SA N FR A NCISCO SY MPHON Y

MICH A EL TILSON THOM AS

MA S TE R PIECE S

I N M I N I AT U R E
 Principal Trumpet
Mark Inouye

All works recorded live at Davies Symphony Hall—a venue of Producer: Jack Vad
the San Francisco War Memorial and Performing Arts Center, Engineering Support: Roni Jules, Gus Pollek, Dann Thompson, and Jonathon Stevens.
City and County of San Francisco. Ives/Brant The Alcotts Post-Production: Jonathon Stevens
from A Concord Symphony recorded in 96 kHz/24-bit audio Mastering: Gus Skinas
(February 2–6, 2010), all others in PCM 192 kHz/24-bit audio Booklet Photo Credits: Kristen Loken
(September 26–28, 2013, and May 22–25, 2014). Michael Tilson Thomas Photo Credit: Art Streiber.
Yuja Wang Photo Credit: Fadil Berisha
All editorial materials ©2014 San Francisco Symphony. All rights reserved.
San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102.
sfsmedia@sfsymphony.org
San Francisco Symphony
Michael Tilson Thomas, conductor
Yuja Wang, piano

Masterpieces in Miniature 78:08

1. Henry Litolff Scherzo from Concerto symphonique No. 4 07:36
Yuja Wang, piano
2. Gustav Mahler Blumine 08:28
3. Gabriel Fauré Pavane 06:26
4. Claude Debussy La Plus que lente 06:26
5. Franz Schubert Entr’acte No. 3 from Rosamunde 06:53
6. Charles Ives/Henry Brant The Alcotts from A Concord Symphony 06:11
7. Sergei Rachmaninoff Vocalise, Opus 34, no. 14 05:29
8. Antonín Dvořák Legend for Orchestra, Opus 59, no. 6 05:48
9. Jean Sibelius Valse triste 05:29
10. Frederick Delius On Hearing the First Cuckoo in Spring 07:31
11. Edvard Grieg The Last Spring, Opus 34, no. 2 05:44
12. Léo Delibes Cortège de Bacchus from Sylvia 06:07
Text, artwork, package design © 2014 San Francisco Symphony. All rights reserved.
San Francisco Symphony, Davies Symphony Hall, San Francisco, CA 94102. sfsmedia@sfsymphony.org
About this Collection

My earliest musical memories go back to my parents’ home. They lived made unforgettable impressions when played by masters like Heifetz,
in a small ranch-style house surrounded by orange groves and cactus Piatigorsky, Rubinstein, or Arrau. It was electrifying to hear and
in the then very rural San Fernando Valley. Music was an important see Rubinstein play Falla’s Fire Dance, his hands flying up from the
part of their lives, and they had a collection of 78RPM records that keyboard, or Heifetz playing Sinding’s Suite so rapidly that his bow
embraced Bach, Brahms, Britten, Broadway, Villa-Lobos, Sibelius, became a blur.
and Stravinsky.
But perhaps even more memorable were the quiet and tender pieces
They both played piano. We had a vintage Steinway upright with a they played, like Debussy’s Rêverie. These pieces were haunting,
rosewood case. My mother played carefully, following the notes in her unforgettable. They seemed to explore the realms of vanished
volumes of Mozart and Grieg. My father, who barely read music, could emotions, like wistfulness. They seemed like elusive and charming
play anything by ear. All he had to do was hear something once and recollections of long ago. Under the hands of the masters, they
he’d do a pretty reasonable rendition of it, with occasional outtakes to possessed a profound simplicity.
his basic Yiddish Tin Pan Alley style.
Later I had the opportunity to discover just how seriously artists like
One musical source my parents had in common was a big red book that Rubinstein and Heifetz regarded the playing of these pieces. In a
lived on the piano. It was a collection of short pieces called something master class they could devote as much time to them as to a whole
like Music the Whole World Loves to Play. The book contained pieces movement of a famous sonata. They were aware of every gesture,
like Grieg’s The Last Spring, Cui’s Orientale, Schumann’s Happy Farmer, every color, every little hesitation—and of finding a way to make this
Liszt’s Liebestraum, Sibelius’s Valse triste, and Beethoven’s Für Elise. I all seem spontaneous. I drank it in.
had my own little book called something like Miniatures of the Masters.
One memorable morning in a Heifetz class, I accompanied a young
The wonderful tunes in these books were often being played by one or
violinist on a short piece by Elgar. Every note, every sound, was
another of us as people were cooking, reading, or just being at home.
considered and shaped. Heifetz sometimes played whole second halves
As my musical education continued, I began to encounter these of concerts made of such pieces. That morning he was uncompromising
pieces, and many others like them, played as encores by the great as he directed us to find the exact balance of charm and elegance. In
musicians whose recitals my parents and I attended. These pieces the afternoon I accompanied a singer on one of Boulez’s Mallarmé
Improvisations, under the composer’s direction. It was striking to
notice how similar Heifetz’s and Boulez’s musical concerns were. Both
shared the same quest for exact color, gesture, elusive and vulnerable
expression, but in pursuit of different musical styles.

The pieces in this album exist in various versions. Many began as piano
pieces but were, except for the Ives, orchestrated by their composers.
They were often played as encores by conductors like Stokowski and
Beecham, who took special delight in working with their orchestras
to find the most personal and charming way of playing this music, and
giving the wonderful soloists or sections the opportunities to shine.

This recording pays homage to the tradition of these pieces. It marks

the beginning of my twentieth season as Music Director of the San
Francisco Symphony, and my seventieth birthday. On these occasions,
I wanted to give a present to our whole San Francisco family and to
our listeners everywhere. What better way than to fashion a garland
of these charming pieces? Playing them is now nearly a lost art. The
musicians and I have taken a wonderful voyage in creating these
performances, which are a mixture of my musical memories and the
imagination and virtuosity of my colleagues.

