Reynols - Polos Mosco (1999)

 Reynols es la derivación de todas las cosas que ha dado la música, un ente de éter encarnado en el mundo, que se plasma en la materia y en el devenir humano a manera de don musical, por lo que sus intervenciones musicales y sus discos son dones otorgados al humano, capaces de generar su, en suerte, despertar. Reynols es una materia sonora indeterminada de calidades profundas, dones complejos de abordar por su honda simpleza y su humilde empatía por la creatividad en estado puro. Esta entidad no tiene principio ni fin, solo manifestaciones, elucubraciones fulgurantes que se plasman a lo largo de sus experiencias creativas de muy diversa índole en lo referido a la música hacia sus muchas direcciones, siempre en su estilo tan particular e indeterminado para mucho de lo que se conoce popularmente, aunque lo popular es bien conocido e de influencia para Reynols.

No hay explicaciones que alcancen para determinar qué es Reynols, o como ocurrió, o como se manifiesta, y tal vez esos misterios habría que dejarlos en su lugar, pero ocurre que sus manifestaciones artísticas resuenan en una serie de proyectos musicales altamente interesantes, los que se presentan y suministran mucha lumbre que cortar para quien guste de este tipo de expresiones.

La inventiva de este grupo de seres es muy particular, manejan una elocuencia creativa cuya frescura se ramifica en todo lo que hacen, pueda ser aquello comprendido o no, no importa. Pero lo que ellos manifiestan está en un lugar ulterior, tanto lo que dicen desde lo expresado verbalmente, como lo que manifiestan de forma instrumental. Todo su fluir artístico es una cosa indeterminada, un afortunado acto expresado por un azar cuyo origen pareciera ser alguna fuente pura de manifestación, es el reflejo de un estado incierto y complejo para el humano, y fluye hacia la materia sonora mediante el médium que es Reynols. Todo lo manifestado por el grupo cuenta con un sentido total y cada elemento de sí mismo responde a una misma cosa inexplicable e inentendible para la fortuna convencional, por lo que su idioma musical no es una cosa sencilla de abordar y mucho menos de interpretar a ciencia cierta. Toda esa cosa que se intenta interpretar acerca de Reynols y su música, es tan solo un lejano vislumbramiento que procede del sesgo propio del humano, haciendo la salvedad que el ver sin tapujos de por medio no es una cosa sencilla.

La esencia existencial de la manifestación Reynols ha generado interés y finalmente el aprecio de muchos artistas a lo largo del mundo, es que hay en todo ello, en todo eso expresado y en la historia de los sucesos pasados del grupo, un carácter de lo etérico y una sencillez que se ramifica volcándose desde un no lugar hacia ciertos sucesos artísticos, manifestados hasta alcanzar un sinfín de estados musicales. 

Hay en todos esos sucesos nombrados una cualidad de misteriosa simpleza, una alegría por la expresión, una fuente inagotable de ideas creativas que se suceden cual reflejo de algo inentendible que procede de algún lado y llega hasta nosotros utilizando a Reynols como medio de expresión y a la música como medio de manifestación.

Reynols tiene editados más de cien discos en todo el mundo, a través de sellos norteamericanos, ingleses, alemanes, franceses y japoneses. La discografía de Reynols es enorme, ampliamente variada y ha ayudado a esparcir una influencia que ha alcanzado ecos fenomenológicos a lo largo de todo el planeta, dicho esto no resulta extraño el concebir que el grupo se ha codeado con muchos personajes de la vanguardia del mundo, tocando en vivo en el Lincoln Center de Nueva York en abril de 2000, compartiendo conciertos en vivo junto a Sonic Youth, o grabando discos junto a elementos como The Nihilist Spasm Band, Acid Mothers Temple, Pauline Oliveros, entre otros.

‘’Polos Mosco’’ de 1999 es una de las primeras manifestaciones discográficas de Reynols, una experiencia no primaria, pero sí original desde lo discográfico. De todas formas, esto no fue un impedimento porque poco después del lanzamiento de este disco y del comienzo de su experiencia musical colectiva, Reynols estaría ya en contacto con artistas de renombre en el mundo, expresando que no hay un principio para su experiencia sino una azarosa continuación de un tramo que provino y continuó hasta cierto punto, pero que no concluyó, sino que se hizo carne como reflejo parcial de una cosa total. Todo esto refleja también que en las manifestaciones de Reynols hay una cosa llamativa, una inocencia creativa que hace que todo lo que expresen se convierta en un acto de felicidad, con esa ambivalencia lograda por ellos que va desde la simpleza creativa hasta el hermetismo más particular debido a lo poco recurrida que es la música fuera de su estado comercial para los públicos masivos.

No es facil acercarse a las expresiones musicales de Reynols, debido a ese carácter que en lo convencional pueda ser entendido como una suerte de vanguardismo, expresado entre creaciones indeterminadas que surgen desde la experiencia como banda, grupo, con baterías, distorsiones, acoples, cantos libres, ruido sin atadura, construcciones sonoras y arremetidas sin la determinación previa de un prejuicio artístico. No hay una formalidad creativa que restrinja la experiencia musical de Reynols, sino que todo lo ejecutado posee ese grado tan alto de libertad como para manifestarse en un campo de amplitud exacta. No hay caracteres que restrinjan su experiencia, solo un acto de expresión per se. 

Hay mucho qué explorar en este disco, así como hay mucho por explorar en toda la experiencia musical de Reynols, y tal vez su principal don sea aquel mismo don con el que cuenta el vanguardismo propiamente dicho, que es el de trascender las instituciones para volverse sus manifestaciones en nuevos valores creativos, esto en Reynols en una constante y todas sus creaciones son enseñanza pura, desafíos desde lo musical que surgen y están, con un don tan particular como excitante y misterioso, listos para ser planteados a la experiencia humana.

Cod: #1815

Kubero Díaz - Kubero Díaz y La Pesada (1973)

Los lanzamientos de La Pesada junto a los distintos invitados que participarían con protagonismo en cada uno de esos discos, en este caso había sido el turno del guitarrista Kubero Diaz, han sido en su mayoría discos de rock pero bastante experimentales en mayor o menor medida, con búsquedas proto progresivas con mucho ingrediente rockero, mucha experimentación de estudio, y además con mucho encuentro de ese mundillo hippie de aquella época en Argentina, con letras que hacen referencia a lo cósmico y a lo interno y con músicas alteradas muy a la manera psicodélica, además de otras referencias a las drogas, sexo libre, y tratando de mantener muchas veces algún mensaje que ayude al ciudadano promedio, generalmente no acostumbrado a estas músicas desafiantes, a vislumbrar un cambio hacia algún más allá con mejor perspectiva y apertura.

Estos discos que publicó el grupo, junto a varios de los músicos invitados que justamente también eran parte del mismo conjunto y lo frecuentaban para engrosar su poderío artístico, son discos que han sobrevivido muy bien al tiempo, han logrado trascender con su influencia, han revivido gracias coleccionistas y conocedores, se han establecido como hitos del rock nacional fundacional, y se han mantenido en un nicho de consideración estable entre conocedores de la historia del rock argentino. Aun así, también vale aclarar el hecho de que se trata de discos bastante experimentales, no solo de rock a secas con canciones sueltas, sino discos muy experimentales con conceptos y letras particulares, carácter que le ha concedido a estos trabajos un aura particular y ha generado esa mística reflejada aun en su influencia a las generaciones más contemporáneas que siguen, desde los ámbitos under, curtiendo estos sonidos oscuros de rock y blues pesado, pero por otro lado este efecto ha generado una apoteosis dicotómica que se reflejó en el alejamiento de los grandes públicos en cuanto a la consideración de estos discos con sonidos inalcanzables para el oyente promedio.

