Cerca de los veinte millones de copias vendidas alrededor del mundo y tres premios Grammy, avalaron este sorprendente y antológico debut de esta cantautora norteamericana.

The Traveling Wilburys-Traveling Wilburys Vol.1 (1988)

Una rocambolesca sucesión de hechos casuales llevaría a que cinco de los mas grandes artistas del rock mundial coincidieran y unieran sus fuerzas para fundar la banda The Traveling Wilburys y lanzar varios álbumes entre finales de los 80 y principios de los 90.
Todo empezaría en cuando George Harrison (The Beatles) y Jeff Lynne (Electric Light Orchestra), finalizaban de componer y producir una canción para el decimoprimer álbum del ex Beatle “Cloud Nine”.
Lynne casualmente también trabajaba en los mismos estudios de grabación situados en Malibú en California, propiedad de Bob Dylan, produciendo el álbum “Mystery Girl” de Roy Orbison, por lo que ambos terminarían involucrándose en la composición de Harrison.
Poco después aparecerían en escena Tom Petty y Bob Dylan quienes igualmente colaboran en dicha grabación.
Esta asombrosa reunión de “amigos”, terminaría componiendo material para completar un álbum independiente que terminaría titulado “Vol 1” y firmado bajo el nombre de The Traveling Wilburys.
Publicado en octubre de 1988, este primer álbum, que estuvo compuesto por diez cortes de enorme calidad, era una fusión de los estilos de sus integrantes como el country, el folk o el rock entre los que destacaban las adictivas “Handle With Care”, “Dirty World”, “Tweeter And The Monkey Man” o “End Of The Line”.
Su recepción posterior fue tremendamente exitosa con mas de dos millones de copias vendidas en los primeros meses después de publicarse.
Sin embargo la carrera de The Traveling Wilburys fue breve. Dos meses después del lanzamiento de este primer disco, en diciembre de 1988, Roy Orbison fallecería de un ataque al corazón a sus 52 años.
Dos años más tarde, los cuatro restantes músicos publicaron un nuevo y a la postre su último trabajo, “Traveling Wilburys Vol. 3”, el cual se lo dedicaron a Roy Orbison. Finalmente, tras años de especulaciones sobre una nueva reunión, The Traveling Wilburys terminarían desapareciendo en el 2001, con el fallecimiento de George Harrison víctima de un cáncer de pulmón.

The Incredible String Band-The Hangman´s Beautiful Daughter (1968)

La Incredible String Band fueron una de las agrupaciones más complejas que han existido, principalmente por la versátil capacidad que tenían dos de sus miembros originales de dominar múltiples instrumentos y con una sensibilidad casi extrasensorial para llegar a crear una amplia variedad de estilos, todos ellos bajo el prisma del folk.
Las raíces de esta formidable banda residía en el dúo Robin Williams y Clive Palmer, ambos multinstrumentistas que comenzaron su trayectoria en el área de Edimburgo a principios de los años 60.
Algunos años más tarde reclutarían al guitarrista y voz Mike Heron y la vocalista Licorice McKenzie, además de diferentes miembros ocasionales que demostrarían ser músicos bastantes prolíficos y talentosos.
En 1966 y después de lograr un contrato con el sello Elektra grabaron su primer álbum "Incredible String Band", muy aclamado por la critica de la época.
En esta primera entrega muestran unas grandes líneas vocales y una instrumentación bien elaborada de música con influencias medievales y folk tradicional, aunque aún bastante rudimentaria.
Después de un segundo álbum mas experimental con grandes influencias del espiritualismo oriental e hindú y acercamientos al acid folk titulado "5000 Spirit Or The Layers Of The Onion" (1967), lanzan su obra más ambiciosa, este "The Hangman´s Beautiful Daughter", en donde introducen elementos psicodélicos y dosis vanguardistas.
La extensa "A Very Cellular Song", es el mejor ejemplo del lado progresivo de este álbum, con una amplia variedad de instrumentos acústicos y exóticos, bañados con un sutil órgano Hammond, creando un paisaje sonoro variado y cálido con tintes orientales no exentos de cierto tono oscuro.
A partir de aquí la banda realizaría una docena de álbumes más y emprendería numerosas giras por medio mundo, fortaleciendo su reputación de banda icónica del temprano folk vanguardista, hasta que en 1974 se desmembraron definitivamente para seguir cada uno de sus miembros carreras independientes dentro de género del folk intimista y progresivo.