I want to thank Yuja Wang for joining us in Litolff’s Scherzo, and Jack
Vad, our recording producer, for his great sensitivity to the unique sound
and style of every piece.

—Michael Tilson Thomas

 HENRY CHARLES LITOLFF (1818–91), who dazzled Eager for a theater hit, FRANZ SCHUBERT (1797–1828)
Paris with his piano virtuosity and won the admiration composed ten numbers for the play Rosamunde in 1823.
even of Liszt, displayed his keyboard command in works The Third Entr’acte begins with a section whose lovely
such as the Scherzo from the Concerto symphonique No. theme Schubert might have reserved for one of his lieder,
4, which he composed in 1852. This sleek aristocratic and which he also used in his Rosamunde String Quartet
entertainment leaps forward in perpetual motion, demanding wit and (D.804) and his Impromptu No.3 in B-flat major (D.935). This songlike
breakneck speed from the soloist. section is heard three times, its recurrences—each played slightly
differently—punctuated by two contrasting interludes.
GUSTAV MAHLER (1860–1911) is believed to have
composed Blumine for a gala pageant presented in the CHARLES IVES (1874–1954) began the piano work
summer of 1884 in Kassel, where he was music director known as the Concord Sonata in 1916 and finished
of the Royal Theater. Blumine went on to serve as the revising it in 1947. The Alcotts is the third of its
second of five movements in Mahler’s first version of four movements (the movements are titled after
his Symphony No. 1, but in that context it proved discursive and was Transcendentalist thinkers active in nineteenth-century Concord,
later cut. Complete in itself, this charming work is reminiscent of Massachusetts). In 1994, composer HENRY BRANT (1913–2008)
Schubert, and of the Bohemian tunes Mahler grew up with. completed A Concord Symphony, his orchestration of Ives’s sonata.
Concord’s craggy geniuses gathered at Bronson and Abigail Alcott’s
The Pavane that GABRIEL FAURÉ (1845–1924)
salons, where the music might have included hymns such as “Ye
composed in 1886 is a late-Romantic take on a
Christian Heralds,” which Ives quotes. Ives recognized with delight that
stately court dance of seventeenth-century Italy.
this hymn starts with the same notes that begin the Beethoven Fifth
Fauré melds a languorous melodic line with a diaphanous orchestral
Symphony. References to the hymn (and Beethoven) are contrasted
texture, creating music of sensual elegance.
with evocations of sentimental cornet music.
La Plus que lente belongs to a tradition in which
The haunting Vocalise began as a wordless song
composers used the waltz form to mirror complex states
SERGEI RACHMANINOFF (1873–1943) wrote in 1912.
of mind. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), who wrote this
The composer’s 1915 orchestration together with his
music in 1910, explores emotions ranging from brooding
tempo indications suggest an understated concept of
to ecstatic, ending in a sense of nostalgia. Debussy’s
performance that allows this luscious, romantic piece
orchestration of his piano original includes the exotic sound of the
its natural flow.
cimbalom, a hammered dulcimer.
 ANTONÍN DVOŘÁK (1841–1904) wrote his ten Legends creating a glassy sound that Grieg meant to suggest emotions
for piano four-hands in 1881 and introduced orchestral imprisoned in winter’s icy grip.
versions the next year. Legend No. 6 is steeped in the
LÉO DELIBES (1836–91) was influenced by both Wagner
folkloric heritage of the composer’s native Bohemia,
and Verdi, but his bold harmonies laid the groundwork for
with the harp emphasizing the music’s ballad-like origins.
Debussy and Ravel. He also made wonderful use of the
The simple theme heard in the outer sections is re-harmonized ever
perfectly chosen “wrong note,” such as the final note of
more sensitively, until it fades into silence.
the fanfare that opens the Cortège de Bacchus, where
In the Valse triste, by JEAN SIBELIUS (1865–1957), we the god of wine and the harvest enters in the culminating scene from
return to the idea of the waltz as a mirror of psychological the 1876 ballet Sylvia.
states. Composed for a 1903 play with a forbidding title,
—Larry Rothe,
Death, this waltz captures a mood of regretful farewell
from a conversation with
to life. It is by turns nostalgic, giddy, reckless, desperate, and ultimately
Michael Tilson Thomas
resigned. Larry Rothe is author of
Music for a City, Music for the World,
On Hearing the First Cuckoo in Spring, which FREDERICK a history of the San Francisco Symphony,
and co-author of the essay
DELIUS (1862–1934) wrote in 1912, is based on a collection For the Love of Music.
Norwegian folk song that here recurs over and over. Each
time, it is rescored and re-harmonized, building in eddies
of emotion—all based on the shape of the folk tune but
delicately changing in character. This subtle, almost minimalist music
presents an enormous challenge to all the orchestra’s members, who
are asked to express all but imperceptible gradations of mood.

The Last Spring is the setting of a song EDVARD GRIEG

(1843–1907) composed in 1880 and orchestrated for
strings (minus voice) in 1881. Grieg’s singer senses life
drawing to a close, and even in this wordless version
the composer’s straightforward lyricism conveys both longing and
acceptance. About halfway through, the melody is given to a choir
of violins playing sul ponticello—with bows drawn on the bridge—
The SAN FRANCISCO SYMPHONY gave its first concerts in the Orchestra’s concerts across the country. In a multimedia program
December 1911. Its music directors have included Henry Hadley, designed to make classical music accessible to people of all ages
Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique and backgrounds, the SFS launched Keeping Score on PBS-TV, DVD,
Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt, and, radio, and at the website keepingscore.org. San Francisco Symphony
since 1995, Michael Tilson Thomas. The SFS has won such recording recordings are available at sfymphony.org/store.
awards as France’s Grand Prix du Disque, Britain’s Gramophone Award,
Germany’s ECHO Klassik, and the United States’s Grammy. Releases
on the Symphony’s own label, SFS Media, include a cycle of Mahler
symphonies that has received seven Grammys, several volumes
devoted to the works of Beethoven, and John Adams’s Harmonielehre
and Short Ride in a Fast Machine, which won a 2013 Grammy for Best
Orchestral Performance, and the 2013 ECHO Klassik. The Orchestra’s
most recent release on SFS Media is a live recording of the first-ever
complete concert performances of the score from Leonard Bernstein’s
West Side Story. For RCA Red Seal, Michael Tilson Thomas and the
SFS have recorded scenes from Prokofiev’s Romeo and Juliet, a
collection of Stravinsky ballets, and Charles Ives: An American Journey,
among others.