Se dice que no son discos fáciles de escuchar, eso suele ser real en tanto no se esté acostumbrado a abordar este tipo de músicas tan alteradas que suelen salirse de la canción para plantear algunos desafíos sonoros muchas veces inspirados en los efectos y alteraciones de estudio, en la psicodelia hippie, en el rock experimental y proto progresivo, etc. En el caso de Kubero Díaz, La Pesada planeó junto a él otro de los tantos lanzamientos apoyados y producidos por el grupo, siempre con su fiel estilo rockero y su vena cósmica explicita que ayuda a que este trabajo sea un experimento de rock pesado con blues y muy buenas zapdas, además de que Kubero Díaz es un alucinante guitarrista eléctrico de rock, otro elemento que se suma al disco en forma de grandes solos y arreglos en guitarra.

Los temas de este disco no suelen ser sencillos ni cuadriculados, sino que cuentan con ese carácter de sesión nacido del espíritu libre que manejaba el grupo, por lo que, por más corto que sea el track, siempre terminan cayendo en atascos o sesiones libres de rock, ese ambiente por el que estos músicos suele manejarse con una soltura esplendida, como si se hubieran manejado por allí toda su vida. Todas las canciones del disco son inventos, experimentos, canciones enriquecidas con búsquedas psicodélicas rockeras.

‘’Polvo He De Sacudir’’, otro elemento complejo del disco y ya una pista que apunta a lo progresivo, nos muestra el poderío rockero del grupo y su imaginación para manejarse por un rock bastante complejo, que comienza desde la canción, pero parte hacia progresiones rockeras sumadas a sesiones aparentemente improvisadas. En ‘’Creciendo En Espiral’’ otro tema del disco, pero ya una canción acústica, otro elemento recurrente del grupo, los arreglos acústicos, un tema con una letra cósmica que invita al encuentro entre las personas y no al alejamiento.

Estos trabajos de La Pesada suelen reflejar de manera directa el ambiente creativo que manejaban entre ellos en el grupo y en general muchas bandas del rock de la época, además de reflejar esa esencia hippie que había en la juventud del momento, manifestada desde las letras utópicas que refieren a epopeyas celestes o eventos espirituales internos, blues y rock & roll, folk, experimentaciones con muchas miras hacia lo psicodélico, intervención de canciones acústicas, sesiones libres y todo un bagaje creativo muy alegórico de esa generación contracultural. 

Es verdad que esos músicos se encontraron de frente con la dictadura militar y las represiones policiales tan típicas de esos años en Argentina y especialmente contra cualquier joven artista que llamara la atención, aunque también supo declarar Billy Bond que la mayor represión que solían recibir estos músicos no era por parte de los militares sino de los vecinos y ciudadanos promedio de la sociedad argentina, acostumbrados una vida de traje y corbata y a un mundo hostil que los forzaba a convertirse en auténticos enfermos con tal de estar bien amoldados al mundo y así poder sobrevivir. En ese ambiente, los músicos rockeros de la época llamaron la atención de inmediato y llegaron para romper los mandatos cuadriculados de las sociedades aun hermetizadas en una dinámica tradicionalista pacata. 

Las letras de los temas de estos discos de La Pesada y de muchos artistas del rock contracultural argentino de la época, hacen mella de ese estado mental común y suelen mandar mensajes para sacudir la letrina publicar y tratar de expandir mentes, o por lo menos para tratar de espantar y escandalizar la moral pública del conservadurismo, tradicionalismo y lo cuadriculado. No son letras al azar o porque sí, y muchas veces esto también es otro elemento que hace al alejamiento de los grandes públicos, acostumbrados a metáforas intrascendentes que refieren a la estupidizacion del público y no a su crecimiento, cosa que la gran mayoría ve con muy buenos ojos.

En este caso La Pesada grabaría junto a Kubero Diaz para publicar un trabajo solista para dicho artista, llamado ‘’Kubero Diaz y La Pesada’’ y publicado en 1973. Billy Bond y La Pesada han también publicado y producido discos solistas para Claudio Gabis, Jorge Pinchenvsky y Alejandro Medina, entre tantos otros lanzamientos propios y ajenos, producciones y demás. Estos discos engrosan las filas del rock nacional de época que promediaba por entonces un momento de mucha creatividad y producciones discográficos por doquier, muchas con repercusión entre conocedores y coleccionistas del todo el mundo.

Cod: #1805

El Trio (Lapouble, Lew, Cevasco) - Todo En Su Medida Y Armoniosamente (1974)

Este post está dedicado a la memoria de Adalberto Cevasco, quien partió el pasado lunes 3 de marzo. Maestro, vuela hacia el centro del corazón del mar, tu música siempre alumbrará toda penumbra.

La evolución del jazz en Argentina alcanzó niveles superlativos en la década de los 70. No obstante, se conoce poco sobre el desarrollo del jazz fusión; se habla poco del talento y valentía de muchos músicos de jazz que buscaban, casi simultáneamente al ámbito rockero, nuevos lenguajes y formas de transmitir su música. Con esto quiero decir que, mientras bandas como Aquelarre o Invisible gestaban álbumes como Brumas y el debut homónimo de Invisible, en el ámbito jazzero más vanguardista también se encontraban creando y explorando con la misma intensidad e ímpetu que cualquier joven de la época.

Carlos Alberto Lapouble, más conocido como Pocho Lapouble, uno de los bateristas más talentosos del jazz latinoamericano, tenía aproximadamente 31 años en 1973. Mientras que Adalberto Cevasco, eximio bajista y pianista, tenía 27 años; tan solo un año mayor que Ricardo Lew, grandioso guitarrista y respetado músico de sesión. Pero, El Trío tenía un cuarto miembro tras las sombras, y era Víctor Díaz Vélez, otro talentoso pianista que, según las notas de la contratapa del LP, aportó a la banda muchos acordes de su vasta colección. Y como si fuera poco, una jovencísima Patricia Clark aportó su hermosa voz en dos canciones del álbum.

Poca información existe sobre cómo El Trío se conformó; lo más probable es que haya sido una unión natural entre tres músicos talentosos, ya que varios músicos de jazz se dedicaban simultáneamente a trabajar como músicos de sesión, y se podría decir que no eran pocas las ocasiones en que podían juntarse y jamear libremente. En ese sentido, también asoma la figura monolítica de Jorge López Ruiz, quizás el más prominente músico de jazz de vanguardia de Latinoamérica, quien fue uno de los encargados de la producción del presente álbum, junto a Pocho Lapouble. Está claro que, bajo la supervisión de un genio como Jorge López Ruiz, nada podía salir mal; y, de hecho, nada salió mal en este álbum.

Ciertamente, el jazz nunca será un género ni por asomo masivo; mucho menos lo son estas derivaciones experimentales del jazz. Por lo tanto, se puede afirmar que el jazz argentino suele ser subestimado incluso por muchos asiduos del rock vanguardista local. Pero la intención al experimentar con instrumentos eléctricos, creo yo, fue toda una declaración de intenciones. Estos tres prodigios, como Lapouble, Lew y Cevasco, no solo pretendían traspasar fronteras generacionales demostrando que el jazz no se quedaba atrás en la búsqueda de nuevos lenguajes musicales, sino que, a su vez, se atrevían a difuminar las barreras entre uno y otro género, lo cual es ciertamente peligroso para quienes son acérrimos puristas, pero extremadamente excitante para quienes adoramos las propuestas arriesgadas y sin arraigos en el temor a quedar desclasificado.