Donovan-A Gift From A Flower To A Garden (1967)

Fue durante el popular programa de la televisión británica “Ready Steady Go!”, cuando un joven desmelenado, una gorra a lo Bob Dylan, una voz acompasada y acompañado solamente de una guitarra acústica y una armónica, haría enloquecer a millones de telespectadores a comienzos de 1965.
Este joven de nombre Donovan Leitch, escocés de nacimiento, creció rodeado de poetas insatisfechos post-beat y el movimiento pre-hippie del entorno de su ciudad natal St.Albans.
Su clara influencia de Dylan y sus buenas maneras hacen que el sello Pye Records se fije en el, comenzando de esta manera su dilatada y meteórica carrera artística. Ese mismo año de 1965 publica sus primeros álbumes, “What´s Bin Did And What´s Bin Hid” y “Fairytale”, en donde presenta versiones de clásicos del folk y melancólicas canciones propias.
A partir de aquí, una serie de singles conquistan las listas de éxitos, temas como “Mellow Yellow”, “Sunshine Superman” o “There Is A Mountain”, o álbumes como “Sunshine Superman”, obtienen un rotundo éxito a ambos lados del Atlántico.
Algunos de los músicos que participaron en las grabaciones de esos discos eran jóvenes talentos que pronto se convertirían en estrellas como Jimmy Page y John Paul Jones (Led Zeppelin) o Jack Bruce (Cream).
Pese a que los sonidos psicodélicos y el flower power estaban de moda hacia la segunda mitad de los sesenta, Donovan continuaba con su vaga aspiración de la felicidad espiritual del folk, con un estilo que seguía manteniendo una lírica poética cautivadora.
Sin embargo Donovan se terminaría rindiendo al status quo musical de la época y se embarcaría en un ambicioso doble álbum titulado “A Gift From A Flower To A Garden” (1967), que recogía cierta complicidad con los sonidos flower power y las canciones poéticas celtas.
A la postre este seria su mejor registro comercial y artístico, pese a que en los sucesivos años publicaría trabajos de enorme calidad como “The Hurdy-Gurdy Man” (1968), “Barabajagal” (1969), “Open Road” (1970) o “7-Tease” (1975).

Ry Cooder-Paris,Texas-Original Motion Picture Soundtrack (1985)

Ry Cooder nunca será famoso por el computo habitual de los millones de discos vendidos, pero sin embargo lo es por haber sido uno de los grandes artesanos de la música rock, profundizando en los sonidos mestizos y de exploración y sus raíces mas profundas de la música americana.
Su discográfica es extensa y rica, desde sus múltiples composiciones para bandas sonoras, hasta sus proyectos en solitario, pasando por sus trabajos para otros artistas.
Ganador de seis Grammy, además de otros galardones importantes como el doctorado honorario en las Universidades de Queen en Canadá o el de las Artes de California, Cooder ha dejado para la posteridad obras de gran envergadura, consideradas como fundamentales en el devenir de la música contemporánea.
Una de ellas es la banda sonora de la película de Win Wenders, “Paris Texas”, un memorable recorrido por los paisajes tejanos en donde imprime a su guitarra esos sonidos áridos y polvorientos típicos del sur de los Estados Unidos, en un álbum tan emocionante como brillante y con el cual su popularidad se dispararía aún mas, demostrando su enorme talento y su genialidad.

Tim Buckley-Starsailor (1971)

A menudo Tim Buckley es ignorado y obviado en las enciclopedias de la música rock, sin embargo este genial cantautor esta rodeado por una aureola de leyenda y misticismo. Cantautor tremendamente ambiguo, Buckley fue un creador del uso de la voz, experimento con estilos tan dispares como el free jazz, la psicodelia, el folk, e incluso los sonidos vanguardistas.
Desde muy joven aprendió a tocar la guitarra y modular su voz, y después de cientos de experiencias junto a personajes como el bajista Jim Fielder de los Buffalo Springfield, tuvo la llamada de Herb Cohen, un cazatalentos que ejercía como manager de Frank Zappa.
Algún tiempo después conseguiría su primer contrato discográfico con la Asylum Records y publicaría su primer álbum “Tim Buckley” (1966), en el cual lograba una atmósfera que era una clara evidencia de la época psicodélica y el folk reinante en aquellos años.
Un segundo álbum “Goodbye and Hello” (1967), no terminaría de encajar en la filosofía de Buckley debido a los recargados arreglos del productor Jerry Yester.
En los siguientes años Buckley firmaría la trilogía “Happy/Sad” (1969), “Lorca” (1970) y “Blue Afternoon” (1970), en donde alcanzaría su madurez artística, derivando su estilo psicodélico y folk hacia derroteros mas jazzisticos.
El siguiente y brillante “Starsailor” (1971), junto a “Greetings From L.A.” (1972), fueron los trabajos que le supondrían sus mejores resultados comerciales. Después de dos álbumes más en una línea artística descendente como fueron "Sefronia" (1973) y "Look at the Fool" (1974), se alejaría temporalmente del mundo de la música.
Pero su frágil personalidad y sus continuas depresiones le llevarían a la tumba un 26 de julio de 1975, a causa de una sobredosis mortal de morfina y heroína.

