Bakery - Rock Mass For Love (1971)

He aquí la cuarta entrega de la colección de discos conceptualizados como o en torno a la Misa Católica, en este caso va otro disco conceptual, esta vez grabado en un evento en vivo. Se trata de ‘’Rock Mass For Love’’ de 1971 por la banda australiana Bakery. Un trabajo que consiste en una misa fusionada con momentos de rock, una misa rock que encaja perfecto en esta seguidilla de álbumes conceptuales de Misa Católica:

Este trabajo fue grabado en vivo en un evento religioso que se realizó que se celebró en la Catedral de St. George, Perth, Australia, y se grabó en vivo el 21 de marzo de 1971 ante la presencia de casi 6.000 personas. El evento cuenta con una banda en vivo ejecutando sus canciones en vivo en la catedral nombrada, a lo que se le suma un predicador, tal vez cura, que da una misa al unísono con el evento, con las típicas recitaciones y respuestas del publico de las misas, y las predicas que profesas ‘’amor’’ y demás ‘’valores’’.

El disco consiste en eso, lecturas y predicas en vivo, mixturadas con algunas canciones de la banda, canciones entre rock, rock pesado, apareciendo eventualmente algún sabor de jazz o funky. Las canciones son consistentes, a veces pesadas, apareciendo algún solo de vez en cuando o algún momento de atascos instrumentales, aunque en general no hay tanta música debido a la aparición de las predicas religiosas que toman parte del disco con diálogos y lecturas.

En cuanto a esas predicas, se trata de algunos diálogos, con todo religioso, que tratan de dar algún mensaje al público, funcionando entre mensajes, predicas y algunos diálogos irónicos y algo cómicos que hacen al público reír y finalmente ofrecer aplausos. En realidad no es un gran trabajo musical, las canciones suenan bien y son entretenidas, variadas en su concepción lo que ofrece la mirada de la versatilidad de la banda, pero en realidad como obra o trabajo o disco no funciona tan perfectamente. Esto es más bien una curiosidad conceptual, un evento que combinó religión con música ejecutada en una catedral. La calidad de la grabación no es buena, la calidad es baja, pero aun así es un documento interesante y tuvo su fenómeno que explica el porqué de esto:

‘’Rock Mass For Love’’ aprovechó el interés actual en lo que se conoció como "God Rock" o "Jesus Rock", en el que los compositores buscaban comunicar el mensaje cristiano a los jóvenes mediante el establecimiento de letras de orientación religiosa en arreglos de música rock o pop. En gran medida, este movimiento fue una reacción directa a la caída calamitosa en la asistencia a la iglesia que había comenzado en los años sesenta, y el aumento masivo simultáneo de la popularidad de la música rock y pop. Este proyecto, inusual para el grupo e incluso para el rock australiano de la época, fue una desviación temática significativa del estilo habitual de rock progresivo / duro de Bakery. Grabado en vivo, fue una de las primeras obras musicales australianas de este tipo, precediendo a la primera producción australiana de Jesus Christ Superstar en casi un año.

Las siguientes son unas palabras que aparecen en la cotraportada del vinilo original de epoca yque sirven para ilustrarse mejor sobre el evento, escritas por John Hazlewood. decano de Perth, W.A.:

‘’Las Misas de Rock en la Catedral de St. George tuvieron sus comienzos en una choza empapada por la lluvia al norte de Perth, como Bakery, y esperaba abrir un Festival Pop.

En el ambiente humeante de café y leña mojada hablamos de un Festival de Música Rock en la Catedral. A partir de ahí, Rock Masses evolucionó atrayendo a miles a la catedral gótica de ladrillo del siglo XIX que se encuentra en medio de la ciudad y es un símbolo de establecimiento conservador.

Beaumont, Appleford y otros han tratado de actualizar la música de la iglesia y liberarla de la crisálida de libros, de himnos y cánticos desgastados que ya no expresan la libertad y la alegría de la adoración para que la gente en general pueda entenderlo completamente.

Ahora en Perth, gracias a la brillantez de Bruce Devenish y sus músicos de jazz, así como al sonido pesado de Bakery, hemos podido componer y celebrar nuestra propia Misa de rock totalmente contemporánea. Esta grabación, realizada bajo enormes dificultades en la noche de 21 de marzo de 1971, en la Catedral, intenta compartir toda la experiencia increíblemente maravillosa.

