Decibel - El Poeta Del Ruido (1980)

El rock vanguardista es testimonio de una era, un peldaño que forma parte de los fenómenos evolutivos fundamentales de la música del siglo XX. Hacia principios de la década del 70, las vanguardias seguían floreciendo y continuaban coqueteando con la música popular, coqueteo que nunca jamás terminaría, posterior al advenimiento de la psicodelia a la escena mundial. La profundización de la experimentación en el rock fue un paso coherente de la evolución de la música vanguardista, experimentación que no llevaba de por sí un sello prefijado sino que podía llegar a ser muchas cosas, desde una compleja suite, hasta el vanguardismo sonoro, la electrónica y el ruido.

Todo este vanguardismo sentó las bases de lo que ocurriría luego en la historia, siendo primero la psicodelia y luego el rock progresivo los dos momentos primarios en los que las vanguardias se acercaron al rock y por lo tanto la música popular, por ende el comienzo del rock vanguardista fue también el puntapié para todo lo que ocurriría luego en la experimentación tanto en el rock como el los tantos sub géneros y estilos populares aledaños. Este puntapié se configuró como tal debido no solo a su precursoriedad en el tiempo sino también a lo profundo de dicho encuentro y a los tantos experimentos resultantes que quedaron y dan prueba de este fenómeno, siendo también a la vez uno de los puntos clave de la evolución de la música popular, en el siglo XX.

Los poetas del ruido en México han hecho un gran trecho en estos terrenos y su producción artística suele ser recordada por muchos en el campo del rock progresivo y las vanguardias. Decibel comenzó como un trío de rock progresivo hacia finales de 1973, fundado por Walter Schmidt en bajo, Carlos Robledo en teclados y Moisés Romero en batería. Poco a poco el grupo fue creciendo y sumando por tanto mayores miras con diversidad de instrumentaciones y formaciones, aunque para su primer lanzamiento discográfico, ‘’El Poeta Del Ruido’’, de 1980, la banda ya se encontraba casi disuelta, cuyos miembros pasarías a formar otras bandas que redefinieron el género en México.

‘’El Poeta Del Ruido’’ es un trabajo grabado en 1979, una producción mítica por su creatividad, encuentro de elementos, profundidad de las composiciones, entre tantas cosas más que lo convierten en un lanzamiento pilar y muy influyente en el rock mexicano. El trabajo comienza con una enorme suite conceptual de clara influencia de rock progresivo y el Rock in Opposition, debido a su temerosa complejidad estructural que la vuelve en una pieza de obsesiones y experimentaciones. Esta composiciones denominada ‘’El Poeta Del Ruido’’ pareciera otorgar el alma al disco y fundamentarse como una apertura progresiva como pocas, un portal que da inicio a la locura, desatando un vendaval de progresiones absolutas.

Pero la proyección de este trabajo no se queda en las progresiones en rock, sino que inmediatamente después el trabajo se mete de lleno en experimentaciones electrónicas y de música concreta, elementos que no siempre son sencillos para escuchar pero que son tratados con el delirio requerido para que de ello resulte una experiencia de innovación agradable. Buena parte del disco es dedicada a este mundillo de lo concreto y electrónica, por lo que esto parece ser una parte también vital de la música del grupo y sus visiones.

Por otro lado, en el track ‘’Manati’’ el grupo pareciera meterse en el mundo metafísico o chamanico (o como se diga) de las culturas antiguas locales mexicanas, brotando de la tierra sonora un mundo de brujería y canto, ritual, sobresalto, misterio y misticismo, o por lo menos eso pareciera emularse con los elementos que se tenía a mano en el rock y con toda la diversidad instrumental anexa que manejaba el grupo. Ello combinado con la parte electrónica del grupo da cuerpo a una fusión muy enriquecedora y muy propia del grupo.

Cuando se destaca que no había una notación prefijada para las bandas que se inmiscuían hacia esos sinuosos terrenos de las vanguardias en el rock, se puede resaltar esto mismo en un hecho particular que es el demarcado por las bandas que tomaban elementos de sus culturas locales para reflejarlos en sus músicas, de ello revivían elementos que, aunque siempre antiquísimos y en suerte hasta milenarios, siempre mantenían una distinción con los sonidos extranjeros, sea cual fuere su origen. Eso sí, la consumación de este florecimiento de elementos autóctonos en el rock de las bandas locales se daba exclusivamente en bandas cuya visión no estuviera marcada por ningún prejuicio y ambición comercial, y por lo tanto que pudiera cobijar a los elementos nativos como un elemento más de los tantos a disposición en el rock.

Estos experimentos no siempre fueron tomados de buena manera en su época, por lo que la creatividad de este tipo de bandas dependía de su valentía y su creatividad para afrontar el devenir de los sucesos corrientes de la vida y aun así mantenerse en una senda artística casi marginal. Estas valentías son pocas veces reconocidas por el corriente del componente social pero el tiempo siempre termina dando la razón, y los trabajos vanguardistas que terminan resultando de estas experiencias, en su mayoría terminan siendo tildados como obras de culto, precursoras, innovadoras, etc.

Cod: #1791

La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos - Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán (2025)

Aquí llega otro disquito contemporáneo de la escena argentina que tanto tiene para dar, publicado recientemente por la banda que lleva el nombre de ''La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos'', un grupo de experimentación musical que con este primer trabajo ha dado dejado mucho qué decir y especialmente escuchar. Antes que nada agradecer a esta gente por la buena onda que tienen, y si sos amante del prog no te podes perder este disco muy profundo:

En Argentina se ha dado a luz a un engendro bastardo de la música progresiva universal como poca o rara vez ha ocurrido antes por estas tierras. El arte musical que maneja esta gente es realmente sorprendente, llamativo incluso desde la publicidad donde se anunciaba la salida del disco y ya con la sola escucha de las pequeñas muestras del sonido se podía vislumbrar que se trataba de algo muy particular. Finalmente el disco salió a la luz y el resultado final deja una sensación de estupefacción en el aire y en la mente, porque esto es algo que realmente supera toda expectativa posible. Antes que nada, antes que meterse a escuchar estas cosas, vale la pena preguntarse a sí mismo el cómo es posible que alguien pueda alcanzar semejante grado de delirio música, ya que lo que aquí ocurre es de un nivel muy avanzado/profundo en su visión progresiva, artística, cósmica, plétoras de un estilo cuyo origen tuvo su fin hacia cincuenta años atrás para pasar a convertirse en el legado de la gloriosa música del siglo XX, y que aquí, esta agrupación, toma sin resquemor ni prejuicio y lo replica sin temor alguno y con una honestidad en un punto ulterior.

Bien saben, quienes manejan con soltura (y no tanto) esas temáticas, que andar por el rock progresivo no es cosa sencilla, por muchas razones: primero que nada, dependiendo del lugar al que se pretenda llegar, hay que tener una formación o por lo menos un bagaje muy profundo para poder manejarse en estos lugares, por otro lado también está la cuestión desde una mirada ética de lo compositivo que maneje el autor para así poder desplegar una proyección hacia cuan perdurablemente pretenda ser la destrucción de los estantes de las músicas populares circundantes. También, entre tantos aspectos y no es cuestión menor pronunciarlo, manejar ciertas profundidades en la música progresiva hace que la gran mayoría de las gentes del espectro social no pueda digerir la propuesta y se alejen en búsqueda de alguna pavada popular en la cual refugiarse.

‘’Caravana Prusia: Diáspora al Tonguistán’’ no es un disco más, no es un trabajo apilable en el rock argentino (que suele tener sus joyas como también sus producciones descartables), esta es una auténtica obra progresiva mayúscula con fusiones, experimentos, visiones propias, una enorme complejidad, y un espíritu inagotable y desafiante. El trabajo consta de tres piezas, tres muy extensas piezas en las que todo ocurre, desde la apertura con una introducción y todo un desenlace de veinte minutos, hasta la pieza intermedia de aproximadamente ocho minutos ya con aires orientales e instrumentos típicos, y la tercer pieza donde se vuelve hacia todo ese andamiaje progresivo infernal para concluir el disco en ello.

La primer pieza del disco se llama ‘’Caravana Prusia’’, una sección de veintidós minutos de duración donde emerge ese sonido ‘’progresivo’’ tan profundo que maneja el grupo, un andamiaje de progresiones interminables que se suceden en el plano continuo del devenir musical y que no se detienen jamás, como no dando tregua a que algo ‘’cómodo’’ ocurra sino siendo un desafío al escucha promedio, generalmente acostumbrado a la comodidad de la música popular, para que esta vez se plante ante una pieza de tensiones y reposos continuos. Un nivel de complejidad realmente muy profundo manejan estos compositores, y que llama la atención inmediatamente, es un bucle, una fulguración de pequeñas estructuras que se suceden y que desafían las estructuras incluso de la propia música progresiva.