Jethro Tull-Living In The Past (1972)

"Living In The Past", el quinto álbum de Jethro Tull, es un semi-recopilatorio que presenta una gran cantidad de canciones inéditas que no pertenecen a ningún álbum anterior, algunas de ellas publicadas originalmente en las caras B de los singles, además de otras que fueron desechadas para sus discos oficiales, que fue lanzado en 1972 en formato de doble LP.
Este doble álbum contiene una serie de temas que no conocían previamente muchos de los aficionados de la época, pertenecientes al periodo comprendido entre 1968 y 1971, por lo que para la gran mayoría fue visto como un nuevo álbum oficial y no una mera recopilación al uso.
Al tratarse de un disco que contiene obras de diferentes épocas, es sumamente interesante observar la evolución de la banda desde sus comienzos de blues y folk hasta los sonidos hard rock y progresivos que fueron imprimiendo a medida que fueron transcurriendo esos primeros años de la carrera de la banda.
El folk, el blues y las influencias de jazz están presentes en cortes como "Song for Jeffrey", "Love Story", "Bourée", "Driving Song" o "Witch´s Promise", mientras la vena mas experimental la encontramos en "Sweet Dream", "Singing all Day", "Life Is A Long Song", "Dr. Bogenbroom" o la progresiva "Living In The Past".
Por derecho propio "Living in the Past" se ha convertido en un disco imprescindible en la discográfica de Jethro Tull y probablemente uno de sus mejores trabajos, pese a llevar la camuflada etiqueta de recopilatorio.

Levon Helm-Dirt Farmer (2007)

Después de superar un cáncer de garganta y una intensa radioterapia; Levon Helm a sus 67 años volvió a publicar un nuevo álbum, casi 25 después de su ultimo trabajo en solitario.
“Dirt Farmer” es uno de esos soberbios y palpitantes discos que demuestra la sangre que lleva dentro este legendario músico impregnada de blues, gospel, folk, country y rock and roll y que interpreta de manera natural y asombrosa.
Compuesto por temas tradicionales que van desde canciones rurales hasta bluegrass, pasando los senderos del folk o versiones de artistas del calibre de Steve Earle, Budy Miller, The Carter Family o Stanley Brothers, Helm nos deja otro álbum que lleva camino de convertirse en un clásico atemporal.
Acompañado de su hija Amy Helm, cuenta con la valiosísima colaboración entre otros de Larry Campbell, un músico curtido en mil batallas que formo parte de la banda de Bob Dylan durante años.
El desparpajo y la combinación de estilos demuestran que aun Helm conserva aquí su innegable capacidad para poner en asombro a cualquiera con su voz rasposa y esta vez debido al cáncer, desgastada y en cierto modo cansada.
El rock esta presente en cortes como “False Hearted Lover Blues”, mientras el viejo cajun aparece en “Poor Old Dirt Farmer”, dos temas en donde además demuestra su talento con la batería.
El resto esta relleno de sentimientos como queda demostrado en los cortes “The Mountain”, “Single Girl, Married Girl” o “Wide River To Cross”.
“Dirt Farmer” obtuvo su merecido reconocimiento logrando el premio Grammy al mejor álbum de folk tradicional en el 2008, haciendo así justicia a la innegable labor de uno de los patriarcas de la música de raíces norteamericana.

James Taylor-Mud Slide Slim and the Blue Horizon (1971)

James Taylor es uno de los grandes cantautores de la historia, sus canciones en formato acústico de gran sensibilidad le han valido para ser uno de los mas influyentes artistas de todos los tiempos.
Sus inicios fueron bastante tormentosos, problemas mentales derivados del abusivo consumo de drogas y una vida bastante azarosa le marcaron para el resto de su vida.
En los estrictamente musical sus comienzos no le iría mucho mejor que digamos, sus primeros dos álbumes de finales de los sesenta apenas tuvieron ninguna repercusión y no seria hasta principios de la década de los 70 cuando gracias a su segundo álbum “Sweet Baby James” lograría el reconocimiento del publico y la critica del momento.
Con un estilo emparentado claramente con el folk en donde prácticamente no empleaba instrumentos electrónicos, Taylor le daba mucha mas importancia a su voz, a sus poéticas y desgarradoras letras, a su guitarra en un primer plano y a una mínima pero efectiva percusión. Temas como la sobria “Oh Susannah” (una versión del clásico de Stepehn Foster de 1848), o la brillante “Fire and Rain” auparon al álbum hasta una sorprendente tercera posición en las listas norteamericanas.
Pero sin embargo este éxito se ensombrecería al año siguiente cuando publico su siguiente trabajo “Mud Slide and the Blue Horizon” en el cual contó con la participación de un escueto plantel de músicos entre los que se encontraban Carole King (la cual incluso aportaría el hit “You´ve got a Friend”), Danny Kortchmar, Joni Mitchell o Leland Sklar.
Siguiendo el mismo patrón musical que su anterior álbum, Taylor mostraba una serie de canciones acústicas con apenas acompañamiento que alcanzaría un segundo puesto en el Billboard y un numero uno en singles con la mencionada “You´ve got a Friend”, además de dos millones de copias vendidas en el mercado norteamericano.