Se escuchó mucha oposición en la prensa y de personas más conservadoras que no estaban presentes. Muchos se quejaron de que toda la serie eran trucos publicitarios. Parecería que un gran número de personas se sintieron profundamente conmovidas tanto por las ocasiones como por las transmisiones y presentaciones televisivas. La autoridad eclesiástica, el arzobispo de Perth, dio permiso y aliento, y la liturgia fue una adaptación de la serie inglesa Communion Service realizada por mí.

La música busca enfatizar y subrayar el tema de la Misa, en este caso el tema fue de amor. Ha sido interesante y alentador saber que este tipo de cosas también están sucediendo en Pasadena y en St. John the Divine, Nueva York.

Me parece muy importante que la Fe salga de sus adeptos introspectivos, ocultos y cada vez más reducidos para llegar a los jóvenes del mundo que tan a menudo nunca la han escuchado o recibido.''

Cod: #1714

Steve Maxwell Von Braund - Monster Planet (1975)

El dúo australiano de Cybotron hizo su camino a partir de 1976 con cuatro discos que funcionaban dentro de una electrónica de punta, con aproximaciones al rock y a la música espacial, pues fue previa a esta experiencia cuando uno de los integrantes del dúo, Steven Maxwell von Braund, publicó, en 1975, un artefacto previo al sonido de la banda y con el que ya comenzaría a explorar esos sinuosos terrenos por las tierras fértiles de la experimentación espacial.

El trabajo está compuesto por cuatro extensas piezas de alrededor de diez minutos de duración cada una y que son la excusa perfecta para desplegar el sonido en extensos viajes electrónicos de demarcada experimentación y consistente desarrollo, siempre dentro de ambientes perversos que incitan a una placida incomodidad mientras el internauta creador conduce las sesiones hacia tierras de mayor perversión aun, con agregados también oscuros con los que se conjugan las voces electrónicas que surgen en las pistas, formando así una combinación que está entre las delicias de la música under de su Australia natal.

De las cuatro piezas presentadas solo una presenta algo de instrumentación con acercamiento al rock, lo es en el caso de ‘’Moster Planet’’, la pieza introductoria del disco que le hace honor a su lugar de iniciadora con un desenlace de notable desarrollo progresivo, apareciendo una voz que canta algunas estrofas (que no se trata del mismo Von Braund sino de Jim Keays, cantante principal de Master Apprentice), la cual se fusiona con una batería y un saxo, para terminar apagándose en una andanada de inventos electrónicos siempre oscuros. 

También ocurre en la pieza ‘’Crystal Forest’’, donde aparece el sonido de un violín somado a la mezcla oscura y dotándole a sonido general una característica muy particular, con dicho instrumento aplicando algunas líneas melódicas pero funcionando de manera cómo entendiendo muy bien el estilo de los sintetizadores y acoplándose a ellos en ese cometido tan distintivo de ofrecer una entidad sonora perversa. 

Von Braund grabó este álbum predecesor al sonido de Cybotron cuando regresó a Australia en 1973, después de empaparse de los sonidos psicodélicos que encontró en su estancia en el Londres de los sesenta, donde se cruzó con Hawkwind, The Soft Machine y Graham Bond. También desarrolló una fuerte admiración por la música krautrock alemana, como de bandas como Amon Duul, Popol Vuh o Ash Ra Temple. Esta combinación de visiones y admiraciones resultó en este Monster Planet que es un experimento mutante y bastardo del under vanguardista australiano.

Su fuerte acercamiento al estilo kosmic krautrock alemán, con una intensa búsqueda sonora electrónica experimental, le confirió el favor de que los fanáticos del género tildaran a su música como mismísimo krautrock, y no es para menos ya que todo lo que ocurre en este trabajo está puramente pulido bajo una visión que surge estrictamente de inventos, ambientes y aplicaciones electrónicas varias.

Puede que las texturas sean algo monótonas o poco variadas, debido al uso del único sintetizador utilizado en el álbum, un Korg-700, lo que puede explicar esta tendencia a recaer en atmosferas similares en todas las piezas, las nombradas apariciones instrumentales de otros instrumentos es lo que le da un poco de aire creativo al trabajo y lo salva un poco de la monotonía total. No hay secuencias y aplicaciones típicas de otros sintetizadores utilizados en la época, la masa sonora electrónica propiamente dicha que compone el cuerpo de los ambientes electrónicos de este trabajo consisten casi exclusivamente en la estática y los ambientes espaciales que el creador del sonido le arranca a su sintetizador, y demás inventos sonoros que le puedan llegar a ocurrir.