En otras palabras, todo género musical tiene una raíz, un tallo y unos frutos bien consolidados, lo cual es cierto, y eso se respeta, pero no te hace destructor de algo el hecho de aventurarte al menos una vez en tu vida en una grabación tan aventurera y vanguardista como la realizada en este álbum, ¿cierto? Era inevitable contener la hiperactividad musical de estos tres genios, y era, por lo tanto, consecuente que una obra así quedara grabada para la posteridad como un testimonio único de una confluencia mágica, que es, a su vez, el reflejo auténtico de una época convulsa y difícil, aspectos que, en lugar de someter la creciente creatividad artística, propiciaron que esta se manifieste aún con mayor fuerza: la vitalidad ingeniosa que buscó cómo salir hacia la luz en medio de las tantas grietas que se acontecían en el día a día de la Argentina de 1973.

Por otra parte, se ha dicho que este álbum fusiona jazz modal, big band, post-bop y folklore local argentino; claramente este hecho hace que no sea un álbum accesible a la primera escucha. Poder sumergirte en una propuesta así requiere mucha paciencia, dedicación y cariño por el trabajo de estos tres músicos. Pero una vez logras encontrar esa medida y armonía de la que te habla el título del LP, entonces, escuchar cada canción se convierte en una travesía atípica hacia la libertad.

En medio de toda la epopeya experimental en la que se sumergió el jazz argentino, el álbum Todo En Su Medida y Armoniosamente es indudablemente uno de sus pilares (y hay muchos más) que, ciertamente, nunca alcanzarán la popularidad ni siquiera en los círculos jazzeros, pero está claro que no fue una obra concebida para ser popular, sino, quizás, y aquí entramos en la plena especulación poética, para trazar lazos con las comisuras más extrañas del alma. Un álbum que, si es escuchado con receptividad, será un perfecto himno para aquellas personas hábidas de creatividad y espiritualidad.

Cod: #1793

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)

Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dado dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra la profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que su suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tiene nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

Cod: #1790

Girasol Blues - En Vivo en Vintage Bar (2023)

He aquí la presentación en el blog de una banda muy talentosa de musical pesada, Girasol Blues, un grupo de rock proveniente de la provincia de Neuquen, Argentina. Presentamos su disco llamado ''En vivo en Vintage Bar'', al cual publicaron en hacia finales del años 2023, no se lo pierdan:

Las escenas locales contemporáneas del underground tienen mucho que aportar, aun en su relación con los sonidos de época, aun con sonidos innovadores o por lo menos sorprendentes, y siempre fueron, son y serán un páramo artístico de esperanza que carcoma por dentro la basura cultural popular reinante y aun sin intentarlo siquiera, porque lo que fue creado con esmero y buena energía no dejará de trasmitir eso mismo con lo que se creó.

En el under rockero argentino ocurren cosas, más precisamente en la provincia de Neuquén, donde la banda local Girasol Blues hace de las suyas en un género con bases hacia finales de los 60s y principio de los 70s. Este power trio local cuenta con una vena rockera pesada inspirada en bandas pesadas de heavy blues y derivados de una época de oro para estos sonidos, y parecen haber bebido de esa fuente y haber tomado de la misma muchas esencias, para traerlas inmaculadas hasta hoy en día, palpitando en un sonido pesado, distorsionado, con buenos solos de guitarras como premisa, y buenos atascos, pasajes y arreglos entre las canciones. Todos esos elementos denotan no solo la calidad de ejecución de los músicos sino el interés y la puesta a cabo de lo que gustan y piensan.

El grupo incursionó en la grabación de un disco en vivo en el 2023, el llamado ‘’En vivo en Vintage Bar’’, audio grabado en vivo con Tascam, cortesía de Maximiliano Tomazin, en la noche del 13 de Octubre de 2023, el disco se lanzó el 21 de octubre de 2023. Con una serie de temas de rock crudos y pesados, se completa como un elemento interesante del rock local. El trabajo es un concierto que la banda dio en vivo que quedó registrado con una calidad de audio, que como uno de los músicos cuenta, de tipo ‘’bootleg’’. El registro no termina de tener el mejor audio pero esto no es ningún tipo de impedimento, de hecho esto fue grabado adrede en esta calidad para emular los antiguos bootles, las antiguas y raras grabaciones que han quedado de algunas bandas y sus presentaciones en vivo. Esta calidad no hace más que acrecentar el sonido sucio del grupo y se combina muy bien con las ejecuciones que a fuerza y poder se presentan en el sonido, cual antiguo bootleg de Pappo rockeando en plena zapada, o cual Pescado Rabioso tocando sus históricos temas.

Siete temas componen del disco en vivo, entre los que aparecen dos versiones de temas como lo son ‘’Caras en el parque’’ de Pappo's Blues, y ‘’Salgan al sol’’ de Billy Bond y La pesada, el disco se completa con la presentación de cinco temas propios del grupo. Un sonido pesado, distorcionado, una presentación aplastante por una banda bien afilada en lo que quería ejecutar. Temas pesados, con arreglos internos y buena dinámica en los pasaje proto progresivos internos, muy al estilo Pappos Blues de principio de los 70s, quien manejaba muchas veces, por esa epoca de inquieta juventud, en sus temas algunos cambios de tonalidad, elementos complejos en velocidad, los extendidos y demás. Girasol Blues ha tomado esa escencia y la ha replicado a la perfección en la actualidad.

Algún momento interesante ocurre también en temas como ‘’Girasol’’, piezas complejas y de extensa ejecusion, traspasando por varios lugares internos entre atascos, solos extendidos, momento de sesión y progresiones con cambios de ritmo. Tal vez no tengan sus letras una intención de trasmitir un mensaje en particular, pero músicas así hablan por sí mismas y son un lugar al que acceder y que siempre podrán transmitir la esencia del buen rock y las esencia de un arte no destructivo para espectador, sino todo lo contrario.

A continuación dejo algunas preguntas que le hice a uno de los músicos del grupo, más precisamente a Agustin Lautaro Garcia, guitarrista y cantante del grupo, y que muy amablemente accedió a responderme y que ayudan a enriquecer más la mirada  que se pueda tener sobre el bagaje e idiosincrasia artística y espiritual del grupo. El grupo se completa, en su formación actual, con Rodrigo Oyazun en Bajo y Voz, y Juan Gramaglia en Bateria.

¿Cuáles son las influencias artísticas que convergen en su música? 

‘’La verdad que los tres tenemos influencias distintas, pero tenemos puntos en común, por ejemplo el bajista y yo (Agustin, Guitarrista) nos gusta mucho el rock de los 70s coincidimos en Vox Dei, Pescado Rabioso, Pappos Blues, etc., y además Lulo (Bajista) se inclina un poco más  hacia el Rock Progresivo, el escucha mucho King Crimson, Rush, Yes, etc., pero el baterista (Juan) viene del palo del hardcore y metal, si bien le gusta Pappos Blues, Invisible y demás, yo creo que nos unifica una banda entre las tres partes que es Black Sabbath, intentamos tener un hilo conductor, estar alrededor de ese espectro musical.’’

¿De dónde nació la inspiración para el sonido pesado que hacen?

‘’Yo creo que por dos razones, la 1ra es que, como dije anteriormente, el baterista viene del Metal entonces ya de por sí su toque es pesado, y la otra es porque yo (Agustín) quería reivindicar ese sonido crudo y polenta del rock de los 70s, cosa que yo siento que no mucha gente se anima a subir del volumen 4/5, entonces quería mostrar eso, no buscamos un sonido prolijo, arreglado y bonito, así no tocaban bandas que te había nombrado anteriormente.’’

