Fred Van Zegveld - Hammond Organ Dynamite (1969)

En su país natal el organista holandés Fred Van Zegveld supo hacer de las suyas con varios emprendimientos, por ejemplo siendo parte de la banda ‘’Roek's Family’’ con la que publarian el disco ‘’Get Yourself A Ticket’’ de 1969, pero tal vez uno de los puntos discográficos más notorios de su carrera fue este álbum en solitario, ‘’Hammond Organ Dynamite’’, publicado en 1969.

Poca información hay dando vueltas por ahí en la red sobre el autor, hay un comentario común que dice que es en realidad el estudio estaba preparado para grabar a otro artista, el cual no se presentó a la grabación, el buen Fred Van Zegveld andaba por ahí y aprovechando el momento entró al estudio con su banda y así salió el disco a la luz.

‘’Hammond Organ Dynamite’’ es un álbum típico de época con su sonido Hammond, sus reinterpretaciones de temas de The Beatles y sus búsquedas con miras amplias. Con el jazz de trasfondo y el órgano Hammond como líder de la producción, el disco presenta una serie de pistas en su totalidad instrumental y con mucha injerencia de las composiciones del artista, aunque también con algunas reinterpretaciones de temas conocidos, tres más específicamente, dos del repertorio de The Beatles y el "Whiskey" original de  Errol Garner.

Es un sonido que sabe ser suave cuando quiere, con momentos muy agradables de jazzy blues y piezas cortas de jazz fusión, y cuando quiere se acerca al rock y explota con alguna composición mucho más poderosa. 

El sonido del Hammond se adecua a cada situación de manera maestra, con sutilezas, suavidades y arreglos delicados en temas de pop, con vertiginosidades un poco mayores en algún jazzy blues cuando la ocasión lo amerita y con explosiones cuando se meter en algo de rock, o jazz rock, con un sonido mucho más frontal.

El disco es totalmente instrumental, hay un par de bluses altamente deliciosos, en los que suele aparecer una guitarra de fondo tirando algunas bases y no mucho más que eso más allá de sus segundos de gloria en el tema ‘’Round About 12’’, de todas formas no es necesario ya que el órgano interpreta lo justo y necesario para que la experiencia de su sonido solo haga brillar al sonido.

Hay mucho por escuchar aquí en el sentido de intensidades y búsquedas, la lista de tracks no es homogénea, todo el álbum es, aunque instrumental y aunque ejecutada por el mimo combo de músicos, una búsqueda de muchas cosas sucediéndose.

Es un álbum con su rock, su psicodelia, sus momentos de improvisación, sus búsquedas sonoras, piezas en su mayoría no tan extensas, y con su vena jazzera atravesando cada pasaje de las interpretaciones. No es un sonido excepcional ni mucho menos progresivo salvo por alguna suerte de fugaz momento improvisado donde sueltan las líneas un poco, pero no mucho más que eso, en general es un álbum que cuida los momentos y se maneja por un lugar estándar en la ejecución.

Publicado bajo el sello Park, el disco es una pieza extraña más allá de los conocedores de la psicodelia underground de epoca y de los amantes del sonido Hammond de época que puedan llegar a encontrar interés en esto.

Hacia finales de los 60s, con la explosión del órgano Hammond como recurso mucho más portátil y practico que un piano, este instrumento/sonido se convirtió en una pieza fundamental para el estilo de varios géneros, en especial el rock psicodélico, el rock progresivo, y por supuesto también el jazz y jazz fusión. Este lanzamiento refleja la fiebre que hubo con los lanzamientos jazzy blues y aledaños con sonidos caracterizados por el órgano Hammond.

Cod: #1782

Sugarcane Harris - Sugarcane (1970)

He aquí otra de esas mermeladas soul de la época que cuentan con todo un arsenal de estilos en un mismo artefacto: hay desfilando por el disco algo de funk, soul, fusiones sinfónicas, mucho blues y buenas improvisaciones, todo funcionando en el espectro de la música soul negra donde se manejan las fusiones a la perfección.

Toda está liderado por Sugarcane y sus intervenciones en violín, en lo que es un maestro y un pionero en lo que fue el violín eléctrico, por lo que está a la altura de cualquier blues lento o cualquier buen atasco o sesión, completando muy bien los solos, arreglos y acompañamientos en el disco. cuando la mano de Sugarcane se suelta en su violín ocurren cosas mágicas, siempre dentro del puro blues.