Tir Na nÓg-Tir Na nÓg (1971)

En 1971 aparecería un dúo llamado Tir Na nÓg, el cual musicalmente imprimía una sabia mezcla de exotismo oriental, una sutil cadencia pop, y el misticismo hindú, un gran lirismo con reminiscencias clásicas y que fueron uno de los aportes más importantes en un año en el que la música intimista dominó gran parte del gusto del gran público, gente como Carole King, James Taylor, CSN&Y, Cat Stevens y muchos otros dominaban las listas y las emisoras de radio.
Tir Na nÓg fue la nota colorista, ellos no lograron ningún #1, no lograron vender un millón de dólares en discos para conseguir un disco de oro, tampoco fueron cabeza de cartel en ningún festival y ni siquiera aparecieron en las listas de éxitos, sin embargo cualquier entusiasta, empezando por los propios críticos e incluso muchos artistas contemporáneos famosos citaron a Tir Na Nog como lo mejor de ese año 1971.
Su primer disco, homónimamente titulado como el grupo, fue la clave de todo ello. Un solo álbum los elevó a la cima de la calidad, de la expresión más preciosista que la música haya dado jamás.
Este álbum lanzado bajo el sello Chrysalis y una posterior gira apoyando a Jethro Tull y Emerson Lake & Palmer, les labraría una amplia legión de fans por todo el Reino Unido.
Fueron trece canciones compuestas indistintamente por los dos integrantes de este dúo, dos muchachos jóvenes, sencillos poetas y buenos músicos. Ellos eran Sonny Condell a la guitarra, tabla, percusiones africanas y marroquí y arpa y Leo O'Kelly a la guitarra, bajo y otros instrumentos.
En este primer álbum destacaban el tema homónimo, una solemne epopeya cantada con mucho dramatismo, la alegre “Looking Up” o las meritorias “Dance of Years” y “Live A Day”.
Posteriormente en 1972 se publicaría "A Tear And A Smile”, una nueva muestra de expresionismo místico pero con un mayor énfasis en los arreglos y en el virtuosismo instrumental, así como el siguiente "Strong In The Sun" (1973), un trabajo con un ambiente mas cercano al folk rock.
Todos ellos les llevaron a ser aclamados unánimemente por la crítica de la época, incluso fueron nominados al mejor grupo de folk de aquellos años, que sin embargo no tuvo la repercusión comercial deseada, en parte por la gran cantidad de bandas y artistas de enorme calidad que publicaban constantemente, algo que obviamente lastraba a las bandas con menor peso específico, y sobre todo a la escasa o nula publicidad de sus discográficas, más preocupadas por los artistas ya consagrados que les daban suculentos dividendos por sus millones de discos vendidos.

Little Feat-Little Feat (1971)

Little Feat fueron una de las bandas icónicas del rock norteamericano, que guiados sabiamente por su líder Lowell George, supieron hacerse un hueco entre las mejores bandas estadounidenses de la historia, gracias a su atrayente combinación de blues, jazz, country y rock.
Formada a finales de los 60 en los Ángeles, su primera formación estaba compuesta por el mencionado Lowell George (guitarra, voz y harmónica), Bill Payne (teclados y voces), Roy Estrada (bajo y voces) y Richie Hayward (batería y voces).
Todos ellos eran músicos contrastados que habían pertenecido a bandas como los Mothers of Invention de Frank Zappa o afamados instrumentistas de sesión para otros artistas. 
Gracias al productor Russ Titelman, en 1970 lograron un contrato con el sello Warner, y un año después vería la luz el primer álbum titulado homónimamente y compuesto por un total de once temas, la mayoría escritas por Payne y George, el cual sentaría las bases de lo que la banda haría en los años sucesivos.
Pese a no tener un estilo aún muy definido, “Little Feat”, es uno de los debuts mas interesantes del rock norteamericano de principios de los 70, con una gran variedad de estilos e influencias.
Temas puramente rock como “Snakes On Everything”, “Hamburger Midnight" o “Strawberry Flats”, contrastan con las country rock “Truck Stop Girl” o “I´Ve Been The One”, las brillantes “Brides Of Jesus” y “Willin´”, este ultimo uno de los temas estandarte de Little Feat o temas blues como la versión del mítico Howlin´Wolf, “Forty-Four Blues/How Many More Years”, en donde sobresale la inconfundible voz de George y la slide guitar de Ry Cooder.