¿Como es la escena rock local de Neuquén?

‘’La verdad que hay de todo un poco acá, pero para la música y estilo que hacemos, por suerte podemos compartir fechas con amigos que se inclinan para el mismo lado que nosotros, seguimos siendo nicho, eso sí, creo que como en todas las ciudades, pero de a poco somos más.’’

Conocen algo de la psicodelia actual o se inspiran más que nada en las grandes glorias de los 60s/70s? 

‘’Creo que lo más actual que podríamos llegar a coincidir, aunque no es psicodelia, seria Sleep o Kyuss, yo (Agustin) conozco un poco de psicodelia actual, pero no escucho mucho, preferimos el riff pesado y sucio en 4/4 de los años 70s.’’

Tienen alguna relación con la psicodelia? Como los ha influido musicalmente/artísticamente?

‘’Bueno yo (Agustin) en mi adolescencia tenía mucha aspiración por el rock psicodélico, bandas como la Strawberry Alarm Clock, Lemon Pipers, Grateful Dead, Jefferson Airplane y demás, así que algo de aquellas bandas está un poco en nuestras canciones desde mi lado, de hecho el nombre Girasol viene por un tema de los Grateful Dead que se llama ‘’China Cat Sunflower’’ ’’

Acerca de sus letras de canciones, parece que son cosas fuertes, a veces oscuras. Quieren transmitir algo? Decir algo? De que hablan sus letras?

‘’No tenemos un enfoque hacia donde queremos trasmitir lo que decimos, a veces por ejemplo cuando hay un tema o riff, la melodía y la letra sale, a veces quizás el significado viene después, aunque claro, hay temas que son bastante directos, otros solo frases, yo por ejemplo no soy muy de las metáforas, y viví parte de mi adolescencia transitando soledad, por eso pueden llegar a estar presentes en mis composiciones, luego Lulo (bajista) es más poético, tiene buen recurso para trasmitir en metáforas, yo por el contrario no soy así.’’

Hablando sobre ‘’En vivo en Vintage Bar’’ de 2023, en ese disco tienen temas pesados pero también algunos extensos y complejos, pareciera haber elementos progresivos ahí. ¿Eso cómo nació? ¿De donde salió la inspiración o ganas de hacer cosas complejas?

‘’Bueno, no sé si llamarlo disco, es más como un bootleg, o algo así, fue grabado con dos micrófonos nada más, lo quisimos hacer para decir que teníamos algo en las redes y en circulación, yo (Agustin) soy muy fanatico del sonido baja calidad, por suerte Juan y Lulo estuvieron de acuerdo.

Si! Hay algunos pasajes progresivos y otros no tanto, es porque el bajista viene de ahí, le gusta salirse del 4/4, tenemos otros temas próximos a estrenar que salen un poco de eso, aunque claro, yo (Agustin) soy más clásico de seguir derecho, entonces buscamos meter un poco de esas dos cosas, más que nada para que los 3 estemos contentos jajaja’’

Mas comentarios sobre el disco:

‘’El disco ‘’En vivo en Vintage Bar’’ (escuela/taller de música de la ciudad de Neuquen, que a la noche abre sus puertas para que las bandas puedan tocar) básicamente salió la idea de los bootlegs de los 70s, respectivamente en los audios de calidad ''nacional'', yo siempre decía ''me encantaría poder haber escuchado algo de ‘’Bola de Destrucción’’ (conjunto que Pappo que formó en 1972/3), pero que pasa, no hay registro de estudio, solamente un audio en vivo de baja calidad, entonces ahí se disparó un poco la idea. También yo (Agustin) venia de muchos cambios de formación, entonces cuando encontré a la gente adecuada (que es la que esta hasta el día de hoy) decidí hacerlo porque no sabíamos si íbamos a grabar un disco de estudio, entonces, ante las anteriores situaciones de ir y venir de antiguos miembros, no quería desaprovechar la oportunidad de haber pegado en la tecla con los músicos, así que aproveche la tascam de dos microfnos de mi amigo Maxi Tomazin, Peti y Lulo estuvieron de acuerdo, asi que le dimos para adelante. No le hicimos una gran difusión, pero sí lo editamos en físico de forma propia y casera, lo compartimos lo justo y necesario para que la gente supiera que estamos en circulación, luego pudimos grabar nuestro 1er EP con una mejor calidad de audio, con más detalles, las voces se entienden mejor.

Yo siempre hago esta reflexión, hubieron muchos grupos de música en nuestro país, bandas muy exquisitas que nunca llegaron a grabar nada en un estudio por quizás peleas, o no querían simplemente, bueno, a veces solamente se encuentran singles de dos canciones o registros de audio en vivo de baja calidad, yo no quiero que eso pase con Girasol, porque cuando seamos más grandes vamos a poder decir que algo hicimos, que esta banda existió y pudimos dejar un registro, entonces ante la preocupación de no saber si íbamos a grabar algo de estudio, propuse de grabar este disco con en vivo, algo así como una rareza quizás, un audio de 1 canal sin mezclar ni nada, exportar los archivos y subirlo.’’

Cod: #1787

Jorge Pinchevsky - Su Violín Mágico Y La Pesada (1973)

Este disco es otro de esos experimentos de estudio creados por la agrupación de músicos argentina La Pesada del Rock and Roll, con producción de Billy Bond en su época más activa dentro del rock argentino, con las típicas invenciones y experimentos que muchas veces se salían de la canción para buscar el delirio sonoro, entre zapadas, ambientes, partes y otros elementos además de experimentación de estudio e instrumental.

La Pesada era un grupo en el que varios músicos participaban de forma estable para producir sus propios discos e incluso producir a otros artistas. Entre ellos estaba el violinista Jorge Pinchevsky, un violinista que no solo estaba en el círculo rockero de la pesada sino que también contaba con formación académica, por lo que sus intervenciones en estas grabaciones aportan mucho y desde un enfoque diferente, con el sentimiento del blues, la búsqueda experimental del rock y sus formación formal clásica.

''Su violin Magico y la Pesada'' es el primer disco solista de Jorge Pinchevsky, y que cuenta con el apoyo natural de los músicos de la pesada, con Alejandro Medina en bajo, Claudio Gabis en guitarra, Kubero Díaz en guitarra, y demás integrantes de La Pesada.

El disco es un interesante experimento de rock que muchas veces suena como tal, los primeros tres tracks del mismo son piezas instrumentales de rock bastante experimental, rock hippie a la argentina, blues rock en forma de zapada y sesiones instrumentales, típico de la producción instrumental de la banda que contaba con músicos de sesión expertos en el blues y el rock y las improvisaciones, el resultado final del disco es un movimiento natural del encuentro de estos músicos creadores.

De los siete tracks que componen del disco, solo dos tienen forma de canción propiamente dicha, ya que el disco tiene mucho de zapada e improvisación en estudio, muchas sesiones instrumentales y arremetidas de la banda, algunas más ligeras y otras más pesadas, siempre dentro de un blues rock hippie a pura guitarra eléctrica y buenos solos.

Así como de las generaciones de postguerra surgieron muchas vanguardias, el espíritu de lo que ocurre en este disco también refleja lo que ocurría en aquellos años en el ámbito político y social de una Argentina bajo represiones militares, lo que hacía que las producciones discográficas de los músicos de rock se volvieran desafiantes y buscaran más que nunca esa ruptura típica resultante del arte al cual se intenta reprimir, casi como un movimiento natural del devenir que busca compensarse a sí mismo luego de una gran destrucción y muerte. 