Tal vez el álbum se vuelva un poco monótono dentro del blues, pero se compensa con buenos artilleros que integraban la banda a la hora de la grabación, producida por el gran Johnny Otis, el cual también, junto a su hijo Shuggie, participan como músicos, hay algunos buenos solos de guitarra que aparecen por ahí que seguramente sean de Shuggie.

Hay también una tendencia a la orquestación, que aparecen por ejemplo en los temas ‘’Take It All Off’’ y ‘’ Don't You Think I've Paid Enough’’, influencia clásica que aparece sutilmente en el mismo violinista que de todas formas toca escalas pentatónicas más cercanas al rock, pero la particularidad más llamativa del disco en cuanto al acercamiento con lo sinfónico aparece en la pieza ‘’Funk y Wagner’’, una pieza sinfónica donde fusionan exactamente eso, funk y música clásica, todo un experimento con el encuentro de dos estilos que generalmente no se encuentran y que lo hacen de forma muy interesante para esta ocasión.

Sugarcane comenzó su carrera como guitarrista, durante los 50 formó el dúo de R&B Don & Dewey, aunque dejó la guitarra y tomó el violín después de la falta de éxito. Harris recibió el apodo de "Sugarcane" por medio del director de orquesta Johnny Otis, apodo que llevó con él durante toda su vida. Después de separarse de  Terry, en 1960, Harris se especializo en la ejecución del violín eléctrico.

Ya como violinista se hizo famoso por sus improvisaciones y atrajo la atención del mundo del rock, llegando a grabar con John Lee Hooker, Johnny Otis y apareció en varios discos del mítico Frank Zappa, más precisamente en los trabajos ‘’Hot Rats’’, ‘’Burnt Weeny Sandwich’’, ‘’Weasels Ripped My Flesh’’, ‘’Chunga's Revenge’’, ‘’Apostrophe (')’’, ‘’The Lost Episodes’’. Después Don Harris siguió su carrera en solitario, colaborando también con el grupo de John Mayall.  

Hay un rumor que dice que Sugarcane fue rescatado de una prisión. Según se relata, Frank Zappa admiraba su forma de tocar y lo rescató de la cárcel con la misión de salvarlo, salvar la carrera del violinista, además de reclutarlo para que forme parte de sus bandas en vivo. Sugarcane terminó tocando un par de conciertos en vivo con la banda de Zappa en 1970.

Durante esa década del 70 Sugarcane estuvo al frente de su banda ‘’Pure Food and Drug Act’’, que estaba integrada por Victor Conte en bajo, Paul Lagos en batería, y las guitarras de Randy Resnick y Harvey Mandel. Tras pasar varios años desaparecido por problemas psíquicos y abuso de drogas, fue hallado muerto en su domicilio el 1 de diciembre de 1999 a los 61 años.

Cod: #1633

Shuggie Otis - Here Comes Shuggie Otis (1970)

Shuggie Otis es una leyenda de la música negra estadounidense, habiéndose criado en círculos de blues y jazz, siendo hijo de otro nombre de peso Johnny Otis, aunque al llegar a su adolescencia se toparía con la música de la contracultura desde el rock funky y el soul, esto lo completó como artista y le ofreció la oportunidad de crecer en una escena en la que encajó muy bien por sus habilidades como guitarrista, compositor, cantante y multiinstrumentista, hasta llamar la atención del mismísimo BB King, quien lo citó diciendo que Shuggie era ‘’su nuevo guitarrista favorito’’.

Shuggie nace en 1953, rodeado de músicos de relevancia de los ámbitos del blues y jazz que s padre Johnny Otis recorría como profesional. Como si de un prodigio se tratase, Shuggie se vuelve músico profesional a la edad de doce años, tocando en la banda de su padre, iniciado en la guitarra pero también en muchos otros instrumentos. 

La discografía de Shuggie no es particularmente extensa, habiendo publicado sus discos más importantes en la década de los 70s, época de la que luego prácticamente publicaría poco material en comparación a lo que había sido su carrera hasta 1974. Pero sin embargo sus discos son muy significativos y demuestran una habilidad llamativa para manejarse por la música soul y blues. En 1970 lanzó su primer álbum en solitario, ‘’Here Comes Shuggie Otis’’, producido por su padre Johnny Otis y lanzado por Epic Records. Precio a eso había sido presentado en sociedad discográficamente en 1969 cuando apareció en un disco de Al Kooper, como invitado.

