Bwana - Bwana (1972)

Este estilo recuerda inmediatamente a grupos como El Chicano, o en su defecto claramente al gran Santana y su sonido fundacional en este mundo del fusión, el rock, el jazz y los ritmos afro cubanos. En este caso, Bwana proviene de Nicaragua, y ha logrado un sonido muy embebido en ese estilo y muy bien plasmado desde la calidad de ejecución y las sesiones.

Similar también a otros estilos afro funk del tipo del estilo de bandas como Osibisa, o grupos como Mandrill, Malo, o Sapo, que siempre jugaron con todos estos elementos, reformulándolos y replanteándolos en distintas composiciones, pero siempre con esa característica de ritmos robustos, sesiones con percusiones, rock y mucho sabor.

Bwana parece tener un rumbo hacia el mundo fusión afro cubano, pero más hacia el mundo percusivo, el fusión más de sesión y exploración. Si bien Bwana tiene canción, el mayor cuerpo sonoro que parece obtenerse de aquí son las sesiones caracterizadas por aplicaciones en percusiones latinas y atascos con mucho ritmo y percusión.

Es un mundo de sesión con el que es posible volar, pero no es una sesión libre porque sí, sino que es un mundo muy bien planeado de antemano, con progresiones bien pensadas, ritmos estudiados, pasajes y arreglos que fueron organizados para funcionar en la sesión, por ende, todo lo que ocurre aquí funciona por una línea bien organizada. 

A partir de allí la magia ocurre y las sesiones se desatan, muchas veces recordando estrictamente al Santana de esa época, y otras veces con aires propios de Bwana, ya con sonoridades propias, arreglos melódicos proveniente de lo centroamericano, e inventos que insisten en la sesión y con inspiración del género, pero no motivos propios del grupo.

El nivel de los ejecutantes es el requerido para la tarea, mucha percusión especializada, excelentes solos de guitarra y todo un conjunto unificado en un mismo sonido, funcionando en una amalgama sonora muy bien combinada. En este disco la canción es la excusa, la excusa perfecta para que la banda se vuelque a la sesión con percusión, la especialización del grupo.

Pareciera Bwana también manejar su propia lógica en las composiciones, con muchos atascos que no tienen el sentido que se podría esperar, sino que vuelven hacia otros lugares, cambiando la lógica y apareciendo otras percusiones, de distintas intensidades y formas.  Este grupo se ha metido en un sonido característico, pero lo ha utilizado a su favor.

Además de todo el sonido que está emparentado con el rock psicodélico, hay algo de psicodelia experimental allá hacia el final de la pieza ‘’Chapumbambe’’, con algunos efectos de sonido experimental y experimentación, poca pero interesante.

Bwana es otro ejemplo de la explosión del rock latino en la escena psicodélica rockera contracultural norteamericana, una influencia iniciada en la epoca y tomada por muchos en el momento, un estilo en sí y una forma de reinterpretar, a la jazz fusión, los estilos centroamericanos, afro cubano.

Este grupo publicó solo dos discos, ambos hacia 1972, siendo el primero de ellos, el de la portada blanca, el que contó con mayor éxito y generó buena fama en el área al grupo, llegando a ganar premios y tocar en eventos importante. Bwana supo tener su momento y nos ha dejado un gran sonido en este estilo tan característico, logrando marcar su propio sello en el genero.

Cod: #1802

La Kábala - La Kábala (1972)

Existe muy poca información oficial acerca de los orígenes del grupo, y lo poco que hay son solo suposiciones y teorías desparramadas por fanáticos en el internet, donde se suele decir que se trata de un grupo peruano ya que varias de las tiradas del disco que publicó la banda fueron hechas justamente en Perú, o también se suele decir que se trata de un grupo con base en México, pero con músicos de varias nacionalidades, o en su defecto también que puede tratar de un disco grabado en los Estados Unidos.

Lo poco que ha quedado de toda esta historia, y seguramente lo más interesante, es este disco homónimo llamado ‘’La Kábala’’, de 1972, un trabajo por demás desconocido, ubicado entre las rarezas y con misterios ocultos en su historia que pocos conocerán. Es una obra que está a la altura de lo que se puede esperar de la música ‘’rock’’ latina de época, con sesiones, aplicaciones libres, pero siempre dentro de la canción y los ritmos latinos.

Musicalmente es una obra interesante, un trabajo a la altura de su condición de desconocido y under, o sea una fusión de ritmos latinos, elementos de rock, algo de jazz, latin funk, y la psicodelia que eventualmente va apareciendo como un condimento más entre las sesiones, como agregados sonoros, órganos ácidos o pasajes oscuros.

En general es una obra amplia en su concepción musical, siempre dentro de estilos latinos, pero fluctuando entre sus distintas vertientes en estilos de la época, por lo que hay varios motivos sonoros para escuchar en la lista de temas. En su mayoría se vuelcan hacia ritmos con percusiones y letras simpáticas, ritmos latinos tipo salsa, pero fusionados dentro del estilo del disco.

Los más psicodélico del disco tal vez pueda encontrarse en la ambientación de la música de acuerdo a la época, teclados cavernosos, funk, o ritmos, fusiónes y canciones con aires de sesión improvisada, además de la inclusión de varios instrumentos que terminan de confabularse hacia ese aire de ejecuciones libres tipo sesión, sin necesariamente tratarse nunca de zapadas libres.

Hay algunos momentos misteriosos en el disco, donde tal vez traten de retratar el concepto de la kabala, aunque las letras cantadas en español no denotan ningún mayor misterio. Hay en esto también una dosis de ‘’exotica’’ dando vueltas por entre la mezcla, con esa dosis erótica que aplica la voz femenina encargada de la voz principal.

Motivos no faltan para generar ese misterio acerca del origen del disco y sus músicos, el disco contiene referencias diversas que remontan a varias representaciones regionales, desde temas como ‘’Miami Beach’’, ‘’Lindo Panamá’’ o ‘’Rio de Janeiro en Carnaval’’, pero finalmente la preponderancia de ritmos centroamericanos dan una cuenta sugerente acerca de donde podría provenir este proyecto.

En su época, en 1972, el disco fue editado en Perú, México, Panamá, Ecuador y El Salvador, y hay una reedición no oficial contemporánea, todos seguramente totalmente complejos de conseguir. 

El disco es una rareza, difícil de conseguir, pero entretenido para escuchar, con una historia oculta y un misterio de su origen. El trabajo es interesante, con acercamiento a la psicodelia y especialmente dedicado a sonidos centroamericanos.

Cod: #1799

Modulo 1000 - Nao Fale Com Paredes (1972)

Brasil cuenta con una escuela de rock y psicodelia destacable, trabajos profundos, sonidos de repercusión en la psicodelia universal, y desarrollos hacia un sonido tropicalista propio. La banda brasilera Módulo 1000 pasa a engrosar esa lista de glorias, aunque lo que propuso esta banda, aun estando en la psicodelia del momento, logró salirse del sonido de sus coterráneos, o por lo menos eso demuestran en su primer y único disco, ‘’Não Fale Com Paredes’’ de 1972, planteando una psicodelia oscura ya al primer momento de escucha.

Un sonido que, entre prisas y velocidades, cuenta con una dosis de oscura fatalidad corriendo entre sus estigmas más bajos, la combinación de guitarra eléctrica y órgano funcionando al unísono le dan un toque perverso a la propuesta de la banda, la cual a la vez sabe revitalizarse al recorrer por entre composiciones que con facilidad se rumbean hacia momentos progresivos bastante complejos incluso aun dentro de la canción. Todo el ambiente oscuro del sonido también deja su aire psicodélico, por lo que hay otro elemento para la delicia de la propuesta y para la búsqueda sonora.

Es un disco del rock de época brasilero, temerario, muy acertado, con enorme calidad y mucha personalidad, y por supuesto con un espíritu psicodélico álgido, aún más contando lo oscuro de la propuesta. Esa oscuridad se puede percibir en gran medida en lo acertado de los riffs ejecutados por la banda y especialmente por la guitarra eléctrica, que con una distorsión rustica y una ejecución exacta refuerza al sonido de su carácter de perversión.

Piezas como ‘’Lem Ed Ecalg’’ dan muestra de que no solo transcurrían por la canción sino que se manejaban por progresiones y momentos instrumentales, en una pieza frenética y pesada que en poco tiempo tiene mucho para decir dentro del disco. Estas presentaciones instrumentales siempre vienen a traer un aire fresco a la propuesta de cualquier disco de la época psicodelia/progresiva. Cualquier emprendimiento de rock con dosis progresiva en aquella época cuenta con ese don, el de la apertura hacia la experimentación en la composición, lo que hace que las bandas se salieran de la pura canción para ofrecer trabajo con variedad en sus miras musicales.