Más allá de cualquier visión política que pueda tener cada uno, estos músicos también manifestaron ese fenómeno, no solo con letras que muchas veces intentan decir cosas y sacudir al público, sino más que nada con producciones sonoras que chocan instrumentalmente, rompiendo muchas veces el formato de la canción y volcándose hacia nuevas propuestas dentro del rock y la música popular.

El sonido del disco también es reflejo del rock de época en general, con mucha experimentación de estudio, búsqueda sonora rockera, mucho blues, momentos oscuros, mucho ocurriendo a la vez, visiones ‘’contraculturales’’ que muchas veces atacan a las tradiciones y la música más comercial e intentan emprender un búsqueda hacia una nueva música, casi como el hipismo mismo y todos los subgéneros desprendidos del mismo. 

Aunque mucha de la influencia que recibieron estos músicos era del rock clásico de época como Zeppelin, Hendrix, Cream, etc, estos sonidos muchas veces recuerdan también a las vanguardias europeas dentro del rock, del estilo del krautrock, o tipo rock vanguardista con cierto aire a ‘’Älgarnas Trädgård’’, ‘’Parson Sound’’, entre otros.

Para los amantes del rock más experimental este es un disco muy recomendable, y testimonio del rock argentino de la época y una pieza de colección para cualquiera que quiera conseguir un ejemplar de época del mismo, el cual no es sencillo de conseguir más que nada por los valores que se piden por los ejemplares. Aunque no es nada que no esté dando vueltas cada tanto en los grupos de coleccionistas de vinilos de rock argentino.

Cod: #1765

Color Humano - Color Humano (1972)

En Argentina tuvimos algo así como post hipismo, que fue la continuidad del hipismo de finales de los 60s pero traído al país para ser recreado algunos años más durante los 70s, incluso años posteriores también. La psicodelia en los Estados Unidos e Inglaterra comenzó alrededor de 1966, con un desarrollo y ejemplos prototípicos incluso más tempranos, pero en argentina tuvimos algunos de los primeros ejemplos discográficos importantes dentro de estos sonidos recién en 1969, para establecerse más especialmente durante los primeros años de la década de los 70s. En realidad, tampoco era psicodelia propiamente dicha, porque el rock argentino de la época siempre tuvo bastante personalidad como para recrear sus propias visiones y poética y no copiar de molde lo que tomaban del extranjero, sin dejar de lado el hecho de que la obsecuencia a la tendencia es de alguna manera u otra un tópico siempre presente en la psique humana, o por lo menos del artista contemporáneo a la misma.

Por otra parte, sí era psicodelia, a la argentina, pero psicodelia al fin, con un efecto amortiguado por el ambiente cultural local: las influencias culturales regionales, las represiones militares que marcaron las visiones de los artistas del país, y el avanzar mismo del tiempo que hace que la influencia se mueva y modifique de acuerdo a las novedades del momento en la escena artística. Con todo ello, bandas argentinas como, por ejemplo, Billy Bond y la Pesada, recrearon y tomaron mucho de la filosofía hippie, sus discos, con sus letras oníricas, experimentaciones instrumentales y zapadas constantes en blues y rock, dan cuenta de ello.

Color Humano parece haber vivido ese efecto también, con composiciones áureas de rock, entre canciones con buenas melodías y pasajes, letras cósmicas que le hablan al sol, y proyectos musicales muchas veces conceptuales o que responden un motivo artístico común que enarbola toda la producción de la banda bajo un aura de luz rockera. El primer disco de la banda, el homónimo ‘’Color Humano’’, de 1972, es un asunto serio, con búsquedas de un sonido con el que parecen haber encontrado alguna cosa que no puede palparse y abarcarse, pero que está allí, en el sonido del grupo, como viniendo de algún lado y disimulándose entre la instrumentación.

‘’¡Larga vida al sol!’’ proclaman mientras el grupo se pierde dentro de un aura misteriosa, de guitarras provenientes de otro espectro, una evolución estructural que hace de la misma una exploración, letras oníricas, estamentos de luz, búsqueda proto progresivas, o progresivas en sí, y buenas zapadas que dan cuenta que estaban a la altura de los sonidos de la época y que a su vez eran muy buenos músicos. De alguna manera en el disco aparecen algunos motivos comunes de los discos hippies de la época, entre zapadas en temas extensos de 10 minutos mínimo, canciones acústicas, poesía en letras oníricas, experimentación con alucinógenos, experimentación con estructuras, sonidos y texturas. Habían bebido de esa fuente, pero la habían cortado con un poco de cultura argentina, que no dejaba de ser la contracorriente hippie, pero bajo las condiciones sociales, políticas y económicas locales, y bajo los recursos con los que se contaba.

En este primer disco la banda experimenta un poco con la composición en temas de rock bien ornamentados y con desarrollos de elaboración, no se trata de simples canciones sino de piezas de rock que cuentan con búsquedas bastante esmeradas que incluyen muchos elementos en su haber, pasando por varios pasajes internos y progresiones internas. Una de esas piezas es ‘’Humberto Azulado De Azul’’, un tema de rock pesado, psicodélico, extendido con una sesión de improvisación interna, por lo que la pieza alcanza la duración de diez minutos de duración. Otro tema similar en el disco es ‘’Silbame Oh Cabeza’’, que también cuenta con una búsqueda instrumental interna, entre arreglos de bajo y motivos finales que dan fin al tema.

Aunque él momento del disco, el corazón sangrante del disco, es el mítico ‘’Larga vida al Sol’’, una pieza que marca más especialmente este costado áurico del disco, su sentida letra, su composición particular, e incluso el sonido que se obtiene de la guitarra eléctrica, dan cuenta de una pieza única en su época, con mucho carácter místico, mucha estirpe del hipismo argentino de la época que muchas veces hacia referencia a lo invisible en sus canciones y formas de vida, generándose entre los músicos y artistas de la época algo así como cofradías y grupos, agrupaciones que se reunían bajo el aura del arte y las búsquedas espirituales. ‘’Larga vida al Sol’’ comienza con unos rasgueos misteriosos, como anunciando un ingreso hacia algo, o un misterio que busca salir en forma de música, el sonido de la guitarra en el tema aporta gran parte de ese efecto y comanda al trio de músicos, y al oyente, a un viaje como pocos en la época, incluyendo canción, incluyendo viajes progresivos, incluyendo momentos extraños y poesía.

Otra pieza interesante aquí es la ‘’Introducción Polenta’’, una pieza instrumental que paradójicamente por su nombre cierra el disco, y que podría decirse que es ‘’progresiva’’ por su elaboración, ya que no es una canción sino una incursión instrumental con pasajes que avanzada y momentos que progresan y no se detienen en la repetición de alguna estrofa o estribillo. El disco se completa con dos piezas ‘’acusticas’’, la bella ‘’Padre Sol, Madre Sal’’, una bella canción en la que participa la cantante argentina Gabriela. Por otra parte, la pieza ‘’acústica’’ ‘’Después Del Hachazo’’, otro momento solo de guitarra bastante particular y que está al tono de la experimentación del grupo.

Tres son los lanzamientos discográficos que dejó la banda tras sus años de vida. Para el segundo lanzamiento la agrupación había preparado un lanzamiento de doble LP, pero por cuestiones de negocios el disco se dividió en dos, formándose así el ‘’Color Humano 2’’ de 1973 y ‘’Color Humano 3’’ de 1974. La banda para este primer lanzamiento estuvo formada por Edelmiro Molinari en guitarra y voz, coros, piano en "Introduccion Polenta", David Lebon en batería y coros, y Rinaldo Rafanelli en bajo, coros, órgano en "Introducción Polenta".