Some of the most important conductors of the past and recent years
have been guests on the SFS podium, among them Bruno Walter,
Leopold Stokowski, Leonard Bernstein, and Sir Georg Solti, and the
list of composers who have led the Orchestra includes Stravinsky,
Ravel, Copland, and John Adams. The SFS Youth Orchestra, founded
in 1980, has become known around the world, as has the SFS Chorus,
heard on recordings and on the sound tracks of such films as Amadeus
and Godfather III. For more than two decades, the SFS Adventures in
Music program has brought music to every child in grades 1 through 5
in San Francisco’s public schools. SFS radio broadcasts, the first in the
US to feature symphonic music when they began in 1926, today carry
 Symphony Orchestra in 1988 and now serves as Principal Guest
Conductor. He is the founder and Artistic Director of the New World
Symphony, America’s Orchestral Academy.

Michael Tilson Thomas’s recorded repertory reflects interests

arising from work as conductor, composer, and pianist. His
television credits include the New York Philharmonic Young
People’s Concerts, and in 2004 he and the San Francisco Symphony
launched Keeping Score on PBS-TV. Among his honors are Columbia
University’s Ditson Award for services to American music and
Musical America’s Musician and Conductor of the Year award. He
is a Chevalier des Arts et des Lettres of France, was selected as
Gramophone 2005 Artist of the Year, was named one of America’s
Best Leaders by U.S. News & World Report, has been elected to
the American Academy of Arts and Sciences, and in 2010 was
awarded the National Medal of Arts by President Barack Obama.
MICHAEL TILSON THOMAS first conducted the San Francisco
Symphony in 1974 and has been Music Director since 1995. A Los
Angeles native, he studied with John Crown and Ingolf Dahl at
the University of Southern California, becoming Music Director of
the Young Musicians Foundation Debut Orchestra at nineteen and
working with Stravinsky, Boulez, Stockhausen, and Copland at the
famed Monday Evening Concerts. In 1969, Mr. Tilson Thomas won
the Koussevitzky Prize and was appointed Assistant Conductor of the
Boston Symphony. Ten days later he came to international recognition,
replacing Music Director William Steinberg in mid-concert at Lincoln
Center. He went on to become the BSO’s Principal Guest Conductor.
He has also served as Director of the Ojai Festival, Music Director of
the Buffalo Philharmonic, and a Principal Guest Conductor of the Los
Angeles Philharmonic. He became Principal Conductor of the London
 received an ECHO Klassik award for Young Artist of the Year; and a
Grammy-nominated concerto album of works by Rachmaninoff, with
Claudio Abbado and the Mahler Chamber Orchestra. Her recordings
include a live album with Gustavo Dudamel and the Simón Bolívar
Symphony Orchestra, and a disc with Leonidas Kavakos for Decca, of
Brahms’s sonatas for violin and piano.

YUJA WANG entered the Central Conservatory of Music in Beijing at

a young age to study under Ling Yuan and Zhou Guangren. From 1999
to 2001 she participated in the Morningside Music summer program
at Calgary’s Mount Royal College and began studying with Hung-Kuan
Chen and Tema Blackstone at the Mount Royal College Conservatory.
Ms. Wang then moved to the US to study with Gary Graffman at the
Curtis Institute of Music in Philadelphia, from which she graduated
in 2008. In 2006 she received the Gilmore Young Artist Award and in
2010 was awarded an Avery Fisher Career Grant. She made her San
Francisco Symphony debut in February 2006 and became a Shenson
Young Artist later that year. She was also the featured artist in the
Symphony’s 2010–11 and 2013–14 Project San Francisco initiatives.

Ms. Wang’s recordings for Deutsche Grammophon include Sonatas

& Etudes, for which she was named the Classic FM 2009 Young Artist
of the Year by Gramophone magazine; Transformation, for which she
Principal Clarinet Associate Principal Flute
Carey Bell Robin McKee

