Badge Époque Ensemble - Badge Époque Ensemble (2019)

Esta es una entretenida experiencia musical creada en base a la influencia de muchos elementos, tal vez los más representativos de la época de finales de los 60s y principio de los 70s, como lo son el rock psicodélico, jazz fusión y prog rock. Hay aquí una búsqueda que cuenta con una dosis orgánica muy fuerte, es ese aire de sesión que tiene todo y que da la sensación que el grupo se maneja en la música rock improvisada, con especialización en la sesión instrumental.

Otro elemento que deja el disco, es esta forma muy acertada desde los ritmos contundentes y el groove pesado, sensación que se enaltece con los agregados de percusión tipo Santana, los riffs de heavy blues que aparecen, y ese aire soul en la concepción de todo. El funk es otro elemento que desde la percusión aporta un groove contundente y suma a esa sensación tan cool que se construye en la sesión instrumental. Todo parece suceder desde una preponderancia rítmica, horizonte donde ocurren todos los eventos creativos del grupo, tanto es así que la presencia de congas y percusiones de tipo latinas se hace lugar en la mayor parte del sonido del disco.

Mucho de lo que ocurre aquí es instrumental y orgánico, hay muchos momentos con ese estigma, lo que termina de eclosionar en la pieza ‘’Undressed in Solitude’’, un track de casi once minutos de duración, donde la banda explota su gusto por la sesión rockera y la explota en una zapada con mucho groove y soul.

Es un disco de rock, rock pesado, pero no duro, rock construido primordialmente desde la instrumentación y el desarrollo desenvuelto en ideas progresivas. Blues, soul, funk, rock latino, y música fusión, todo ello está de alguna manera siempre presente aquí, en mayor o menor medida, aportando al estilo enriquecido de la banda.

Y por suerte, también esta ese elemento psicodélico apareciendo muchas veces, en el clima denso de sesión que tiene el sonido, con los que muchas veces entras en pasajes pesados que recuerdan a la música proto progresiva y aun psicodelia de antaño. Los sonidos densos de las guitarras y órganos, y los ambientes de sesión tan densos en lo que entran, no hacen más que acrecentar esa sensación de que lo psicodélico está muy presente.

Badge Époque Ensemble es un proyecto musical canadiense liderado por Max Turnbull. Son conocidos en parte gracias a su primer lanzamiento discográfico, el homónimo ‘’Badge Époque Ensemble’’, un trabajo nominado a premios, y que ha llamado la atención desde su lanzamiento en 2019.

La banda participante del mismo es una muy extensa, participando Jay Anderson en batería y percusión, Chris Bezant en guitarra eléctrica, Alia O’Brien en flauta, Ed Squires en congas y percusión, Giosue Rosati en bajo, Maximillian 'Twig' Turnbull en órganos, además de invitados especiales como Evan Cartwright en batería para el tema ‘’Undressed In Solitude’’, y James Baley en voces para el mismo tema. 

El sonido del disco nunca decae de su groove, la propuesta es siempre enaltecida por el condimento continuo que le aporta la banda, ese sabor tan enriquecido que manejan y que se manifiesta continuamente. ‘’Badge Époque Ensemble’’ fue grabado en vivo en Palace Sound Toronto, los días 18 y 19 de diciembre de 2017, y 2 de octubre de 2018.

Esta no es una banda cualquiera, su estilo es llamativo a primera escucha, reflejando la cantidad de influencias que enriquecen la experiencia total del sonido que proponen. Es esa fusión lo que le da el condimento tan vital a todas sus propuestas y le dota de esa distinción tan particular.

Desde 2019 hasta el 2023, la banda ha publicado varios trabajos discográficos, los cuales denotan que el grupo desde su surgimiento hasta ahora se ha mantenido fiel a su estilo musical tan característico y propio.

El sonido del grupo parece salido de otra época, con un clima sonoro que se diferencia de cualquier otra producción, y crea reminiscencias de escenas de rock de décadas atrás. Los ritmos deliciosos y ese valor orgánico tan suelto de la banda, dejan como resultado una experiencia con mucho sabor y mucha diversión. 

Cod: #1820

Intersystems - Number One (1967)

Publicado originalmente en su primera tirada de 1967 con una portada totalmente blanca solamente iluminada por las siglas ‘’Number One… Intersystems’’, este artefacto extraño de la música concreta norteamericana permanece en las tinieblas y no es más que otro experimento delirante del hipismo más radicalizado y freaky de la época, con la típicas búsquedas del momento para los hippies: vanguardias, experimentación, poesía, acercamiento a lo electrónico, y un delirio generalizado que se acerca a la psicodelia desde un costado íntimo y pareciera ser, si se quiere, un freack-out happening de iniciación acida y delirio colectivo.

Con las vistas musicales de John Mills-Cockell que fue el encargado de crear el ruido electrónico intenso y extraño que florece en las entrañas de este disco, acercándose hacia la vanguardia, la psicodelia, la música concreta y la experimentación extrema. Por su parte Blake Parker es el cargado de presentar y narrar una serie de poesías que se combinan con los sonidos electrónicos, poesía típica de la época entre polémicas sexuales, homosexualidad, sátiras políticas, delirios, más experimentación, elementos pop, cuentos surrealistas, etc. 

En cierto punto esto es un elemento típico del hipismo, aunque también es un elemento bastante arriesgado y que se puede encontrar solamente buceando en las entrañas de la psicodelia más radicalizada y under, por lo que hay cierto alejamiento de elementos típicos de la psicodelia como la espiritualidad oriental o el rock, para irse más hacia un lado de vanguardia electrónica y música concreta. Todo el disco es una ejecución aleatoria aplicada en un espectro de libre ejecución, entre ruidos y disonancias, ambientes y sonidos, grabaciones, ruidos, que se fusionan con una voz hablada desparramada a lo largo de todo el trabajo, recitando siempre su poesía, siempre en un modo insistente, tenso, hablando sobre algún delirio y con un tono que imita a los típicos discursos de JFK de la época.

No hay mucha "música" per se, pero el sonido deja una buena sensación psicodélica, pero de la psicodelia más extrema que no será aceptada por cualquiera. La conexión entre las palabras y los efectos de sonido no es consistente y parece que ambos elementos fueron, al menos en parte, improvisados y unidos arbitrariamente. La última pista entra en algunos estados de ánimo "ambientales" espeluznantes interesantes, mientras que la narración amanerada es un interesante inconveniente durante la duración total del trabajo. 

Este tipo de trabajos son testamentos vivientes, capsulas de tiempo que guardan parte de su apoca y lo mantienen vivo por el resto del tiempo futuro, o por lo menos así será para los fanáticos del género. El trabajo fue una apuesta para el sello discográfico canadiense ‘’Allied Record Corporation’’, sello que más tarde presentaría bandas psicodélicas como Reign Ghost o The Plastic Cloud.

El disco está dividido en dos partes, el primer lado que en realida se llama ‘’Side 69’’, que contiene una pequeña primera pieza llamada ‘’Lately’’ y otra pieza más extensa llamada ‘’Vox 3/13/67’’, mientras que por su parte, el lado segundo del disco se llama ‘’Side F’’ y está compuesto por una pista pequeña denominada ‘’Orange Juice & Velvet Underwear’’ y también por otra segunda pieza extensa, llamada ‘’Blackout Mix’’. Los nombres parecen buscar la sátira, extender el delirio, mientras que también el desconcierto, el primer lado del disco es el lado 69 y el segundo es el lado F! la contraportada original era un caos entre la información de la edición, los créditos y algunas palabras delirantes también en forma de poesía loca y desordenada.

Hasta 1968 Intersystems publicó tres discos. Las obras de Intersystems evocan a la conciencia intensificada por la experiencia, la psicosis intermitente, la sobreestimulación intelectual y el nihilismo radical de una expedición con ácido llevado al extremo por la visión hippie. Todo en este disco gira en espiral rumbo a un vórtice de cacofonías de ruido blanco deshilachado y oraciones lucidamente inconexas pero surrealistas y satíricas, en un collage de no música hablada y y música no comercial.