Cod: #1758

Pettinato & The Pessi-Mystics - El Yo Saturado (2000)

Esta no es una obra exclusivamente psicodélica, aunque algo de eso hay dando vueltas en su sonido, el cual básicamente posee algunas miras pero principalmente cuenta con su propio estirpe, surgido de la combinaciones de las diversas visiones aportadas por los distintos músicos, y surgido además del hecho de que las grabaciones para este disco fueron realizadas en dos sesiones espontaneas, según se dice sin ensayos y con músicos reunidos para la grabación sin haberse conocido previamente. Por lo que ya tenemos el elemento de la aleatoriedad y la búsqueda desde la sesión grabada en vivo, con sus improvisaciones y sus creaciones espontaneas y sus encuentros y sincronías que funcionan al momento y que seguramente no puedan volver a ser repetidas. Se trata de un momento justo y de un lugar indicado en el que todo ocurrió como debía ser, y finalmente así fue publicado.

La mayor parte del cuerpo sonoro del disco son pistas de una especie de rock alternativo sobrecargado de distorsiones, hasta el bajo por momentos pareciera distorsionado, con un sonido ruidoso que sobrecarga la escucha y casi que sobrepasa la altura de las voces. Los temas son concisos y contundentes, poseen arreglos melódicos en voz con formas reconocibles e incluso agradables, aunque muchas veces los temas cuentan con esa dosis de apertura instrumental venida de la medida de la improvisación y la libertad con la que se ejecutó las piezas, por lo que en general las canciones son travesías que van transitando por diversos estados y funcionando en diferentes carismas internos, variando en intesisdad y ejecución, siempre dentro de la canción, sucia y alternativa.

Los temas son solemnes, oscuros, anti comerciales por naturaleza, con voces que cantan algúna pena o maldición con tonos oscuros. Hay influencias del rock alternativo, del post-punk, tal vez seguramente de la psicodelia, krautrock y del rock, y en menor medida del blues/rock. En los títulos de las canciones hay referencias a otras bandas, con nombres de temas como ‘’Joy Division (Three In The Morning)’’, ‘’Z Z Top Taxi Driver’’ o ‘’Color Humano’’. 

Aunque haya sido un álbum poco planeado previamente, es obvio que se trata de un lanzamiento con mucho para decir, con mucho contenido moral o anti comercial, y con mucho contenido cultural, desde las influencias, visiones, planes, creaciones, inventos como la pieza acústica ‘’Cuando Sea la Última Vez’’ que se asemeja tal vez al krautrock, siendo todo ejecutado por músicos de gran nivel, lo que propició el desarrollo de este experimento y permitió la creación espontanea del mismo.

El espíritu del disco fue aportado en parte por Roberto Pettinato, músico argentino conocido en el under y el rock alternativo argentino, con una carrera solsita interesante y conocido muchas veces por haber sido saxofonista de la banda argentina Sumo. Pettinato en noviembre del año 2000, junto a José "Pepe" Navarro, planearon y dieron forma un proyecto musical fugaz que terminaría conformándose como ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’. El proyecto terminó integrado por los nombrados Pettinato en guitarra, saxo y voz, Javier Saiz en guitarra, Salvador "El Rojo" Agustoni en bajo y José Navarro en batería. Finalmente Peter Bearish y los hermanos Gonzalo y Coco Rainoldi colaboraron también en las grabaciones del disco.

Si el disco tiene su suciedad y su sonido particular, es que fue en realidad grabado y mezclado para que suene de esa forma. Grabando en Estudios el Pie durante 4 sábados de noviembre del año 2000. Concepto Produccion Musical Pettinato, Blondeau & Gonzalo, produccion General por Pettinato. Lo mejor de esas sesiones experimentales fue extraído y presentado como finalmente se lo conoce como ‘’El Yo Saturado’’. El disco fue lanzado a principios del 2001 con una tirada relativamente pequeña por el sello discográfico de Seattle, Dadastic! Sounds, hoy difícil de conseguir. A pesar de haber conseguido buenas críticas el disco no sobrepasó la atención de las fronteras de la limitada escena de rock alternativo de América del Sur. 

De todas formas, Pettinato, uno de los creadores e ideólogos del trasfondo del concepto y sonido desde disco, siempre se ha manifestado con un espíritu crítico hacia algunas convecciones, reflejandolo principalmente en su música solista, con discos como este dentro del terreno de lo alternativo o lanzamientos y exploraciones hacia terrenos de la vanguardia y el free jazz. La premisa alternativa, under y anti comercial ha sido la búsqueda artística predilecta por el artista, y seguramente para la ocasión de ‘’Pettinato and the Pessi-Mystics’’ no haya sido la excepción en cuanto a su postura y la de sus compañeros de proyecto.

Una curiosidad es que en el disco, Pettinato toca la guitarra eléctrica y se ocupa de las voces en las canciones, todas en idioma inglés,  pasando el rol de su saxo a un plano secundario, apareciendo solo en un par de temas y sin un rol tan preponderante. La banda no prosperó mucho más que para el lanzamiento de este disco, las obligaciones de Pettinato con su carrera televisiva, hicieron que esto sea imposible y la banda se disolvió poco tiempo después. 

Cod: #1743

Hypnotic - Invitation To Get Elevated Up To The Lisergic Sensation Of Floating And More (2005)

En esta oportunidad les traigo una historia local, del under creativo de la musica rock y pop de mi ciudad natal, Pehuajó. Nicolas Zunino presentó en 2021 una reedicion digital de su disco de 2005 ''Invitation To Get Elevated Up To The Lisergic Sensation On Floating And More'', el cual he decidido reseñar para esta ocasión y con motivo del cumpleaños de Nicolas. Nicolas es creador del sello discografico Las Hojas Records que pueden seguir en instagram -> Las Hojas Records.

En Pehuajó (Prov. Buenos Aires, Argentina) cosas pasan, la escena local rockera de la ciudad últimamente ha experimentado cierto acrecentamiento por la aparición de algunas bandas, proyectos y lugares varios para poder hacer música en vivo o grabar, algunos proyectos que están, otros que siguen y otros que no seguirán, pero hubo movimiento y lo habrá por un buen tiempo, impulsado en buena medida por gente joven. 

En ese contexto podemos hablar de algunos emprendimientos impulsados por el músico y dueño y administrador de su propio estudio de grabación y sellos discográficos, Nicolas Zunino, ak Zunnio, quien nos trajo a esta pequeña ciudad el primer sello discográfico de la historia de la ciudad, ‘’Las Hojas Records’’, el primer disco compilatorio con música producida también de forma local, llamado ‘’El Eco Musical de las Hojas Audio Estudio’’, y además de contar con un estudio de grabación, llamado ‘’Las Hojas Audio Estudio’’, que también puede funcionar como sala de ensayo, un centro neurálgico para el arte de la ciudad, totalmente equipado, donde varias bandas solemos frecuentar en busca de un espacio para trabajar nuestra música.

Zunnio es creador de los dos primeros sellos discográficos de la ciudad, y es en esta base creativa donde el artista presentó en 2021 una reedición digital de uno de sus trabajos, un disco que grabó y presentó en 2005. ‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ fue creado por el proyecto ‘’Hypnotic’’, un dúo de forjadores talentosos de la canción y aledaños que crearon esta obra con antelación, influencia de la psicodelia de la época y emprendimientos que remontan vuelto hacia el dream pop y el Downtempo, de hecho todo el disco cuenta con esa dosis de solemnidad rítmica que invita a la movilización de las esferas internas hacia estados alterados, enarbolados con arreglos de sintetizadores, atmosferas con acercamiento ambiental, y voces perdidas en efectos que se funden con el sonido.