Michael Tilson Thomas and the San Francisco Symphony

À propos de cette anthologie

Mes premiers souvenirs musicaux remontent au temps où mes joués par l’un ou l’autre d’entre nous pendant qu’on faisait la cuisine,
parents habitaient une petite maison aux allures de ranch, entourée lisait ou était simplement à la maison.
d’orangeraies et de cactus, dans la vallée de San Fernando, encore
À mesure que j’ai progressé dans ma formation musicale, j’ai commencé
très rurale à cette époque. La musique comptait beaucoup dans leur
à rencontrer ces pièces, et beaucoup d’autres du même genre, jouées
vie, et ils avaient une collection de 78-tours qui s’étendait de Bach à
comme bis par les grands interprètes aux récitals desquels mes parents
Broadway, en passant par Brahms, Britten, Villa-Lobos, Sibelius et
et moi assistions. Elles laissaient une impression inoubliable quand elles
Stravinsky.
étaient jouées par des maîtres comme Heifetz, Piatigorsky, Rubinstein ou
Tous deux jouaient du piano, et nous avions un vieux Steinway en Arrau. Il était galvanisant d’entendre et de voir Rubinstein jouer la Danse
palissandre. Ma mère jouait avec application, en suivant sur la partition du feu de Falla avec les mains qui s’envolaient sur le clavier, ou Heifetz
dans ses volumes Mozart et Grieg. Mon père, qui savait à peine lire la jouer la Suite de Sinding si rapidement que son archet en devenait flou.
musique, pouvait tout jouer d’oreille. Il lui suffisait d’entendre quelque
Mais peut-être les pièces calmes et tendres qu’ils jouaient, comme
chose une fois, et il arrivait à le reproduire tout à fait correctement,
la Rêverie de Debussy, étaient-elles encore plus mémorables. Ces
avec d’occasionnels retours à son style de base, une musique de Tin
pièces étaient envoûtantes, inoubliables. Elles paraissaient explorer
Pan Alley aux accents yiddish.
des émotions disparues, comme la mélancolie ; elles semblaient des
L’une des sources musicales que mes parents avaient en commun était souvenirs fugaces et charmants d’autrefois. Sous les doigts des maîtres,
un grand livre rouge toujours posé sur le piano : un recueil de pièces elles revêtaient une profonde simplicité.
brèves dont le titre était quelque chose comme Music the Whole World
Par la suite, j’ai eu l’occasion de découvrir à quel point des artistes
Loves to Play (Musique que le monde entier aime jouer). Il contenait
comme Heifetz et Rubinstein jouaient sérieusement ces pièces. Lors d’un
des pièces comme Le Dernier Printemps de Grieg, Orientale de César
cours d’interprétation, ils pouvaient y consacrer autant de temps qu’à un
Cui, Le Gai Laboureur de Schumann, Liebestraum de Liszt, la Valse triste
mouvement entier d’une sonate célèbre. Ils étaient conscients de chaque
de Sibelius, et la Lettre à Élise de Beethoven. J’avais mon propre petit
geste, chaque couleur, chaque petite hésitation—tout en trouvant le
livre, Miniatures of the Masters (Miniatures des maîtres), ou quelque
moyen de faire paraître tout cela spontané. Je m’en imprégnais.
chose de ce genre. Les merveilleux airs de ces livres étaient souvent
Un matin, lors d’un cours de Heifetz, j’accompagnais un jeune violoniste Je voudrais remercier Yuja Wang de s’être jointe à nous dans le Scherzo
dans une pièce brève d’Elgar. Chaque note, chaque son était pensé de Litolff, et Jack Vad, notre directeur artistique, pour sa grande
et modelé. Heifetz donnait parfois une deuxième partie de concert sensibilité au son et au style uniques de chaque pièce.
entièrement composée en ces pièces. Ce matin-là, il insista jusqu’au bout
—Michael Tilson Thomas
pour que nous trouvions le juste équilibre entre charme et élégance. Dans
l’après-midi, j’ai accompagné une chanteuse dans l’une des Improvisations
sur Mallarmé de Boulez, sous la direction du compositeur. Les similitudes
entres les préoccupations musicales de Heifetz et de Boulez étaient
frappantes. Tous deux partageaient la même quête de la couleur et du
geste exacts, d’une expression insaisissable et vulnérable, mais dans des
styles musicaux différents.

Les pièces de cet album existent dans diverses versions. Beaucoup ont
vu le jour comme pièces pour piano, mais ont ensuite été orchestrées
par leur compositeur, à l’exception de la pièce d’Ives. Elles étaient
souvent jouées en bis par des chefs comme Stokowski et Beecham, qui
aimaient particulièrement les travailler avec leur orchestre pour trouver la
manière la plus personnelle et la plus charmante de jouer cette musique,
et prenaient tout autant de plaisir à donner aux merveilleux solistes ou
pupitres des occasions de briller.