Esta expedición estuvo integrado por Blake Parker, Dik Zander, John Mills-Cockell, y Michael Hayden. Esta electrónica salvaje representa los primeros esfuerzos de pionero electrónico canadiense John Mills-Cockell, uno de los primeros artistas en poeer un sintetizador Moog en toda Canadá,  y quien luego de este emprendimiento se embarcaría en otro proyecto dentro de la misma línea electrónica pero ya reversionando y purificando sus miras en el vanguardista y evolucionado Syrinx, junto al percusionista Alan Wells y el saxofonista Doug Pringle. Syrinx, entre 1970 y 1972 alcanzó a publicar dos discos, El primero de ellos atrajo la atención de los ejecutivos de CTV, red canadiense de televisión, que le encargaron a la banda un tema musical para su serie de televisión con visión de futuro ‘’Here Come the Seventies’’. Esta comisión dio como resultado que Mills-Cockell compusiera ‘’Tillicum’’, que luego se lanzó como sencillo y se incluyó en el segundo álbum de Syrinx.

Cod: #1729

Reign Ghost - Reign Ghost (1969)

 
Hacia finales de los 60's en Oshawa, Canadá, había un par de grupos que eran los más importantes del lugar: Christopher Columbus Discovery of New Lands Band y Reign Ghost, ambos solían ser competencia directa en hacer refritos de los éxitos psicodélicos del momento, sin embargo, el vocalista de Reign Ghost se retiró del grupo a principios del 68, dejando el lugar abierto a los adolescentes Bob Bryden (quien fungía como baterista de Christopher Columbus) en la guitarra y a su novia Lynda Squires (quien era cantante del mismo grupo y poseía una voz bellísima), de ahí el grupo prescindió de los covers para comenzar a componer material original, mayormente compuesto por Bryden quien ahora era guitarrista rítmico.

A fines de 1968, el grupo logra grabar su primer disco, el cual estuvo compuesto en su totalidad por material original y salió a principios de 1969, lo que llevó al grupo a tener giras los fines de semana y finalmente disolverse en ese mismo año, aunque al final Bob Bryden y Lynda Squires lo reformaron con nuevos miembros, grabado así su segundo disco que saldría hasta 1970.
El grupo se volvió a separar, ya que Lynda Squires terminó audicionando para el musical Hair y Bob Bryden formó a Christmas, un grupo de psicodelia y progresivo que sacó tres discos durante su existencia.

La música de Reign Ghost a pesar de tomar mayormente influencias gringas, sigue siendo muy original y peculiar, ya que si bien, sus composiciones desprenden una insólita finura pocas veces vista en un grupo de su estilo, al mismo tiempo podían sonar tan crudos y directos como un grupo de garage de mediados de los 60's, por lo que sus canciones pueden ir de lo íntimo, romántico, gótico y sublime a lo naif, circense, inocentón y chistoso sin sonar en lo más mínimo kitsch, bobalicones, toscos o incluso vampíricos, creando así una música que de alguna manera está basada en los contrastes pero que nunca pierde el ingenio, la creatividad y la honestidad, y para que esto haya sido hecho por un grupo conformado por adolescentes que no pasaban los 16-18 años de edad es un GRAN logro, ya que además de que la música ya presenta rasgos de genialidad, la instrumentación es impecable, los arreglos son extraordinarios, la mezcla de influencias es impresionante, pues hay rasgos de folk, sunshine pop, blues, música medieval, música clásica de la India, música clásica occidental, jazz, waltz e incluso algo de bubblegum, todo ello empacado en una psicodelia de altos vuelos y tampoco hay que olvidarnos de la performance de Lynda Squires quien con solo 17 años de edad ya poseía una cualidad casi operática en su voz y eso era porque desde niña comenzó a cantar en los coros infantiles de las iglesias locales de Oshawa, por lo que se podría decir que su entrenamiento vocal vino de la música clásica y al haberle tocado la época de la psicodelia, terminó cantando rock, sin embargo, esto no la colocaría realmente en la misma categoría de Grace Slick y Janis Joplin, sino en la de cantantes como Mary Travers, Judy Collins, Joan Baez o incluso Mercedes Sosa y Violeta Parra, sin embargo en el rock también existieron cantantes que llegaban a esa cualidad operática en el rock como Conny Devanney de Ill Wind, Barbara Hudson de Ultimate Spinach, Patty MacKenzie de la Comuna, Gloria Lambert de Haymarket Square, Patti Curtis de These Vizitors, entre otras, por lo que podríamos decir que Lynda comparte rasgos musicales muy importantes con estas últimas, que además de todo, son cantantes muy olvidadas o desconocidas para el público general, sin embargo son de las mejores cantantes de rock de los 60's.

El disco comienza con Travels of Blue Paradox, que tiene un comienzo un tanto oscuro influenciado por la música de la película 2001: Odisea en el Espacio en donde Bob Bryden va recitando unas palabras en modo muy a la Ultimate Spinach para pronto convertirse en un tema con reminiscencias tanto medievalistas como de la música clásica de la India, es una psicodelia muy viajada pero que raya con lo gótico y lo etéreo mientras que la voz de Lynda Squires realmente brilla, de alguna manera este tema los podría convertir en el equivalente canadiense de Ill Wind, la Comuna o incluso de los Music Emporium. Una de sus mayores obras maestras.

Long Day Journey es una canción romántica que tan solo está acompañada de 2 guitarras -una eléctrica y otra acústica- y un bajo con un arreglo casi folk y otra vez Lynda se encarga de darle ese aspecto angelical con su interpretación. Obra maestra.

Standing Room Only, Mr. Mars se supone que fue la primera canción que compuso Bob Bryden cuando tenía 16 y según su autor, toca temas un tanto escabrosos para la época como la alienación juvenil ante la sociedad. Por otro lado, la canción es bellísima, una de las mayores obras maestras del álbum y la interpretación es verdaderamente sublime.

Eyes Know, So Does Ears and Carolina es psicodelia con bastantes cambios que de alguna manera vuelve a recordar a Ultimate Spinach, aunque con una composición más elaborada, aquí hay una mezcla de partes pausadas con otras más alegres que rayan con el pop psicodélico al igual que en los dos primeros discos del grupo bostoniano. Obra maestra.

Curio Shop es un waltz psicodélico bellísimo que va en el mismo tono que The Masquered Murderer y Janis de Country Joe & The Fish o incluso de Baroque #1 de Ultimate Spinach, pero con la voz de Lynda se vuelve otra obra maestra.

Black Ode ya muestra cierta influencia del blues, que según Bob Bryden suele despreciar por monótono, sin embargo, este tema no es de su autoría, sino del tecladista Dave Hare, aquí también se puede apreciar cierta influencia doorsiana y un fuzz asesino por parte del guitarrista Jim Stright. Temazo.

Gum Wrapper Song es una parodia al bubblegum, por lo que se trata de un tema un tanto bobalicón y naif, pero esa era la intención y es una canción divertida de escuchar si uno tiene la suficiente madurez para aceptar el humor y el sarcasmo en la música, de otra manera, pueden evitarlo si gustan. Por otro lado, este tema muestra también la forma magistral de la banda de contrastar los otros temas que rayan en lo hermoso con algo que suena cursi, infantiloide y hasta menso si ustedes quieren, sin caer en un kitsch fastidioso o en una mofa grosera e insoportable.

Southern Hemisphere Blues Legacy es rock ácido con cierta influencia sanfranciscana y bostoniana, pues se escuchan ecos tanto de Jefferson Airplane, Country Joe & The Fish, Quicksilver Messenger Service y los Animals como de Ultimate Spinach.

Para cerrar con broche de oro tenemos Reaching que de alguna manera vuelve al mismo tipo de composición que Eyes Know pero esta vez con un aspecto menos romántico y más viajado que el anterior, además de que tiene más cambios, en los cuales podremos notar influenciar una especie de deconstrucción estilística en la que encontramos rock ácido, raga rock, blues, música circense y pop psicodélico, además del final con trémolo completamente cipollinesco. Obra maestra.

Cod: #1560

J. K. & Co. - Suddenly One Summer (1968)

Jay Kaye es el creador detrás de esta obra psicodélica más que interesante, un joven de quince años inspirado por los Beatles y por la era psicodélica en general, disco concebido desde Vancouver, Canadá. Jay Kaye hizo un viaje de Las Vegas a Vancouver para grabar el LP con músicos de sesión de primer nivel (entre ellos miembros de la conocida banda de Vancouver Mother Tucker's Yellow Duck). Su madre, Mary Kaye fue realmente famosa en una banda de western en Las Vegas hasta que se trasladó al Norte. Ella fue la quién instó a su hijo a concluir este extraño y único trabajo exuberante y melódicamente superior a la mayoría del pop canadiense en la época. 