Esto entra directamente en el mundo del progresivo, pero no se trata de un progresivo fino o de virtuosismos. Aunque seguramente las ejecuciones de la banda son de enorme calidad y tecnica, su quehacer compositivo y su sonido los rumbea más hacia tierras de inventos propios y hacia momentos de rusticidad, psicodelia, oscuridad, momentos acústicos, rock aun hippie pero sucio, plagado de riffs, pasajes instrumentales, progresiones duras y oscuras, y un sonido general con un carácter propio que combina muchas sensaciones en una sola cosa.

El trabajo es una aventura por tierras a descubrir, perfecto para amantes del progresivo, pero también para buceadores de la psicodelia, de los sonidos tropicalistas e incluso de sonidos pesados o incluso heavys, y tal vez la complejidad del asunto lo aleje de lo heavy propiamente dicho, pero lo oscuro del mismo todo del disco hacen que queden dudan sobre sus influencias.

El grupo surgió en Río de Janeiro y estaba formado por los músicos Luiz Paulo (órgano, piano y voz), Eduardo (bajo), Daniel (guitarra) y Candinho (batería). Su disco, al momento del lanzamiento, obtuvo resistencia por prensa y medios, era evidente que esta propuesta rebasó a muchos desprevenidos, un debut discográfico que cumplió lo que prometía pero no satisfizo las expectativas de otros tenían.

La banda tuvo una corta vida durante poco tiempo a comienzos de la década de los 70s, aunque supieron volver a reunirse para dar espectáculos tras la repercusión que supo adquirir su disco, un trabajo hoy de culto y una pieza difícil y costosa de conseguir hoy en día. El LP de triple portada, ilustrado por Wander Borges, dio la vuelta al mundo, apareciendo en la revista Rolling Stones en 1972. El disco cuenta con cierta repercusión del culto y cierta fama en el mundillo de lo progresivo, pero también siendo un disco oscuro para la mayoría y difícil de encarar para quien no esté habituado a una psicodelia tan directa.

Cod: #1788

Color Humano - Color Humano (1972)

En Argentina tuvimos algo así como post hipismo, que fue la continuidad del hipismo de finales de los 60s pero traído al país para ser recreado algunos años más durante los 70s, incluso años posteriores también. La psicodelia en los Estados Unidos e Inglaterra comenzó alrededor de 1966, con un desarrollo y ejemplos prototípicos incluso más tempranos, pero en argentina tuvimos algunos de los primeros ejemplos discográficos importantes dentro de estos sonidos recién en 1969, para establecerse más especialmente durante los primeros años de la década de los 70s. En realidad, tampoco era psicodelia propiamente dicha, porque el rock argentino de la época siempre tuvo bastante personalidad como para recrear sus propias visiones y poética y no copiar de molde lo que tomaban del extranjero, sin dejar de lado el hecho de que la obsecuencia a la tendencia es de alguna manera u otra un tópico siempre presente en la psique humana, o por lo menos del artista contemporáneo a la misma.

Por otra parte, sí era psicodelia, a la argentina, pero psicodelia al fin, con un efecto amortiguado por el ambiente cultural local: las influencias culturales regionales, las represiones militares que marcaron las visiones de los artistas del país, y el avanzar mismo del tiempo que hace que la influencia se mueva y modifique de acuerdo a las novedades del momento en la escena artística. Con todo ello, bandas argentinas como, por ejemplo, Billy Bond y la Pesada, recrearon y tomaron mucho de la filosofía hippie, sus discos, con sus letras oníricas, experimentaciones instrumentales y zapadas constantes en blues y rock, dan cuenta de ello.

Color Humano parece haber vivido ese efecto también, con composiciones áureas de rock, entre canciones con buenas melodías y pasajes, letras cósmicas que le hablan al sol, y proyectos musicales muchas veces conceptuales o que responden un motivo artístico común que enarbola toda la producción de la banda bajo un aura de luz rockera. El primer disco de la banda, el homónimo ‘’Color Humano’’, de 1972, es un asunto serio, con búsquedas de un sonido con el que parecen haber encontrado alguna cosa que no puede palparse y abarcarse, pero que está allí, en el sonido del grupo, como viniendo de algún lado y disimulándose entre la instrumentación.

‘’¡Larga vida al sol!’’ proclaman mientras el grupo se pierde dentro de un aura misteriosa, de guitarras provenientes de otro espectro, una evolución estructural que hace de la misma una exploración, letras oníricas, estamentos de luz, búsqueda proto progresivas, o progresivas en sí, y buenas zapadas que dan cuenta que estaban a la altura de los sonidos de la época y que a su vez eran muy buenos músicos. De alguna manera en el disco aparecen algunos motivos comunes de los discos hippies de la época, entre zapadas en temas extensos de 10 minutos mínimo, canciones acústicas, poesía en letras oníricas, experimentación con alucinógenos, experimentación con estructuras, sonidos y texturas. Habían bebido de esa fuente, pero la habían cortado con un poco de cultura argentina, que no dejaba de ser la contracorriente hippie, pero bajo las condiciones sociales, políticas y económicas locales, y bajo los recursos con los que se contaba.

En este primer disco la banda experimenta un poco con la composición en temas de rock bien ornamentados y con desarrollos de elaboración, no se trata de simples canciones sino de piezas de rock que cuentan con búsquedas bastante esmeradas que incluyen muchos elementos en su haber, pasando por varios pasajes internos y progresiones internas. Una de esas piezas es ‘’Humberto Azulado De Azul’’, un tema de rock pesado, psicodélico, extendido con una sesión de improvisación interna, por lo que la pieza alcanza la duración de diez minutos de duración. Otro tema similar en el disco es ‘’Silbame Oh Cabeza’’, que también cuenta con una búsqueda instrumental interna, entre arreglos de bajo y motivos finales que dan fin al tema.

Aunque él momento del disco, el corazón sangrante del disco, es el mítico ‘’Larga vida al Sol’’, una pieza que marca más especialmente este costado áurico del disco, su sentida letra, su composición particular, e incluso el sonido que se obtiene de la guitarra eléctrica, dan cuenta de una pieza única en su época, con mucho carácter místico, mucha estirpe del hipismo argentino de la época que muchas veces hacia referencia a lo invisible en sus canciones y formas de vida, generándose entre los músicos y artistas de la época algo así como cofradías y grupos, agrupaciones que se reunían bajo el aura del arte y las búsquedas espirituales. ‘’Larga vida al Sol’’ comienza con unos rasgueos misteriosos, como anunciando un ingreso hacia algo, o un misterio que busca salir en forma de música, el sonido de la guitarra en el tema aporta gran parte de ese efecto y comanda al trio de músicos, y al oyente, a un viaje como pocos en la época, incluyendo canción, incluyendo viajes progresivos, incluyendo momentos extraños y poesía.

Otra pieza interesante aquí es la ‘’Introducción Polenta’’, una pieza instrumental que paradójicamente por su nombre cierra el disco, y que podría decirse que es ‘’progresiva’’ por su elaboración, ya que no es una canción sino una incursión instrumental con pasajes que avanzada y momentos que progresan y no se detienen en la repetición de alguna estrofa o estribillo. El disco se completa con dos piezas ‘’acusticas’’, la bella ‘’Padre Sol, Madre Sal’’, una bella canción en la que participa la cantante argentina Gabriela. Por otra parte, la pieza ‘’acústica’’ ‘’Después Del Hachazo’’, otro momento solo de guitarra bastante particular y que está al tono de la experimentación del grupo.

Tres son los lanzamientos discográficos que dejó la banda tras sus años de vida. Para el segundo lanzamiento la agrupación había preparado un lanzamiento de doble LP, pero por cuestiones de negocios el disco se dividió en dos, formándose así el ‘’Color Humano 2’’ de 1973 y ‘’Color Humano 3’’ de 1974. La banda para este primer lanzamiento estuvo formada por Edelmiro Molinari en guitarra y voz, coros, piano en "Introduccion Polenta", David Lebon en batería y coros, y Rinaldo Rafanelli en bajo, coros, órgano en "Introducción Polenta".

Cod: #1758

Gabor Szabo - Mizrab (1972)

La faceta de Gabor Szabo en este disco es ya una de haberse despegado del formato de composición corta, rozando con el easy listening, que caracterizó algunos de sus lanzamientos primarios, para ahora adaptarse más a las visiones del prog/fusión setentero, con un álbum con pistas un poco más extensas, de hecho dos de ellas duran aproximadamente diez minutos, y con una plantilla de músicos acompañantes que amerita semejante experimento, aquí tenemos, además de Szabo, a  Bob James en piano electric y además como arreglista y conductor de orquesta, Ron Carter en bajo, Billy Cobham aportando baterías en un par de pistas, Jack DeJohnette también en batería, Hubert Laws en flauta, entre otros tantos genios del jazz de la época, un elenco impresionante.