El trabajo está presentado en una serie de piezas con aire de canción, aunque estas muchas veces presentan algunas búsquedas estructurales que se salen de lo esperado, por lo que ya hay varios estados internos interesantes para explorar perdidos entre la instrumentación variada que presenta la obra. 

Los arreglos muchas veces se vuelven variados y complejos, funcionando sobre un andamiaje rítmico conciso y movilizador que invita a viaje, arreglos que van funcionando, mutando, apareciendo y sucediéndose como en un horizonte de sucesos sobre ritmos Trip Hop que no dan tregua en ningún momento. Todo el disco pareciera funcionar bajo esta perspectiva y premisa percusiva, mientras el viaje se propone ya desde el primer puñado de segundo del disco.

Los momentos ‘’trip’’ no faltan y todo el disco es un tránsito hacia otros estados. Sin ser psicodélicos en un sentido crudo o radical, todas las arremetidas del disco tienen esa cuota psych, una versión retorcida de sí mismos pero con perspectivas, no hacia lo oscuro ni hacia la locura vanguardista, sino hacia la luz y la fluidez de armonías y los ritmos. Son nueve pistas las que componen el disco, la mayoría instrumentales o con voces de ornamento y no necesariamente cancioneras, todas escenas hipnóticas que conducen al ser a un viaje suave con ritmos concisos y directos, donde las armonías de sintetizadores son los impulsores principales en la travesía. 

Sin ser krautrock ni estar influenciado por el género, recuerda con ciertos pasajes al estilo, los sintetizadores cumplen un rol principal en este trabajo. También aparecen desde la electrónica algunos efectos agregados, además de percusiones, guitarras de todo tipo, teclas, sampleos y secuencia muy bien organizadas.

‘’Invitation to Get Elevated up to the Lisergic Sensation on Floating and More’’ cumple con su propuesta inicial, la invitación hacia obtener estados elevados de sensaciones lisérgicas. La premisa al acercamiento de la música preferentemente deba ser la relajación y la búsqueda de sensaciones, aunque también pueda ser bailar.

El trabajo fue grabado de forma privada y autogestionada en 2005, con trabajo de Sebastian Malugani en programaciones, bajo, teclas y coros, Nicolas Zunino en guitarras, voz y programaciones, y Natalia Crotti en coros. La tirada del disco fue limitada con una serie de 100 ejemplares, masterizado por Eduardo Bergallo y publicado de manera independiente en 2005. El disco fue reeditado en 2021 de manera digital y publicado digitalmente por el sello discográfico ‘’Las Hojas Record’’, propiedad de Nicolas Zunino.

Las siguientes son algunas palabras del mismo Nicolas Zunino sobre la creación del disco y sobre algún aspecto del mismo: 

‘’La idea del nombre tiene relación directa y simbólica con lo que nos generaba a nosotros la música que en ese momento estábamos creando. Eran noches de vino y largas cenas que derivaban en grabar canciones sin filtro. Una etapa de mucha libertad y noches. Qué representa la portada del disco? un estado. Mucha libertad. El proceso de creación y grabación fue por etapas y desproporcionadamente anárquica ya que nos juntábamos un jueves, zapábamos, grabamos y al otro jueves lo cerrábamos... así que asumo que se grabó en unos 4 / 5 meses pero solo 3 horas cada vez que nos juntábamos’’. 

Al momento de referire a las influencias musicales que marcaron su estilo, se regirio a lo siguiente: ''La musica de mediados de los 90s como Spaceman3, Spiritualized, MAssive Attack, Tricky etc.Jesus and mary chains, Chapterhouse, Stone Roses.''

Cod: #1742

Ariel Ramirez - Misa Criolla (1964)

He aquí otra entrega de la selección de discos relacionados a la Misa Católica y qué mejor manera que continuar con este pequeño especial que con la gran ‘’Misa Criolla’’ del compositor argentino Ariel Ramírez, una obra fundamental para el folklore argentino que trascendió el país para volverse universal en el mundo, siendo traducida y reinterpretada por sin fin de artistas a lo largo de muchos países en el mundo. Es la séptima entrega de la selección de álbumes conceptualizados como misas católicas:

La génesis de la obra tuvo origen en una idea que Ariel Ramírez tuvo volviendo de Inglaterra a la Argentina, una idea que según él no fue originalmente la de una misa sino la de hacer una música religiosa que, según sus palabras, ‘’honrara la vida, que involucrara a las personas más allá de sus creencias, de su raza, de su color u origen’’. En realidad Ramírez había pasado algunos años en Europa, tras haber ido a estudiar música, estudió tradiciones folclóricas en la Academia de Viena y en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid. Luego de algunos años terminó en Holanda, donde fue recomendado a vivir en un convento en Würzburg, una pequeña localidad a unos 100 kilómetros de Franckfurt.

Allí convivió un tiempo con las hermanas Elizabeth y Regina Brückner, y fueron ellas quienes le contaron la terrible historia que había albergado el convento hacía tan solo cinco años antes de su estadía. Eso que se veía como un lugar encantador y mágico, hasta hacia poco tiempo antes había habido no más que escombros, y lo que era el convento había sido parte de un campo de concentración nazi. En palabras del autor: "Estas monjitas me contaron que ellas sintieron piedad por los hombres que estaban detenidos. Se apiadaron, y todas las sobras de comida del convento, una noche las metieron en unas bolsas, y poniendo en riesgo su vida -porque era la horca o ayudar a un judío- escarbaron al lado de la alambrada y la pusieron allí. Fue la primera noche, y al día siguiente el paquete no estaba; al siguiente lo volvieron a hacer, y así siguieron durante un año y medio. Ayudando, no sabían ellas a quién. Pero esa pobre gente que estaba esperando la muerte en cualquier momento, las miraban, y esos ojos eran de agradecimiento".

Palabra de Ariel Ramírez: "Un día de 1954, tal vez del mes de mayo, estando en Liverpool, no puede resistir la tentación de subir a un barco, el Highland Chefstein, que iba a Buenos Aires donde me esperaban mi hija Laura, de cinco años y mis viejos, que superaban los setenta. Me había convencido que en dos meses regresaría al lugar donde ya había decidido afincarme para siempre. Pero el destino me reservaba otro rumbo. En aquel barco que atravesaba el Atlántico hacia el sur, empecé a rememorar el relato de las hermanitas Brückner y a pensar en toda la solidaridad humana, todo el amor que había recibido, de parte de gente extranjera con la que apenas podíamos comunicarnos por el desconocimiento mutuo de nuestras lenguas. Me conmovía pensar en que todo lo que recibí fue exclusivamente por amor a mi música y a mi persona, hasta que comprendí que sólo podía agradecerles escribiendo en su homenaje una obra religiosa."

Ariel Ramírez se propuso componer la misa cantada sobre formas musicales puramente folklóricas con estilos argentinos, recibiendo el apoyo y el asesoramiento del sacerdote Osvaldo Catena, asesor de la liturgia para América Latina, del sacerdote Jesús Gabriel Segade, director de la cantoría de la Basílica del Socorro, y del sacerdote Alejandro Mayol, uno de los más entusiastas promotores de la idea, tres sacerdotes quienes también se encargaron de traducir y adaptar los textos litúrgicos a las formas de la canción de la Misa Criolla.