‘’Suddenly One Summer’’ de 1968 es una obra de cierto exotismo y de un considerable despliegue en la producción, con algunos momentos experimentales aunque fugaces, consistiendo en su mayoría de agradables canciones psicodélicas pop y folk, donde se puede apreciar directamente la búsqueda de un sonido volátil. Una influencia determinante para el sonido de este disco parece ser la de los Beatles, que en esa época eran la fuerza dominante de la música psicodélica, siendo un faro a seguir por muchos, influencia que se nota en las melodias y armonías de las canciones, y en la búsqueda de una sonoridad en lo posible ‘’original’’ y variada.

Sin dudas la mayor atracción y una de las razones principales de la existencia de este disco se encuentra en una canción en particular, la llamada ‘’Fly’’, una hermosa balada psicodélica plagada de efectos de estudio tipo backwards, con melodías dulces e hipnóticas, una composición psicodélica exquisita que se encuentra en un nivel superlativo para la época y también en comparación del resto del disco que pareciera no contar con una producción tan esmerada, una pieza de sueño psicodélico que pareciera vencer la dirección del tiempo ofreciendo un efecto ralentizador a quien la escuche, una composición de estructura popular pero de un sonido psicodélico de punta que da placer escuchar. Uno de los momentos más destacados del disco y un gran tema, la banda lo sabía, por eso esta canción está ubicada al comienzo del disco. Otro adolescente, Robert Buckley, ayudó a Jay Kaye con muchos de los arreglos y efectos psicodélicos del álbum. Fue él quien creó los efectos de backwards en la magistral "Fly".

Jay Kaye tuvo también un acercamiento a la espiritualidad típica del estilo y de aquellos años en general, experimentado con LSD y volcando todas sus ocurrencias lisérgicas a la producción, el resultado es evidente y palpable en muchas de las canciones del disco que tienen un toque de lisérgia, espiritualidad, misticismo, una búsqueda volátil de la sonoridad que se puede apreciar en piezas como ‘’Magical Fingers Of Minerva’’, ‘’ Nobody’’ u ‘’O.D.’’.

El disco está conceptualizado vagamente y supuestamente representa el viaje de un hombre desde el nacimiento hasta la muerte. Pareciera que la conceptualización no se ramificó en tracks de una música de concepto que en general se sale del estándar. Sin embargo el álbum es una ingeniosa colección de interesantes piezas melódicas que en general están producidas para ofrecer una variada experiencia sonora claramente marcada por la psicodelia. ‘’Christine’’, ‘’O.D.’’ y ‘’Magical Fingers Of Minerva’’ son grandes baluartes de este disco, además de, por supuesto, la mencionada anteriormente, la alucinante ‘’Fly’’.

El álbum de J. K. &  Co. fue un éxito clandestino de tamaño decente en California, lo que llevó al sello discográfico White Whale a lanzar un sencillo para capitalizar la popularidad del grupo. Eligieron la introducción de apertura del álbum de 36 segundos, que en ese momento resultó un gran desastre de marketing. Al final, el terrible error de gestión de White Whale paralizaría la carrera de Jay Kaye y también dañaría la capacidad de la compañía para comercializar a J. K. &  Co. como un grupo serio. Después del lanzamiento del disco, Kaye incluso había formado una banda con su primo John (bajo) y su amigo Rick Dean (batería) para promocionar las canciones del LP en vivo, pero el éxito los eludió. En 2001 Sundazed lanzó este gran álbum de ácido conceptual a través de su sello BeatRocket.

Cod: #1510

Franck Dervieux - Dimension ''M'' (1972)

Esta es una joya desafortunadamente poco conocida de la herencia musical de Quebec de la década de 1970,  una propuesta tan curiosa como singular y única en su estilo, pudiendo detectarle alguna reminiscencia hacia alguna otra banda pero presentando esencialmente un sonido propio. La historia de Dimension M comienza naturalmente con el propio Frank Dervieux, un notable pianista francés con estudios académicos que fue descubierto por Jean-Pierre Ferland quien lo invita a unirse a él en una gira por Quebec. Tras esta gira Dervieux terminó emigrando a Norteamérica, Canadá, y fue allí donde comenzó su propio camino como artista solista, desarrollando todo su potencial académico y creativo. 

Tras unas grabaciones de conciertos con Monique Leyrac y Ginette Ravel, Dervieux, afincado en Montreal, se incorpora al estudio de RCA en 1972 y comienza a hacer amistad con los mejores musicos de la zona, entre los que se encontraban Yves Laferrière en bajo, el guitarrista Michel Robidoux, el baterista Christian St-Roch, a los que se suma la etérea voz de Christiane Robichaud. Estos músicos formarían la banda local ‘’ Contraction’’, pero en paralelo se sumarían a Dervieux para formar la banda de apoyo con la que este grabaría en 1972 su primer y único disco, Dimension M.

Este disco presenta una intrépida y sofisticada música de progresiones y esmerados atascos que a menudo no se presentan en estructuras uniformes esperadas sino que la imaginación compositiva se vuelca en un estilo de diversa manufactura: a veces de una sobriedad que roza con lo oscuro, a veces con saltos rítmicos vertiginosos, por momentos con un buen swing rockero para pintar escenas de una gran efectividad, todo un repertorio compositivo plasmado en la búsqueda de realizar la visiones de un Dervieux que estaba en un gran momento y había encontrado una serie de músicos de gran calibre que lo acompañaban.

El aspecto progresivo del disco toma de diversas fuentes para crear su sonido, desde los estilos clásicos de la formación de Dervieux, hasta jazz, blues-rock, funk, el romanticismo, momentos cuasi psicodélicos, y experimentaciones varias dentro de esos términos que dejan como resultado una música progresiva que no se parece a nada en su tierra, pudiendo tenderse tal vez un puente hacia la música de la escena Canterbury, como Soft Machine, o recuerda también por su innovación a la música de Zappa, por su diversidad y variación en las visiones y progresiones presentadas. 

Es una auténtica odisea instrumental de un carácter que estimula el sobrecogimiento por sus líneas suaves, su virtuosismo sutil, sus amplias armonías desplegadas en espectros muy efectivos, sus mociones diversas y variadas que representan en esencia toda la estructura de las seis piezas que componen el disco y que significan una amplia gama de texturas.

Otra de las características de Dimension M radica en su enfoque conceptual basado en el interés de Dervieux por el misticismo, lo milenario, las culturas antiguas y mitológicas, o la etnicidad que por ejemplo se demuestra en la portada del álbum que expresa imágenes precolombinas. Fascinado por los misterios de la humanidad, desde las civilizaciones antiguas hasta las teorías ufológicas, este matiz envuelve esta música como una suave sensación de misterio y de afortunada desazón que se deja sentir sutilmente en la mayor parte del sonido, como recalcando exotismos milenarios de una historia ocultada, especialmente ocurre esto en esos momentos donde las armonías y los tempos se ralentizan y la voz etérea de Christiane Robichaud deja sus suaves y dulces aplicaciones.

Algunos misterios y exotismos tiñen la historia de este disco, por lo particular de su creador, sus visiones e inquietudes volcadas que tiñen el sonido,  los grandes músicos de sesión que lo acompañaban, y por ser además parte de la cultura progresiva de Quebec, siendo uno de los discos menos conocidos del ‘’movimiento’’. Grabado en Montreal y lanzado originalmente en 1972, 'Dimension 'M' es el único álbum realizado por el pianista francés Frank Dervieux antes de su prematuro fallecimiento en 1975. 

“Para que pudiéramos tocar, ver, una música hecha de transparencias de colores y ritmos, encontrar e imaginar en sus diferentes planos, lo que sabemos, lo que creemos y lo que pudo ser o haber sido; música que uniría las resonancias de viejos y nuevos universos; una música que sería, que es una proyección de mundos paralelos. ”, Franck Dervieux.