La segunda pieza del disco es la llamada ‘’Sahriye’’, en donde los artistas dejan la música progresiva por un momento, para meterse de lleno hacia una pieza instrumental de estilo oriental, con plena influencia de culturas del medio oriente y Asia, una pieza que transporta hacia un lugar totalmente diferente al del comienzo del disco, un bálsamo de apreciación diferente que realza la fluidez del disco y demuestra la profundidad de los músicos capaces de manejarse en otra diversidad de estilos, influencias e instrumentaciones. Durante todo el sonido y el arte del disco hay imbuidas pequeñas partes instrumentales con ese mismo aire que se maneja en esta segunda pieza, pequeñas fusiones que suelen aparecer entre las progresiones, siendo ya aquí un momento en el que la banda deja las insinuaciones para evidenciar de lleno esa influencia oriental que marcó su arte y que ya dominan con profundidad. Esta segunda pieza logra volcar algo de calma al vendaval, ya que su estilo místico, meditativo, algo ya no tan complejo, pareciera significar, no solo el corazón de esa presencia de la influencia oriental en el estilo del disco, sino una manera de recaer hacia algo que, sin ser necesariamente requerido, logra ser de escucha más accesible.

Y ya para el tercer track del álbum aparece otro monstruo progresivo, ‘’Obertura 1ra de la Cámara de Tonguistán’’ se titula la pieza que da cierre al trabajo y en la que los artistas remontan de vuelta hacia la música progresiva experimental sin término medio, esa construcción minuciosa de progresiones que recorren por sinfín de estados internos, diversidad de complejidades percusivas, y partes tras partes que su suceden como en un quehacer progresivo que no da el brazo a torcer en su profundidad instrumental.

En esos momentos progresivos aparecen elementos de prog, percusiones con aire de jazz, elementos tal vez del fusión, algunos arreglos que recuerdan a la música clásica o pasajes con algún riff que hacen mella de elementos de rock, e incluso también aparecen esos fragmentos nombrados de músicas de estilo oriental con instrumentos típicos, etc. Aunque aquí seguramente poco se pueda hablar de un género particular, debido al carácter tan experimental del disco, que obliga a tener que salirse de cualquier etiqueta previa, para dirigirse ya hacia el terreno de lo experimental en la musica, siendo una creación que no tiene nombre o distinciones, carece de pretensiones comerciales y mucho menos espera ser algo complaciente.

Por otra parte, y más allá de que el disco sea puramente instrumental, pareciera que se estuviera narrando una historia, una leyenda, algo antiquísimo que se está reviviendo en la música y que está volviendo a la realidad gracias a la misma. Hay una mitología, una narración implícita que se cuenta en lo instrumental, y que en realidad está presenten en todo el concepto de la música y el arte, desde los detalles, la foto de portada, los nombres y el desarrollo de los eventos.

Este es un sonido que merece ser escuchado con atención, tranquilamente, con un tiempo dedicado a la apreciación y no como música para acompañar alguna actividad, merece ser escuchado cómoda y pacientemente para poder llegar a apreciar todo el mundo interno que el trabajo tiene para ofrecer. Mucha tela por cortar hay aquí adentro, en ese mundo de laberintos, lugares, pasajes, desafíos, melodías, arreglos internos, etc. Hay algunos momentos con pasajes levemente más cómodos, de reposo, pero en general el disco se mantiene en una tensión constante de progresiones que se suceden en el horizonte musical y que no ceden jamás en su obstinación progresiva.

Tal es el nivel de complejidad que estas piezas manejan que es muy fácil perderse en ellas, son muros de progresiones, arreglos milimétricos y sucesivos que construyen un sonido de una profundidad temerosa. Las progresiones no se detienen jamás y eso es digno de remarcar, la profunda complejidad que de instante en instante van sucediéndose, arreglos incisivos, composiciones milimétricas que ya no más en un fragmento de un par de minutos pueden recorrer un sinfín de lugares. Un auténtico delirio musical, un sonido maestro.

A continuación, y como costumbre con las bandas contemporáneas que suelo publicar en este blog, van algunas preguntas y sus correspondientes respuestas que muy amablemente la gente de la banda me respondieron y que siempre son útiles para esparcir algo de luz a las historias detrás de los discos. (No puse toda la data porque se iba a hacer muy largo.) La Manzana de Elefante Gato y sus Pacientes Psiquiátricos es una banda oriunda de la provincia de Cordoba, Argentina, compuesta principalmente por los compositores Nicolas Manuel Mateos y Gaston Espinosa, además de contar con el apoyo de Lucia Perea, Fabian Ramirez y Jonathan Thompson.

¿Qué géneros musicales los influenciaron?

‘’Mirá,  principalmente nuestra idea es NO hacer un género musical, pero Gastón es baterista de jazz por lo que claramente esa es su pasión y a mi me gusta el progresivo de los 70s, el progresivo italiano de los 70s, obras clásicas del mundo árabe y muchas obras magnificas de la experimentación de esa época.’’

Sobre ‘’Caravana Prusia: diáspora al Tonguistán’’, se trata de una obra muy compleja, ¿cómo fue el proceso de creación de semejante obra? ¿cuánto tiempo les llevó componerlo? ¿Trabajaron con instrumentistas para componer su disco?

‘’Consideramos que la vida misma fue el proceso de creación, la forma en la que se dieron las cosas en el día a día, habernos servido moderadamente de las oportunidades que se presentaron, no buscar aplausos ni popularidad, por el contrario descargar todo lo que está “ahí”, deformarlo hasta el hartazgo, no conformarnos y destruir lo que hicimos para volver a construirlo y así durante unos 3 años hasta que dejamos un poco de lado el inconformismo y pudimos grabar esto porque si no no íbamos a terminar más,, fueron 3 años de mucha composición, modificación, eliminación y volver a componer y así, y nos quedaron grabaciones como para otro disco mas y sobre eso vamos a trabajar ahora con el mismo capricho hasta que nos guste.

Los instrumentistas con quienes trabajamos no compusieron, más bien improvisaron sobre lo que compusimos con Gastón, y de hecho esta metodología va a continuar así por que justamente lo que ellos quieren es acompañar lo que hacemos con Gastón.’’

¿Como grabaron el disco? Ya que veo que dicen que ‘’ no cuenta con gran ingeniería ‘’.

‘’Muy muy rudimentario jaja, 4 micrófonos en la batería; dos condensadores y dos dinámicos directos a un portastudio Tascam 424 con cinta de cromo, el bajo con todos los pedales en 2 canales a un portastudio Tascam 07 tambien con cintas de cromo. Saxo, derbake, laud, tar, quena, acordeón, castañuelas, sitar y pipa tambien todo grabado y mezclado con el portastudio tascam 424 en cintas de cromo, posteriormente todo fue digitalizado en wav 24 bits para ecualizar y sincronizar (usamos cassettes tipo 2 por que la cinta de cromo ofrece una compresión natural que a mi gusto es mucho mejor que la compresión digital)’’

¿Tiene genero el disco? ¿Que género es? ¿Se trata de rock?

‘’Yo creo que no es rock, prefiero llamarlo “experimental” o “progresivo experimental”, creo que “rock” al igual que los géneros musicales definidos tiene techos y en nuestra fantasía lo que queremos hacer es algo que no cumpla reglas ni parámetros, tanto en lo compositivo como en el sonido final.’’

Es un disco de una complejidad que recuerda a grandes obras del rock de los 70s, ¿se podría decir que el de ustedes es un disco de rock progresivo? ¿Tienen alguna influencia del prog?

‘’Si bien considero que no es “rock” no nos ofende para nada el término “rock progresivo” jaja, creo que cada uno puede darle el nombre que quiera total lo que importa es lo que suena y hasta ahora todos los que nos escucharon ya sea en vivo o el disco notan el componente experimental como ingrediente principal.

A Gastón le gusta el bebop y King Crimson entre otros, por lo que su principal inspiración va de la mano del jazz y el uso excesivo de métricas intrincadas, por mi parte si tuviera que nombrar una influencia directa sería del álbum “romantic warrior” del grupo de Chick Corea “Return to forever”, cuyo baterista toca muy parecido a Gastón y en si la música de este disco es bien progresiva y experimental, pero también la música clásica del mundo árabe nos causa mucho interés por lo que es inevitable que algo de eso resuene durante la experimentación en la composición.’’

¿En qué géneros musicales se inspiraron? O por lo menos, ¿Cuáles los influenciaron a la hora de componer esta obra?

‘’Principalmente hay dos cosas que nos gusta y son las métricas complejas y el sonido de los 70s, como bien sabrás en los 70s hubo una especie de “renacimiento” donde había mucho interés en la música clásica y grupos como “Ekseption” e incluso “Jethro Tull” componían con variantes de Bach, Vivaldi, Mozart, por lo que consideramos que poseemos ese interés de mezclar un poco de barroco con jazz, música árabe y algo de rock por que no jaja’’

¿De qué habla el disco? ¿Que quieren decir con esta manifestación? ¿Que significa el nombre del disco?

‘’Tonguistán es el ideario de Gastón, para entender que es el Tonguistan hay que entenderlo a Gastón, yo quisiera ser como Gaston y creo que muchos quisieran ser como el y no se bien como explicarlo pero voy a intentar. Gaston es Diógenes, es un tipo desarreglado que pasa desapercibido, sin egos, sin nación ni dios, alguien a quien no le importa lo q ofrezcas ni lo que tenes para decir, es la sombra entre las sombras, no intercede no participa pero observa y tiene sus ideas demasiado claras, todos deberíamos abandonar el estado de ego, materialismo y búsqueda de poder, y emigrar al Tonguistán, la tierra de los verdaderos libres, y si el mundo está evolucionando a un estado más espiritual entonces esa sería la diáspora de los despiertos al Tonguistán, el camino es representado por el color Prusia que simboliza la estabilidad, la seriedad y la confianza que ésta es una sabia decisión.’’