 

Van Morrison-Moondance (1970)

Para los mas acérrimos fans de Van Morrison, “Astral Weeks” es su obra cumbre y la mas fundamental de toda su carrera, un álbum en donde el irlandés fusionaba perfectamente el folk acústico, el jazz y el blues americano, todo ello bajo el aura de una serie de músicos que habían tocado con grandes artistas como Miles Davis, Harry Belafonte, Ron Carter o Archie Shepp. Sin embargo es el siguiente “Moondance”, con el que consigue el beneplácito del gran publico debido a un repertorio mas equilibrado y variado de canciones.
También es el álbum en donde se encuentran muchos de sus grandes clásicos como “Moondance”, una soberbia pieza bajo el embrujo del swing, o la gospel “Brand New Day”, sin dejar de mencionar otras soberbias canciones como la country “And It Stoned Me”, la soul “Crazy Love”, la R&B “These Dream Of You”, la animada “Glad Tidings” o la melódica “Caravan”, además de acercamientos a sus raíces folk como queda demostrado en la hermosa “Into The Mystic”.
La gran aceptación del álbum por parte del gran publico le llevaría a conseguir varios discos de platino a ambos lados del Atlántico y unas asombrosas ventas con mas de tres millones de copias vendidas solo en el mercado norteamericano.

Jackie McAuley-Jackie McAuley (1971)

Este es otro de esos álbumes injustamente pasados por alto dentro de la historia de la música rock, una obra maestra menor de diversos estilos fusionado con maestría como el jazz, el folk rock y el blues.
Jackie McAuley es un personaje bastante desconocido para la gran mayoría, sin embargo fue uno de los miembros de los míticos Them de Van Morrison y con ellos publicaría algunos de los mejores discos de la banda irlandesa.
Después de abandonar Them, McAuley participaría en dispares proyectos como por ejemplo el dúo Trade Home junto a la ex componente de Fairport Convention, Judy Dyble con la cual grabaría el estupendo “Morning Way” en 1970.
En 1971 lanzaría su primer álbum en solitario junto algunos de los jóvenes prometedores músicos del jazz británico de la época. Músicos como Tony Roberts, Mike Travis o Mike McNaught, todos ellos pertenecientes a la Henry Lowther Band.
En este debut McAuley muestra un ecléctico sonido en donde las melodías agradables y sus sutiles ritmos hacen de este álbum un compendio de canciones repletas de calidad e ingenio.
Ya desde la inicial y portentosa “Turning Green”, nos muestra las capacidades instrumentales y compositivas de este guitarrista y teclista algo olvidado hoy en día.
El resto sigue por una tónica parecida con cortes como la hipnótica “Boy On The Bayou” o la medio progresiva “Away”, conformando un álbum delicioso y una obra que se mereció mucho mas reconocimiento que el que tuvo en su época.

Manassas-Manassas (1972)

Una vez había acabado la multitudinaria, (al mismo tiempo que conflictiva entre sus integrantes), gira posterior al álbum “Deja Vu” de Crosby, Stills, Nash and Young, cada uno de sus miembros decidió seguir sus propios caminos, dejando atrás y de manera momentánea una de las mayores súper bandas jamás creadas.
Y seria Stephen Stills quien primero moviera ficha creando una nueva banda llamada Manassas, para lo cual llamaría al ex Byrds y ex Flying Burrito Brothers, Chris Hillman, al también ex Flying Burrito Brothers, Al Perkins y algunos de los músicos que habían participado en las grabaciónes de “Deja Vu”, como el batería Dallas Taylor y el bajista Fuzzy Samuels.
Con la incorporación de varios integrantes mas, entre los que estaban Paul Harris, quien por entonces pertenecía a la banda de B.B.King como organista y al percusionista ex Pacific Gas and Electric, Joe Lala, además de las colaboraciones especiales de varios músicos invitados como el bajista de los Rolling Stones, Bill Wyman, el líder de Grateful Dead, Jerry Garcia a la pedal steel guitar y Malcolm Cecil en los teclados, entran en los estudios Criteria de Miami y graban el doble álbum “Manassas”, el primer trabajo de esta súper banda de country y rock.
Dividido en cuatro caras con diferentes subtítulos, este primer álbum titulado homónimamente fue uno de los grandes lanzamientos de la década y aún hoy en día sigue considerado un lanzamiento extraordinario.
En la cara A del primer disco, titulado “The Raven”, podemos disfrutar de una mezcla de rock con fusiones latinas y entre las que destacan “Song Of Love”, con el sonido inmenso de las guitarras de Stills y Perkins, la fascinante “Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass”, la jam rock “Both of Us” o la meritoria “Anyway”. Los sonidos campestres y rurales aparecen en el segundo disco “The Wilderness”, en ella aparecen cortes que se mueven entre los sonidos del country y el bluegrass como “So Begins the Task”, “Fallen Eagle, “Colorado” o “Don´t Look at My Shadow”.
Para el tercer disco titulado “Consider” los sonidos son orientados al folk rock con destacados temas como “Johnny´s Garden”, “It´s Doesn´t Matter” o "The Love Gangster”.
Cerrando este doble álbum con el cuarto disco subtitulado “Rock & Roll Is Here”, que como su titulo deja entrever es un homenaje a los sonidos blues y rock que comienza con las deudoras a los sonidos de los mejores CSNY, “Waht to Do” y “Right Now”, la epopeya jam “The Treasure” y la blues acústica “Blue Man”, esta ultima dedicada a tres de los grandes rockeros que habían fallecido en los anteriores dos años, el guitarrista Jimi Hendrix, el cantante Al Wilson de los Canned Heat y el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, todo un soberbio colofón a un álbum tan grande y apoteósico como la carrera de todos los legendarios músicos que intervinieron en su elaboración.