Cod: #1504

Mock Duck - Test Record (1968)

Esta entrada va especialmente dedicada a Jorge Salvador, quien me recomendó particularmente este disco que ha sido un grato descubrimiento para mí y que ahora tengo el placer de estar recomendándolo en el blog de las delicias, muchas gracias por la recomendación y sigamos por la senda de la buena música!

Esta banda canadiense tuvo vida entre 1966 y 1970, años en los que se mantuvo tocando, bajo varias encarnaciones, en mucho locales regionales en la ciudad de Vancouver, junto a otras bandas locales que, pese a no alcanzar la fama en los Estados Unidos, eran lo suficientemente conocidos regionalmente como para abrir a banda más importantes que llegaban a tocar a la escena canadiense, como Fleetwood Mac, BB King, Country Joe & the Fish y Steve Miller Band.

El grupo tuvo su primera encarnación bajo el nombre de Joe Mock & No Commercial Potential, encaminados más hacia el folk rock, inspirados por Bob Dylan. Joe Mock fue justamente su fundador y líder, además de ser el guitarrista del grupo. En 1967 la primera formación se disolvió y se formó una segunda versión de la banda, que comenzó como un trio, pero un año más tarde, tras varios cambios en su formación, terminó transformándose en un cuarteto, siendo formado por Joe Mock en guitarra, Glen Hendrickson en batería, Rick Enns en bajo, y Ross Barrett en saxofón, flauta y teclados.

En su época no alcanzaron a publicar un disco propiamente dicho, ‘’Test Record’’ fue un acetato que lanzaron en 1968, con solo cinco pistas, entre las que se encontraban una sesión improvisada de diecinueve minutos y cuatro canciones más cortas y convencionales. En su época se dice que solo se lanzaron un puñado de estos acetatos, hoy perdidos en el tiempo y totalmente difíciles de encontrar. En el año 2000 se hizo una reedición en cd de este material rescatado, al que se le sumó otras pistas, más canciones cortas y otra extensa sesión de improvisación.

Tal vez lo más significativo que contenga este disco sean las dos extensas sesiones en las que incursionan con un sonido prototípico para la época, una especie de soft rock con aires de jazz, una fusión temprana para la época, un sonido ligero, liviano, fácil de escuchar y con buena prestancia para el oído con buenas arremetidas e improvisaciones en saxo y guitarra eléctrica. Son sesiones grabadas en vivo, como la mayoría de las piezas que presenta el disco, de un jazz rock temprano, propio de las visiones e incursiones de la banda y con buena forma para la época, ya que en ese año recién estaban apareciendo los primeros experimentos entre el rock y jazz que luego concluirían en la aparición del jazz fusión.

El resto de las pistas se compone de una extensa serie de canciones más bien convencionales, con un carácter no tan nítido ya que surgen de la fusión entre el rock y el jazz, con elementos funky, soul y blues, de esto brota una mermelada sonora embrionaria, que por momentos es más lenta, por momentos más melódicas, siempre dentro de un ambiente soft, y con los vientos encargados mayoritariamente de los solos, improvisaciones y acompañamientos.

La listas de tracks es de un carácter ambivalente, por un lado parecen haber encontrado una senda y todo lo que produjeron transita por ella, con un aire que caracteriza a todo lo que interpretan, pero por otro lado presentan un repertorio variado, sacando de lado las dos extensas sesiones que contiene el disco, entre los demás temas aparece el blues, algo de funky, soul, canciones inspiradas en el R&R de la época, y hasta en una canción incursionan en un sonido más pesado que se acerca a lo psicodélico, piezas en general dinámicas y entretenidas capaz de mantenerse en un dinamismo y brindar una sensación muy agradable.

La mayoría de las piezas fueron grabadas en vivo, a excepción de unas pocas que aparecen al final de la lista y fueron grabadas en estudio; párrafo aparte se podría hacer para dos de esas piezas de estudio que aparecen en esta reedición, se trata de ‘’Easter Dog’’ y ‘’Do-Re-Mi’’, dos piezas en las que inéditamente aparece el teclado, como nunca lo había hecho en el resto de temas, además de incursionar en sonidos un poco más pesados y hasta psicodélicos, con momentos muy interesantes en los que se acercan a lo lisérgico.

Alcanzaron una fama local y llenaron los locales como The Village Bistro, Retinal Circus y Big Mothers. Tocaron junto a otras bandas populares de la época, incluyendo Spring, Papa Bears Medicine Show. Hoy, Joe Mock, Rick Enns, Ross Barrett y Glen Hendrickson todavía están muy involucrados en la escena musical y, con la excepción de Joe, que ahora vive en Francia, todavía viven en el área de Vancouver y sus alrededores.

Cod: #1434

The Crazy People - Bedlam (1968)

Este es un misterioso y cuasi anónimo proyecto de cuyos autores poco se puede decir a ciencia cierta más que aproximaciones y suposiciones afortunadas. Ante el anonimato de los creadores y los pocos datos que circulan sobre el proyecto, surge mucha especulación sobre quién comenzó esta banda y por qué se grabó este álbum, la banda en sí es muy poco conocida, los miembros probablemente todos vinieron de Canadá. Está comprobado que este álbum se grabó en la ciudad de Burnaby, en 1968 y apareció originalmente en el pequeño sello independiente "Condor". La teoría que ha circulado en los últimos años es que este álbum fue una creación del excéntrico músico "Johnny Kitchen", un americano emigrado, que vivió en Canadá a finales de los años sesenta. Un grupo de músicos de estudio de la región alrededor de Burnaby supuestamente lo apoyaron en la grabación del LP.

‘’Bedlam’’ es una delirante aventura en la que el rock se combina con una serie de locuras sonoras de todo tipo, delirios al puro estilo Mothers Of Invention de Frank Zappa, con gritos, quejidos, voces, ruidos, etc., un despliegue de arrebatos y ocurrencias sonoras, agregados sonoros de dudosa procedencia y más dudosa consistencia aun.

Una auténtica aventura que le hace honor al nombre del grupo, ‘’los delirantes’’ (The Crazy People), con una música inclasificable. Es cierto que aparece, al principio del disco, más precisamente en el primer track, una sesión con algo de rock psicodélico, con hammonds y agregados en guitarra eléctrica, aunque el resto del disco se mantiene mutando entre música de los 60s, pop y sonidos hippies de la época, sin perder jamás el espíritu delirante y confuso.

Es incierto cual es el lugar al que se dirigen o qué es lo que quisieron decir con esta música, seguramente el producto final mismo sea la cosa en sí que quisieron transmitir, aquí no hay canciones ni composiciones consistentes, sino una música confusa, desquiciada, experimental, una mutación esquizofrénica, psicodélica, diferente a cualquier otra cosa de la época, un collage de distintos sonidos que no dicen demasiado pero que a la vez dicen mucho de las intenciones del grupo. 

Desde los primeros compases de "Parade at the Funny Farm", la dirección del álbum es evidente, es decir, que no hay dirección alguna. El collage de sonidos, el humor político-satirico, melodías extravagantes, psicodelia y un estilo ecléctico, esto definiría al caos de este trabajo, que refleja el típico espíritu revoltoso, sarcástico y experimental de la época. El álbum es, de hecho, un collage de todo tipo de extrañas "muestras", melodías pop, fragmentos de sonido de películas y programas de televisión, puestas sobre una base musical de improvisación, también totalmente ecléctica, tanto que no es tan fácil descubrir dónde termina el "préstamo". y comienza el "copyright". 

No hay créditos de canciones en el álbum. Se cree que al menos algunas de las canciones fueron escritas por Kitchen. Kitchen era un talentoso compositor y ya había escrito canciones para The Crazy People y otros artistas del sello Condor. También hay una conexión comprobada con "Wild Man Fischer", un artista bastante loco que grabó con Frank Zappa, y acerca del cual se dice que posiblemente sea el autor de Bedlam, quien quizás también usó el seudónimo de Johnny Kitchen para proyectos externos. A pesar de todos estos rumores y suposiciones, el verdadero origen del álbum sigue sin estar claro hasta hoy.

Cod: #1326

A New Place To Live ‎- A New Place To Live (1972)

Me llamo D’nilson y esta es la primera reseña que hago para este fantástico blog.