¿Que culturas del mundo los influenciaron? ¿Cómo llegaron a ellas? ¿Qué culturas, músicas y estilos se fusionan en su disco?

‘’Respecto a culturas del mundo es algo que podemos hablar todo el día y llenarte 100 paginas sobre el tema pero para ser mas simples vamos a decir que el modelo musical eurocéntrico carece de un elemento crucial que está en la música de medio oriente y Asia que es el “Maqamat” o “maqam” que es un sistema de escalas en las que ciertas notas se dividen en cuartos de tono y explora en gran medida todos los tonos medios entre cada nota lo que te da la posibilidad de crear otros tipos de tensión y clima, este es un mundo increíblemente complejo que aun estamos estudiando a fondo pero que utilizamos bastante en nuestra música. Toda esta información me llegó a mi a temprana edad hasta hace unos 8 años que me compre un sitar de la india y me introduje en este mundo y de ahí vengo contagiando a todos con los que toco del interés en el ritualismo de medio oriente y en la música étnica en general.’’

¿Que tienen en mente a futuro? ¿Trabajaran en un segundo disco en algún momento?

‘’Claro que si, estamos componiendo en este momento todo lo que va a ser nuestro segundo disco, tenemos muchas ideas que queremos concretar así que estamos a full, si todo sale bien a fin de año o principios del año q viene tendremos nuestro segundo disco.’’

¿Suelen tocar en vivo? ¿Como son las presentaciones en vivo de su banda?

‘’Hemos tocado en vivo algunas veces, no es nuestro principal interés pero desde que subimos el primer fragmento de “Caravana Prusia” nos vienen invitando de varias provincias y nos está gustando la respuesta de la gente y de otros músicos por lo que vamos a enfocar una buena parte de nuestra energía en llevar la música a todo el país si es posible.

Hasta ahora las veces que tocamos en vivo fueron con el formato duo, ahora estamos armando este formato de orquesta para poder mostrar las dos improntas que tenemos en el disco, además de lo divertido que sería para nosotros también queremos mostrar estos instrumentos y esta fusión étnica a modo de divulgación para generar más interés, puede ser inspirador para mucha gente ver estos instrumentos, como lo fue para nosotros en su momento.’’

Cod: #1790

Area - Caution Radiation Area (1974)

Area, para este segundo trabajo, da un giro hacia el vanguardismo electrónico, el cual se combina con todo su poderío rockero y jazzero, de esto queda un cruce muy interesante de no solo ‘’avant prog’’, sino de atrevimientos en la vanguardia mayores. En el jazz rock ya es conocido el grupo, su poderío, sus fusiones étnicas, sus momentos aplastantes, el virtuosísimo de sus ejecutantes, los experimentos con progresiones y la asertividad de sus composiciones que hacen de esta una banda de temer. 

Pero ahora, para su segundo lanzamiento, aparece en la escena de su arte sonoro el mundo de la experimentación electrónica, en forma mayormente ambiental y con un acabo de vanguardista bastante elevado y experimental. Estos elementos aparecen en forma de introducciones, pasajes, ambientes, que se van entremezclando con el poderoso muy fusión de la banda, y como resultado queda una cosa deliciosa que une mundos con una facilidad asombrosa y con una asertividad que hacen la delicia para la escucha.

Esta fusión se hace carne durante algunos de los primeros tracks del disco, pero no es hasta cuando se llega al track ‘’Mirage’’, una pieza de diez minutos donde el jazz, al comienzo, se difumina, se sueltan las líneas, los solos enloquecen, las vanguardias florecen, y el grupo se vuelca a la experimentación pura. Habían madurado del jazz rock más raso a una experimentación donde convergían todo tipo de elementos en una sola cosa misteriosa,  y donde por supuesto, al ambiente alcanzado, vuelve a recaer al jazz rock bien potente, típico del grupo. Finalmente la pieza vulve a estados alterados, para transcurrir por varias otras partes internas.

La fusión entre bases de estirpe rock con elementos de experimentación electrónica (u otras vanguardias sonoras nihilistas) dan vida a una música que se vuelve tan compleja que deja de estar al alcance de los facilistas, deja de estar al alcance de los detractores del rock que dicen que este es fácil de tocar, y deja de estar al alcance de los parámetros de lo que supuestamente, para los académicos, debe ser la música compleja. La experimentación y las vanguardias da a la música un nivel profundo de complejidad que dota a la misma de un estado difícil de definir por las convenciones, es un estado excitante de creatividad donde se trocan los polos de lo inverso, caen muchas de las barreras impuestas por el inconsciente y su carga cultural, para nacer así sonidos únicos e irrepetibles.

Aquí, en el concepto, hay un juego entre el caos del vanguardismo, la peligrosa radiación, y el ‘’orden’’ que son los momentos más concretos de rock y jazz, que de todas formas no son ‘’ordenados’’ pero que representan el costado más ‘’entendible’’ del disco. lo creado aquí es una fuerza de convulsiones que se eclosiona en sí misma y desafía al oyente a entre en mundos inexplorados aun donde el universo Area tiene lugar como una cosa única y que no suena a nada en su época salvo a ellos mismos. Todo el álbum es experimental, apenas algunos momentos dentro de un jazz rock estándar, unos dejos del jazz, pero el resto del trabajo es un experimento en sí mismo.

Al nombrar a ‘Area’ no referimos a un famoso grupo italiano de jazz rock progresivo, formado en 1972 por el cantante Demetrio Stratos y el baterista Giulio Capiozzo. Tras su nacimiento, el grupo fue creciendo y escalando en calidad hasta convertirse en una de las más respetadas bandas de la escena de su país.

El grupo estuvo riginalmente integrado por Demetrio Stratos, un cantante egipcio, el cual estaba acompañado en un principio por Giulio Capiozzo en batería y percusión, Eduardo "Eddie" Busnello en saxo y flautas, Leandro Gaetano en piano, Johnny Lambizzi en guitarra, Patrick Djivas en bajo y Patrizio Fariselli en teclados.

Desde un principio se destacaron por su enorme calidad musical y virtuosismo compositivo, elaborando un jazz fusión muy bien nutrido y poderoso, un sonido extraño que nacía de la mezcla de jazz, influencias árabes, y progresiones pesadas y contundentes.

En 1973, Johnny Lambizzi dejó la banda y fue reemplazado por Paolo Tofani, en guitarra y sintetizador. En ese mismo año, 1973, grabaron su primer álbum de estudio, ‘'Arbeit Macht Frei (Il Lavoro Rende Liberi)’', que los colocó en un gran lugar en su pais, por el gran nivel musical que despliegan, generalmente considerado como un clásico del progresivo de su país. En 1974 aparece su segundo trabajo, ‘’Caution Radiation Area’’, demostrando que la evolución es posible y que la experimentación va de la mano con el mundo del rock progresivo.

Cod: #1667

Nazca - Nazca (1984)

Esta es una música excelsa que contiene en su interior las fibras antropomórficas de una cultura y sus raíces, a las que plasma retorciéndola desde el vanguardismo y la música de cámara, el resultado es una obra de rock tan vanguardista que prácticamente el rock como se lo conoce no se puede escuchar, para aparecer un sonido de música de cámara profundamente experimental y sinfónico. 

Las composiciones son tan complejas que se las compara con estilos como el R.I.O. y con la música de cámara, es que no se trata de canciones ni de estricto rock progresivo, este sonido va mucho más allá en la extravagancia y atrevimiento, a tal punto que desde que comienza el mismo disco hasta su final se puede escuchar una travesía por tierras de un oscurantismo sinfónico vanguardista totalmente propio y comparable a las mejores bandas de la vanguardia progresiva mundial, no tiene nada que envidiarle a nadie.

Aunque esto trasciende lo tradicional y local de su México natal, no tanto del sonido hace relacionar al sonido con su cultura local, este es más bien un emprendimiento de tipo vanguardista que pareciera ser creación de músicos académicos de alto nivel entre los que aparecían instrumentos como el piano, viola y violín, batería e instrumentos de viento como el oboe y fagot.

Quien quiera sumergirse de lleno en el mundo del vanguardismo académico, rock contracorriente, y vanguardias en el mundo de lo prog, sin dudas este es un muy buen disco a descubrir. La complejidad manejada sobrepasa el mote de canción, e incluso sobre pasa el mote de la composición misma, oyéndose un sonido oscuro, lúgubre, de vanguardia pura que parece haberse inspirado tanto en las vanguardias progresivas como en la música clásica propiamente dicha, el resultado es ineludible.

Aquí hay mucho dando vuelta, desde fusión, RIO, clásica de cámara, vanguardismo, elementos autóctonos entre melodías y sonidos, rock sinfónico, etc. Pero a la vez no es nada de esto, siendo un experimento difícil de encasillar en algo en particular, todos estos elementos se encuentran en el sonido del disco, del cual se desprende la noción principal de que la banda estaba plasmando sus propias visiones y creaciones.

La profundidad que alcanza el grupo es sorprendente y se asemeja al de la música clásica propiamente dicha, debido a la cantidad de cambios y estados de ánimo por el que el sonido logra transitar, siendo oscuro por demás y demostrando una dramaturgia también profunda que destruye al rock y lo convierte en un ente viviente que transita por distintos momentos y sub estados internos mientras transitar por el vanguardismo más puro.