J.J. Cale-Troubadour (1976)

Este fue el álbum que influiría de manera decisiva en Mark Knopfler y sus Dire Straits (al menos en sus dos primeros álbumes), pero también el que contiene una de las canciones míticas de J.J.Cale, “Cocaine”, que posteriormente Eric Clapton  popularizara a nivel mundial.

Al mismo tiempo este trabajo es el que consolidaría el estilo “Tulsa Sound”, un subgénero basado en el folk, el blues, el country, el jazz y el rockabilly y que convirtió a J.J.Cale en una de las leyendas de la música norteamericana del siglo 20.
Pero hasta llegar aquí J.J.Cale ya llevaba tras de si mas de una década de carrera musical, la cual había empezado a principios de los sesenta junto al ilustre Leon Russell.
En 1965 una canción suya “After Midnight”, se convierte en un pequeño éxito y al año siguiente llegaría su primera publicación con el grupo The Leathercoated, que sin embargo no obtiene el éxito deseado.
Esta decepción le lleva a mudarse a Tulsa en Oklahoma, en donde después de firmar con el sello local Shelter grabaría su primera obra en solitario “Naturally” aparecido en 1971.
En este primer álbum J.J.Cale mostraba su enorme sensibilidad con un trabajo repleto de aires blues, jazz, folk y country, con una serie de canciones intensas y contenidas, y que contiene dos de sus clásicos “Call Me The Breeze” y la mencionada “After Midnight”.
En los siguientes años Cale publicaría el mas dinámico “Really” (1972), y mas tarde “Okie” (1974), en donde de manera progresiva incluye otros géneros musicales como el gospel pero sin perder un ápice su personalidad, continuando con sus exploraciones en las raíces de la música norteamericana.
Dos años después con “Troubadour”, culmina su madurez compositiva mostrando su álbum mas versátil y al mismo tiempo mas consolidado en su propuesta musical.
Repleto de canciones inspiradas y brillantes como la mencionada “Cocaine”, la juguetona “I´m A Gypsy Man”, la rítmica "Let Me Do It To You”, la planeadora “Hey Baby”, la atmosférica bluesy “Super Blue” o la ágil “Ride Me High”.

Gryphon-Red Queen To Gryphon Three (1974)

Gryphon son otra de esas grandes bandas desconocidas para el gran publico, su estilo fusionaba diferentes géneros como el folk, la música barroca y renacentista, elementos de vanguardia y medievales y el rock progresivo. Su carrera se forjaría a lo largo de gran parte de la década de los setenta con cinco interesantes álbumes, siendo “Red Queen To Gryphon Three” su obra mas celebre.
Formados en Londres a principios de los setenta por Richard Harvey (teclados y flauta) y Brian Gulland (fagot), ambos estudiantes en la Royal Academy of Music, compartían la misma afición por los sonidos barrocos, el folk tradicional ingles y una visión moderna de la música renacentista. Ya en 1973 se unieron a la banda el guitarrista Graeme Taylor y el cantante y batería David Oberle, con los cuales se grabaría el acústico primer álbum titulado homónimamente como la banda.
Un año después se incorporaría el bajista Philip Nestor, participando en la grabación de “Midnight Mushrumps”, un álbum que contaba con un mayor numero de composiciones originales y una clara inclinación a los sonidos mas puramente rock. 1974 seria el año del lanzamiento del álbum que nos ocupa “Red Queen To Gryphon Three”, un disco conceptual sobre el juego del ajedrez, inspirado en la típicas suites de la música clásica. Un trabajo muy complejo, con un gran nivel en su estructura de canción, con constantes cambios de ritmo y que consta de cuatro extensas piezas interpretadas de manera impecable. Aires medievales, folclóricos y renacentistas, todo ello interpretado por flautas, fagot, piano, órgano, sintetizadores, guitarras eléctricas y acústicas y diferentes percusiones.
Este es definitivamente un clásico álbum de rock progresivo, en donde todo el contenido es soberbio de principio a fin, sin que ninguna de las composiciones sobresalga por encima del resto.