Aclaro que no voy a realizar una típica reseña de tema por tema, una reseña para mí debe contener la información necesaria sobre el artista y el álbum. No sería idóneo contarles todo lo que sucede en esta obra, el escuchar música es similar a la lectura. No tengo que ahondar demasiado en la trama del libro ni el desenlace, eso lo conocerán ustedes, si es que se sienten atraídos por el concepto y se animan a escuchar este álbum.

El álbum que hoy voy a comentar lo elegí de manera aleatoria. Lo había encontrado hace apenas unos días. Sinceramente nunca había oído hablar de Robert John Gallo ni de su música. Cuando encontré este álbum lo concebí como el de una banda que tan sólo había logrado grabar esta obra cuyo título traducido al español  es “Un nuevo lugar para vivir”.

Sin mayor información me sumergí rápidamente en el acto de escuchar, principalmente atraído por la portada (¿superficialidad?, no lo creo). Pareciera que grafica nuestra posición, observando el horizonte con una gran puesta del sol que augura la posible existencia de un lugar ideal para vivir. Pero para llegar a ello hemos de comprender nuestro estado, nuestra posición y luego hemos de prepararnos para cruzar el vasto mar. Es ahí cuando en la parte baja observamos embarcaciones listas para zarpar, llevando a la humanidad lista para trascender.

Luego de esta descripción de la portada un tanto delirante pasamos a comentar el contenido, el mensaje “codificado” que guarda esta misteriosa obra musical de Robert John Gallo.

Todo parece indicar que este no fue el primer álbum escrito, arreglado, dirigido y producido por él. Se sabe que en 1971 lanzó un álbum titulado “Free” bajo el sello Regalia y en 1972 fue re-lanzado con el título “Compositions” a través de su propio sello llamado Mandala con el orden de las pistas totalmente distinto.  Este mismo año ve la luz un nuevo álbum titulado “Painted Poetry” del cual solo he logrado escuchar la canción Love Is Like A Circle. Aquí una pequeña muestra de este álbum:

Hasta este momento hemos hablado de álbumes lanzados bajo el nombre de Robert John Gallo. El álbum que comentamos hoy rompe la línea ya nombrada. Titulada “A new place to live”, es un lanzamiento del ya nombrado músico y productor, con el apoyo del estudio del cantante Joey Carbone y el guitarrista Richard Zito. Además contó con la participación del presentador de televisión John Zacherle, quien recitó los segmentos poéticos. Finalmente creo que es oportuno volver aclarar que al igual que los anteriores álbumes esta obra fue escrita, arreglada, dirigida y producida por Robert John Gallo. 

Este es un álbum conceptual supuestamente basado en el psíquico americano Edgar Cayce. También contiene una serie de cuestionamientos sociales, de historia y religión. Resaltan los comentarios sobre la situación de la tierra, proporcionándonos la premisa de que debemos buscar un nuevo lugar para vivir. ¿Por qué?, el concepto del álbum se va esclareciendo en la medida que este avanza y nos vamos dando cuenta que tiene mucha relación con lo que hoy le está ocurriendo al planeta.

Relatos de cómo se creó la tierra y consecuentemente como se destruirá a sí misma. Pero seamos sinceros, nosotros somos los habitantes de este planeta, nosotros somos lo artífices de esta futura destrucción que hoy por hoy ya no se proyecta como un futuro sino como un presente tan vivo que nosotros no hacemos más que tratar de ignorar lo que sucede con falso optimismo y con mucha materialidad.

El argumento se sostiene bajo la figura de un profeta y sus predicciones que no hacen más que proporcionar confusión en la cabeza del "ser humano" con la preocupación de unos y la incredulidad de otros. Es por eso que termina encarcelado. Todo esto se sucede dentro del concepto del álbum mientras este avanza. A pesar de las plegarias y el optimismo de este personaje la realidad le demuestra que la sociedad está totalmente cegada. Es así como se esfuma su intento de “cambiar el mundo”  y no le queda nada más que resignarse y esperar un nuevo lugar para vivir. Mientras tanto el planeta se desmorona, el caos se apodera de las masas y todo termina. Un álbum totalmente extraño y diferente en la discografía de Robert John Gallo.

El concepto en cierta manera ya está explicado (no completamente), solo queda que te sumerjas de lleno en él. Para poder escuchar de verdad este álbum recomiendo estar relajado, alejado del inclemente estrés. No esperen una grandiosidad en la instrumentación, no esperen llenar esa necesidad de placer que tiene su cuerpo, simplemente escuchen y olvídense si esto es comercial o no. Al fin y al cabo este concepto trasciende más allá de la instrumentación, es totalmente actual, incluso mucho más actual que nuestra concepción de la naturaleza como una simple fuente de recursos.

Cod: #1276

The Nihilist Spasm Band - No Record (1968)

Hubo en los años 60s, afortunadamente, quienes salieron un poco de la moda del rock & roll, con la intención de crear su propia música en base a sus propias reglas. Entre ellos se encontraban bandas experimentales como Red Krayola, Cromagnon, entre otros; ‘The Nihilist Spasm Band’ (NSB) fue otra de esas bandas descolocadas a su época. Este fue (y lo sigue siendo) un colectivo musical experimental, compuesto por un grupo de canadienses con intenciones extrañas.

Se puede atribuir el comienzo del grupo en torno a Greg Curnoe, que era un director de cine y que quería, por aquel entonces, hacer una banda sonora para su próxima película de 16 mm. Curnoe decidió hacer algo poco convencional y compró un montón de kazoos (pequeño instrumento de viento, tipo corneta), reuniendo a algunos de sus amigos para realizar improvisaciones libres. Ellos graban la banda sonora para la película pero pronto se dan cuenta de que disfrutaban de lo que hacían, por lo que deciden ampliar el repertorio, construyendo kazoos mas grandes, añadiendo un bajo y percusión; no tardaría en aparecer una guitarra eléctrica.

Lo que comenzaría como un juego pronto se convertiría en un colectivo musical con intenciones muy claras, intenciones de ‘no música’, de despiste contracultural usando lo bizarro como medio de transporte y sus actos en vivo que se convertirían en lo fundamental del grupo, casi sin mayores intenciones comerciales mas que las de hacer música extraña sin mayores explicaciones. El grupo se forma allá por 1965, en Londres, Ontario, y estaba integrado originalmente por Hugh McIntyre en bajo, John Clement en guitarra y bajo, John Boyle en kazoo, Bill Exley en voz, Murray Favro en guitarra, Archie Leitch en clarinete, Art Pratten en violín, and Greg Curnoe en batería.

Ellos deciden ir aún más allá y comienzan a construir sus propios instrumentos con elementos caseros, además de modificaciones que harían sobre bajos y guitarras (véase el instrumento que porta el personaje de la portada del disco); de ahí viene el término "spasm band", término coloquial que hace referencia a las bandas que construyen sus propios instrumentos, elaborados con objetos de cualquier índole, que generalmente poco tienen que ver con la música, como tubos metálicos, tachos, cajas, etc. Una de las primeras bandas en adoptar este término fue la ‘Razzy Dazzy Spasm Band’, formada alrededor del año 1895, en New Orleans.

Su primer concierto se llevó a cabo a principios de 1966 y su primer lanzamiento, ‘No Record’, data de 1968. Esta grabación es el trabajo clásico del grupo, captura el caos tácito de los años 60s y lo impone ante el oyente por la fuerza, toma el hartazgo de su generación y lo explota al por mayor en su música que es ‘no música’, dejando una impresión inmediata de destrucción de la cultura o de la música, o de lo que sea, pero de destrucción al fin, destrucción como medio de manifestación.

Mas bizarros que Captain Beefheart, mas desenfrenados que en cualquier happening hippie, esta banda despliega su libre improvisación y eso lo es todo, lo constituye todo, de principio al fin, donde la meta es el libre expresionismo y la libre improvisación, que involucra a cada uno de los integrantes en un caos que se ramifica en una mutación constante. El rango de la improvisación es tal que los instrumentos no están sintonizados entre sí, tempos y compases no son impuestos y los miembros dan empuje de los rangos de su instrumentación mediante la innovación constante.