Generalmente estos géneros florecieron en la Europa vanguardista desde principios de la década del 70 y más especialmente hacia finales de dicha década, desde entonces poco a poco se ha ido esparciendo el género en el mundo y fue justamente la banda Mexicana Nazca la que propuso este nuevo emprendimiento y estos nuevos sonidos que fueron pioneros en el mundo progresivo y vanguardista latinoamericano.

La banda nace en Mexico y lanzó solamente un puñado de discos, dos de estudio y uno en vivo. Con clara influencias de bandas de estilo RIO como Henry Cow, Art Zoyd y Univers Zero. El grupo estaba integrado por Alejandro Sanchez en violin, Carlos Ruiz en oboe y fagot, Guauahtemoc Novelo en batería y percusión, Jorge Gaitan en bajo y viola, y Carlo Nicolau en piano y chelo.

Cod: #1661

Moving Gelatine Plates - The World Of Genius Hans (1972)

Este es uno de los hijos bastardos del rock vanguardista francés, una de las mejores bandas progresivas de su país en la época, con conexiones con la música progresiva, el fusión y el free jazz que en esa época eran tendencia, a esto sumarle las influencias de bandas como Soft Machine del sonido Canterbury, o de bandas o sonido del estilo del Rock In Opposition. Moving Gelatine Plates es a la vez, también, otro hijo del sonido descocido del mayo francés, evento social, político y artístico que marcó el quehacer de la vida cultural francesa, y en el rock este fenómeno no sería menos, dando impulso moral a un montón de bandas que bebieron del momento político y lo replicaron en la música, el resultado está a las claras, con bandas plenas en progresiones, experimentación, fusiones, así como de humor ácido y satírico, similar a otras bandas francesas como ''Lard Free'', ''Komintern'', ''Barricade'', ''Camizole'', ''Etron Fou Leloublan'', etc.

Moving Gelatine Plates es un ejemplo perfecto de su época, su música es una eximia exploración por terrenos progresivos a la francesa, con búsquedas en composiciones extensas típicas del género, fusiones con jazz fusión, en lo que también pareciera aparecer la influencia de Rock In Opposition debido a la profunda complejidad que manejan en piezas de extensa duración. El sabor jazzero está presente, en armonías de la guitarra, en las líneas de viento aplicadas, y en el sabor canterburyano que hay dando vueltas en toda la búsqueda desplegada en el sonido.

Las composiciones son una ebullición de armonías y progresiones que se desarrollan sin parar desde que comienza hasta que termina el disco, un sonido fino, excelso, con roces con lo psicodélico que aparece en las distorsiones y fuzz que usaba en el bajo y apareciendo también en muchos momentos de delirio instrumental.

La escucha de este disco no puede realizarse como se hace con la música chabacana ultra-comercialoide, esto no puede sonar de fondo y si se lo hace es imposible acercarse a su profundidad artística, esta música exige una escucha atenta y cuidadosa, y si es posible escuchar más de una vez el disco, ya que tal es el despliegue, las progresiones, los cambios de ritmos y las complejidad total, que con una sola escucha no se puede llegar a apreciar todo lo que este sonido puede llegar a ofrecer, cada escucha es reveladora y distinta a la anterior.

Moving Gelatine Plates no tuvo el éxito de otras bandas contemporáneas y coterráneas como Magma, la falta de financiación y el cierre de puertas de los sellos discográficos hicieron que el grupo pronto decayera y terminara justo después del lanzamiento del segundo álbum, al cual a duras penas pudieron completarlo con instrumentos que ni siquiera eran propios. 

Pocas son las bandas que manejan semejante complejidad instrumental y que se mantienen con vida a lo largo de los años, con relativo éxito, fama y algo de dinero. El público masivo no está preparado para semejantes sonidos y le resulta difícil digerir semejantes experimentos, es por eso que estos discos, con sus respectivas bandas también, siempre pertenecerán a un lugar de culto, under, vanguardia impoluta, búsqueda artística autentica y real, sin ataduras a los convencionalismos o el comercio, una travesía difícil de emprender, arriesgada para quienes lo intenten, pero al final siempre es más el placer y la realización que dejan el quehacer artístico realizado que lo que se pueda llegar a vender o comercializar. 

Esta es una de las mejores bandas de rock progresivo de Francia de su época, la formación del grupo tuvo lugar en la tumultuosa Francia de finales de los 60, por lo que el carácter contestatario de la banda, por lo menos en lo instrumental, no es de extrañar. El grupo es formado en 1968 en Sartrouville, Francia,  por el guitarrista Gérard Bertram y el bajista y líder de la banda Didier Thibault, quienes se conocieron en 1966 como compañeros de escuela de 14 años.

El baterista Gérard Pons y el multiinstrumentista Maurice Hemlinger completaron la formación del primer álbum homónimo de la banda que fue lanzado por CBS en 1971. Moving Gelatine Plates bajo la misma formación lanzó un segundo álbum con CBS en 1972 titulado ‘’The World of Genius Hans’’, que al igual que su primer esfuerzo tuvo poco éxito comercial. Debido a problemas financieros derivados de las bajas ventas, después de lanzar este álbum, la banda pronto se vio obligada a separarse.

Cod: #1651

Cornucopia - Full Horn (1973)

‘’Full Horn’’ es un gran artefacto de la música progresiva alemana que a su vez retrata el quehacer de la musca rock europea del momento, con influencias claras de bandas como Genesis que se manifiestan en la voz líder del grupo y en la sofisticación de las composiciones. Este es uno de esos trabajos en los que es fácil perderse dentro, debido a la gigantesca complejidad que manejan, estructuras desplegadas en enormes suites compositivas donde la banda arremete con poderío, ingenio y mucha inventiva para la progresión y el cambio constante. 

El disco incluye dos pistas largas y dos canciones más cortas. La primera pieza del disco es una enorme suite de veinte minutos de duración en la que ocurre de todo en una andanada de cambios e inventos variados, desde grandes atascos rockeros con buenas guitarras eléctricas, con progresiones constantes, y hasta momentos de calma y desazón donde la experimentación sobreviene atacando al oyente con sus desconciertos. Dicha primera pieza está dividida de forma típica para las estructuras presentada por banda progresiva de la época, o sea con una composición conceptual dividida en un sinfín de partes, en este caso la pieza se divide en ocho sub partes.

Hay una tendencia puesta en boga en la que muchos denominan como ‘’krautrock’’ a todo aquello que haya sido producido por el rock alemán de la época contemporánea a dicho género, y con el sonido de esta banda no harían excepción, encasillando al álbum dentro del género krautrock, lo cual es desacertado porque ‘’Full Horn’’ refleja puramente las incumbencias de la banda hacia una música compleja influenciada especialmente por el mundo del rock progresivo temprano e incluso por la psicodélica pero no así tan especialmente por el krautrock, género del cual era contemporáneos y coterráneos. Si algo tiene de krautrock este disco es un par de momentos en particular, en los respectivos finales de las dos extensas suites que presenta el disco, ‘‘Day Of A Daydreambeliever’’ y ‘’Spot On You, Kids’’, piezas en el que la banda, promediando las ultimas secciones de cada suite, ralentiza las progresiones y se sumerge en un pasaje donde aparece algún agregado electrónico, entrando en un ambiente de experimentación, donde sí puede que se acerquen al krautrock, con una sutil aparición de la electrónica, pero también denotan ese toque de vanguardismo progresivo que muchas bandas explotarían en géneros el como R.I.O., por lo que eso de krautrock no es tan directo como se supone popularmente, esta no es una banda de krautrock.

Ellos parecen haber bebido de influencias progresiva europeas, de bandas como Grobschnitt, Nine Days' Wonder, Gnidrolog, o Thirsty Moon, también pareciera haber alguna sutil influencia de la psicodleia norteamericana como bandas como Vanila Fudge, o también parecen haber escuchado al vanguardismo progresivo temprano de zappa y sus inventos experimentales en terrenos tempranos de fusiones con influencias clásicas.

El septeto se reunió en 1972 en Hamburgo, Alemania, y estaba formado por Wolfgang Kause en voz, Wolfgang Bartl en bajo, Christoph Hardwig en teclados y guitarra, Wolfgang Gaudes en batería, Kai Hendrik Motler en guitarra, Harry Koch en percusión y Rudy Holzhauer en percusión, y en su álbum debut además contaron con la participación y producción de Jochen Peterson, ex miembro de Ikarus. Cornucopia lanzó este álbum en 1973 que, a pesar de ser una gran obra, ha caído fuera del alcance de la mayoría de los oyentes de música progresiva, quedando en la oscuridad y el under, y siendo descubiertos eventualmente por freaks y melómanos que en la búsqueda de discos se topan sorpresivamente con este grato sonido de alta complejidad y alto calibre progresivo.

En general, en cada época y estilo de cada era de la música, aparecen bandas que, inspiradas y motivadas por los hitos musicales de su presente, tratan de emular el éxito de la banda del momento y dan vida a un grupo encarnando en cuerpo y alma musical las influencias de sus referentes y, bebiendo directamente de las influencias presentes, recrean una música que intenta parecerse lo más posible a sus referentes. Mucho sucedió esto con los Beatles y su influencia sobre el rock de su época, floreciendo en todo el mundo bandas que vestían igual, formaban de la misma manera y hacían la misma música, emulada por supuesto. Con el progresivo, aunque sí ocurrió algo similar en algunas bandas, ya no era algo tan fácil de llevar a cabo, porque la música progresiva (dependiendo en caso de cada banda y la complejidad presentada) muchas veces es relativamente compleja y requiere y exige un nivel técnico de ejecución e inventiva que no es sencillo de emular por cualquiera. Cornucopia hizo lo suyo y claramente reflejó estar influenciados por hitos del progresivo europeo del momento, tratando de alcanzar el éxito con un sonido que se sumaba a las filas de la música puesta en boga en una época en la que generalmente se buscaba alcanzar omnipotentemente un grado alto de perfección y sofisticación. Cornucopia logró esto con creces, presentando un sonido que emulaba estas tendencias.