Su primer trabajo solista es un álbum increíblemente variado, prácticamente contiene casi todos los sonidos que su época puede ofrecer, algo de rock, balada, boogie, blues, funky, góspel y soul, mucha música negra por un artista negro que respiró y nació en medio de esta música y que denota la practicidad que tenía (y sigue teniendo ya que el músico aún hoy sigue tocando) para manejarse por estos terrenos, las raíces de estos géneros que corren por sus venas y fluyen por los dedos en su guitarra, manejando muy bien los yeites de cada estilo que interpreta en el disco y siendo un gran solista en la guitarra blues y soul.

Todo el álbum permanece fresco aun hoy, con un repertorio de diez piezas muy entretenidas que hacen la delicia para el estilo de soul ramificado en muchas variantes, con creaciones ingeniosas, buenos arreglos, muy buenos músicos de sesión participantes, entre los que se encontrabajo su padre Johnny Otis, entre otros. Por si fuera poco, también se escucha a Shuggie en su faceta de multi-instrumentista, tocando la guitarra, armónica, piano, órgano, la celesta y el clavicémbalo. 

El álbum comienza con ‘’Oxford Gray’’, en lo que pareciera un sonido que se acerca a lo progresivo, comenzando con algo de blues rock con buenos solos, hasta pasar la pieza por una serie de arreglos internos entre arreglos acústicos y arreglos orquestales, uno de los momentos más destacados del disco. Los arreglos de orquesta se extienden incluso durante otras piezas en el disco, como ‘’Jennie Lee’’. 

Combinando y mezclando géneros en una misma cosa, Shuggie demuestra ser un entusiasta, un joven talentoso que con solo dieciséis años estaba llamando la atención de la escena, sin ser necesariamente un estricto músico de blues, pero tampoco de pop o rock, aunque en el estilo del disco estos géneros está presentes, incluso también algo de eventual sabor psicodélico, como bien sonaba en su época.

Shuggie siempre fue un músico de talento, sus habilidades lo llevaron a tocar con muchos grandes músicos, incluso el mismo Zappa lo felicito por su ejecusion de bajo cuando Shuggie grabó el bajo en la pieza ‘’Peaches En Regalia’’, del álbum Hot Rats de 1970. Pero también grabó con Paul McCartney (primer disco en solitario), Lenny Kravitz, Stevie Wonder y Sly Stone, entre otros. Solo publicó un puñado de discos hasta mediados de los 70, tal vez su punto más alto sea su maravilloso disco ‘’Inspiration Information’’ de 1974, en el cual estuvo trabajando un par de años hasta poder lograr un sonido ya evolucionado de su estilo que habla a las claras de su visión del funk y del soul.

Cod: #1628

Bakerloo - Bakerloo (1969)

Este disco de blues eléctrico tiene todo lo que debe tener un buen disco de la época para estar a la altura de las circunstancias de su momento y contexto y para no caer en la monotonía y la mediocridad, presentando algunas variantes dentro del blues: un blues clásico, un blues eléctrico lento, un boogie, blues-rock, y la perla del poste, un track de quince minutos de duración que corta con todo lo anterior, presentando una muy extensa sesión improvisada que, a su vez también, se divide en otros fragmentos internos con intensidades cambiantes; es un disco con mucho qué ofrecer. Piezas cortas y piezas extensas, es un buen carácter que maneja el disco demostrando la versatilidad de los músicos para interpretar muchas variantes dentro de un mismo estilo, dando cuenta que sus habilidades y su inventiva. 

En la banda había buenos artilleros de la guitarra eléctrica, por lo que tenemos varios momentos bastante ajetreados con solos rabiosos y potentes, como en el tema algo experimental ‘’Last Blues’’ en el que, luego de un comienzo más calmo, el sonido termina volcándose hacia una sesión improvisada de blues-rock con full guitarra eléctrica. El rol de la guitara eléctrica, en cuanto a sus improvisaciones respecta, también toma preponderancia en otros momentos, como en el boggie ‘’Big Bear Folly’’, en el blues lento de estilo clásico ‘’This Worried Feeling’’ con también plena y decisiva participación de la guitarra eléctrica con solos impresionantes, o en el último track, el ya mencionado track de quince minutos ‘’Son Of Moonshine’’, un track que consiste en una cancion extendida en el tiempo, por lo que se vuelve una extensa sesión que cuenta con algunas partes internas que cambian sutilmente en intensidad y brindan la sensación de una sesión, un trip rockero de gran poderío.