Cet enregistrement rend hommage à cette tradition. Il marque le début

de ma vingtième saison comme directeur musical du San Francisco
Symphony, et mon soixante-dixième anniversaire. Je voulais donc faire
un cadeau à toute notre famille de San Francisco et à nos auditeurs du
monde entier. Que pouvais-je offrir de mieux qu’une guirlande faite de ces
pièces charmantes ? Les jouer est maintenant un art presque perdu. Les
musiciens et moi-même avons fait un merveilleux voyage en gravant ces
interprétations, qui sont un mélange de mes souvenirs musicaux, et de
l’imagination et de la virtuosité de mes collègues.
HENRY CHARLES LITOLFF (1818–1891), qui éblouit Paris par sa Désireux de connaître le succès au théâtre, FRANZ SCHUBERT
virtuosité pianistique et gagna même l’admiration de Liszt, déploie sa (1797–1828) composa dix numéros pour la pièce Rosamunde en 1823.
maîtrise du clavier dans des œuvres comme le Scherzo du Concerto Le Troisième Entracte débute par une section dont Schubert aurait
symphonique no 4, qu’il composa en 1852. Cet élégant divertissement pu réserver le thème ravissant à l’un de ses lieder, thème qu’il utilisa
aristocratique s’élance dans un mouvement perpétuel, exigeant du également dans son Quatuor à cordes Rosamunde (D. 804) et son
soliste humour et vitesse vertigineuse. Impromptu no 3 en si bémol majeur (D. 935). Cette section en manière
de lied est entendue trois fois, les retours—chacun joué un peu
On pense que GUSTAV MAHLER (1860–1911) composa Blumine pour
différemment—étant ponctués par des interludes contrastants.
un spectacle de gala présenté au cours de l’été 1884 à Cassel, où il
était directeur musical du Théâtre royal. Blumine devint ensuite le CHARLES IVES (1874–1954) commença l’œuvre pour piano intitulée
deuxième des cinq mouvements de la version primitive de sa Première Concord Sonata en 1916 et acheva de la réviser en 1947. The Alcotts
Symphonie, mais la pièce se révéla trop digressive dans ce contexte et est le troisième de ses quatre mouvements (les mouvements portent
fut ensuite coupée. Cette œuvre charmante, qui se suffit à elle-même, les noms de penseurs transcendentalistes actifs au XIXe siècle à
rappelle Schubert et les airs bohémiens de l’enfance de Mahler. Concord, dans le Massachusetts). En 1994, le compositeur HENRY
BRANT (1913–2008) acheva A Concord Symphony, son orchestration
La Pavane que GABRIEL FAURÉ (1845–1924) composa en 1886
de la sonate d’Ives. Ces esprits rugueux se réunissaient à Concord
est une vision postromantique d’une danse de cour solennelle de
dans les salons de Bronson et Abigail Alcott, où l’on pouvait entendre
l’Italie du XVIIe siècle. Fauré mêle une ligne mélodique langoureuse
des cantiques comme « Ye Christian Heralds », qu’Ives cite. Ives eut
à une écriture orchestrale diaphane, concevant une musique d’une
plaisir à voir que ce cantique débute avec les mêmes notes que la
sensuelle élégance.
Cinquième Symphonie de Beethoven. Des allusions au cantique (et à
La plus que lente appartient à une tradition dans laquelle les Beethoven) sont opposées à des évocations de musique sentimentale
compositeurs utilisèrent la forme de la valse pour refléter des états pour cornet à pistons.
d’âme complexes. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), qui composa cette
L’envoûtante Vocalise de SERGE RACHMANINOV (1873–1943)
pièce en 1910, explore des émotions qui vont de la sombre réflexion
vit le jour comme une mélodie sans paroles qu’il écrivit en 1912.
à l’extase, terminant dans un climat de nostalgie. L’orchestration de
L’orchestration faite par le compositeur en 1915 ainsi que ses
la version originale pour piano faite par Debussy utilise la sonorité
indications de tempo invitent à une interprétation toute en retenue, qui
exotique du cymbalum, instrument à cordes frappées par de petits
donne à cette somptueuse pièce romantique son débit naturel.
maillets.
ANTONÍN DVOŘÁK (1841–1904) écrivit ses dix Légendes pour piano exprime à la fois la nostalgie et l’acceptation. À mi-parcours, à
à quatre mains en 1881, avant d’en présenter une version orchestrale peu près, la mélodie est confiée à un chœur de violons qui jouent
l’année suivante. La Légende no 6 est imprégnée de l’héritage folklorique sul ponticello—avec l’archet près du chevalet—produisant une
de la Bohême natale du compositeur, avec la harpe qui souligne les sonorité cristalline avec laquelle Grieg voulait évoquer les émotions
origines de la musique dans la ballade populaire. Le thème simple prisonnières du froid glacial de l’hiver.
entendu dans les sections extrêmes est harmonisé avec encore plus de
LÉO DELIBES (1836–1891) fut influencé à la fois par Wagner et par
sensibilité, jusqu’à ce qu’il s’évanouisse dans le silence.
Verdi, mais ses audacieuses harmonies ouvrirent la voie à Debussy
Dans la Valse triste de JEAN SIBELIUS (1865–1957), on revient à et à Ravel. Il fit également un merveilleux usage de la « fausse note
l’idée de la valse en tant que miroir des états d’âme. Composée pour » parfaitement choisie, telle la note finale de la fanfare qui ouvre le
une pièce de 1903 au titre inquiétant, Mort, cette valse peint un climat Cortège de Bacchus, où le dieu du vin et de la moisson entre au point
d’adieu à la vie, plein de regrets. Elle est tour à tour nostalgique, culminant du ballet Sylvia (1876).
étourdissante, téméraire, désespérée et finalement résignée.
—Larry Rothe,
On Hearing the First Cuckoo in Spring (En entendant le premier extrait d’un entretien avec
coucou au printemps), que FREDERICK DELIUS (1862–1934) Michael Tilson Thomas
écrivit en 1912, est fondé sur une chanson traditionnelle populaire Traduction: Dennis Collins
Larry Rothe est l’auteur de
norvégienne qui revient ici encore et encore. Chaque fois, elle est Music for a City, Music for the World,
réorchestrée et réharmonisée, dans des tourbillons d’émotions— une histoire du San Francisco Symphony,
et co-auteur de la
chaque apparition reste fondée sur les lignes de l’air traditionnel, collection d’essais For the Love of Music.
mais change délicatement de caractère. Cette musique subtile,
presque minimaliste, est un immense défi pour tous les membres de
l’orchestre, qui doivent exprimer des gradations de climat presque
imperceptibles.

Le Dernier Printemps est une mélodie que EDVARD GRIEG (1843–1907)

composa en 1880 et orchestra pour cordes (sans voix) en 1881. Le
poème chanté évoque le sentiment de la vie qui arrive à son terme, et
même dans cette version sans paroles le lyrisme direct du compositeur
Le SAN FRANCISCO SYMPHONY a donné ses premiers concerts du SFS, les premières aux États-Unis à faire entendre de la musique
en décembre 1911. Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay symphonique à leurs débuts en 1926, diffusent aujourd’hui les concerts
Dobrowen, Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, de l’orchestre à travers le pays. Dans un programme multimédia conçu
Edo de Waart, Herbert Blomstedt, et, depuis 1995, Michael Tilson pour rendre la musique classique accessible aux personnes de tout âge
Thomas se sont succédé comme directeur musical de l’orchestre. et de tout milieu, le SFS a lancé Keeping Score sur PBS-TV, en DVD, à la
Le SFS a remporté des prix discographiques comme le Grand Prix radio, et sur le site internet keepingscore.org. Les enregistrements du
du disque français, le prix Gramophone britannique, l’ECHO Klassik San Francisco Symphony sont disponibles à sfymphony.org/store.
allemand et le Grammy américain. Les parutions sur le propre label de
l’orchestre, SFS Media, comprennent une intégrale des symphonies
de Mahler qui a reçu sept Grammys, plusieurs albums consacrés aux
œuvres de Beethoven, ainsi que Harmonielehre et Short Ride in a Fast
Machine de John Adams, qui a remporté un Grammy comme meilleure
interprétation orchestrale en 2013 et l’ECHO Klassik 2013. Le disque le
plus récent de l’orchestre pour SFS Media est un enregistrement live
des toutes premières exécutions intégrales en version de concert de
West Side Story de Leonard Bernstein. Pour RCA Red Seal, Michael
Tilson Thomas et le SFS ont enregistré des scènes de Roméo et Juliette
de Prokofiev, une anthologie de ballets de Stravinsky, et Charles Ives :
An American Journey, entre autres.