Esta tal vez sea una de las primeras exploraciones de Szabo hacia el terreno del fusión propiamente dicho, lo había hecho anteriormente pero de forma prototípica, en momentos tempranos hacia finales de la década del 60, habiendo arribado a los Estados Unidos y llevando sus sonidos étnicos de su Hungría natal, con discos más psicodélicos como ‘’Bacchanal’’ y ‘’Dreams’’ ambos de 1968, y más temprano el interesante ‘’Jazz Raga’’ de 1966.

Pero es para ‘’Mizrab’’, de 1972, en el que presenta ya un sonido mucho más maduro dentro de un fusión de la época, no menos aventurero o experimental pero sí volcado de lleno hacia vanguardias más formales que le hacen el guiño acercándose al jazz fusión. De todas formas se lo nota a Szabo adaptándose a este experimento de extensas sesiones. Las dos primeras pistas del álbum, que ocupaban originalmente el lado A del disco, tratan de justamente eso, dos piezas fusión de extensión de aproximadamente diez minutos cada una. 

La homónima ‘’Mizrab’’ que abre el disco es un atasco que comienza sutilmente hasta enroscarse en una sesión de improvisación muy acertada, la calidad de los músicos hacen el nivel de un sonido exquisito. El sonido en general es de una elaboración esmerada, con introducciones, accesos a piezas con crescendo de intensidades, partes sutilmente progresivas internas y composiciones finales, esto por lo menos parece ocurrir en las primeras dos piezas del disco. 

Szabo parece haber dejado por un momento sus preferencias étnicas en las melodías, tan expresadas en sus experiencias discográficas anteriores, para ahora, que aunque su sonido sigue teniendo su sello personal, volcarse lentamente hacia un fusión occidental.

Ya para el lado B del disco original aparecen otro sonido, siempre fusión pero ya con otras propuestas compositivas. En ‘’It's Going To Take Some Time’’ hay un pequeño revival easy listening, en una canción orquestada bellamente y con la guitarra de Szabo haciendo de melodía principal y solo. Este segundo lado del disco está caracterizado por la aparición de la orquestación, prácticamente las tres piezas del segundo lado del disco están orquestadas, y es allí cuando el disco brilla con un don aportado seguramente por el arreglista Bob James, un gran acierto para el disco.

El lado B se completa con ‘’Concerto’’, que es exactamente eso, una pieza de sofisticación que abre con un auténtico concierto para cuerdas que se fusiona con una sesión de jazz fusión interna, un sonido pocas veces escuchado salvo por algunas bandas que experimentaron con este tipo de experimentos. Para finalizar el disco aparece ‘’Summer Breeze’’ entre fusion, sinfonía y easy listening, otra pieza con buen groove y buenos solos del guitarrista.

Szabo, en este disco, se maneja en el espacio con su guitarra liderando las partes, armonías y progresiones, con un dialogo melódico que se desarrolla a lo largo del espacio con sutileza, aprovechando los silencios, utilizando muy bien las armonías, siendo sutil, justo con las notas y siempre con su dejo étnico en las cuerdas, un sabor que caracteriza su estilo en lo melódico. 

‘’Mizrab’’ finalmente es un gran acierto de jazz fusión, con orquestación, buena elaboración, finos solos de guitarra líder, una apertura hacia un nuevo sonido, y un elenco de elite que hace de la experiencia un buen viaje por entre el jazz más alto de la época.

Cod: #1706

Roland Kovac New Set - Love That (1972)

En septiembre de 1967 es creado, en Hamburgo (Alemania), el sello discográfico de biblioteca ‘’Selected Sound’’, planeado desde un comienzo para volverse un lugar de desarrollo y búsqueda sonora, dando lugar así a una serie de músicos, de diversas nacionalidades, que concluían en la misma intención de hacer música fusión desde variados géneros. Comienzan a desfila por el sello, ya desde 1968, una buena cantidad de producciones comprendidas entre el jazz, soul, jazz-funk, Easy Listening, llegando a alcanzar, en los años venideros, algunas fusiones con big bands y otras incursiones.

El sello fue creado por Peter M. Majewski y fue cuna para el desarrollo de varios músicos asociados, quienes usaron el lugar como una suerte de impulsador, aprovechando para desarrollar y experimentar con diversos trabajos. Una figura importante en esto sería Roland Kovac, un músico, compositor y arreglista austriaco, con formación clásica, quien participó de la fundación del sello y ya desde un comienzo tuvo un lugar de protagonismo  con un sinfín de lanzamientos propios, bajo su nombre, bajo pseudónimos, bajo distintas formaciones.

La producción de Roland Kovac para el sello ‘’Selected Sound’’ fue enorme, siendo tal vez el mayor aportador de producciones, inventos y lanzamientos del sello, experimentando con rock,  jazz, soul, funk, easy listening y otros experimentos, la mayor parte de su producción y su carrera parece haberla manejado bajo este sello.

‘’Roland Kovac New Set’’ es otro producto del desarrollo de Kovac, quien ya había trabajado con diversas formaciones y grupos. Este ensamble estaba integrado en su totalidad por músicos de estudio, de sesión, todos provenientes del mismo sello y quienes venían trabajando junto a Kovac desde un comienzo. Ellos continúan los desarrollos  alcanzados previamente, dentro del jazz y el Easy Listening, e incluso alcanzan a publicar un primer disco, bajo este nombre, dentro de esos estilo, aunque por alguna razón esto cambiaria para un par de sus discos publicados bajo ese nombre, cambiando rotundamente la dirección, rumbeando hacia tierras de experimentación y fusión con aires de psicodelia y prog.

‘’Love That’’, de 1972, es otro de esos lanzamientos de Roland Kovac que rompieron los cimientos de lo que venía haciendo el sello, incluso para lo que era su propio repertorio más enfocado el easy listening y a sonidos más concisos, para inmiscuirse en terrenos de experimentación ya del estilo del rock de la época, con roces con la psicodelia, improvisaciones en estructuras progresivas, extensas incursiones instrumentales, y una búsqueda que afortunadamente llevaron a cabo, gracias al sello discográfico que los abrigó y les dio la posibilidad de jugar en el estudio, el resultado está a la vista.

Este sonido consiste en exploraciones instrumentales que parten desde el rock pero que se endulzan con sabores funky-jazzy-bluesy-prog, una mermelada que gusta por sus improvisaciones deliciosas y sus arremetidas que van desde atascos hasta pasajes de variada índole que transitan por variaciones que se salen de la mera linealidad y dotan a las sesiones de un aire distinto.

El trabajo tal vez se puede dividir en dos partes, la primera en la que ejecutan tres incursiones con mucho sabor a blues y jazz. Y ya para el segundo lado del vinilo original el espacio estaba ocupado por dos piezas que parecieran enteramente improvisadas, tratando de dos sesiones extensas de música libre siempre dentro del rock, aunque es tan extensa y amplía la ejecución que pareciera como que estuviera haciendo rock progresivo.

Es un sonido que demuestra lo amplio de los músicos de la época que, sin ser necesariamente un sonido virtuoso, académico o técnico, aun así demuestra que los interpretes podían enredarse en sesiones y experimentar sin temores, dentro de un lenguaje conocido  pero con una frescura que hace de esto una serie de exploraciones improvisadas muy interesantes. Un dato curioso es que de esta grabación participó nada menos que el mismísimo Brian Auger en órgano, por lo que no resulta extraña la calidad que el sonido alcanza. La formacion se completó con Peter Trunk en bajo, Keith Forsey en batería, Siegfried Schwab en guitarra electrica, y Roland Kovac en piano electrico.

Cod: #1698

Jorge Lopez Ruiz 5 - De Prepo (1972)

‘’De Prepo’’ es el clásico de 1972 del bajista argentino Jorge Lopez Ruiz y su quinteto eléctrico. El grupo se completaba con la crema del jazz argentino de la época: Fernando Gelbard en Piano (Fender Rhodes), Hugo Pierre en saxo, Pocho Lapouble en percusión, y Miguel Chino Rossi en batería. Las pistas incluyen el tributo a Miroslav Vitous en ‘’Mirosbass’’.

Atrás había quedado dos de sus suites, entre las que se encontraba la épica ‘’Bronca Buenos Aires’’ de 1971, y ahora, siguiendo la línea de vanguardia, se mete de lleno en el jazz de la época en cuanto a fusiones, ejecuciones libres y encuentros sutiles con el rock.