Este power blues trio en muchos momentos recuerda al estilo eléctrico de Pappos Blues, por la ejecución punzante y decisiva de la guitarra eléctrica, por el funcionamiento en gran nivel del trio y por muchos momentos de bases pesadas, estridentes, que se plasman en sonidos rabiosos, con aplicaciones contundentes de la guitarra en forma de riffs y solos pentatónicos y con distorsión. El trio funciona en perfecta sincronía, reflejando las inquietudes del blues de finales de los 60s, y conceptualizando y  reformando dicho estilo de acuerdo a las visiones propias que surgirían de los talentos propios.

Este disco es signado por algunos dentro de un estilo progresivo, no necesariamente se trata de música progresiva pero la llamativa variedad en la propuesta de las composiciones, además de algunas piezas que tienen cierta ‘’progresividad’’ estructural, hacen que se acerque este sonido a esa categoría, de hecho Bakerloo era otra de esas potentes bandas inglesas de blues-rock de su época, entre las que se encontraban Led Zeppelin, Jethro Tull o Colosseum, bandas que sí evolucionaron hacia estilos más complejos (especialmente Jethro Tull); Bakerloo no contó con ese destino de continuarse en una carrera artística extensa pero su comienzo y único lanzamiento discográfico daba cuenta de que sus intenciones los podrían haber llevado a otros sonidos más complejos, sus acercamientos al blues, jazz y la música clásica dan cuenta de ello.

Bakerloo fue un trío inglés de heavy blues-rock formado a finales de los 60s, teniendo una carrera particularmente corta que duraría dos años nomás, pese a esto, y tras solo haber lanzado un álbum, el homónimo Bakerloo de 1969, la banda cumplió un rol importante al haber sido parte de la experiencia y formación de musicos que luego formaría otras bandas de mayor renombre, especialmente en vista de la emigración posterior de sus miembros hacia bandas como Colosseum, Humble Pie, May Blitz, Graham Bond, Vinegar Joe, Judas Priest y Uriah Heep. Fue el bajista y cantante Terry Poole el que formó lo que inicialmente se conoció como The Bakerloo Blues Line, en 1967, cuando se unió con el guitarrista u cantante tambien Dave ''Celm'' Clempson. Ambos se conocieron alrededor de 1965 en la Nottingham College Of Art & Desing. 

Dave ‘’Clem’’ Clempson recuerda lo siguiente sobre los artistas que los influyeron e inspiraron: ‘’Nuestras influencias fueron bastante diversas, por supuesto principalmente las grandes leyendas del blues, como Mddy Waters, Sonny Boy Williamson, Howling Wolf, John Lee Hooker; pero tambien estabamos influenciados por lo que estaba ocuerriendo en la escena rock britanica, y Terry y yo ibamos a menudo a festivales de blues y jazz a escuchar a bandas como Cream, Jimi Hendrix, Family, Jeff Beck, John Mayall, Ten Years After y Fleetwood Mac. Tambien habia incluso influencias de jazz y musica clasica, yo estudié diez años de piano en la Royal School of Music desde la edad de cuatro años. Amábamos a Jimi Hendrix por supuesto, e incluso a Cream. Ellos fueron grandes inspiraciones para la banda cuando comenzamos.’’

Ellos tuvieron ciertos problemas para encontrar al baterista adecuado para su proyecto ya que era difícil encontrar uno y que además poseyera buenas cualidades técnicas. En un periodo corto de tiempo junto a ellos desfiló una gran lista de posibles aspirante a la bateria. Entre ellos aparecieron nombres como Bill Ward que alcnazó a tocar en vivo junto a ellos, John Hinch (más tarde miembro de Judas Priest), Pete York que los ayudó en varios conciertos en la bateria (más tarde en Spencer Davis Group, y John ''Poli'' Palmer (más tarde parte de Family). Finalmente se hicieron con Keith Baker para completar el trio de potentes músicos de forma relativamente permanente yq eu sería el baterista que grabó junto a ellos el único álbum que lanzaron.

En sus orígenes tuvieron contacto con grandes bandas de la época, incluyendo Lez Zeppelin, para quienes abrieron en un concierto el 10 de diciembre de 1968 en el Marquee Club en Londres. Otras bandas para las que abrieron fueron King Crimson, Yes y Pink Floyd. Bakerloo fue fichado por el sello EMI, y su primer lanzamiento fue un single compuesto por los temas ''Drivin' Backwards'' / ''Once Upon A Time''. ''Drivin' Backwards'' fue creada en base a la pieza clasica de Bach ''Bouree In E Minor''. Poco después del lanzamiento de dicho single, Jethro Tull lanzó su segundo álbum, ‘’Stand Up’’ de 1969, en el que incluirían un track llamado  ''Bouree’’  también inspirado en la misma pieza clásica de Bach.