Fairport Convention-Unhalfbricking (1969)

Si en una entrada anterior hablábamos de una de las grandes bandas del folk y jazz blues del Reino Unido, como fueron The Pentangle, los también británicos Fairport Convention nunca le fueron a la zaga. Fundados prácticamente en la misma época, ellos combinaron el folk y el rock con la música clásica, estableciendo un estilo original de folk rock.
Formados en Londres en el año 1967 por el guitarrista Richard Thompson, su primera alineación la completaban el vocalista Ian Matthews, el bajista Ashley Hutchings, la vocalista Judy Dyble, el batería Martin Lamble y el vocalista y guitarra Simon Nicol, todos ellos con una notable formación académica, algo que se vería reflejado en la exquisita y variada técnica instrumental y en la composición de sus canciones.
Su propuesta inicial abarcaba diferentes estilos que iban desde el tradicional folk británico, hasta elementos del folk y el country norteamericano deudor de artistas como Bob Dylan o Tim Buckely, con ramalazos de música cajun.
Esta amalgama de estilos se vio refrendado en el primer álbum el cual contenía diferentes versiones como “Jack O´Diamonds” de Bob Dylan o “I Don´t Know Where I Stand” de Joni Mitchell, además de un claro sabor al folk americano.
Después de unas decepcionantes ventas, la banda cambia de sello por su descontento con la promoción de este primer lanzamiento por parte del sello Polydor y firman con la británica Islands Records. Además la vocalista Judy Dyble es sustituida por la cantante Sandy Denny, una experimentada cantante de folk que ya había tenido cierto éxito con su carrera en solitario, o colaborando con el grupo británico de folk progresivo Strawbs.
Este cambio seria fundamental para el devenir de Fairport Convention, la voz distintiva de Denny fue una de las características de los posteriores álbumes de la banda.
“What We Did On Our Holidays“ su siguiente larga duración, seguía por la senda folk del anterior pero con unas melodías vocales mas ricas gracias a las voces de Denny y Mathews y un estilo mas ecléctico.
Casi a finales de ese mismo año llegaba la tercera entrega “Unhalfbricking”, una clara muestra del sutil desvío de Fairport Convention hacia los terrenos del folk progresivo gracias a los brillantes pasajes de los sonidos rock de la guitarra eléctrica de Richard Thompson y unas estructuras mas vanguardistas.
Sin embargo durante las sesiones de grabación de este álbum Ian Matthews abandonaría debido a sus discrepancias musicales con el líder Richard Thompson, producto de esa orientación hacia terrenos mas experimentales, alejado del folk tradicional.
Un trabajo que contiene brillantes composiciones como la progresiva “A Sailor´s Life”, las dramáticas “Who Knows Where The Time Goes”, “Autopsy” y “Genesis Hall” o alegres melodías folk como las versiones de los temas de Bob Dylan “Million Dollar Bash” y “Percy´s Song”.
En los sucesivos años Fairport Convention seguirán facturando exquisitos discos como “Liege & Lief”,(1969) “Full House” (1970) “Angel Delight” (1971), "Babbacombe´Lee” (1971), o “Rising For The Moon” (1975), pero los continuos cambios de formación les restarían la cohesión y la creatividad musical de sus sublimes primeras obras.

The Band-The Last Waltz (1978)