"Full Horn" fue finalmente el primer y único álbum que publicaría la banda. Al no lograr el éxito comercial la banda termina su carrera, alcanzando su camino un corto periodo de tiempo que va desde 1972/73 a 1974. Christian Graf, en la reedición en cd de este disco, diría lo siguiente sobre la supuesta razón del final del grupo alemán: ‘’La razón por la que la banda de Hamburgo nunca tuvo el éxito que merecía permanece abierta a la especulación. Una de las razones de su fracaso, quizás, es que Cornucopia no hizo lo suficiente por su imagen y tuvo problemas para aceptar las reglas del negocio. La banda insistió en sus libertades y solo cumplió a regañadientes con sus deberes de promoción. Tenían la esperanza de obtener mucho reconocimiento por "Full Horn", pero cuando no se materializó, Cornucopia se desilusionó tanto que en 1974 se rindieron.’’

Cod: #1539

Magma - Magma (1970)

Hay bandas importantes, hay bandas determinantes, hay bandas influyentes, pero el caso de Magma sobrepasa estos motes ya que es una banda que torció el curso del rock francés de acuerdo a su gusto y su visión propia, influenció a todos en su país, creó su propio estilo musical, el zeuhl, y cantó su música en un lenguaje que también fue creación propia, el kobaïano. Entonces no encontramos con una banda que hizo su propia historia creada bajo sus propias visiones, sus propios experimentos, sus propias fusiones, una banda que creó su propia rama del progresivo en un momento en el que el mismo progresivo recién estaba en pleno nacimiento.

En 1967 Christian Vander viajó a Italia y tocó en diversos clubes con grupos de jazz y R&B. Vander fundó el grupo dos años después de la muerte de John Coltrane, reconocido músico estadounidense por el que sentía una profunda admiración. Considerando que era imposible tocar jazz tras su muerte, Vander inventó un propio estilo musical: el Zeuhl. Para el momento, Magma estaba conformada por Klaus Blasquiz en la voz; François Cahen al piano; Alain “Paco” Charlery en trompeta y percusión; Claude Engel en guitarras, flauta y voz; Teddy Lasry en el saxo soprano y flauta; Francis Moze en los bajos acústico y eléctrico; Richard Raux en los saxos alto y tenor y flauta; Christian Vander en batería y voz.

Su primer lanzamiento es todo un manifiesto artístico que contiene en su interior las fibras más íntimas de un creacionismo musical que se propuso trascender todos los estilos aun siendo parte de ellos mismos. Desde las influencias de la música progresiva, las influencias tempranas del estilo fusión, el jazz propiamente dicho, la influencia de la música clásica, y el vanguardismo coterráneo típico, todos estos elementos corren por las venas de este sonido pero no lo definen estrictamente sino que se combinan en pos de una representación lograda de un ideario de rock que se hace carne en un sonido que funciona como un manifiesto que a las claras se erige como un suntuoso y ambicioso pilar que propone nuevos estándares de cómo hacer música con progresiones y de cómo hacer música de rock.

Este estilo es un hibrido, un experimento maldito con épicas de una historia cantada en un idioma extraño que narra las incursiones de unos ‘’despiertos’’ que se escapan del planeta tierra con rumbo al planeta Kobaïa. Todo este primer disco cuenta las diversas travesías que esos humanos decididos a salirse de la tierra tienen que experimentar hasta llegar a su ‘’planeta elegido’’. Con tintes de ‘’ópera espacial’’, influencias de la ciencia ficción, trazos de jazz tomados de su fuente misma, fusiones con un rock que surge entre una enorme andanada de poderío y vertiginosidad compositiva, porque es justo allí donde la historia converge con la música, y viceversa, ya que el lenguaje y la música fueron creados al unísono en una oda de creación espontanea, surgiendo así una música más que conceptual, un estilo que narra una dramaturgia épica, mitológica y futurística viva, que es el encuentro de fulguraciones creativas y espasmos entre visiones y narraciones de una épica de ciencia ficción.

La música es una manifestación viva de un expresionismo artístico que buscaba plasmar en lo musical lo mismo que en lo dialectico, por lo que el sonido es un abrupto que se despliega sin piedad por sobre un vasto espacio de innovaciones, progresiones, fusiones, extractos, influencias tomadas de diversas fuentes, con un espíritu de solemnidad y un dejo de desconocimiento hacia una realidad que puede parecer sombría y que, por eso mismo, disfrazan en una metáfora de épicas galácticas.

La música es muy difícil de definir porque es un estilo estrictamente propio, trazos de jazz se suman a una andanada funk, que por momentos cae en un halo de experimentación, surgiendo líneas de viento de jazz, con un rock que brota entre las progresiones, donde líneas y armonías clásicas se sumergen en otras partes donde se continúan con arreglos folk y arreglos corales, el sonido es una enorme avanzada donde se continúan partes y sub partes que prometen una experiencia progresiva reveladora. Todo el trabajo es una enorme travesía hacia Kobaïa, por lo que se narra el viaje por un camino que no es sencillo de sobrellevar, en una aventura espacial plagada de detalles, metáforas, maravillas sonoras momentáneas y sobresaltos armónicos de una inventiva muy particular.

Al sonido de la banda se lo emparenta a menudo con el Rock in Opposition, debido a su carácter tan personal y propio y a su estirpe de música compleja e innovadora tan fuerte y contundente. El despliegue de la banda en su primer disco, tanto como en el resto de sus producciones publicadas durante los 50 años de vida del grupo, es enorme, demostrando una disconformidad hacia las músicas institucionalizadas, hacia los dejos sombríos de los estilos populares, hacia la modernidad de lo moralmente aceptado que se conduce directamente al vacío y a la destrucción de sí misma como credo por el que funciona.

En 1969 apareció el primer single de la banda, y finalmente en 1970 el disco fue publicado en su totalidad como un doble LP llamado originalmente con el nombre homónimo de ‘’Magma’’, más tarde renombrado como ‘’ Kobaïa’’. El disco fue incomprendido en aquella época; su lenguaje extraño (el kobaïano) y propuesta musical rozando lo teatral fuera de lo común (el zeuhl) ubicaban al grupo en una situación difícil. Sin embargo, su debut realizado en París obtuvo una buena respuesta y llamó la atención de mucha gente. Los ocho músicos fundadores, provenientes de orígenes musicales tan diversos como el jazz, música clásica, blues, rock y pop, tenían la particular puesta en común de llevar al grupo por fuera de todos los cánones tradicionales. Es la opera prima del grupo, la irrupción en una escena que ya estaba bien conformada, con cimientos fuertes, pero que de todas formas logró impresionar y hasta dejar su enorme influencia, ubicando a la banda entre los emprendimientos progresivos más destacados de su época. 

Cod: #1518

Sui Generis - Pequenas Anecdotas Sobre Las Instituciones (1974)

‘’Yo crecí con sonrisas de casa,

cielos claros y verde el jardín.

Y qué estoy haciendo

acá en esta calle con hambre.

Cuántas veces tendré que morir para ser siempre yo?’’

Este disco representa un salto cuántico respecto de lo que había sido la música de Sui Generis hasta entonces, con dos publicaciones previas dentro del mundo de la canción popular de corte folk, con melodías radiales, cortes pegadizos que hablaban de la vida y el quehacer de los jóvenes, canciones que se marcaron fuertemente en el inconsciente popular argentino y que no pueden faltar en algún fogón o reunión hippie; de alguna manera el público de Sui Generis sabía con qué se iba a encontrar en esa época, hasta que aparece este disco ‘’maldito’’ que generalmente no es tan recordado por los seguidores de Sui Generis y e incluso por los seguidores del mismísimo Charly (García), quienes se abocan más a sus publicaciones posteriores, especialmente valorando sus canciones más populares dentro del ambiente pop radial neto.

‘’Pequenas Anecdotas Sobre Las Instituciones’’ es tan crudo como descarnado, descaradamente progresivo y experimental, es la búsqueda de una nueva identidad que significó un despegue de la música ‘’cancionera’’ del hasta entonces Sui Generis, para embarcarse en una aventura progresiva influenciada por los ‘’nuevos sonidos’’ de la década, sublimada por las ‘’nuevas tecnologías’’ (entre ellos un piano eléctrico Fender Rhodes, un sintetizador de cuerdas ARP String ensemble y un Mini Moog) que García había traído de Estados Unidos, y armado con un poder moral y político punzante que chocó sin ton ni son con el poder militar que regía en la Argentina de aquellos años, que ya venía mostrando sus cruentas represiones y que desembocaría en una sangrienta dictadura militar instaurada en 1976. Este disco, aunque tenga liricas agiles que funcionan contra la crueldad militar, aunque hable deliberadamente de la descarnada censura de la época (incluso este disco mismo fue censurado, dos o tres temas se le fueron deliberadamente retirados), aunque se oponga contra el status quo, aun así es un disco no tan escuchado incluso por el mismo público ‘’progresista’’ que espera de los ‘’ídolos morales’’ un hit radial que hable de la revolución, pero ‘’Instituciones’’ no era (solo) eso, ‘’Instituciones’’ representó un salto que significó un efecto parecido a la electrificación de Dylan, similar al salto progresivo de los chilenos de Blops para su disco ‘’Locomotora’’, o sea, significó un salto hacia un adelante inesperado, un choque con el público que al principio se había acomodado al antiguo estilo del grupo y que no entendió qué es lo que estaba ocurriendo con esta nueva propuesta.