El lema principal de este sonido es el de ‘destroy de nations!’ (destruyan las naciones), frase que no tardan en pronunciar repetidas veces y que significa algún tipo de grito anti nacionalista, y en ese sentido el sonido total, que es uno desencajado, pareciera ser la representación musical de la destrucción moral de las naciones, en su sentido psicológico, o por lo menos de las naciones como ellos las entendían.

Poca materia concreta se les puede detectar, un poco de influencia de jazz y/o free jazz, música concreta, algo de Albert Ayler, o Sun Ra, similares a Captain Beefheart, el resto es eso mismo que ellos crearon. Términos como "bueno" o "malo" se vuelven totalmente inútiles para calificar esta música, que linda con lo descalificado por la cultura y que no se puede poner fácilmente en palabras comprensibles para mostrarlo ante el oído popular acostumbrado a la música aburrida y la cultura sobrecargada de erotismo y satisfacciones sensorias. The Nihilist Spasm Band hace honor a su romance con el nihilismo, preocupándose realmente muy poco por si lo que hacen puede entretener o atraer a la audiencia.

Al escuchar estos sonidos que no buscan la ‘perfección’ como comúnmente se entiende, y no buscan ningún tipo de repercusión masiva, ni virtuosismo técnico, y que no buscan casi nada, uno se pregunta qué es la música?, será talvez alguna canción popular sonando en la radio o una obra de gran nivel interpretada en un teatro importante; hay muchas formas de entenderlo y disfrutarlo, pero más allá de los gustos y las opiniones es obvio que comúnmente se entiende al arte como un medio de alcanzar algo, se hace mucha propaganda a eso, a los artistas que obtienen prestigio y son ‘importantes’. Si el artista no busca recompensa con lo que hace, no que no busca vivir o mantenerse económicamente, sino que no busca recompensa moral, si no es una autoridad en lo que hace, entonces el verdadero significado de la música (o el arte) surge por si mismo.

Otra década pasó antes de su próximo álbum, ‘vol. 2’ fue puesto en libertad en 1979, y desde entonces la discografía del grupo se basó en lanzamientos esporádicos y aislado, pese a lo cual el grupo siempre se mantuvo activo, dando conciertos en vivo. Desde 1966 ‘The Nihilist Spasm Band’ se ha mantenido tocando cada lunes por la noche, en un club de su ciudad natal de Londres, Ontario, hábito que proporcionó el título por el séptimo álbum de la banda, llamado justamente así ‘’Every Monday Night’’, lanzado en CD por Alchemy Records en 1999.

Cod: #1252

Symphonic Slam - Symphonic Slam (1976)

La historia de este grupo gira en torno a Timo Laine, un finlandés que de chico se trasladó a Estados Unidos y creció allí. Pasó toda su infancia en California rodeado de música, era guitarrista, y sobrevivía tocando en clubs locales y dando clases de guitarra. Laine quería emprender su propio camino musical y experimentar con las ideas que tenía en mente, ópera rock, sinfonías, ideas surgidas de la mescla de distintas influencias que iban desde Wes Montgomery a Clapton, Beck, y Zappa. 

Comienza a experimental con electrónica y las sonoridades, se compra un prototipo de sintetizador creado por el inventor Bob Easton, con el cual crea un particular sonido elaborado en base a la combinación de su guitarra y una seria de sintetizadores, 6 mas precisamente, uno por cada cuerda de la gutiarra. Intenta vender su invento a Frank Zappa, Stevie Wonder, y Jimmy Page, pero no le prestan mucha atención.

En 1973 se traslada a Canadá y se une a la banda canadiense ‘Space Rangers’, donde participa de la grabación del primer álbum del grupo, pero los miembros se separaron poco después de su lanzamiento. Esta experiencia le deja buenos contactos, es ahí, en Toronto, Canadá, donde ‘Symphonic Slam’ comienza a recobrar forma, ya que conoce al tecladista David Stone y al batería John Lowery.

Una vez armada la banda comienzan a tocar el propio material progresivo ideado por Laine, y es ahí donde su invento recobra lugar en lo que hacían, su guitarra sintetizada le da un toque particular al sonido. Son descubiertos A & M Records y logran alcanzar un contrato para su primer álbum.

La preparación tomó nueve meses, entre el ensayo y la grabación, finalmente en 1976 el disco es producido y lanzado a la venta, con una buena repercusión de los críticos, se trataba de una sinfonía esplendida, con un carácter particular,  generado talvez por cierta mezcla de estilos, entre lo que se distingue algo de funky, algo de glam creería yo, ciertas estilizaciones melódicas, también le da carácter los sonidos particulares que logran del sintetizador, mejor dicho del invento guitarra/sintetizada que estaba utilizando Timo Laine, ademas de las mezclas con la percusión, las distintas sutiles variedades que logran pese a no ser tan complejo el trabajo como para tratarse de una supuesta sinfonía, aunque lo es y de gran nivel por cierto.

El trabajo es de rock progresivo, con toques sinfónicos y una concepción electrónica, pesado y oscuro en general pese a pasar por distintas intensidades. Disparan algunos riffs en un blues rock pesado, para luego hacer algo más melódico, distintas intencionalidades se mesclan para darle más particularidad a un sonido muy interesante.

La obra en general está compuesta por pequeños temas de no tan larga duración, por lo que su valor intrínseco talvez se halla en la intensidad y los lemas que cada tema contiene. Son muy variados, y por momentos alcanzan efectos sonoros muy particulares. Los temas no son excesivamente complejos pero si muy intensos, pesados, con gran fluidez y contundencia. 

Un trabajo realmente intenso que de principio al fin se mantiene al filo de la excelencia, con un sonido progresivo talvez heredado del prog inglés, aunque también demuestra otras caras medio pop, algo glam o cierta influencia estilística en el sonido talvez típico de la segunda mitad de los años 70s, en la cual el rock progresivo propiamente dicho comenzaba a terminar o por lo menos a darle lugar a otros fenómenos musicales de la época.

A mediados del 77 la banda se corta, ya que David Stone acepta la invitación de aceptó una invitación para unirse al nuevo grupo de Ritchie Blackmore, ‘Rainbow’, poco después de Laine se trasladó a Hollywood y comenzó a escribir material para un nuevo álbum. Linda Nardini se une en teclados y Jimmy Haslip se une en bajo, así el grupo se vuelve a armar, y bajo esta formación lanzan un segundo álbum, ‘SS II’, publicado bajo el nombre de ‘Timo’.

El álbum se encontraba en las tiendas en la primavera del '78, tratándose de un trabajo que seguía la línea de su predecesor, con arreglos ampulosos e intrincados. Lamentablemente se imprimieron solo 10.000 copias del disco, hasta que se agotó el dinero, y por ende la venta y la distribución no fue como esperaban.

Laine disolvió el grupo en los años 80, para centrarse en otros proyectos, en colaboración con varios artistas durante el próximo par de décadas, incluyendo musicalmente ideas afines con John Mills-Cockell, The Rolling Stones, BB King, Tina Turner, y Chuck Berry, por nombrar sólo algunos. También apareció en la escena de clubs y festivales de música del mundo en los últimos años.

Cod: #1052

L'Infonie - Volume 3 (1969)

La ‘’buena música’’ o ‘’mala música’’ no existe, la música es como la libertad, no existe tal cosa como ‘’buena libertad’’ o ‘’mala libertad’’, la libertad si no es completa no existe, la dignidad de a pedacitos no funciona. Con la musica es igual, la música es digna e infinita, tiene su propia dimensión, su propio espectro, la música es un lenguaje universal, como dijo Spinetta ‘’la música va a seguir existiendo por más que no haya nadie que la ejecute’’. Lo que sucede a partir de ahí es que algunas gentes usan a la música para enriquecerse en vez de para crear nuevos sonido, usan la música para ser famosos y adinerados en vez de para transmitir algo, o simplemente ser creativos y ya, y eso muy lamentable. Por ese lado va más o menos el concepto de ‘’mala música’’, el carácter imperecedero de la música no morirá jamás, pero bueno, algunos usan la música para transmitir cosas que no son precisamente ‘’buenas’’…

La banda de la que hablaremos hoy es de la llamada ‘’L'Infonie’’, se trata de un proyecto originado en 1967, creo que en Montreal, Canada, creado y dirigido por el compositor, saxofonista y director de orquesta, Walter Boudreau, y por el poeta, cantante y trompetista, Raoul Duguay. Este proyecto se trataba como de un colectivo artístico, llegó a contar en su formación con hasta 33 artistas procedentes de diversos ámbitos, que iban desde el free jazz, musica clásica, contemporánea, rock, además de artistas de artes visuales y poetas.