La obra fue gestada desde hacía varios años y terminó de ser compuesta y grabada en 1964, y lanzada como álbum la navidad de ese mismo año. La grabación se realizó en los estudios de grabación Odeón para el sello Philips, durante los meses de octubre y noviembre de 1964, con arreglos corales del Padre Segade, presencia coral solista del grupo folklórico Los Fronterizos (Eduardo Madeo, Gerardo López, Julio César Isella y Juan Carlos Moreno) y presencia coral del coro de la Cantoría De La Basílica Del Socorro, además de Jaime Torres en charango, Chango Farías Gómez en percusión, Raúl Barboza en acordeón, Luis Amaya, Juancito El Peregrino y José Medina en guitarra, Domingo Cura en bombo y timbales, Alfredo Remus en contrabajo, además del propio Ariel Ramírez en clavecín y dirección general.

El trabajo de la Misa Criolla está dividido en dos partes. La primera de ellas representa la ‘’Misa Criolla’’, con forma de misa católica tradicional, conformada por las cinco partes tradicionales del culto católico adaptadas a la música folklórica tradicional argentina: el Kyrie adoptó una forma de vidala/baguala; el Gloria de carnavalito; el Credo, de chacarera trunca, el Sanctus, de carnaval cochabambino, y el Agnus Dei, un estilo pampeano. Ya para la segunda parte del disco aparecen seis composiciones más que forman la parte del trabajo denominado como ‘’Navidad Nuestra’’, composición original de Ariel Ramírez y con letra de Félix Luna, parte segunda integrada por: La Anunciación con ritmo de chamamé, La Peregrinacion con ritmo de huella pampeana, El Nacimiento con forma de vidala catamarqueña, Los Pastores con ritmo de chaya riojana, Lo Reyes con ritmo de taquirari (ritmo boliviano), y La Huida como vidala tucumana.

Esta obra tiene una profundidad llamativa a la primera escucha, tomando de una variedad de tonos y estilos musicales argentinos su diversidad compositiva, conformándose como una obra fundamental para la música popular argentina, y configurándose en un sonido que conmueve, que toma de la liturgia momentos del profundo sentir religioso y los vuelca a la perfección; la instrumentación y coro no se quedan atrás, el coro es totalmente conmovedor, angelical, y los arreglos instrumentales justos, concisos y directos. 

Estas son unas palabras que vienen en la reedición y remasterización del cd original de 1994: ‘’Navidad Nuestra ofrece, en una selección que armoniza todas las tonadas de esta tierra, el misterio de la encarnación al modo nuestro. Al modo tierno y sencillo en que lo suelen cantar, bajo cielos diferentes, aquellos que creen en el mensaje de un dios que bajó al mundo para traer paz a los hombres de buena voluntad. Tal, la Misa Criolla y la Navidad Nuestra. Este disco hay reunido la vocación creadora y la emoción interpretativa de muchos hombres y mujeres que han dado testimonio de la perenne vigencia con que se vivifica un misterio de amor, al que se puede cantar con voces propias, vernáculas, porque su dimensión no admite fronteras. Un misterio de amor que puede expresarse también, con dignidad y hermosura en palabras y melodías que trasmiten el caliente sabor de nuestra tierra americana.’’

La Misa Criolla es una obra que tiene esa capacidad extraña de traspasar los límites de las tendencias, opiniones o creencias personales, ya que ante la belleza y el fulgor de la obra, el sentir místico, la fuerza de las composiciones y la intensidad de la interpretación de la grabación original, uno puede darse el permiso de dejar las opiniones religiosas de lado y poder disfrutar así de la música que realmente merece ser escuchada, y así sentir un poco de eso que tanto se le destaca a la obra. En realidad con esta obra supuestamente se pretendió, más allá del sentir religioso, buscar  u ofrecer una suerte de llamado de paz ante la violencia masificada, en realidad la no violencia o la paz son cosas que deben buscarse profundamente y no pueden ser generadas por un disco o una música, sea cual fuere, pero en lo estrictamente musical y artístico, esta obra es capaz de conmover a quien sea.

Cod: #1717

Gorrion - El Rock de la Misa Criolla (1974)

La álgida creatividad que manejaban los músicos de la época hizo que esa fuera una era repleta de trabajos innovadores. Florecieron las experimentaciones, las vanguardias, además de aparecer un sinfín de obras y trabajos conceptuales. La forma conceptual del género musical de la Misa Católica funcionó y encajó perfectamente en ese marco, lo que significó que varias bandas tomaran esta forma para crear álbumes conceptuales con ella, desde el rock pero también desde otros géneros como el jazz, entre otros. Tercera entrega de la serie de albumes conceptuales elaborados en torno a la misa catolica, aquí va ''El Rock de la Misa Criolla'' de 1974 por la banda argentina Gorrion:

Este es un disco que tiene su rareza dentro del coleccionismo del rock argentino, un disco que en su estado original no se ve mucho pero algunos tienen sus reservas sobre su producción artística, no es muy conocido pero tampoco es muy querido, incluso en su época la revista argentina de rock ‘’Pelo’’ le dedicó una reseña con una crítica muy dura y para nada alentadora respecto a esta producción. En sí este disco es una reinterpretación de ‘’La Misa Criolla’’ de Ariel Ramírez (obra fundamental del folklore argentino, publicada en 1964) en versión rock, con algunas miras progresivas, reversión de estrofas y estribillos adaptados el rock y con agregados sonoros con cierta experimentación que vuelven al disco en ambientes muy interesantes.

Esta reinterpretación fue concebida por algunos músicos del rock argentino de la época, entre los que aparecían: Félix Pando en teclados y piano y Hiacho Lezica en batería (ambos ex-La Joven Guardia), Quique Alvarado en guitarra, charango y bajo (ex-Los Mentales, ex-Fe) y Daniel Cash en guitarra. Además de la grabación participó el músico folklorista Chango Farías Gómez, además de ser el mismo Ariel Ramírez quien supervisaría la grabación. Esta banda fue una formación eventual que se reunió únicamente para la creación de este disco, dejando solo este trabajo en la palestra pública. 

La estructura del disco está conceptualizada bajo la forma tradicional de la misa católica, que es un género musical sacro dividido principalmente en seis partes, consistiendo en los siguientes pasajes: I. Kyrie, II. Gloria, III. Credo, IV. Sanctus, V. Benedictus y por ultimo VI. Agnus Dei. El disco está a la vez conceptualizado musicalmente bajo la reinterpretación en rock de las música original de la obra ‘’La Misa Criolla’’, obra folklórica que no solo tomó la forma ya nombrada de la misa católica tradicional sino a la que también se le agregaron composiciones/canciones adicionales, composiciones adicionales que no fueron tomada en cuenta para esta reversión en rock.

La música de rock para esta reversión es intensa, variada en el sentido compositivo en lo que pareciera alcanzar algunas estructuras cambiantes cercano a lo progresivo, las letras son una alabanza a las imágenes sacras de lo católico, además de aparecer los yeites del rock clásico como solos, voces rockeras, arreglos corales y momentos experimentales. A esto sumarle que hay repartido por todo el disco momentos de experimentación sonora, son momentos de tensión en los que aparece un ruido perverso de fondo, sobre el que se escucha una respiración tensa y algunas palabras que en forma de predica católica.

Para lo interesante que es el disco el mismo resulta ser relativamente corto, apenas alcanzando los veintiséis minutos de duración. Con estos discos hay que tener sus reservas en lo que a su consideración respecta, cuando se trata de algo tan demarcadamente religioso pero que su música contiene buena dosis de creatividad, entonces vale la pena acercarse y, más allá de la creencia de uno, poder tolerar su ideología y disfrutas de la propuesta sonora. El disco, además de en Argentina, fue lanzado en Francia bajo el título "Misa Criolla in Rock" con una portada diferente, y en Japón en 1976.

Cod: #1713