Este es un jazz a la Jorge Lopez Ruiz, un estilo vanguardista y de sutil acercamiento al fusión, con implementos de jazz libre, buenos atascos, inventos entre amalgamas y sonoridades particulares, y una buena dosis de improvisaciones del estilo del jazz porteño de la época y del estilo del fusión del momento en el mundo.

El disco recuerda al fusión de Miles Davis en su época de ‘’Bitches Brew’’, con atascos semiimprovisados-semiprefijados que se van construyendo poco a poco en la improvisación de la sesión, aunque no tan aventurado en la extensa improvisaciones, más bien Lopez Ruiz propone todo el sonido del disco en seis piezas de mediana duración.

El sonido es una aventura de amalgamas suaves desplegadas en el continuo de la sesión libre, lo suficientemente libre para rozar el free jazz y lo suficientemente contemporáneo para rozar el jazz rock/fusión, una aventura típica de su época, un vanguardismo con un espíritu refulgente y un concepto artístico que rebasa los límites de la mera música, estilos típicos de una época que, por cuya profundidad y concepto, jamás se repetirá. 

Actualmente el disco se ha convertido en un inconseguible del jazz argentino, llegando a pedirse por las copias que circulan a la venta valores desorbitantes, un ítem raro de ver en edición de época e incluso en reediciones, incluso reedición en cd es muy costosa.

Jorge López Ruiz es uno de los pesos pesados del jazz argentino, con una historia de fulguraciones y creaciones dentro del campo del jazz vanguardista que tuvo lugar especialmente en la década de los 70s. Aportó discos fundamentales al jazz argentino desde su rol de músico, compositor y arreglista, como ‘’B.A. Jazz’’ de 1961, compuso la suite ‘’El Grito’’ a manera de respuesta a aquellos años de violencia militar que estaba viviendo Argentina y que fue publicado en 1967, o su ‘’De prepo’’ de 1972 publicado por un quinteto liderado por él mismo. También es conocido otro de sus emprendimientos también contestatarios con el poder de entonces, ‘’Bronca Buenos Aires’’ compuesta en 1969, grabada en 1970, publicada en 1971. Tanto ‘’El Grito’’ como ‘’Bronca Buenos Aires’’ fueron prohibidas por la dictadura militar.

Como compositor y director, Jorge López Ruiz ha realizado la música de más de 60 films, 40 obras de teatro y cerca de 400 recitales. Varias ediciones de sus discos fueron realizadas en EEUU, Europa y Japón. Participó en la creación del exitoso sello discográfico TROVA. Durante este período se realizaron la mayor parte de las grabaciones de artistas como Vinicius De Morales (Vinicius en La Fusa), Astor Piazzolla, (con quien también colaboró como productor en New York para el sello Clavé), Dorival Caymmi, etc. Tuvo un histórico record de ventas discográficas (nunca superado hasta hoy) como productor, arreglador y director de estrellas como Sandro, Piero, Leonardo Favio, Sergio Denis, etc. 

En 1975 ocupó el cargo de director de A&R, en Emi-Odeon de Argentina. En la primera mitad de la década del 70' fue Profesor del Instituto De Cinematografía de Argentina, en la materia correspondiente a Música de Cine. Con su cuarteto fue premiado por la Fundación Konex como uno de los 5 mejores conjuntos de jazz de la década en la Argentina.

Jorge López Ruiz  explica lo siguiente sobre aquellos años de su carrera: ‘’En aquellos años de furibunda rebeldía (1968-70) yo estaba haciendo “eso” que se llamaba Jazz de vanguardia (Free Jazz, la escuela creada por Ornette Coleman) con tres colegas, amigos de muchos años y admirados como artistas: Fernando Gelbard, el “Chivo Horacio Borraro (saxo tenor) y Carlos “Pocho” Lapouble (batería). Ellos, al igual que yo, estaban imbuidos de una rebeldía y creatividad rayana en la locura. ’’.

Cod: #1690

Toshiyuko Miyama & His New Herd + Masahiko Sato - Yamataifu (1972)

Un disco de jazz de vanguardia para big band nada fácil de abordar debido a la tensión que marca la orquesta todo el tiempo, que hace de la escucha algo particular, sumando a esto las sofisticadas tres piezas que componen el trabajo tampoco hacen fácil la escucha para el oído de jazz más tradicional. Con composición del pianista Masahiko Sato y arreglos de Toshiyuko Miyama, un encuentro entre vanguardistas importantes y muy activos en el jazz japonés de la época cuya unión artística siempre ha dado resultados muy fructíferos y que esta no sería la excepción.

Las piezas son zonas de exploración y experimentación donde desfilan los arreglos orquestales, los toques de free jazz, el encuentro con el jazz fusión con acercamiento al sonido de la época pero que se logra diferenciar por lo experimental de la propuesta y por la utilización de la big band a la Toshiyuko Miyama. Hay algo que pareciera ser como un lema o conductor conceptual, una trama melódica de la orquesta que aparece a lo largo de todo el disco y dota al sonido de este toque tenso y difícil de abordar.

Y vale la pena resaltar otro elemento de la excursión que emprende el sonido a lo largo de las piezas y es la aplicación de lo electrónico, seguramente a partir de sintetizadores utilizados por Satoh, un elemento que aumenta el desafío de la escucha, eleva la sofisticación, y aumenta el nivel y calibre de la vanguardia presentada, seguramente se trate de la aparición electrónica única para el sonido de esta big band, y probablemente este sea uno de los pináculos en la era vanguardista de la New Herb de Toshiyuko Miyama, antes de volverse hacia la era más comercial.

La propuesta une partes orquestales tensas, abrasivas, con momentos más ajetreados de un fusión con dinamismo donde la banda se vuelca hacia la improvisación, con aplicaciones de viento en ráfagas atonales, secuenciadores electrónicos distorsionados y ritmos frenéticos de la batería que sumergen y someten a las pistas en auténticos atascos más libres en lo compositivo.

La primera parte del disco está compuesta por una sola pieza de veinte minutos de duración llamada ‘’Ichi’’, comenzando por una trama orquestal simbólica para luego continuar con una parte de sesión acercándose al jazz fusión sumado a florituras electrónicas que enriquecen la sesion, lo que termia derivando en partes compositivas finales.

Ya para el segundo lado del vinilo original aparecen, la pieza de doce minutos ‘’Ni’’ y una pieza más corta llamada ‘’San’’. En ‘’Ni’’ el campo de ejecución es más libre y casi nunca la pieza alcanza un terreno fijo y consistentes, manteniéndose siempre en la amplitud de la armonía, el free jazz orquestas y la libre ejecución que hace que los participantes construyan una suite libre que muta constantemente desde su comienzo al final, una delicia que termina de coronarse hacia el final con más florituras electrónicas. ‘’San’’ termina de cerrar el disco con más jazz libre y cacofonías de orquesta.

‘'Yamataifu’’, de 1972, se estrenó exactamente en el período más activo de la banda y ganó el premio Nippon Geijutsusai Yushu, muy honorable en Japón, además de ser tildado entre los cincuenta mejores álbumes del jazz japonés por Julian Cope.

La New Herd fue una importante orquesta japonesa nacida hacia finales de la década de los 50s, creciendo de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles, hasta llegar al jazz más vanguardista hacia comienzos de la década del 70, para llegar a crear algunos de los mejores álbumes del jazz japonés. Por aquellos años aparecerían otros discos vanguardistas de la banda como ‘’Four Jazz Compositions’’ de 1970, que abre paso a la era más vanguardista de la banda. Luego de este trabajo publicarían discos como ‘’Canto Of Aries’’ de 1971, ‘’Nio & Pigeon’’ y ‘’Eternity? Epos’’ de 1972, o ‘’Tsuchi No Ne’’ de 1973, entre tantas otras producciones más de por aquellos años.

Cod: #1679

Bill Evans & George Russell Orchestra - Living Time (1972)

Este es el encuentro de dos figuras importantes para el jazz del siglo XX, uno es Bill Evans, que hasta entonces ya era un importante pianista de influencia mundial, por su uso de armonías y innovación en el campo del jazz tradicional, el otro era George Russell, que hasta entonces ya era un compositor y director de orquesta innovador y famoso por sus obra de vanguardia orquestales. Este es un encuentro muy fructífero pero en realidad vale aclarar que Bill Evans es parte del trabajo como interprete y acompañante y no como compositor, esto es más un trabajo muy a la George Russell, es decir, vanguardia, mucha experimentación, fusiones con diferentes estilos, experimentación con orquesta, y  puesta en marcha de nociones teóricas innovadoras desarrolladas por él mismo en sus libros y discos, como la creación del jazz modal y el desarrollo de este concepto en tantos trabajos de fusión y experimentación. 