En 1969 lanzan su primer disco, ‘’Volume 3’’, al cual crean a partir de un reconstruir completo de la percepción musical como la conocemos convencionalmente, en una mezcla anárquica de danzas, arte, poesía, combinando elementos heredados tal vez de Frank Zappa, con influencias jazzeras heredadas tal vez del mismo Sun Ra, combinando surrealismo, avant garde, exaltación y locura, todo elemento tiene su lugar y tiempo de ser.

Encontré este disco como uno supuestamente de ‘’avant prog’’, pero la verdad no logro descubrir cuáles son sus características progresivas. Musicalmente no sé cómo definirlo, hay distintos elementos de funk o soul, algunos efectos electrónicos agregados, algún pasaje medio psicodélico, es difícil encontrar convenciones en el sonido, en algún track se escuchan algunos riff tipos rythm, en otro se escucha un especie de jazz muy raro, hacen por otro lado un cover de ‘’She’s leaving home’’, un tema de los Beatles, bien bizarro y desalentador, pero en general el sonido es muy volátil y particular, y poco tiene que ver con formas estándares de creación…

Lo más auténtico del disco me parece que sería la clara influencia free jazz que los directores del proyecto le inyectan al sonido, con bastante participación de trompetas y saxos, para a partir de ahí, y con muchos elementos aleatorios agregados, ir construyendo paredes sonoras propias y auténticas, con un delirio único del proyecto mismo. También se escuchan voces y gritos, en francés, además de recitados de, creo yo, poemas, también en francés. Un lanzamiento muy recomendable…

Creo que el disco tiene un espíritu mucho más profundo de lo que podría percibir. Desde ya vale aclarar que absolutamente toda la música creada en esa época tenía una intencionalidad espiritual y creativa muy profunda, pero paradójicamente muchos registros de la época han desaparecido, ya que no es muy conveniente para los intereses de nuestros líderes que  anden circulando por ahí las manifestación, cual profecías, que creaban y expresaban los artistas de la época, todo ello ha quedado virtualmente tapado, sesgado, ocultado, y solo se puede acceder a una pequeña porción de ese espíritu, y mucho peor para nosotros, publico de habla hispana, que no encontramos con todo este material que proviene con informacion en inglés y/o musica, generalmente, con letras en inglés, lo que dificulta un poco el encuentro con estos mundos.

Habiendo hecha dicha aclaración, el disco, además, toma elementos culturales que eran ya alternos en esa época, y los profundiza aún más, como creando un especie de obra circense artística, toman elementos que ya eran bizarros en su época, para desarmarlos y exponerlos de forma brillantemente aún más bizarra y absurda. No sé, igual ceo que la intencionalidad artística era mucho más profunda aun, combinándose su arte con puestas en escena, con los artistas vestidos también de forma bizarra, en donde se percibían algunos elementos egipcios, lo que le daba un toque místico a lo que hacían, o por lo menos eso es lo que se ve en las pocas fotos que aparecen sobre la banda…

Para su siguiente álbum, ‘’Vol 33 - Mantra’’, de 1971, L'Infonie abandona todo lo que hizo en su debut, profundizando en el jazz-fusión. Una sola pieza de música conforma este álbum. En 1972, L'Infonie lanzó su tercer álbum, ‘’Vol. 333’’. En este álbum, la banda tiene un sonido más rock progresivo, de nuevo cambiando su enfoque musical. Después de este álbum, Duguay dejaría la banda para seguir una carrera en solitario como poeta, escritor y cantautor. En 1974, L'Infonie lanzó su cuarto y último álbum, ‘’Vol. 3333’’. Este álbum está compuesto por una sola pieza, de Duguay "Paix".

Creo que todos deberíamos tomarnos el tiempo para escuchar cosas como estas, por supuesto depende del gusto de cada uno, pero ya solo tomarse el tiempo de escuchar música experimental te va abriendo el oído, te va abriendo los sentidos, el gusto y la percepción musical, y mucho más con música como esta, el avant garde, ya que es música caótica, y el caos tiene su encanto, tienen que ver mucho con nosotros mismos y nuestras experiencias. Tenemos mucha relación con el caos y la reconstrucción de nosotros mismos, con el caos que genera la contradictoria psicología humana. En un sentido literal metafísicamente, el proceso de cambio espiritual positivo puede ser visto fácilmente como un especia de ‘’caos’’, como un derribo de lo que nos parecía correcto o verdadero hasta el momento, el derribo del templo previo de la verdad y la justicia ética y moral a fin de que una verdad mayor, una justicia mayor, una ética mayor, pueda encontrar manifestación en uno mismo.

Cod: #1067

Klaatu - 3:47 EST (1976)

Klaatu fue una banda canadiense de rock progresivo a finales de los años setenta y principios de los ochenta. Su primer álbum, 3:47 EST (titulado Klaatu en Estados Unidos) tenía un estilo muy similar al de los Beatles, particularmente en la canción "Sub-Rosa Subway", además de no contener ninguna clase de información biográfica en su comercialización. Esto propició que se creara el rumor de que se trataba de un proyecto anónimo del cuarteto de Liverpool.

La banda tomó su nombre del personaje interpretado por Michael Rennie en la cinta de ciencia ficción Ultimátum a la Tierra. La película a su vez está basada en el cuento Farewell to the Master de Harry Bates.

La canción más famosa de Klaatu, "Calling Occupants of Interplanetary Crafts", fue hecha cover por los hermanos Carpenter en 1977. Su segundo álbum, Hope, incluye contribuciones de la Orquesta Sinfónica de Londres, y es considerada por los seguidores de la banda como un trabajo igual o superior al primer álbum.

Su tercer disco, Sir Army Suit, fue lanzado en 1978. Dos años después salió a la venta el álbum Endangered Species, en el que la banda por fin reveló la identidad de sus integrantes: Terry Draper, John Woloschuck y Dee Long. No había conexión musical alguna con los ex Beatles. Después de terminar su contrato con Capitol en los Estados Unidos, lanzaron su último álbum Magentalane únicamente en Canadá.

Sus grabaciones salieron en formato CD relativamente tarde, y hasta poco después del año 2000, diversas compañías disqueras (incluyendo a Capitol) solo habían lanzado sus álbumes con baja calidad de sonido y en algunos casos un orden incorrecto de las canciones. Finalmente, Bullseye Records lanzó los discos en su versión original, y con alta calidad. Bullseye también sacó un álbum de tributo a Klaatu, titulado Around the Universe in Eighty Minutes.

Los tres integrantes de Klaatu se reunieron el 7 de mayo de 2005 para una breve presentación en el KlaatuKon de Toronto, Canadá. La lista de canciones consistió de "At the End of the Rainbow," "I Don't Wanna Go Home", "Cherie", "Magentalane," "Little Neutrino," y "All Good Things".

Actualmente se ha generado una nueva oleada de interés por la banda, gracias a su similitud con the Beatles y un rumor propagado en la red sobre la supuesta sustitución de un Paul McCartney fallecído en 1966 por el percusionísta de Klaatu, Terry Draper.

Ahora veamos, vamos a entrar al tema en profundidad, en el ''rumor'' en el que Klaatu eran los Beatles, cosa que no fue así pero veamos, obviamente encontré una fuente mejor de lo que yo pudiera escribir y la voy a compartir con ustedes. 

Después de su separación, los Beatles lanzaron un disco al mercado en el año 1976. ¿Habían dejado aparte sus rencillas los cuatro de Liverpool y se habían vuelto a reunir en un estudio? ¿Cómo es posible? La aparición del álbum “Klaatu” desconcertó a más de uno. Su sonido psicodélico podía encajar perfectamente con el “Sgt. Pepper’s” y el “Magical Mystery Tour”. ¿Se habían escondido los Beatles bajo el pseudónimo de Klaatu?