Sui Generis se formó en 1969, cuando los dos jóvenes Charly García (piano, guitarra acústica y voz) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz), congenian en un mismo proyecto. Si bien a lo largo de su carrera contaron con músicos de apoyo, fue esa formación esencial la que determinó el estilo y arreglos de sus composiciones. La banda surgió de la fusión de dos grupos acústicos juveniles que se hacían escuchar en los colegios del barrio porteño de Caballito. Mientras cursaba la escuela secundaria en el Instituto Social Militar Doctor Dámaso Centeno, Charly García conoció a Carlos Alberto Mestre, «Nito». El dúo junto a Carlos Piégari, Beto Rodríguez, Juan Belia y Alejandro Correa formó Sui Generis. Sin embargo, tras sufrir varias deserciones en vísperas de una actuación importante, el grupo quedó convertido en dúo. La fama y popularidad alcanzada por Sui Generis durante la primera mitad de la década de 1970, lo consolidó como uno de los grupos más importantes en la historia del rock argentino, siendo el primero cuyas presentaciones convocaron a miles de espectadores. 

Durante el segundo semestre de 1974, Sui Generis se instaló en los Estudios Phonalex para registrar las nuevas composiciones. Para ese entonces la banda esta conformada por un cuarteto, ademas de Charly y Nito, se habían sumado a la formación, el experimentado baterista Juan Rodriguez, y el, tambien experimentado, bajista Rinaldo Rafanelli, quien venia de tocar en Color Humano. El material estaba destinado al tercer álbum del grupo, denominado Instituciones. Mientras los músicos pulían las piezas, Argentina atravesaba un período oscuro. El 1º de julio murió el presidente Juan Domingo Perón. La desaparición del líder agudizó la lucha interna entre las diversas facciones que cobijaba su movimiento. En el ala izquierda se enrolaban los Montoneros, quienes pasaron de la mera militancia política al secuestro de empresarios, atentados a sindicalistas ortodoxos y a conspicuos represores como el jefe de la Policía Federal, Alberto Villar. El ala derecha contratacaba con una organización paramilitar cuyo objetivo era eliminar a la “infiltración marxista”. La Alianza Anticomunista Argentina, liderada por el ministro de Bienestar Social José López Rega, ametrallaba unidades básicas y ejecutaba a militantes rasos y a reconocidas personalidades como el diputado Rodolfo Ortega Peña y el ex comandante en jefe del Ejército de Chile Carlos Prats. Por su parte, el Ejército Revolucionario del Pueblo, brazo armado del Partido Revolucionario de los Trabajadores, se lanzaba a la guerrilla rural. Por aquellos días, copaba la localidad tucumana de Acheral y asaltaba cuarteles del ejército en Córdoba y Catamarca. El país se desangraba y Charly, con lucidez, retrataba la tragedia en una de sus canciones: “El show de los muertos”. (Este parrafo fue tomado del articulo ''Y al final, las instituciones terminaron ganando la partida'')

Dialécticamente el disco es un encuentro de concepciones que convergen bajo una misma mirada oscura y poética que casualmente cohesiona todo, sin esfuerzo, en una expresión única. Desde el choque moral hacia muchas convenciones (o también llamada ‘’instituciones’’) sociales comúnmente aceptadas por todos, con letras como ‘’les contaste un cuento sabiéndolo contar y creyeron que tu alma andaba mal, la mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver más allá’’ que denotan ese escepticismo hacia ‘’el bien común’’, hacia la vida moderna, con un mensaje que rompe con el dejo del ciudadano común que está más interesado en vivir lo más cómodamente posible y lo más lejos posible de cualquier planteamiento que lo saque del conformismo y lo ubique en un lugar de incertidumbre o de ‘’peligro de inexistencia’’.  Ese extracto pertenece al tema ‘’El Tuerto y Los Ciegos’’, y habla de una tal ‘’Casandra’’, y justamente Casandra, en la mitología griega, era una de las princesas de Troya, hija de Príamo y Hébuca. Según las leyendas, era una mujer hermosa que fue bendecida con el don de ver el futuro, sin embargo, esta habilidad estaba acompañada con la maldición: nadie la creía, de ahí la relación con la letra que dice ‘’ ’les contaste un cuento sabiéndolo contar y creyeron que tu alma andaba mal’’. También, por supuesto, el disco apunta directamente contra la represión militar que se vivía en la época, la censura y el auto obsecuencia de quienes estaban el poder y que no permitían expresiones fundamentales en el arte. ‘’Instituciones’’ fue víctima de este proceso de represión, dos temas tuvieron que ser retirados del disco original por contrariarse deliberadamente contra el sistema militar, ‘’Botas locas’’ y ‘’Juan represión’’, que hablaban con desprecio contra el adoctrinamiento moral que las facciones militares pretendían para la sociedad. Además, las letras originales de varios temas del disco tuvieron que ser modificadas de acuerdo con la conveniencia del discurso del poder imperante, pero, y pese a todo esto este control, el álbum se publicó y el mensaje logró su cometido, por momentos más directo, por momentos disimulado en sutiles pero elucubradas metáforas, el mensaje se dio a conocer con un sonido recrudecido por un poderío rockero aplastante. Charly García y Nito Mestre, los dos miembros fundadores del grupo, habían dejado de ser los jóvenes adolescentes del comienzo, para encaminarse en una poética oscura que evidenciaba los discursos perversos de poder.

Y de alguna manera la complejidad presentada en esta música es una continuación de esa búsqueda contestataria. Ellos ya no estaban envueltos en agradables pero concisas canciones folk, ahora se volcaban a la elaboración progresiva y sus composiciones se volvían exploraciones que entre estrofas y fragmentos instrumentales complejos demostraban todo un poderío lirico y armónico monstruoso, una maquinaria inspirada en la música progresiva de la época y acrecentada por los conocimientos académicos de García, y además vale resaltar el rol del Charly en una faceta muy electrónica, con un uso impecable de sintetizadores Moog, que hacía poco tiempo atrás le eran totalmente desconocidos pero que de un momento a otro comenzó a utilizar y lo hizo de manera maestra: el resultado final fue volcado en una serie de composiciones de diversa manufactura, con origen en la canción pero con miras hacia una música que ya no era para fogón. Es un disco en el que es agradable y fácil perderse, desde el comienzo se desata esa maquinaria y ya no se detiene, comienzan las progresiones, los fragmentos, las invenciones, las visiones, las metáforas instrumentales, las contestaciones sonoras, y es fácil detectar que la música misma está dotada del mismo carácter que las letras, es un silogismo que se auto converge en un mismo caudal, donde hablan los instrumentos, funcionando la banda en un nivel exquisito en el que se cohesionan los músicos de manera formidable.

Hay varios momentos donde la música se pervierte y el sarcasmo se vuelve un lema de lo más ácido que puede haber en la época. Es, por ejemplo, en ‘’Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras’’ donde se puede escuchar un momento tenebroso con gritos y mucha tensión, o el grito de ‘’uh que lindísima gente!’’ que acompañado con palmas y diálogos sarcásticos aparecen en el tema ‘’El show de los muertos’’, para amerizan el final de un track netamente simbólico y analógico. Era un momento muy efervescente para la banda, especialmente para el mismo Charly García, quien estaba pasando por uno de los momentos de mayor lucidez (musical y moral) de su carrera. Podía ver lo que no muchos podían, decía cosas y se manifestaba con profundidad y sarcasmo con respecto de situaciones e instituciones que estaban perfectamente mecanizadas en la conciencia popular. Se expresaba con rabia contra convenciones morales e instituciones que hacían fuerza para instalarse en el poder. Esta música representó el quehacer de dos genios que habían visto los mecanismos de la gran maquinaria y los habían expuesto a las aclaras en sus metáforas pero que no muchos quisieron o pudieron ver. 

Cod: #1501

Arthur Brown's Kingdom Come - Kingdom Come (1972)

 Arthur Brown había sido el dios del fuego en los 60s, con bailes y presentaciones típicas, ropajes alegóricos y puestas en escena con mismísimo fuego sobre su cabeza; todo este repertorio formaba parte del espíritu artístico que emanaba de la esencia misma de Brown. Después del colapso de ‘’The Crazy World Of Arthur Brown’’, en 1970, cuando el teclista Vincent Crane y el baterista Carl Palmer abandonan la banda para formar Atomic Rooster, Brown trabajó con un grupo variado de músicos en distintos proyectos llamados ‘’Strangelands’’, ‘’Puddletown Express’’, y (brevemente) ‘’Rustic Hinge,’’, antes de encontrar los músicos que conformarían Kingdom Come. El principal de ellos fue el guitarrista Andy Dalby, compañero constante del mismo Brown. Además incluyeron Julian Brown (no familiar de Arthur) en voz (no participaría de este segundo disco), Phil Curtis en bajo, Michael Harris en teclado, y Martin Steer en batería.