Este trabajo está a la altura de lo que Russell estaba desarrollando por aquellos años, y se puede apreciar esa noción que había comenzado a desarrollar en el encuentro de la generación del rock allá por mediados y finales de los 60, apareciendo en sus obras fusiones con rítmicas y elementos de funk, rock y blues.

Russell fue un incansable innovador, compositor y teorista de vanguardia, y sus obras eran reflejo de sus desarrollos teóricos, sus visiones, fusiones, experimentaciones, a tal punto que no era tan tenido en cuenta por el público masivo debido a lo peculiar de sus presentaciones, las vanguardias siempre ha tenido y tendrán un lugar en las sombras y en el under, con fulguraciones e inventos exóticos que no son para muchos ni para el vulgo, sino para los locos quienes quieras acercarse y gozar con estos descubrimientos. Sus obras tal vez fueron usadas también en el terreno de lo académico y lo pedagógico de la formación en el jazz.

Russell ha tenido algunos inventos más sutiles, pero este lanzamiento, ‘’Living Time’’ de 1972, no es el caso, ya que se trata de una obra muy sofisticada dividida en ocho movimientos o, como figura en el disco, ‘’eventos’’, orquestales donde la big band, dirigida por Rusell, transita por un sinfín de formas y florituras siempre manifestándose en las tramas orquestales de movimiento vertical y subducción de capas y sustratos modales que convergen entre sí en una eclosión de movimientos.

Aquí hay iventos de todo tipo para big band, y como es clásico de Russell, aparecen esas piezas cortas con experimentos sub tonales y arrítmicos, como lo es en este disco su ‘’Evento III’’, una pieza con una trama que, aunque sigue la noción colectiva de vanguardia del resto del disco, se diferencia del resto de las piezas con sus propia trama, inventos típicos del autor. Otro condimento importante en este disco es la aparición de las cacofonías colectivas de la big band, o sea la aparición del free jazz, que se combinan con sus inventos teóricos y desarrollos y dan vida a un sonido atípico para la época y para cualquier época en este terreno de vanguardia del jazz.

En este sonido nada está librado al azar, todo, hasta el último detalle, está perfectamente planeado y ejecutado según las notas del autor, en una serie de composiciones para big band complejas pero completamente accesibles para, por ejemplo, la audiencia de jazz fusión, es que este sonido remite a ese género, tratándose de un jazz complejo, ligero y sofisticado, con secciones intrépidas y rápidas y grandes armonías y arreglos.

Es que en realidad sus fusiones con el rock ubican a Russell también entre las figuras que participaron del fusión temprano,  tal vez no tan radical, directo o incluso reconocido entre los congéneres de este sub movimiento, pero su aplicación de elementos de la cultura del rock (funk, blues, rock, soul, fusión, etc.) en sus obras de finales de los 60, por ejemplo en su experimental ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969, lo ubican como un impulsor importante en esta vertiente de fusión, aunque lo peculiar de sus creaciones siempre lo mantuvo lejos de las grandes masas.

Este trabajo se compone de una creacion de variadas piezas del repertorio de Russel, presentando  varias caras dentro de un sonido vanguardista de jazz, donde hay bases de soul/funk, momentos de atascos con improvisaciones, momentos de experimentación sonora, momentos de innovación, momentos de free jazz o momentos de post bop, todo un repertorio variado y especialmente elegido para la ocasión. Es difícil discernir si se trata de lo mejor del repertorio de Russell hasta aquel entonces, su música en esa época muchas veces consistía en movimientos y experimentos para grandes masas orquestales, y sus frutos fueron varios en ese terreno durante aquellos años.

Cod: #1678

Nektar - A Tab In The Ocean (1972)

La banda anglo-alemana Nektar es una banda de épicas progresivas, y su segundo disco, ‘’A Tab In The Ocean’’, es una de sus mayores susodichas. Este trabajo de elemento acuático comienza ya con los primeros instantes con algunos efectos electrónicos que simulan las olas del mar, para dar pie al origen de una suite progresiva de diecisiete minutos que abre el disco y se ubica como el primer track del trabajo. Una pieza tan compleja como agradable a la escucha que transita por incontables pasajes instrumentales internos, mientras se desase y reconstruye a sí misma en una avanzada progresiva de vanguardia con épicas que difícilmente se hayan vuelto a repetir en el mundo de este género.

La banda había hecho su debut discográfico un año antes con su disco, otro favorito, ‘’Journey To The Centre Of The Eye’’ de 1971, ya demostrando ser una banda progresiva de temer, pero en su segundo lanzamiento el grupo avanza, evoluciona, demostrando que habían transitando mucho más camino por la senda progresiva, manifestándose en composiciones más extensas e intrincadas, siendo ya una agrupación madura con miras a esas épicas que quedan para todos los tiempos, o por lo menos dentro del mundo de lo que al prog responde.

El lado A del vinilo original estaba ocupado originalmente por una pieza homónima de diecisiete minutos, mientras que el lado B estaba ocupado por tres piezas más cortas. Es en el lado B donde el aventurero puede seguir obteniendo el elixir del grupo, ya en piezas más cortas pero no menores. Como la épica ‘’Desolation Valley / Waves’’, otra composición arrolladora y con un carácter personal muy marcado, aunque esta vez con más forma de canción entre estrofas y estribillos instrumentales. Todo el lado B del disco funciona también de manera continua, no habiendo cortes entre canción y canción sino que se unen para formar una trilogía de pistas prog poderosas.

El grupo tiene una maestría en el manejo y composición de estructuras e instrumentales progresivos, todo el disco está plagado de momentos instrumentales épicos muy entretenidos y que no decaen nunca, ‘’A Tab In The Ocean’’ es una obra maestra del género. También manejan muy buen la construcción de la canción desde la mirada también del rock mismo, con acercamiento al hard rock entre momentos duros, riffs y arreglos de guitarra.

Nektar fue originalmente un grupo de músicos británicos que vivían y trabajaban juntos cerca de Heidelberg, en el sur de Alemania, entre principios y mediados de los años setenta. Tuvieron un gran éxito tanto con sus álbumes como con sus shows en vivo, que fueron famosos por una mezcla aventurera de buen sonido y visión en vivo, debido al espectáculo de luces que cubría a la banda durante sus presentaciones en vivo con motivos psicodélicos. La conexión entre su música y el arte de Helmut Wenske, quien también diseñó tres de las portadas de sus discos más exitosos, los hizo únicos y todavía recordados hasta el día de hoy entre quienes vieron sus primeros shows o conocen sus discos.

Nektar se formó en 1969 con Allan Freeman en teclados y voz, Roye Albrighton en guitarra y voz, Derek Moore en bajo, melotrón y voz, y Ron Howde en batería. Los años 70 les dieron la ocasión de publicar algunas obras maestras, como por ejemplo "Recordar el futuro" (1973) y "Reciclados" (1975). Cada uno es un álbum conceptual que es una buena combinación de guitarra melódica y teclados con una historia vocal. "Journey To The Center Of The Eye" es una epopeya alucinante con mucha guitarra echoplex y melotrones duales que está bastante en sintonía con el space rock, la psicodelia y un acercamiento al krautrock que los rodeaba, pero definitivamente eran de estilo británico.

Cod: #1663

Moving Gelatine Plates - The World Of Genius Hans (1972)

Este es uno de los hijos bastardos del rock vanguardista francés, una de las mejores bandas progresivas de su país en la época, con conexiones con la música progresiva, el fusión y el free jazz que en esa época eran tendencia, a esto sumarle las influencias de bandas como Soft Machine del sonido Canterbury, o de bandas o sonido del estilo del Rock In Opposition. Moving Gelatine Plates es a la vez, también, otro hijo del sonido descocido del mayo francés, evento social, político y artístico que marcó el quehacer de la vida cultural francesa, y en el rock este fenómeno no sería menos, dando impulso moral a un montón de bandas que bebieron del momento político y lo replicaron en la música, el resultado está a las claras, con bandas plenas en progresiones, experimentación, fusiones, así como de humor ácido y satírico, similar a otras bandas francesas como ''Lard Free'', ''Komintern'', ''Barricade'', ''Camizole'', ''Etron Fou Leloublan'', etc.

Moving Gelatine Plates es un ejemplo perfecto de su época, su música es una eximia exploración por terrenos progresivos a la francesa, con búsquedas en composiciones extensas típicas del género, fusiones con jazz fusión, en lo que también pareciera aparecer la influencia de Rock In Opposition debido a la profunda complejidad que manejan en piezas de extensa duración. El sabor jazzero está presente, en armonías de la guitarra, en las líneas de viento aplicadas, y en el sabor canterburyano que hay dando vueltas en toda la búsqueda desplegada en el sonido.