El primer avispado que encontró la conexión entre los Beatles y Klaatu fue Steve Smith, que publicó un artículo en el periódico de Rhode Island “The Providence Journal” con el titular “Could Klaatu be The Beatles? Mystery is a Magical Mystery Tour” (“¿Podrían Klaatu ser los Beatles? El misterio es un viaje mágico y misterioso”). El rumor pasó a las emisoras de radio y el boca a boca hizo el resto. Las ventas del álbum crecieron como la espuma. Todo el mundo quería tener el nuevo disco de John, Paul, George y Ringo.

¿Pero por qué razón tenía que ser ese álbum un trabajo de los Beatles? Las múltiples pistas eran evidentes. El disco fue lanzado por Capitol Records, la compañía discográfica que había editado los álbumes de los Fab Four en Estados Unidos. Ni la portada ni el interior contenían fotografías del grupo. Además, no aparecían los nombres de los miembros de la banda por ninguna parte. De hecho, los nombres ni siquiera figuraban en los créditos de las canciones; tanto la composición como la producción estaban acreditadas bajo el nombre de Klaatu.

Hasta ese nombre esconde pistas: Klaatu. Así se llama el extraterrestre humanoide de la película de ciencia-ficción “Ultimátum a la Tierra” (Robert Wise, 1951). Quizá fuera casualidad, tal vez una coincidencia, pero la portada del álbum de Ringo Starr “Goodnight Viena” (1974) es una parodia de una escena de esa película. En la fotografía de la cubierta, el batería de los Beatles sustituye a Klaatu, el protagonista del largometraje.

ero no todo quedaba en cosas tan banales como el nombre de la banda o la ausencia de datos en la funda del disco. Las voces muchas veces sonaban cercanas a las de Lennon y McCartney, los instrumentos parecían calcar el sonido de temas como ‘All you need is love’ o ‘Maxwell’s silver hammer’ y en algunas canciones aparecían mensajes ocultos. El tema ‘Sub-Rosa subway’ podría ser una referencia al álbum de Paul McCartney “Red rose speedway” (1973). Además, se supone que si se reproduce al revés esta canción, se pude escuchar la frase “It’s us, it’s The Beatles” (“Somos nosotros, somos los Beatles”).

El tema ‘Sir Bodsworth Rugglesby III’ tiene aspectos en común con otra teoría relacionada con los Beatles: la leyenda urbana que dice que Paul McCartney murió y fue sustituido por un doble. En esta canción se escucha “Officially pressumed as dead”. Las siglas “O.P.D.” (“Declarado Oficialmente Muerto”) aparecen en el interior de la cubierta desplegable del “Sgt. Pepper’s”, en la ropa de McCartney. Sin embargo, hay que aclarar que las siglas que aparecen en la chaqueta de Paul en realidad son “O.P.P.”, correspondientes a Policía Provincial de Ontario. Más adelante, la letra de la canción dice: “He’s the only man could ever get to Hell and come back alive”. Paul McCartney sería el único hombre que fue al infierno y pudo volver con vida, ya que “murió” y fue “reemplazado” como si no se hubiera ido. Resulta gracioso cómo se cruzan estos dos descabellados rumores.

Todas estas interpretaciones llevaron a diversas conclusiones. Los Beatles no se habían reunido en los setenta para grabar un nuevo disco; las canciones de “Klaatu” se grabaron en 1966 y el álbum sería la continuación de “Revolver” con un sonido más novedoso y psicodélico. Desgraciadamente las cintas se perdieron y por si fuera poco, esto coincidió con la supuesta muerte de Paul y su sustitución por el ganador del concurso de dobles llamado Billy Shears o William Campbell. Posteriormente, los Cuatro de Liverpool continuarían con la psicodelia al realizar el álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”.
Mucho más adelante, las cintas perdidas volvieron a aparecer. ¡Sorpresa! Todas las “nuevas” canciones se encontraron en 1975 cuando se buscaba material para “The long and winding road”, un proyecto que se abandonaría y más tarde se recuperaría con “The Beatles anthology”, de 1995. Pero en lugar de lanzar el álbum bajo el nombre The Beatles, decidieron hacerlo con el misterioso pseudónimo Klaatu, ya que lo que realmente importaba era el contenido del disco y no el nombre del grupo. De esa manera, la música hablaba sola.

Al final, los que acabaron hablando fueron los verdaderos miembros del grupo Klaatu. En realidad, la banda no estaba formada por unos Beatles enmascarados jugando al despiste; Klaatu era un trío canadiense compuesto por John Woloschuck, Terry Draper y Dee Long. Con su primer álbum homónimo, también conocido como “3:47 EST”, pretendían hacerse un hueco en el mundo del rock, y su manera de llamar la atención fue evitar cualquier dato que pudiera identificar a los creadores del disco. La jugada se les fue de las manos cuando el público creyó que detrás de Klaatu se escondían John, Paul, George y Ringo; pero al mismo tiempo, esta confusión les vino de perlas a la hora de vender su álbum.

El misterio de la identidad de Klaatu aguantó dos discos más, “Hope” (1977) y “Sir Army Suit” (1978). En el cuarto trabajo publicado, “Endangered species” (1980), los músicos acabaron descubriendo el pastel y sus nombres aparecieron por fin en los créditos de las canciones. Ninguno de los temas estaba firmado por Lennon o McCartney.

El disco tiene alguna decadencia y parecida a la de los Beatles, medio progresivo y con un toque de psicodélico, y te da paz, las voces y los coros parecen cantos de ángeles y lindos para pasar el rato o solamente para escucharlos para dormir.

Cod: #1058

Dillinger - Dillinger (1974)

Esta banda progresiva proviene de Ontario, Canada, nace en la escena hard rock de principio de los 70s de dicho país, junto a bandas como Rush, Triumph, A Foot In Coldwater, Thundermug, por lo que heredó su buena dosis de poderío en su sonido. En 1973, los hermanos Jacques y Robert Harrison (tecladista y baterista respectivamente), dejan la banda ‘’Quevec’’, para formar su propio proyecto, surge ‘’Dillinger’’, nombrada así por el infame ladrón de bancos John Dillinger, de Indiana. Para este nuevo proyecto reclutarían al guitarrista Paul Cockburn y al bajista Terry Bramhall.

La banda firmó con el sello independiente canadiense Daffodil Records y su debut homónimo fue lanzado en 1974, conteniendo un muy esmerado sonido progresivo de carácter pesado, hard rock progresivo con toques blues y pasajes donde se hacen presentes elementos de jazz. El sonido final es muy complejo y acertado, con una buena potencia y contundencia; para nada atmosféricos o misteriosos, sus energías fluyeron más hacia atascos pesados, rotundos, una fiereza que, junto al nivel de exactitud que mantienen y el nivel puntilloso de los arreglos, se vuelve muy agradable de escuchar. Entre tanto poderío y despliegue de complejidades, el jazz que surge pareciera no quedar tan lejos de lo que es el jazz fusión.

El disco está compuesto por cuatro temas: tres temas más cortos, pero sin perder jamás la complejidad de carácter progresivo, pasando por ‘’Nature´s Way’’ donde demuestran una cara más melódica; y un cuarto tema de 17 minutos, ’’Live & Return’’, una autentica suite épica, donde vuelcan el resto del repertorio progresivo y la imaginería portentosa que se ahorraron en los temas iniciales, desplegando una extensa composición progresiva, nutrida con atascos en teclados, pasajes jazzeros, buenas partes melódicas y una clara potencia hard que despliegan constantemente. Después de los 11 minutos, un solo de batería irrumpe y viaja durante casi cuatro minutos que recuerda al solo de Karl Parlmen en ‘’Tank’’. Una suite a la que realmente no le falta nada, un extenso viaje típico de la época.

Debido a su complejidad, el álbum fue recibido con algo de indiferencia, pero debido a la dedicación y las constantes presentaciones en vivo del grupo, lograron algo de notoriedad. En su próximo álbum, 'Do not Lie To The Band', lanzado dos años más tarde y con la ayuda del productor de Rush, Terry Brown, Dillinger maduró y ajustó su sonido y estilo más hacia una dirección de rock duro, aunque aún con tendencias progresivas. En 1977, la banda sufrió algunos cambios de formación y mutó hacia el nombre de The Hunt, lanzando un álbum homonimo, un disco fantástico de hard rock aunque las tendencias progresivas ya eran casi inexistentes. 

Cod: #1236