Kingdom Come publicaría tres trabajos, Brown declaró en una entrevista con una revista musical inglesa que los tres álbumes fueron destinados a presentar una progresión temática. La primera se centró en la situación de la humanidad en la actualidad, la segunda en el propio animal humano y la dicotomía entre la el cuerpo y la mente, y la tercera se centró en asuntos cósmicos y espirituales. Tras haber hecho algunos intentos creativos con otros proyectos, y trayendo todo su repertorio e imaginería no solo musical sino también cuasi teatral y vanguardista, Brown da vida a su Kingdom Come, sumándose a las tendencias progresivas de la época, pero, como siempre lo ha expresado, haciéndolo desde su particular estilo, con esos elementos nombrados anteriormente.

Las puestas en escena del grupo estaban marcadas no solo por la música sino también por representaciones escénicas, analogías y referencias que se manifestaban desde la ropa y maquillaje de la banda hasta incluso las escenificaciones del mismo Brown; generalmente estas era puestas delirantes que sacaban al público del lugar común y lo ubicaban frente a un estado de desazón e incertidumbre, y es que el mismo Brown ha expresado, tanto en las letras de sus canciones como en sus declaraciones públicas mismas, esa crítica al conservadurismo popular, critica al escepticismo de las grandes masas para con todo aquello que las saque del lugar conocido y cómodo en el que están ubicadas, sus puestas en escena y vanguardismo rupturista no era más que su manera de intentar romper con lo establecido y traer caos, terror, y nuevas concepciones espirituales y metafísicas.

Para su segundo disco, el homónimo ‘’Kingdom Come’’, de 1972, Brown y su grupo continúan por la senda del rock de la época, acentuando ese costado progresivo  que habían manifestado en menor medida en su primer disco y que ahora manifestaban casi como un credo, ya que todo este segundo disco consta de un sinfín de invenciones y progresiones sucesivas. También continúan e incluso acentúan esa característica (como se dijo antes) teatral y vanguardista, todo un repertorio de sonidos, voces, quejas, arremetidas y experimentos sonoros, búsquedas compositivas que surgían de las ideaciones del grupo y que dotaban a las progresiones de un carácter vanguardista muy particular y distintivo típico del buen Brown.

‘’Kingdom Come’’ ofrece toda una aventura experimental de rock que funciona como un quehacer sucesivo de diversas ideaciones y ocurrencias combinadas con un rock de punta, vertiginoso; desde el principio al fin el disco avanza en una sucesión de escenas vanguardistas con roses con la poesía, la filosofía, y el ya nombrado delirio de voces, roces, agregados sonoros y otros delirios instrumentales. Entre la lista de tracks nos podemos encontrar algunas melodías pegajosas y estribillos agradables, otras piezas como ‘’City Melody’’ que consisten prácticamente en auténticos experimentos sonoros a puro delirio y collage sonoro, o piezas como ‘’A Scientific Experiment’’ donde se experimenta con fragmentos progresivos entre los que aparecen un sinfín de otro fragmentos.  

El rock de estilo experimental y corte progresivo de Arthur Brown no fue tan icónico como sí lo ha sido sus sonidos con The Crazy World Of Arthur Brown, pero eso no detuvo el espíritu de Brown que, como siempre, fluyo hacia la innovación sin concesiones, siempre experimentando, innovando, chocando,  desafiando los limites, creando, fusionando y trayendo experiencias musicales excitantes. Varios factores contribuyeron al final de la banda Kingdom Come, incluidas las ventas mediocres de álbumes, el desdén crítico, la membresía de la banda en la puerta giratoria y la frustración de Brown con el negocio de la música en general. La banda se disolvió en lugar de separarse oficialmente, con Brown citando el deseo de tocar música más simple y optar por un estilo de vida más simple en general en entrevistas posteriores.

Cod: #1499

Franco Battiato - Pollution (1972)

Franco Battiato es sinónimo de vanguardismo italiano, un músico referente en la escena de su país durante muchos años, sorprendiendo a esta con una serie de primeros discos en su discografía ampliamente experimentales. Puso la música pop al inverso a principios de los 70s con tres publicaciones clásicas en su discografía:’’ Fetus’’, ‘’Pollution’’ y ‘’Sulle Corde Di Aries’’, explorando el vanguardismo y llevándolo a lugares de primera línea.

El disco que nos compete en esta ocasión es ‘’Pollution’’, que trata de un encuentro entre la electrónica y el rock, aunados bajo visiones vanguardistas, junto a efectos de sonidos, alteraciones, y voces agregadas. La idiosincrasia del sonido es extraña, no se sabe a ciencia cierta hacia donde se dirige, pero sin duda se trata de un rock manifestado de forma alternativa, rock de la época, con bases modales que generalmente brotan de auras electrónicas creadas con sintetizadores.

Se dice que durante sus primeros discos transitó por el rock progresivo italiano, pero esta etiqueta no es tan acertada para calificar estos trabajos porque sus visiones no están tan alineadas con las propuestas generales de ese movimiento, sin duda está influenciado por dicho estilo pero se presenta, por lo menos en sus primeros trabajos e incluso en posteriores, bajo un aura de experimentación que lleva a su música rock a volverse irreconocible bajo un estándar o tabú particular.

Hay momentos electrónicos, momentos con bases de rock, y otro elemento fundamental del disco son los arreglos acústicos tipo folk que suelen aparecen durante varios pasajes y que enriquecen la propuesta del disco. Tal vez lo que más se asemeje al progresivo en este álbum es la pieza homónima ‘’Pollution’’, de una composición sofisticada que transita por varias partes, incluyendo en la misma todos estos elementos nombrados anteriormente. 

Es un disco completamente vanguardista que toma lo mejor de su época y lo traduce al estilo más fiel posible, bajo esa línea inconformista de correrse hacia la experimentación, presentando sonidos difíciles de escuchar para el público acostumbrado a las músicas más básica y elementales. Esta tendencia de vanguardia temprana caracterizó a muchos de los músicos que comenzaron sus carreras a finales de los 60s/principio de los 70s, sumándose a las corrientes contraculturales de la época que habían puesto en boga un sinfín de diversas manifestaciones dentro de un mundo alternativo de experimentación que se recreaba hacia diversos lugares y sub-estilos; esto incrementado aun más por las típicas inquietudes de la juventud que generalmente llevan a los artistas, al comienzo de sus carreras, a chocar contra contra el conformismo, inquietudes que, con el paso de los años, se van apagando hasta esfumarse, volcándose el artista hacia las nuevas tendencia con las que se encuentre en ese momento, pero de una manera muchos menos ''arriesgada'' que cuando comenzaron.

Cod: #1445

Recreation - Music Or Not Music (1972)

Esta es una banda belga nacida a finales de los 60s, cuyos orígenes tienen lugar en su Belgica natal, con el baterista Francis Lonneux y el bajista Jean-Paul Van Den Bossche quienes tocaron previamente en la banda ‘’Les Mistigris’’, fundada por el cantante turco Baris Manco, con quien lograron grabar tres singles. A fines de la década de 1960 Manco abandona el grupo para volver a su Turquía natal, es ahí cuando Lonneux  y Van Den Bossche conocen casualmente al tecladista Jean-Jacques Falaise, con quien congeniarian rápidamente formando los tres este prog trio al que llamarían ‘’Recreation’’.

Durante los tres años que duró su actividad lanzaron dos álbumes de estudio, "Recreation" en 1970, siendo un debut de seis piezas instrumentales dominadas por órganos pesados hammond, bajo y batería, dentro de un sonido psicodélico. Ya para su segundo álbum el grupo se encamina en un sonido mucho más ambicioso y experimental, publicando ‘’Music or not Music’’, de 1972, un trabajo más que extenso y plagado de pequeñas piezas que lo convierten en una auténtica aventura sonora en la que adentrarse y explorar.

Con un buen sentido de la inventiva y un poco de bizarrees esta banda se las arregla para presentar un sonido de rock progresivo esparcido en muchas y variadas piezas de diversa duración, siendo estas en su mayoría piezas cortas e instrumentales, con una variada gama de composiciones tipo avant prog, lideradas especialmente por teclas (piano y teclados), que funcionan de manera que no hay silencios entre composiciones sino que cada una de ella se une inmediatamente a la otra, funcionando el álbum como una suerte de enorme suite gigante continuada desde que comienza hasta que termina.

Parece difícil de determinar la idiosincrasia musical de la banda, lo claro es que experimentan y crean a base de sus ocurrencias, no es un sonido virtuoso pero no le hace falta tampoco serlo. A base de sesiones, pasajes, improvisaciones, sonidos oscuros, agregados de sonidos, etc., se las arreglan para crear todo un álbum progresivo experimental extraño y muy particular, sin miras comerciales y muy bien ideado y cohesivo.

Es casi imposible detectar qué pistas son las mejores o más representativas del trabajo, al parecer todas las composiciones siguen una línea particular similar, siendo composiciones oscuras, experimentales y totalmente instrumentales, algunas un poco más complejas, otras más sencillas y no tan sofisticadas, pero siempre dentro del sello particular que aplica el grupo y es el de transitar por camino no recorridos antes, aquí no hay canciones ni nada que se le parezca, solo sesiones y atascos oscuros de ensueño.