Las composiciones son una ebullición de armonías y progresiones que se desarrollan sin parar desde que comienza hasta que termina el disco, un sonido fino, excelso, con roces con lo psicodélico que aparece en las distorsiones y fuzz que usaba en el bajo y apareciendo también en muchos momentos de delirio instrumental.

La escucha de este disco no puede realizarse como se hace con la música chabacana ultra-comercialoide, esto no puede sonar de fondo y si se lo hace es imposible acercarse a su profundidad artística, esta música exige una escucha atenta y cuidadosa, y si es posible escuchar más de una vez el disco, ya que tal es el despliegue, las progresiones, los cambios de ritmos y las complejidad total, que con una sola escucha no se puede llegar a apreciar todo lo que este sonido puede llegar a ofrecer, cada escucha es reveladora y distinta a la anterior.

Moving Gelatine Plates no tuvo el éxito de otras bandas contemporáneas y coterráneas como Magma, la falta de financiación y el cierre de puertas de los sellos discográficos hicieron que el grupo pronto decayera y terminara justo después del lanzamiento del segundo álbum, al cual a duras penas pudieron completarlo con instrumentos que ni siquiera eran propios. 

Pocas son las bandas que manejan semejante complejidad instrumental y que se mantienen con vida a lo largo de los años, con relativo éxito, fama y algo de dinero. El público masivo no está preparado para semejantes sonidos y le resulta difícil digerir semejantes experimentos, es por eso que estos discos, con sus respectivas bandas también, siempre pertenecerán a un lugar de culto, under, vanguardia impoluta, búsqueda artística autentica y real, sin ataduras a los convencionalismos o el comercio, una travesía difícil de emprender, arriesgada para quienes lo intenten, pero al final siempre es más el placer y la realización que dejan el quehacer artístico realizado que lo que se pueda llegar a vender o comercializar. 

Esta es una de las mejores bandas de rock progresivo de Francia de su época, la formación del grupo tuvo lugar en la tumultuosa Francia de finales de los 60, por lo que el carácter contestatario de la banda, por lo menos en lo instrumental, no es de extrañar. El grupo es formado en 1968 en Sartrouville, Francia,  por el guitarrista Gérard Bertram y el bajista y líder de la banda Didier Thibault, quienes se conocieron en 1966 como compañeros de escuela de 14 años.

El baterista Gérard Pons y el multiinstrumentista Maurice Hemlinger completaron la formación del primer álbum homónimo de la banda que fue lanzado por CBS en 1971. Moving Gelatine Plates bajo la misma formación lanzó un segundo álbum con CBS en 1972 titulado ‘’The World of Genius Hans’’, que al igual que su primer esfuerzo tuvo poco éxito comercial. Debido a problemas financieros derivados de las bajas ventas, después de lanzar este álbum, la banda pronto se vio obligada a separarse.

Cod: #1651

Jukka Hauru - Information (1972)

Este es un guitarrista que en su momento supo experimentar con la vanguardia al estilo Frank Zappa, combinando rock, jazz, elementos académicos, elementos bizarros y humorísticos, y experimentos varios, además de su particular ejecución solista de la guitarra manifestada en solos, improvisaciones y diversos arreglos e inventos eléctricos, un buscador de los sonidos setenteros que dejó una huella en su país como un gran músico, aunque poco se lo conoce en realidad.

Aquí hay elementos progresivos, elementos de fusión, vanguardismos y aplicaciones académicas desde composiciones de extraña manufactura, con esa influencia de Zappa de combinar momentos de vanguardia progresiva con momentos de épicos solos de guitarra, aunque también pareciera haber influencia de Jimi Hendrix en la ejecución solista del líder, pero también hay vanguardismos e influencia desde el jazz y tal vez free jazz. Una buena amalgama de sabores se confabulan en una misma cosa.

También hay mucho de jazz fusión clásico, algo descocido, pero dentro del estilo reconocible, sumando algunos instrumentos como instrumentos de viento o violín, volcándose todos al unísono en zapadas jazz rockeras puras de delirio, distorsiones y fusión. 

Hay momentos infernales en este disco, como algunos experimentos varios, de índole desconocida, con fusión con elementos académicos, o algunas piestas que constan básicamente en atascos rabioso en jazz rock como en pistas como ‘’No More Blues’’ o ‘’Splitting’’.

El guitarrista no deja de demostrar la influencia que Frank Zappa ha dejado en su estilo, básicamente todo el disco está consignado por esa estela decadente de humor bizarro y composiciones académicamente extrañas, típico del buen Zappa y que en esta ocasión Hauru replicó, revivió y utilizó como fuente y dador de energía para recrearlas a su estilo en su propia música y discos.

Jukka Hauru es una figura olvidada proveniente del rock finlandés de la era progresiva de los 70, nacido como Jukka Hauru Tapani el 13 de abril de 1950 en Oulu, Finlandia. Hauru estudió en el Conservatorio de Música de Helsinki en la primera mitad de la década de los 70 y trabajó como guitarrista y compositor independiente entre 1968-1980. Como guitarrista y músico fue miembro de las bandas ‘’Jussi and The Boys’’ entre 1969-1971, ‘’Tasavallan Presidentti’’ entre 1972-1974 y entre 1975-1977 en ‘’Kom-teatteri’’, entre otras.

Hauru además de guitarristas, es productor y periodista musical, crítico para algunas revistas locales de su país, para el periódico Helsingin Sanomat, y para revistas comerciales de la industria de la música. También escribe columnas bajo el pseudónimo de Leka.

Hauru, con el paso de los años, se dedicó a otras cosas más allá de la creación musical, pero dejó álbumes en solitario bajo su nombre que marcan un legado para el rock finlandés, ‘’Information’’ de 1972 y ‘’Episode’’ de 1975. Hauru fue uno de los mejores guitarristas desconocidos de Europa.

En realidad todo ‘’Information’’ es bastante ecléctico, muy variado, un collage de composiciones que se suceden en un happening musical progresivo propio de una era muy creativa que difícilmente se pueda volver a repetir, por el contexto histórico, político, social y cultural en el que se desarrolló, sumado a la aparición de figuras irrepetible que también marcaron la era con sus creaciones sin nombre.

Su estilo era muy variado, incluyendo influencias de blues, jazz, vanguardismos, rock progresivo, experimentos, elementos académicos, buenos atascos con buenos solos, progresiones, inventos, tal vez psicodelia en el sonido instrumental, para crear así un legado que generalmente pasa desapercibido entre otras bandas o artistas finlandesas como Wigwam, Piirpauke y Pekka Pohjola con más renombre con trayectoria, pero eso no le quita mérito al valor creativo de Hauru.

Cod: #1645

Catapilla - Changes (1972)

Catapilla nunca decepciona, con su sonido embrionario, sus fusiones con el jazz, su sonido pesado y algo sucio todavía ligado a la psicodelia, sus excursiones complejas y extensas, y una búsqueda en general que fusiona todos esos elementos en momentos épicos entre partes solos y atascos de diversa manufactura siempre dentro de un sonido hibrido.

La historia de ‘’Catapilla ‘’ comienza por finales de los 60s, allá por el oeste de Londres, Inglaterra, fueron una banda de corta duración de rock duro y progresivo, originalmente la banda estaba compuesta por Jo Meek en voz, Malcolm Frith en batería, Hugh Eaglestone en saxo, Dave Taylor en bajo, Graham Wilson en guitarras, Robert Calvert en saxo y Thiery Rheinhart en instrumentos de viento, saxos especialmente. Ya desde un comienzo supieron captar la atención de los sellos de la época, por su impactante y particular sonido, su jazz rock experimental llamo la atención de Orange Music, una empresa de gestión de bandas que consiguió que el grupo de una audición para productores y gente de la industria. Patrick Meehan, manager de Black Sabbath, tomo la banda y los hizo grabar, aunque antes de que entraran en estudio, Jo Meek dejo la formación y en su lugar entro su hermana, Anna Meek. El auto titulado homónimo primer álbum de la banda, producido por Meehan, fue lanzado a finales de 1971 para Vertigo Records.

Tras el lanzamiento de dicho primer álbum, la banda se embarcaría en una gira de promoción, por Inglaterra, junto a otros músicos de la misma etiqueta Vertigo, como Graham Bond y Roy Harper, pero por problemas en la relación de los musicos, ‘Catapilla’ abandono la gira, y se adentró de vuelta en estudio para trabajar en su segundo disco. Para finales de 1972, el segundo disco de Catapilla seria lanzado, llamado ‘’Changes‘’, para dicha ocasión la banda sufriría algunos cambios, con la sustitución de Eaglestone, Frith y Rheinardt por Bryan Hanson en batería, Ralph Rolinson en teclados y Carl Wassard bajo. Poco después del lanzamiento de dicho álbum, la banda se separaría definitivamente.