Certains des chefs d’orchestre les plus importants des années

passées et récentes ont été invités à diriger le SFS, dont Bruno Walter,
Leopold Stokowski, Leonard Bernstein et Sir Georg Solti, et la liste des
compositeurs qui ont dirigé l’orchestre comprend Stravinsky, Ravel,
Copland et John Adams. Le SFS Youth Orchestra, fondé en 1980, s’est
fait connaître dans le monde entier, de même que le SFS Chorus, entendu
dans des enregistrements et sur la bande-son de films comme Amadeus
et Le Parrain III. Depuis plus de vingt ans, le programme SFS Adventures
in Music fait découvrir la musique à tous les enfants du primaire dans les
écoles publiques de San Francisco. Les retransmissions radiophoniques
Zu dieser Sammlung

Meine frühesten musikalischen Erinnerungen gehen zurück in das Im weiteren Verlauf meiner musikalischen Ausbildung, stieß ich immer
Haus meiner Eltern. Sie lebten in einem kleinen Farmhaus umgeben von wieder auf diese und viele andere ähnliche Stücke, die als Zugaben von
Orangenhainen und Kakteen im damals sehr ländlichen San Fernando den großartigen Musikern gespielt wurden, deren Rezitale meine Eltern
Valley. Musik war ein wichtiger Teil Ihres Lebens und sie hatten eine und ich besuchten. Aufgeführt von Meistern wie Heifetz, Piatigorsky,
Sammlung von 78er Schallplatten, die die Musik von Bach, Brahms, Rubinstein oder Arrau, hinterließen diese Stücke unvergessliche
Britten, Broadway, Villa-Lobos, Sibelius und Strawinsky umfasste. Eindrücke. Es war mitreissend, Rubinstein de Fallas Feuertanz spielen
zu hören und zu sehen, mit seinen über die Tasten fliegenden Händen.
Beide spielten Klavier. Wir hatten ein altes Steinway Klavier aus
Oder Heifetz, der Sindings Suite so schnell spielte, dass sein Bogen
Palisander. Meine Mutter folgte gewissenhaft den Noten ihrer
begann, vor den Augen zu verschwimmen.
Mozart- und Grieg-Bände. Mein Vater, der kaum Noten lesen konnte,
konnte alles nach Gehör spielen. Er musste ein Stück nur einmal hören Aber vielleicht waren die ruhigen und zarten Stücke noch
und war in der Lage, eine ziemlich annehmbare Wiedergabe davon zu einprägsamer, wie Debussys Träumerei. Sie waren tief bewegend und
spielen, mit gelegentlichen Ausbrüchen in den ihm eigenen Yiddish Tin unvergesslich. Sie schienen das Reich der verschwundenen Emotionen
Pan Alley Stil. zu erkunden, wie die Wehmut. Sie schienen wie flüchtige und anmutige
Erinnerungen an längst vergangene Zeiten. Unter den Händen der
Eine musikalische Quelle, die meine Eltern beide nutzten, war ein
Meister verfügten sie über eine unglaubliche Schlichtheit.
großes rotes Buch, das auf dem Klavier lebte. Es war eine Sammlung
kurzer Stücke und hatte einen Titel wie in etwa Musik, die jeder zu Später hatte ich die Gelegenheit herauszufinden, wie ernst Künstler
spielen liebt. Das Buch enthielt Stücke wie Griegs Letzter Frühling, wie Heifetz und Rubinstein das Spielen dieser Stücke nahmen. In
César Cuis Orientale, Schumanns Fröhlicher Landmann, Liszts einem Meisterkurs konnten sie ihnen genauso viel Zeit widmen wie
Liebestraum, Sibelius’ Valse triste und Beethovens Für Elise. Ich hatte einem ganzen Satz aus einer berühmten Sonate. Sie waren sich jeder
mein eigenes kleines Buch, Miniaturen der Meister oder so ähnlich. Geste, jeder Klangfarbe, jeder kleinen Verzögerung bewusst—und
Die wundervollen Melodien in diesen Büchern wurden vom einen oder fanden einen Weg, all dies spontan erscheinen zu lassen. Ich habe es
anderen von uns oftmals gespielt, während andere kochten, lasen oder aufgesaugt.
einfach zuhause waren.
An einem unvergesslichen Morgen während eines Meisterkurses von die eine Mischung aus meinen musikalischen Erinnerungen und der
Heifetz begleitete ich einen jungen Geiger in einem kurzen Stück von Fantasie und Virtuosität meiner Kollegen ist.
Elgar. Jede Note, jede Klangfarbe wurde bedacht und geformt. Heifetz
Ich möchte Yuja Wang dafür danken, dass sie mit uns Litolffs Scherzo
spielte manchmal ganze zweite Konzerthälften nur mit solchen Stücken.
gespielt hat, und Jack Vad, unserem Produzenten, für seine große
An diesem Morgen war er kompromisslos, als er uns half, eine genaue
Sensibilität für den einzigartigen Klang und Stil jedes einzelnen Stückes.
Balance von Anmut und Eleganz zu finden. Am Nachmittag begleitete
ich eine Sängerin in einer von Boulez‘ Mallarmé Improvisationen —Michael Tilson Thomas
unter der Leitung des Komponisten. Es war verblüffend festzustellen,
wie ähnlich Heifetz‘ und Boulez‘ musikalische Anliegen waren. Beide
teilten dasselbe Streben nach präziser Klangfarbe, Gestik, flüchtigem
und verletzlichem Ausdruck, verfolgten dabei allerdings verschiedene
musikalische Stile.