El disco es una auténtica joya oculta belga que bien vale la pena descubrir. A pesar de que el álbum se vendió bien (al menos en su Bélgica natal), la banda se disolvió a fines de 1972. Falaise pronto se fue a Turquía y tocó por un momento en la banda Kurtalan Ekspres antes de regresar al país. Lonneux se unió al grupo Baco. Van Den Bossche se casó con la cantante Carine Reggiani y es miembro permanente de su banda Recreation.

Cod: #1425

The Muffins - Manna/Mirage (1977)

‘The Muffins’ se forma en 1973, en Washington DC, se trata de un grupo norteamericano de jazz rock y avat-prog, nacido bajo influencias del Rock In Opposition y el Canterbury scene, por lo que mostrarían desde un comienzo marcadas intenciones de hacer música poco ortodoxa y anti-comercial, en oposición a la música más convencional. El grupo surge compuesto por el tecladista y saxofonista Dave Newhouse, el  guitarrista Michael Zentner, y el bajista Billy Swann. Un año después de su formación, se les unió el saxofonista Thomas Scott.

Tras la partida de su guitarrista Zentner, y tras algunos cambios en la formación, el grupo se mantiene como trio, sin percusiones, experimentando con la libre improvisación. Permanecen así un par te años hasta que en 1976 se toparon con el baterista Paul Sears, que se quedó definitivamente en la banda. Fundaron su propio sello discográfico independiente, ‘Random Radar’, en virtud del cual lanzaron su álbum debut. Previamente habían dejado varias grabaciones, precisamente de dos álbumes completos, pero estos no vieron la luz sino hasta el lanzamiento en cd de 1993, llamado ‘Chronometers’, el cual contenía ese material primario, y fue lanzado una vez la banda se había separado.

‘Manna/Mirage’ sería el primer disco oficia que publicarían, de 1978, el trabajo más conocido del grupo y considerado generalmente el mejor de su carrera. Fue grabado en la casa-estudio de la banda en Rockville, Maryland, y editado por su sello independiente ‘Random Radar’. A simple vista podría decirse que se trata de jazz fusión o de progresivo, pero haciendo un desmenuzamiento profundo desde el principio podemos apreciar que se trata de un sonido muy complejo y personal, por lo que los motes que podríamos llegar a proponer tal vez no alcancen para valorar el sentido que intentan dar, estos músicos, a lo que hacen.

Este es un sofisticado y vanguardista trabajo, elaborado en base al jazz y el jazz fusión, elementos desde los cuales crean un lenguaje propio, hacia tierras de elaboración, complejidades, armonías jazzeras y progresiones. El trabajo está dividido en cuatro piezas, siendo las dos primeras las más cortas, y las últimas dos las más extensas, girando entre los 15 y 22 min cada una.

En los primeros dos elementos nos encontramos con lo más ‘sencillo’ (por así decirlo) que se presenta, dos piezas introductorias que a simple vista parecieran no tener demasiada injerencia o demasiado trabajo que hacer frente a las últimas dos monstruosas composiciones que integran la obra casi en su totalidad. Pero estas dos piezas primarias muestran una cara más relajada y vanguardista, algo de jazz experimental, cuasi acústico. Esto se extiende durante toda la primera pieza y parte de la segunda. Hasta que aparecen formas un poco más concretas, con bases rítmicas y estructuras más específicas, para terminar dicho segundo tema, estilo que marca la vanguardia y da paso para las siguientes composiciones.

Lo que sigue desde allí son las dos últimas partes del disco, lo más destacado del trabajo, dos piezas de enorme nivel y despliegue que se conducen por tierras de jazz fusión, el cual por la complejidad que maneja se vuelve progresivo, intrínseco, de un sinfín de arreglos superpuestos. No dejan de mantener un espíritu vanguardista, alcanzando el ‘avant prog’, con arreglos minimalistas, elementos con voces, aplicaciones instrumentales extrañas.

Las improvisaciones están presentes pero no hacen uso de extensas sesiones o solos, sino que se abocan más a la tarea de presentar un sonido realmente complejo. Manejan un virtuosismo compositivo que surge de la combinación entre el jazz fusión y una animosidad progresiva, en esto se fundamentan las complejas estructuras, basadas en un jazz cambiante que a la vez no ha dejado sus raíces de lado, ya que no hay tanto sonido eléctrico sino que aparecen más que nada flautas y saxos en el lugar de las voces melódicas y solos. 

Sin duda estaban influenciados por las distintas vertientes del jazz (jazz experimental, free jazz, jazz fusión, libre-improvisaciones, vanguardia) y podían manejarse muy bien dentro de ellas, pero afortunadamente tomaron estos elementos y propusieron algo nuevo. También reflejan influencias varias de la escena Canterbury, el rock in opposition, del avant prog de The Mothers Of Invention, Hatfield and the North, National Health; de hecho la música de The Muffins es considerada a menudo como "una mezcla entre Soft Machine y Henry Cow".

Las innovaciones del grupo llaman la atención de Fred Frith, fundador de ‘Henry Cow’ y miembro activo de movimiento de Rock in Opposition. Este los impulsa y produce en el lanzamiento del tercer disco que lanzarían, llamado ‘183’. Luego de este lanzamiento y de un espectáculo en la ‘University College’ de Penn State, se disuelven, en 1981. Por la mayor parte de los 80 y 90 sus miembros estuvieron retirados de la actividad musical hasta su reunión oficial en 1998.

Cod: #1265

Älgarnas Trädgård ‎– Framtiden Är Ett Svävande Skepp, Förankrat I Forntiden (1972)

El grupo sueco Algarnas Tradgard ( Jardín de los alces ) se formó en Göteborg, en 1969, y jugó un papel activo en el movimiento musical ‘progg’ de su país, en los pocos años de vida que tuvieron. El grupo era una especie de colectivo musical, a menudo se mantuvo actuando en festivales gratuitos, siempre dentro de la escena under.

La banda deja un solo álbum tras su paso, de 1972, el formidable ‘Framtiden ar ett Svavande Skepp, Forankrat I Forntiden’, un clásico de culto de la psicodelia sueca, una reinterpretación de los movimientos experimentales del rock contemporáneos desde la mirada sueca de la época. Fue grabado en 1971, algunos de los miembros del grupo apenas tenían 17 años y era la primera vez que entraban a un estudio, sin embargo todos ellos estaban capacitados en la interpretación de varios instrumentos, entre los que había sitares, flautas, violines, contrabajos, tablas, por lo que el álbum se convierte no solo en el producto de una banda de rock propiamente dicha, sino en un trabajo psicodélico mucho más amplio.

Este registro es un gran artefacto del ‘progg’ sueco, un registro en el que convergen muchos de los distintos artilugios y recursos usados en las varias músicas de vanguardia que tuvieron lugar en distintas épocas y estilos, aparecen elementos ambientales de electrónica, rock psicodélico oscuro, folk rock, ambientes espaciales, grabaciones de ruidos y voces, sonidos, elementos de música folclórica sueca, y melodías de música hindú con sitares y tablas; un abanico de amplios elementos desplegados de forma extraña y unidos en una sola música, demostrando que esta gente no tenía límites, y que eran realmente representantes del liberacionismo musical sueco que se destacaba por aquel entonces, en el cual hacían lo que querían musicalmente.

Pocos momentos ‘cómodos’ se pueden encontrar aquí, los ambientes se predisponen siempre a volcarse hacia caminos oscuros, con pasajes instrumentales con un estilo que años más tarde se conoció como ‘rock alternativo’ o ‘post rock’, pues aquí lo tenemos en sus primeros ejemplos, fusionado como un sinfín de elementos de vanguardia. Es difícil aseverar bajó que estilo se puede calificar este sonido, se dice mucho que es psicodélico, lisérgico, que hay LSD, que es similar al algunas bandas de krautrock o psicodelia, que es netamente hippie, pero lo cierto es que cometen ciertos riesgos que también se encuentran en la psicodelia pero que hay que bucear en ella para encontrarlos, elementos que no muchos se han animado a usar; están influenciados por la psicodelia pero no caen en yeites y copias cómodas, sino que la usan a su favor.

Por momentos pareciera escucharse el sonido ambiente de un mercado en alguna antigua ciudad medieval nórdica, en la que caravanas provenientes de distintos puntos del mundo convergen, en un auténtico cruce de culturas y folclores e intercambios de especias y artículos, donde las melodías ser cruzan sin límites y lo que comenzó como un raga termina siendo un oscuro folclor sueco. Todo esto es regido y medido por la visión particular de la banda que siempre termina siendo sombría, plasmando una psicodelia oscura y experimental, que es la conectora de todo, que es el producto bruto creado por ellos. Talvez no sea justo llamarlo ‘psicodelia’, sino rock experimental, desarrollado por una banda proveniente de un movimiento que se proponía crea nuevas músicas.

Después del lanzamiento del álbum se mantienen juntos un tiempo, en el que alcanzan a dar varias presentaciones en vivo, tiempo en el cual también dejan algo de material, grabado entre 1973 y 1974, aunque el material fue lanzado recién en 2001, en un cd titulado "Delayed". La banda finalmente se separó en 1976. No existen otras grabaciones oficiales, aunque debe haber bootlegs. Años mas tarde Algarnas Tradgard fue incluido en la ‘Nurse with Wound list’, se trata de una lista de bandas y artistas elaborada por la banda británica ‘Nurse with Woun’, para destacar a los grupos y artistas que los han influenciado musicalmente.

Cod: #1255