‘’Changes‘’, de 1972, es una continuación del primer disco en cuanto a que continúan por la misma senda y con la misma búsqueda de un sonido complejo, fusionado, embrionario, con líneas de viento y atascos pesados; en ese sentido los álbumes se complementan entre sí y son una conjunto que, entre dos trabajos, se erigen como dos muestras de lo más rustico y heavy del progresivo ingles de la época.

‘’Changes‘’ cuenta con cuatro pistas, dos largas y dos cortas, y en lo que tal vez podría hacerse una diferencia con su primer trabajo es que sutilmente se volvieron un poco más estilistas para esta segunda entrega, no tan rústicos como su anterior presentación, y con fusiones y experimentos progresivos mucho más sofisticados, saliéndose del mero ‘’atascos’’ improvisado, para jugar con las partes, las lines de vientos y las progresiones en general.

Los dos álbumes de la banda son de similares características, en cuanto a que cuentan con extensas sesiones de exploración pesada, buenos atascos que funcionaban entre sesiones improvisadas y partes compuestas de considerable dosis progresiva. La banda era experta en las sesiones, sus atascos no eran monótonos sino todo lo contrario, usaban el espacio y se expandían en el tiempo como un engendro embrionario que expulsaba su rigor y su potencia en momentos que se iban construyendo y recreando constantemente, lejos de las bases planas o cuadradas, con situaciones cambiantes y florecientes. 

El sonido es típico de la época y difícilmente se vuelva repetir algo por el estilo, porque es reflejo de lo que pasaba en la escena, el eco de la psicodelia todavia vivo, las fusiones con jazz rock, la sesión de vientos, y las progresiones no virtuosas o limpias sino rusticas e hibridas, un sonido que grita el estigma de su época, lo resalta, lo mantiene vivo, es un fragmento de historia que se mantiene a travez de los años y nos deja ver cuales era las intenciones de aquel momento, por lo menos de muchas de las bandas que circulaban por aquellas escenas, la de hacer música e innovar por el placer y obligación artística de hacerlo, por la honestidad artística de pertenecer a una generación que rompió todos los parámetros y se expandió hacia lugares de sofisticación y complejidad nunca antes visto en la música popular joven.

Las líneas de viento y el sonido embrionario y complejo le dan al sonido del grupo un acercamiento al estilo Canterbury de grupos como Soft Machine, aunque la falta de teclados en Catapilla, y la búsqueda del sonido a pura cuerda de guitarra eléctrica, marcan la diferencia, aunque de todas formas los sabores están allí dando vueltas. Catapilla, un grupo conocido por los asiduos del genero prog de la época, pero que de todas formas vale tener presente siempre, sus sonidos son promesa de excursiones embrionarias y complejidades pesada con fusión con el jazz rock, imposibles dejarlos de lado.

Cod: #1644

Solar Plexus - Solar Plexus (1972)

Este no es el ‘’Solar Plexus’’ de Nucleus, este es el ‘’Solar Plexus’’ de la banda sueca homónima Solar Plexus, un grupo formado por la pareja Carl-Axel y Monica Dominique, que unieron fuerzas en 1969 con Georg Wadenius y Tommy Borgudd de Made In Sweden. Al principio se hacían llamar Bäska Droppar pero en 1971, justo antes de que saliera su primer LP, cambiaron su nombre a Solar Plexus. La razón fue que aumentó la demanda en el extranjero y planearon hacer una versión en inglés del LP para ser lanzado en Inglaterra.

En 1970-72, el grupo estaba formado por Monica Dominique en órgano y voz, Carl-Axel Dominique en piano y viento, Georg "Jojje" Wadenius en guitarra, bajo y voz y Tommy "Slim" Borgudd en batería. Cuando a Wadenius le ofrecieron tocar con el grupo estadounidense Blood Sweat & Tears, fue reemplazado por Tommy Körberg en la voz, guitarra y percusión y Bosse Häggström en el bajo.

El debut del grupo, el homónimo ‘’Solar Plexus’’,  es una interesante travesía por un mundo de la música de jazz fusión con una propuesta muy variada y varios elementos y condimentos que hacen también que no se trate de fusión estricto, con algunas composiciones sofisticadas dentro del género pero también con algunas canciones de corte más convencional, lo que hace al repertorio del disco amplificarse en distintos momentos de distinta manufactura. 

Para los amantes del fusión hay momentos dedicados con sonidos personalizados de acuerdo al estilo de la banda, piezas melancólicas con buenas aplicaciones improvisadas y las bases percusivas provenientes de la tendencia funky de la banda, un encuentro de elementos que enriqueces las piezas y les dotan de un estilo muy propio.

Por otro lado las composiciones, aunque ronda siempre por el estilo fusión, son en general variadas y no se repiten las unas entre las otras, con muchos momentos instrumentales dotados de dinamismo por la aparición del estilo funky, y creadas con buena inventiva por lo que la manufactura de las estructuras es variadas y notablemente compleja. Esa sensación de diverso en el repertorio se incremente ante el hecho de que el trabajo original consistía en un vinilo doble, por lo que hay mucho material por escuchar en el disco. 

Se trata de un fusión fino, estilizado, de gran nivel, compuesto cuidadosamente y por ejecutantes que sabían muy bien lo que hacían. Con acercamiento también al mundo de lo progresivo debido a la puesta muchas veces compleja de las composiciones, que se salen de lo convencional, incluso de lo convencional que puede llegar a ser el jazz fusión más estándar, para volcarse en invenciones propias del grupo.

Aunque tal vez el momento más destacado del disco sea la mismísima pieza ‘’Concerto Grosso for Pop Group and Symphony Orchestra’’, consistiendo exactamente en eso mismo, un jodido concierto, este disco tiene en su interior un concierto para banda de pop y orquesta sinfónica, una experiencia única en su tipo y que, aunque ya otras bandas habían experimentado con sonidos similares, pocas bandas cuentan con una sinfónica en el interior de alguno de sus disco. es una pieza muy sofisticada, con una composición realmente sinfónica, con participación de una orquesta y de la banda que no es necesariamente de ‘’pop’’ como marca el nombre de la pieza sino de jazz rock, fusionándose ambos mundos en una experiencia única en su tipo donde se encuentran el mundo clásico con el mundo del jazz y el funk. Un track que eleva a niveles de exquisitez a un disco que ya de antemano, sin dicha pieza, era de gran nivel. Ese acercamiento a la música clásica es debido a que Monica y Carl-Axel, fundadores del grupo, tenían una formación como compositores y organizadores de música clásica.

Solar Plexus se encuentra entre los mejores grupos de su época en su Suecia natal, elaboran su música con alegría creativa y frescura, fusionando estilo sin resquemor y en un nivel muy alto. Todos sus discos son trabajos de gran nivel, aunque se dice que su primer lanzamiento es el mejor, y es lamentable que no haya reediciones de los mismos. Los éxitos crecieron y el grupo continuó hasta 1976 y para entonces había lanzado 4 LP completos.

Solar Plexus se movió entre los festivales de melodía y prog de los 70, no como en casa en ningún campo, pero musicalmente como en casa en todas partes, llegando a lanzar varios discos. Solar Plexus trabajó en plena vida musical de los años 70, al más alto nivel musical y se movió libremente entre la poesía y la política, los hits y la sinfonía, la música folclórica y el jazz fusión.

Cod: #1638

Pekka Airaksinen - One Point Music (1972)

El finlandés Pekka Airaksinen, además de ser conocido por ser uno de los miembros fundadores del controversial grupo The Sperm en 1967, la cual fue su primera banda. Los conciertos del grupo presentaban artes escénicas de confrontación, lo que resultó en el arresto de dos miembros por simular relaciones sexuales y proyectar películas pornográficas. Tras la ruptura de The Sperm a principios de la década de 1970, Airaksinen se volvió hacia el budismo y dejó de hacer música. Comenzó a coleccionar arte tibetano y fundó Tibet Art Center en Loimaa.

Pero antes de dejar eventualmente la música publica, en 1972, su primer disco solista, ‘’One Point Music’’, ya mostrando alguna reminiscencia temprana a la espiritualidad y a búsqueda aurea pero aun estando totalmente ligado al mundo de la experimentación, la electrónica, el vanguardismo y con su aun espíritu rupturista contestatario que lo llevó a manifestarse al comienzo de su carrera y que hasta entonces todavía se mantenía.