Die Stücke in diesem Album gibt es in vielen Versionen. Viele begannen

als Klavierstücke und wurden, abgesehen von Ives, von ihren
Komponisten orchestriert. Sie wurden von Dirigenten wie Stokowski
und Beecham oftmals als Zugaben gespielt. Für sie war es ein
besonderes Vergnügen, mit ihren Orchestern den persönlichsten und
bezauberndsten Weg zu finden, diese Stücke zu interpretieren und den
wunderbaren Orchestersolisten oder Stimmgruppen die Gelegenheit zu
geben zu glänzen.

Diese Einspielung huldigt der Tradition dieser Werke. Sie markiert

den Beginn meiner zwanzigsten Spielzeit als Music Director des San
Francisco Symphony und meinen siebzigsten Geburtstag. Zu diesen
Anlässen wollte ich meiner San Francisco-Familie und unserem
Publikum weltweit ein Geschenk machen. Was wäre besser, als eine
Girlande aus diesen reizenden Werken zu gestalten? Sie zu spielen ist
mittlerweile eine vergessene Kunst. Die Musiker und ich haben eine
wundervolle Reise unternommen, um diese Aufführungen zu gestalten,
HENRY CHARLES LITOLFF (1818–91), der Paris mit seiner Virtuosität FRANZ SCHUBERT (1797–1828) komponierte 1832 zehn Nummern für
auf dem Klavier begeisterte und sogar die Bewunderung von Liszt das Theaterstück Rosamunde. Das Entr’acte Nr. 3 beginnt mit einem
gewann, stellte seine pianistischen Fähigkeiten in Werken wie dem Abschnitt, dessen bezauberndes Thema Schubert auch für eines seiner
Scherzo des Concerto symphonique No. 4, das er 1852 komponierte, zur Lieder gedacht haben könnte und das er auch in seinem Rosamunde
Schau. Diese geschmeidige aristokratische Unterhaltungsmusik springt Streichquartett (D.804) sowie in seinem Impromptu Nr. 3 in B-Dur (D.935)
in unaufhörlicher Bewegung vorwärts und fordert vom Solisten Witz und verwendet hat. Dieser liedhafte Abschnitt erscheint dreimal—stets ein
halsbrecherisches Tempo. wenig abgewandelt—jeweils unterbrochen von zwei kontrastierenden
Zwischenspielen.
Man vermutet, dass GUSTAV MAHLER (1860–1911) den Andante-
Satz in C-Dur Blumine für eine Festveranstaltung im Sommer 1884 in CHARLES IVES (1874–1954) begann sein als Concord Sonata
Kassel komponiert hat, wo er Musikdirektor des Königlichen Theaters bekanntes Klavierstück 1916 und überarbeitete es letztmalig 1947.
war. Blumine wurde zunächst zum zweiten von fünf Sätzen in Mahlers The Alcotts ist der dritte von vier Sätzen (die Sätze sind nach den
erster Version seiner Symphonie Nr. 1. Später wurde er jedoch Transzendentalisten des 19. Jahrhunderts benannt, die sich in Concord,
wieder gestrichen, da er die Symphonie zu ausschweifend machte. Massachusetts trafen). 1994 vervollständigte der Komponist HENRY
In sich geschlossen, ist dieses bezaubernde Werk eine Reminiszenz BRANT (1913–2008) A Concord Symphony, seine Orchestrierung
an Schubert sowie die böhmischen Melodien, mit denen Mahler von Ives’ Sonata. Concords verschrobene Genies trafen sich in den
aufgewachsen ist. Salons von Bronson und Abigail Alcott, wo auch Musik wie der
Hymnus “Ye Christian Heralds”, den Ives in seiner Sonata zitiert, zu
Die Pavane, die GABRIEL FAURÉ (1845–1924) 1886 komponierte, ist eine
hören gewesen sein dürften. Ives hat mit Vergnügen festgestellt, dass
spätromantische Version eines herrschaftlichen Hoftanzes aus dem
der Hymnus mit denselben Noten beginnt, wie Beethovens Fünfte
Italien des 17. Jahrhunderts. Fauré vereint eine lange melodische Linie
Symphonie. Referenzen an den Hymnus (und an Beethoven) werden von
mit einer durchsichtigen orchestralen Textur zu einer Musik sinnlicher
sentimentaler Kornettmusik kontrastiert.
Eleganz.
Die schwermütige Vocalise begann 1912 als Lied ohne Worte von
La Plus que lente stammt aus einer Tradition, in der Komponisten die
SERGEI RACHMANINOW (1873–1943). Die Orchestrierung des
Form des Walzers verwendeten, um komplexe Gemütsverfassungen zu
Komponisten von 1915 sowie dessen Tempobezeichnungen deuten
beschreiben. CLAUDE DEBUSSY (1862–1918), der dieses Stück 1910
auf ein bewusst zurückhaltendes Aufführungskonzept, das diesem
komponierte, erforscht darin Emotionen von grüblerisch bis ekstatisch
phantastischen romantischen Werk seinen natürlichen Fluss gibt.
und endet in einem Gefühl der Nostalgie. Debussys Orchestrierung
seines ursprünglichen Klavierwerkes verwendet den seltenen Klang des
Zymbals.
ANTONÍN DVOŘÁK (1841–1904) schrieb seine zehn Legenden für am Steg—spielen und so einen gläsernen Klang erzeugen, mit dem Grieg
Klavier zu vier Händen 1881 und stellte im darauffolgenden Jahr die Gefühle im eisigen Griff des Winters beschreibt.
orchestrale Versionen vor. Die Legende Nr. 6 taucht in das folkloristische
LÉO DELIBES (1836–91) wurde sowohl von Wagner als auch von
Erbe der böhmischen Heimat des Komponisten ein, wobei die Harfe den
Verdi beeinflusst, doch seine gewagten Harmonien legten die Basis
balladenhaften Ursprung der Musik unterstreicht. Das einfache Thema
für Debussy und Ravel. Er nutzte wunderbar den perfekt gewählten
der äußeren Abschnitte wird behutsam immer wieder neu harmonisiert,
„falschen Ton”, so wie die letzte Note der Fanfare, die die Cortège de
bis es in absoluter Stille verklingt.
Bacchus eröffnet, wenn der Gott des Weines die kulminierende Szene
Im Valse triste von JEAN SIBELIUS (1865–1957) kehren wir zur Idee des des Ballettes Sylvia von 1876 betritt.
Walzers als Spiegel psychologischer Zustände zurück. 1903 komponiert
—Larry Rothe,
für die Bühnenmusik zum Drama mit dem bedrohlichen Titel Der Tod,
aus einem Gespräch mit
fängt dieser Walzer eine Stimmung von bedauerndem Abschied vom
Michael Tilson Thomas
Leben ein. Es ist abwechselnd nostalgisch, albern, unbekümmert,
Übersetzung: Charlotte Schneider
verzweifelt und letztlich resigniert. Larry Rothe ist Autor von
Music for a City, Music for the World,
On Hearing the First Cuckoo in Spring, von FREDERICK DELIUS (1862– einer Geschichte des San Francisco Symphony,
und Co-Autor der
1934) 1912 komponiert, basiert auf einem norwegischen Volkslied, Essay-Sammlung For the Love of Music.
das hier wieder und wieder erklingt. Von Mal zu Mal ändern sich die
Orchestrierung und die Harmonisierung, so dass emotionale Strömungen
entstehen—alle basierend auf der Form des Volksliedes doch mit
sensibel verändertem Charakter. Diese subtile, fast minimalistische
Musik stellt eine enorme Herausforderung für alle Orchestermitglieder
dar, denen vorgeschrieben wird, kaum wahrnehmbare Abstufungen von
Stimmungen auszudrücken.