Cod: #1553

Junior Wells - Hoodoo Man Blues (1965)

Junior Wells (9 de diciembre de 1934 - 15 de enero de 1998), nacido como Amos Wells Blakemore Jr., fue un músico estadounidense de blues de la vertiente Chicago Blues. Fue vocalista, armonicista y músico de estudio. Es conocido por sus participaciones y grabaciones con Muddy Waters, Buddy Guy, Magic Sam, Lonnie Brooks, The Rolling Stones y otros músicos de blues y rhythm and blues.

Junior Wells nació en Memphis (Tennessee, Estados Unidos) y creció en West Memphis (Arkansas), aunque algunas fuentes indican que nació en West Memphis.1 Wells aprendió a tocar la armónica a la edad de siete años con una habilidad sorprendente, primero con su primo Junior Parker, y luego con Sonny Boy Williamson II. 

En 1948, tras el divorcio de su madre, ambos emigraron a Chicago, donde Wells comenzó a tocar con músicos locales, tanto en fiestas familiares como en tabernas.2Salvaje y rebelde, pero muy demandado por su talento, comenzó a tocar con The Aces (grupo de los hermanos guitarristas Dave y Louis Myers y el baterista Fred Below), desarrollando un estilo más moderno y amplificado influenciado por Little Walter. En 1952 hizo su primera grabación, reemplazando a Little Walter en la banda de Muddy Waters y apareciendo en una de las sesiones de Muddy para Chess Records.2 Sus primeras grabaciones como líder de banda fueron hechas durante los años siguientes para States Records. 

A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, Wells también grabó discos sencillos para Chief Records y su subsidiaria Profile Records, incluyendo "Messin' with the Kid", "Come on in This House" y "It Hurts Me Too", las cuales mantendría en su repertorio a través de su carrera. Su sencillo de los años 60 "Little by Little" (escrito por su productor, Mel London) alcanzó el número 23 en la lista de Billboard R&B, siendo el primero de dos sencillos de Wells que entraron en dicha lista.

Wells tubo su gran oportunidad tras ser escuchado por Bob Koester (fundador de Delmark Records, el sello discográfico a más antiguo de jazz y de blues de Estados Unidos) el cual quedó encantado con su música y le dio al armonicista la oportunidad de entrar a estudio para grabar su primer disco como líder, a pesar de las preocupaciones de respuesta comercial que podría tener. 

Es así como en 1965 lanza su primer disco, ‘’Hoodoo Man Blues’’ es un álbum clásico de blues de los 60s, en el cual contó con la ayuda de Buddy Guy, un reconocido guitarrista de blues, con el cual trabajaría incansablemente en futuros discos y shows en vivo, a los cuales acompañaron Jack Myers en bajo y Billy Warren en batería.

El sonido del disco es un clásico del blues de chicago, suena muy crudo y sin intermediarios, bluses rápidos y concretos, algunos lentos, pero altamente efectivos, cargados de emotividad e improvisación, con cambios de ritmo y complicidades típicas de estos dos músicos (Wells y Guy) que se entendían mágicamente, como si estuvieran tocando en vivo… y de hecho eso hace que los temas te transporten inmediatamente a un bar lleno de humo y gente, con Wells y Guys en el escenario tocando apasionada y tan particularmente, como solo ellos lo hacían, sus alucinante repertorio blusero. 

La grabación original contenía doce temas compuestos algunos de ellos por Junior, pero también tenemos buenas versiones "Good Morning Schoolgirl" (Sonny Boy Williamson), "Hound Dog" (Leiber- Stoller), "You Don´t Love Baby" (Willie Cobbs), "Chitlin Con Carne" (Kenny Burrell) o "Yonder Wall" (Elmore James). El álbum innovador se convirtió en best seller de Delmark, recibiendo elogios de la crítica como uno de los mejores discos de Wells jamas producidos.

Junior Wells y Buddy Guy, dos grandes del Blues, que por separado ya tienen suficientes virtudes para que les prestemos atención, y que juntos le han dado al blues una revitalización merecida, han trabajado incansablemente abanderados con este género, dándole al mismo una importancia vital a nivel mundial…

Cod: #1148