‘’One Point Music’’ es una colección arremetidas experimentales que funcionan en el ámbito de la electrónica experimental ligada al vanguardismo y las búsquedas electroacústicas, siendo todo el trabajo un conjunto de grabaciones realizadas durante diferentes momentos y años, lo que da como evidente resultado el carácter de amplitud que hay en las diferentes propuestas, aunque también el sonido está armonizado en una misma propuesta, por lo que todo parece funcionar bajo una misma aura de perversión.

El trabajo parece tener un valor de fetiche dentro del ambiente, por el carácter tan peculiar de la propuesta al no pertenecer necesariamente a un movimiento. Es un experimento muy personalista en el que el creador manifiesta sin resquemor sus ocurrencias y todo se desarrolla en esa aura, hay momentos de todo tipo con quejidos, ruidos y arremetidas diversas, acoples, quehaceres sonoros filtrados bajo extraños momentos aurales, inventos sonoros, etc.

También hay algunas ejecuciones de instrumentos como slides de guitarra o percusiones indefinidas, que suman al caldo de cultivo que es toda la propuesta y a la variedad de la misma en las diferentes piezas. Pareciera estar emparentado a la música concreta, al arte libre, a concepciones de creación que no tienen que ver con la música tradicional o popular sino más bien con maneras de concepción propias del autor y que tienen lugar en pequeños eventos de significancia creativa sumado a las ocurrencias que puedan ir surgiendo en el intento. 

Las siguientes son palabras de un pianista llamado Ilpo Saunio que aparecen en la cotraportada del vinilo original:

''Visto externamente, las composiciones de Pekka Airaksinen no son inusuales ni nada excepcionalmente brillante que lo eleve por encima de sus contemporáneos: personas como Pierre Schaeffer, Luc Ferrari, Luciano Berio, Gottfried Michael Kénig, Karheinz Stockhausen, Yannis Xenakis, John Cage, solo por mencionar algunos. Visto musicológicamente, sus composiciones se basan en una escuela de música concreta parisina de los años 40, también influenciada por la profundidad estética de las cintas antitradicionales que nacieron en un estudio de KoIn en los años 50. Su música también está desarrollando un mecanismo paralelo de repetición, iniciado por Terry Riley en los años 60, el mismo estilo también común en las pinturas de Andy Warhols. Las composiciones también desodorizan (sic) el realismo cotidiano de John Cage.

La autosuficiencia en las producciones de P. Airaksinen se expresa de manera concreta. Es una de las primeras personas en demostrar que no se necesitan necesariamente miles de marcos en equipo musical para producir música electrónica. Airaksinen trabaja con equipos que están disponibles para casi todos, como televisores o lavadoras. Mirando hacia atrás en el concepto de apertura artística que Lindsten mencionó anteriormente, lo nuevo que se esconde detrás de la música de P. Airaksinen cobra vida como una paradoja del micromundo. Hoy la física, además del macro mundo, está familiarizada con los micro y mega mundos, que no obedecen las leyes básicas de la física o la mecánica. Además, el mundo biológico también se puede dividir en el mismo tipo de sistemas: la sociedad es una especie de segundo mundo de multiplicidad / orden que obedece a las leyes de la cibertecnología y, en consecuencia, el sistema nervioso humano es capaz de formar un microsistema propio, cuyo comportamiento no obedece a la lógica humana como macro-ser.

Escuchar música de Sisyfos abre las puertas al micro mundo del ser humano al igual que los sueños, algunas sustancias químicas o la intuición del artista. El famoso Gesang der Junglinge de Stockhausens del año 1955 consta de 11 elementos musicales diferentes y 6 texturas creativas. Estos ingredientes se manipularon de acuerdo con ciertas sistemáticas, y el resultado fue finalmente una composición. En la obra de P. Airaksinen, el término "componer" se vuelve irrelevante, pero de todos modos, permanece como música. La música de Sisyfos no obedece a las mismas leyes que “Tapiola” compuesta por Sibelius, de hecho no obedece ninguna ley conocida en el micromundo humano. Se podría afirmar que la materia crea una forma por sí misma y el espacio entre estos dos estados se está deslizando, de la misma manera que con el dualismo en las partículas fundamentales del micromundo.

El carácter distintivo de la música de P. Airaksinen se expresa en la composición "Sadetta" en la que se colocó el micrófono bajo la lluvia. Lo más característico de este disco es que está más relacionado con la noche que con el día. La pista "Mooning" se creó, por ejemplo, durante la noche; Por tanto, el compositor afirma que su relación con la música y la creación cambia durante la noche.''

Cod:  #1615

Deuter - Aum (1972)

El alemán Deuter es un personaje del calibre de artistas como el alemán Peter Michael Hamel o el belga Joel Vandroogenbroeck, todos artistas y músicos creadores que representaron la faceta más espiritual de las corrientes vanguardistas europeas en cuanto al encuentro o influencia tomada del krautrock y la fusión de la misma con sus estilos pastorales y espirituales, dando como resultado músicas por demás experimentales, y espirituales a tal punto que consistían en sonidos que reflejaban esa cualidad de transmutación y sublimación fluyendo en sus fibras más íntimas. 

Eran los primeros años de estos artistas y por lo tanto aún tenían ese inamovible fervor creativo que suelen poseer los artistas en general y especialmente en sus orígenes, siendo jóvenes repletos de rebeldía y de sed de romper los esquemas establecidos, antes de caer, con el paso de los años, en la monotonía en sus carreras o en una búsqueda de formas no tan osadas o rupturistas devenida del saber que seguir experimentado más de la cuenta podría generar en un desastre económico.

Esa generación de músicos europeos se supo codear con el rock, el krautrock, los vanguardismos, y también coincidieron al unisonó en la fascinación por las cultura de oriente de tipo Hindú y todo su misticismo ritual, con sus ragas y sonidos espirituales y toda su búsqueda de lo interno, influencia que dio como resultado una serie de trabajos, especialmente solistas, en los que la música consistía prácticamente en rituales experimentales, búsquedas que se salían de los parámetros de la música de rock estándar de la época, ofreciendo un sonido que se desarrollaba a la manera en que el artista concebía la creación y la progresión del sonido, bajo su propia mirada y concepción.

Era la generación europea que más estaban transmutando los viejos dogmas morales heredados de las generaciones anteriores, ofreciendo un sonido que cada vez más se salía de los causes convencionales, apareciendo en sus sonidos pastorales las fusiones con la música electrónica, las implementación de instrumentos exóticos tipo sitar y su correspondiente inclusión de estilos y ambientes afines, además de sus correspondientes propuestas en lo experimental, lo que hacía que todos estos elementos converjan en una sola cosa, variando en intensidad y protagonismo de cada elementos de acuerdo cada pieza del disco. 

‘’Aum’’ es el segundo álbum de estudio del compositor alemán Deuter, ya en plena búsqueda de lo invisible a través de sus músicas, por lo que aquí no hay canciones propiamente dichas sino exploraciones instrumentales que vagan por mundos de exotismo y ritualismo. Se ofrece un estilo de música experimental muy variada, eventualmente transitando por momentos pastorales acústicos, apareciendo momentos electrónicos otro, brotando la música tipi hindú en otra pieza, etc., siendo así todo el disco una sucesión de inventos de variada índole desplegados a lo largo de todo el tiempo y espacio. 

El estilo tiene elementos de música new age, pero por la época el artista estaba más ligado al krautrock, todavía incursionando con la experimentación instrumental y la aplicación de sintetizadores (mucho menos presentes en este segundo disco como lo es en su disco debut), y con búsquedas de ambientes dentro del estilo, apareciendo guitarras eléctricas y acústicas, órganos y los nombrados sintetizadores. En este trabajo al autor presenta un enfoque diferente del que había sido su debut, ahora más ligado a las músicas del mundo y a la inclusión de ese exotismo cultural a sus sesiones. Es un repertorio orgánico que se construye con aplicaciones provenientes de muchos instrumentos e inventos, siendo cada pieza diferente a la demás. No hay pistas largas en el trabajo, sino una sucesión de piezas de corta duración aproximadas en un continuo horizonte de eventos musicales afines.

Deuter se mantuvo en este ambiente de vanguardismo durante sus primeros trabajos pero pronto abandonaría esa senda para entrar en ambientes muchos más new age, más accesibles para el oyente pero menos experimentales u osados, aunque sin dejar atrás jamás la fusión de elementos musicales orientales y occidentales. ‘’Aum’’  fue su último lanzamiento antes de mudarse a la India a estudiar bajo las enseñanzas de un gurú espiritual. Durante los años 70 y 80, después de viajar extensamente por Asia en busca de inspiración espiritual y creativa, Deuter se instaló durante mucho tiempo en Pune , India , donde bajo el nombre de Chaitanya Hari se convirtió en neo-sannyasin.

Cod: #1611