The Last Spring ist die Fassung eines Liedes, das EDVARD GRIEG
(1843–1907) 1880 komponierte und 1881 für Streicher (ohne Gesang)
arrangierte. Griegs Sänger spürt, dass sein Leben zu Ende geht, und
sogar in dieser wortlosen Version vermittelt die Lyrik des Komponisten
sowohl Sehnsucht als auch Hinnahme. Etwa in der Mitte des Stückes ist
die Melodie in den Violinen zu hören, die sul ponticello—mit dem Bogen
Das SAN FRANCISCO SYMPHONY (SFS) gab seine ersten Konzerte Programm jedes Kind der 1. bis 5. Klasse in San Franciscos Schulen
im Dezember 1911. Zu den bisherigen Chefdirigenten des Orchesters mit Musik in Berührung. Die Konzerte des SFS können seit 1926, der
gehörten Henry Hadley, Alfred Hertz, Basil Cameron, lssay Dobrowen, allerersten Radioübertragung klassischer Musik in den USA überhaupt,
Pierre Monteux, Enrique Jordá, Josef Krips, Seiji Ozawa, Edo de Waart landesweit verfolgt werden. In einem Multimedia-Programm, das
und Herbert Blomstedt. Seit 1995 ist Michael Tilson Thomas Music klassische Musik Menschen aller Altersgruppen und musikalischer
Director des Orchesters. Das SFS wurde für seine Einspielungen mit Hintergründe zugänglich machen will, startete das SFS Keeping Score in
Auszeichnungen wie dem französischen Grand Prix du Disque, dem Fernsehübertragungen des Public Broadcasting Systems, auf DVD, im
englischen Gramophone Award, dem deutschen ECHO Klassik und Radio und auf der Website keepingscore.org. Die Einspielungen des
dem Grammy in den USA geehrt. Zu den Veröffentlichungen auf dem San Francisco Symphony sind auf sfsymphony.org/store verfügbar.
orchestereigenen Label SFS Media gehört ein Mahler Zyklus, der mit
sieben Grammys ausgezeichnet wurde, einige Aufnahmen, die sich dem
Werk Beethovens widmen und John Adams‘ Harmonielehre und Short
Ride in a Fast Machine, die 2013 sowohl mit dem Grammy der Kategorie
„Best Orchestral Performance“ als auch mit dem ECHO Klassik
ausgezeichnet wurde. Die jüngste Veröffentlichung des Orchesters
auf SFS Media ist die live Einspielung der allerersten vollständigen
konzertanten Aufführung der Partitur von Leonard Bernsteins West
Side Story. Für RCA Red Seal haben Michael Tilson Thomas und das
SFS unter anderem Szenen aus Prokofjews Romeo und Julia, einige von
Strawinskys Ballettmusiken und Charles Ives: An American Journey
eingespielt.

Einige der bedeutendsten Dirigenten der Vergangenheit und Gegenwart

haben das SFS dirigiert, darunter Bruno Walter, Leopold Stokowski,
Leonard Bernstein und Sir Georg Solti. Zu den Komponisten am Pult des
Orchesters gehören Strawinsky, Ravel, Copland und John Adams. Das
1980 gegründete SFS Youth Orchestra genießt weltweite Anerkennung
ebenso wie der SFS Chorus, der auf vielen Einspielungen sowie auf
den Sound Tracks von Filmen wie Amadeus und Der Pate III zu hören
ist. Seit über zwei Jahrzehnten bringt das „SFS Adventures in Music“
 SFS 0060
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