El siniestro de su propuesta musical seguramente tenga que ver con ese planeta monstruoso del que hace referencia, esa visión de ciencia ficción que parece terminar con la tierra (o el sol), lo que a su vez es presenciado por una flotilla de naves galácticas que sobrevuelan el ambiente y observan (o propician) el atentado galáctico que da vida al nacimiento del planeta monstruoso post apocalíptico.

Cod: #1573

Rainbow Theatre - The Armada (1975)

Esta interesante banda Australiana se formó en 1973, en Melbourne, liderada por el guitarrista, productor, arreglista y compositor clásico Julian Browning, quien en un comienzo era acompañado por Ferg McKinnon en bajo y Graeme Carter en batería, pero el proyecto los sobrepasaría totalmente convirtiéndose en una banda sinfónica de trabajo orquestales muy ambiciosos, sumándose Marty Rose en voz, Steve Nash en saxo y clarinete, Frank Graham en Trumpeta, Don Santin en trombón, y Keith Hoban en voz. Un combo de ocho miembros con intenciones sinfónicas.

Originalmente lanzado en 1975, el primer álbum del grupo, un trabajo de rock progresivo sinfónico, que recobra un nivel de obra orquestal u opera, por el amplio despliegue de elementos: composiciones en extensas suites, con introducciones, distintos pasajes y etapas; donde el rock progresivo y sinfónico tienen lugar, entre arreglos de viento y mellotrones evocando arreglos de cuerda, arreglos corales (contrataron a ‘’The Victorian Opera Company Choir’’ para la grabación), pasajes instrumentales, finales. Un despliegue composicional muy fino y ambicioso, al nivel de la música clásica.

La guitarra eléctrica no tiene un lugar tan notorio, en su puesto aparecen los arreglos de viento, una tanda de metales que forman parte activa del sonido en muchos de los pasajes. Se destacan los arreglos corales, que le dan una entidad aun mayor de ‘’opera’’ a las piezas. Aquí no hablamos de canciones sino de extensas composiciones orquestales en forma de suite, con directrices de rock pero con elementos sinfónicos y progresivos que exceden las expectativas que uno podría tener sobre ‘’lo progresivo’’. Browning había puesto sus conocimientos composicionales sobre musica clásica al servicio del desarrollo de sus ideas en el rock progresivo, inspirado por los grandes como Crimson, Yes o ELP. 

Todo el trabajo es una gran obra conceptual de música de cámara, de carácter épico y dramático, con evocaciones militares, una obra que merecer ser escuchada con detenimiento debido a la gran cantidad de pasajes y cambios que ofrece. Este álbum es de una raza única y un ejemplar sinfónico único en su país, con la bandera del rock progresivo estilo Yes y los primeros años de King Crimson, siendo una influencia notable sobre el sonido y el estilo de los musicos, así como influencias de compositores como Stravinsky y Wagner. El mellotrón también juega un papel vital en este disco con Rainbow Theatre, dirigido por Julian Browning, siendo una de las pocas bandas australianas durante este período para implementar el instrumento.

Como cierre de oro, el álbum termina con ‘’Icarus’’, que básicamente sería un extracto de la 8ª sinfonía escrita por Julian Browning, que continúa la atmósfera épica del álbum y le da a este un carácter más serio y concreto. Este último fragmento parece haber sido grabado en vivo, por los aplausos que se escuchan sobre el final, y seguramente haya sido interpretado por la Melbourne Symphony Orchestra, aunque la información no es clara al respecto.

Julian Browning era aficionado a la musica clásica, su amor por la música clásica de Mahler, Richard Strauss y Sibelius tomó su atención, llegando a componer varias sinfonías propias, otra de ellas, su tercera sinfonía, también sería incluida en uno de sus discos, "Fantasy of Horses", el siguiente que lanzarían con el grupo, publicado al siguiente año, 1976. Después de este segundo lanzamiento decidieron tomar un periodo de descanso y por razones desconocidas nunca se ensamblaron otra vez, mientras que Julian Browning siguió interesado en música clásica, y decidió seguir componiendo sobre el género.