A mediados de los setenta y tras dieciséis años de carrera, The Band decidieron acabar su fabulosa aventura, la cual los llevaría a dejar en la memoria de millones de fans y en los anales de la música rock, una historia tan apasionante como antológica.
A lo largo de todo ese tiempo fueron durante sus primeros años la banda de acompañamiento de Bob Dylan en su gira mundial de mediados de los sesenta, cuando aún se denominaban The Hawks, además de colaborar en la grabación del famoso “Blonde on Blonde”. Posteriormente y ya como The Band publicaron algunos de los mas grandes álbumes de la historia de la música norteamericana como son “Music From Big Pink” (1968), “The Band” (1969), “Stage Fright” (1970), “Before The Flood” (1974) o "The Basement Tapes" (1975), estos dos últimos junto al propio Bob Dylan.
Como colofón a su despedida, la banda junto al promotor Bill Graham, organizaron un concierto en el legendario Winterland de San Francisco, el día de Acción de Gracias de 1976. Ese día tan señalado para los norteamericanos, el mítico lugar estaba rebosante de publico, ansioso y consciente por ver algo memorable e histórico. Para la ocasión las cámaras del director Martin Scorcerse lo filmarían todo para una película posterior.
Esa noche además de la formación de The Band, compuesta por Rick Danko, bajo violín y voz, Garth Hudson, órgano, piano, sintetizadores y saxofón, Richard Manuel, piano, órgano, batería y voz, Robbie Robertson, guitarra piano y voces y Levon Helm, batería, mandolina y voz, participa una sección de vientos y otros músicos de apoyo entre los que destacan Allen Toussaint, Tom Malone, James Gordon o John Simon. También esa noche intervienen una serie de súper estrellas invitadas, entre los que se encuentran Ronnie Hawkins, Neil Young, Van Morrison, Muddy Waters, Paul Butterfield, Eric Clapton, Neil Diamond, Bob Dylan o Joni Mitchell.
El resultado final fue un triple álbum, además de la mencionada película, que fue publicado dos años mas tarde y que recoge fielmente una noche memorable con casi tres horas de duración y que aglutina un repertorio sublime con la interpretación de los clásicos de la banda como “The Night They Drove Old Dixie Down”, “The Weight”, “Up On Cripple Creek”, “Stage Fright” o “This Wheel´s On Fire” que se alternaron con canciones de los artistas invitados como “Helpless” de Neil Young, “Caravan” de Van Morrison, “Dry  Your Eyes” de Neil Diamond, “Mystery Train” de Paul Butterfield o “Further On Up The Road” de Eric Clapton. Para el final se reservaron el clásico “I Shall Be Released” y varias jams interpretados por todos los que intervinieron en el concierto, incluidos el guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood y el ex Beatle, Ringo Starr.
Este triple álbum junto a la película se convirtió en una obra de culto para los norteamericanos y considerada una de las obras maestras de la música norteamericana de todos los tiempos.

Dr.John-In The Right Place (1973)

Malcolm John Rebennack, mas conocido como Dr.John, fue uno de los grandes impulsores de los sonidos de Nueva Orleans repletos de jazz, blues y la música ancestral del Mardi Grass, el famoso Carnaval de esa ciudad.
Ya desde muy joven su pasión por esos géneros le llevaría a formar parte de algunas bandas locales o como parte del grupo de acompañamiento de músicos tan prestigiosos como Lloyd Price.
Unos años en donde la guitarra era su instrumento principal, pero debido a un infortunio durante una pelea perdió parte de uno de sus dedos, por lo que en adelante se dedicaría a tocar el piano y así comenzaría una extensa y fructífera carrera como músico de sesión, además de comenzar su carrera en solitario a mediados de los 60, justo en medio del creciente genero psicodélico. No seria hasta finales de esa década, cuando llegaría su primer álbum “Gris-Gris”, al que le siguieron otros interesantes discos como “Babylon” o “The Sun”, entre otros trabajos repletos de los sonidos criollos, R&B, y sonidos jazzisticos, todos ellos bañados en el rock and roll.
En 1973 llegaría una de sus mejores obras “In The Right Place”, su sexto álbum, con el cual conseguiría su mayor éxito comercial, permaneciendo en las listas del Billboard durante casi ocho meses consecutivos.
Grabado en Florida bajo la producción de otro de los grandes de la escena de Nueva Orleans como fue Allen Toussaint y con la colaboración de algunos de los músicos mas respetados de la escena musical americana como Art Neville, Joseph Modeliste, David Spinozza, Leo Nocentelli, Ralph McDonald o George Porter.
Basado en el estilo inconfundible de su sonido, “In The Right Place” es un viaje hacia los rincones del R&B, los sonidos mestizos y el jazz, con irresistibles cortes como “Same Old Same Old”, con ese ambiente carnavalero, el ritmo penetrante de “Right Place, Wrong Time”, la pausada “Just The Same”, la pantanosa “Traveling Mood”, la funky “Peace Brother Peace” o la jazzistica “Such A Night”. Sin embargo John también tiene acercamientos a otros sonidos reconocibles dentro la música tradicional norteamericana como el soul en “Shoo Fly Marches On” o la gospel “I Been Hoodood”.
“In The Right Place” fue uno de sus mayores éxitos, aunque el único en llegar al top 10, sin embargo a lo largo de su carrera y en sus incontables colaboraciones ganó la friolera de seis premios Grammy.
Entre otras muchas, entre esa lista de colaboraciones se encuentran The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Eric Clapton, Van Morrison, The Band, Bob Seger o B.B. King.