Cod: #1300

Spectrum - Part One (1971)

Durante su corta pero ilustre carrera, ‘Spectrum’  supo alcanzar a la vanguardia del rock progresivo de su país, Australia, dejando muchos sonidos innovadores y creativos dentro del género. La figura central en ‘Spectrum’ fue el cantante, compositor y guitarrista neozelandés Mike Rudd. Mike llegó a Australia en 1966 como guitarrista para el grupo neozelandés ‘Chants R & B’, banda que permanece en Australia hasta 1967, año de su separación.

‘Chants R & B’ duró un corto tiempo tras de su llegada a Australia, pero Mike se mantuvo en Melbourne, donde pronto se asoció con el joven cantautor Ross Wilson y el guitarrista Ross Hannaford, dándole vida a ‘The Pink Finks’, una corta banda que trabajó en una línea similar a ‘Chants R & B’, alcanzando algo de éxito en las listas locales en Melbourne. Mike también participaría de otras bandas, seria invitado a formar parte de ‘Party Machine’, y participaría del proyecto ‘Sons of the Vegetal Mother’, estando en este ultimo incluso aun cuando ‘Spectrum’ ya estaría formado.

En este tiempo Mike había comenzado a explorar un poco los sonidos progresivos, por lo que decide organizar su propia banda para darle más cuerpo a sus intenciones musicales particulares. ’Spectrum’ nace en Abril de 1969, bajo la formación original de Mark Kennedy en batería, Lee Neale en órgano, Bill Putt en bajo, y por supuesto, Mike Rudd en guitarra y voz.

El grupo, antes de firmar para el lanzamiento de su primer álbum, alcanza cierta fama con un exitoso single de folk lanzado unos meses antes del lanzamiento de su primer disco. Luego de firmar para EMI, y aclamados por el éxito de su primer lanzamiento, alcanzan a lanzar su primer álbum, ‘’Part One’’ (primera parte), un muy interesante trabajo psicodélico progresivo, algo oscuro, elaborado a base de exquisitas composiciones melódicas interpretadas principalmente por un órgano.

Algo llamativo de este disco es que mientras mantiene cierta complejidad, por momentos progresivo, a la vez está elaborado con un sonido heredado más del lado psicodélico, ósea del rock psicodélico, algo folk rock, con órganos hammonds, un sonido rustico con cierto parentesco con el garaje, por lo que es casi imposible imaginar que, desde un principio, ese tipo de rusticidad se encaminará hacia complejidades. 

Tímidamente se mueven hacia estructuras elaboradas y lo hacen de una manera sutil; combinando cierta melancolía melódica, con influencia de pop rock inglés, rusticidad psicodélica y más influencia progresiva inglesa, dando como resultado este sonido como de progresivo temprano, pese a ser lanzado ya en 1971; un sonido que refleja perfectamente su inminente aproximación tanto a lo psicodélico como a lo progresivo.

Su segundo álbum, ‘’Milesago’’, fue lanzado en enero de 1972, convirtiéndose en el primer album doble d rock lanzado en Australia, también es el primer álbum de rock australiano registrado con una grabadora de 16 pistas, todo un adelanto para la época. Luego de algunos cambios en la formación, registran el tercer disco, que alcanzan el puesto número de las listas australianas, y graban en vivo un cuarto álbum, lanzados ambos el mismo año, 1973.

Para ese entonces, tras el lanzamiento de su cuarto disco, la banda se estaba separando y dándole fin a su primera etapa de vida. Tras la disolución, tres miembros del grupo continuaron juntos y formaron la banda Ariel, que funcionó desde mediados de 1973 hasta 1977. Durante un par de décadas los músicos se mantuvieron activos en la música como invitados para otras bandas o con proyecto musicales propios, pero no fue hasta 1999 cuando la banda volvió a unirse, manteniéndose activa hasta el día de hoy.

Lo que compartimos en esta ocasión es una reedición en cd lanzada en el 2007, contiene los temas del primer disco, más otros varios temas bonus, entre los que se encuentran los temas que originalmente iban a formar parte del supuesto ‘’Part Two’’, que finalmente no se lanzó; y también está el single folk lanzado al comienzo de su carrera, mas alguna otra grabación de estudio que dejaron por ahí y que ahora la rescatan.

Cod: #1046