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domingo, 12 de octubre de 2025

Elephant9 - Walk The Nile (2010)

El fenómeno progresivo ha dejado una huella imborrable en el rock y sus distintas manifestaciones, y ya no solo quedan los sobrevivientes de las epopeyas progresivas de antaño, sino que siguen apareciendo elementos muy fructíferos dentro de esos canales de concepción de la música pesada, compleja y fusionada. Europa nunca dejará de ser un faro en cuanto a la generación de proyectos musicales de esta índole. Elephant9, proveniente de Noruega, es otro de estos tantos ejemplos contemporáneos europeos que vienen haciendo ruido hace años y han dejado en estas últimas décadas muchos lanzamientos muy interesantes.

Elephant9 es un trio poderoso, un power trio, pero con carácter progresivo, que se maneja en el espacio tanto como en la progresión, y goza de una rudeza fácilmente detectable. Todos sus emprendimientos discográficos, tanto como sus presentaciones, cuentan con esa cuota de música organiza, ejecutada desde la sesión rockera fusión, cual atasco, que se va desarrollando y desde el cual van surgiendo las distintas progresiones y partes.

Otro elemento común de la banda es el uso de climas, o momentos ambientales, momentos en los que bajan de ese poderío y se sumergen hacia espacios amplios que contrastan con la rudeza. Muchas veces estos ambientes son construidos de manera inmersiva y son utilizados como forma de introducción, intermedio, o cualquier otra sub-parte que pueda llegar a ser requerida en las composiciones.

El mérito de Elephant9 es doble en su lugar, primero logrando llamar la atención al crear un sonido que mantiene vivo el espíritu progresivo/fusión de hace cincuenta años atrás, pero a la vez han logrado crear con estos condimentos un sonido que no es una copia fiel de nada, siempre reorganizándose en experimentos de índole propia, música instrumental progresiva y experimental.

Se trata de experimentos que evidentemente están influenciados por el estilo progresivo, y que además cuentan con un carácter de fusión marcado. También hay, en la sonoridad y los lugares por los que pasan, algunas visiones a construcciones de ambientes con acercamiento a lo psicodélico. Eso psicodélico de su sonido es una constante en su estilo, y es otro de los elementos que danzan en ese desfile de inventos que proponen en cada uno de sus discos.

‘’Walk The Nile’’ de 2010, es otro de sus varios lanzamientos, el segundo de su lista, otra publicación para seguir reafirmando sus visiones propias, siempre dentro de ese espectro de búsqueda musical que tienden a la evolución y al transcurrir por sucesos y diversos experimentos instrumentales.

La predominancia de teclas, en el sonido de esta banda, teje directas reminiscencias a sonidos plasmados en experiencias anteriores, especialmente a bandas progresivas de principio de la década de los 70s. La sonoridad del tecladista, en su uso con el órgano Hammond, es muy evocativa a epopeyas progresivas anteriores. Ejemplos sobran, algunos proyectos vanguardistas progresivos como los alemanes de Brainstorm, los suecos de Hansson & Karlsson, tal vez similitudes de The Tony Williams Lifetime, y a otros proyectos similares que rondaban entre el progresivo y fusión temprano, sin dejar de lado la oscuridad, experimentación y aun los resabios de la psicodelia.

También pareciera que Elepahnt9 perteneciera a la escuela de jazz vanguardista Noruega, sus contactos con esta se reflejaron en el último disco que la banda publicó, ‘’Catching Fire’’ de 2024, junto al guitarrista Noruego Terje Rypdal. Rypdal, junto a otros pioneros como Jan Garbarek o Jon Christensen, serian algunos de los primeros nombres que surgirían de la escena jazzera más vanguardista de Noruega, siempre con estilos oscuro, yendo hacia lo experimental y la vanguardia casi radicalizada. El encuentro entre Elephant9 y Terje Rypdal es un suceso notable. 

Por otra parte, Elepahnt9 no se reclama en el fusión de manera purista. Estos van más allá, sus propuestas combinan fusión, progresivo, y psicodelia, pero muy a la manera en que ellos se les ocurre, sin representar un género en particular predilección. Claramente entran en el mundo progresivo general, pero lo hacen creando sus propias leyes musicales y siempre fieles a su propio estilo, el mismo que vienen manteniendo desde su primer lanzamiento discográfico. He aquí el lugar difícil que puede significar el acercarse al público más convencional a este tipo de bandas ya sublimadas en estilos bastante oscuros, y que muchas veces no tienen una letra o melodía clara que ofrecer.

La discografía de Elephant9 está compuesta por varios discos, y cada uno de ellos es un reflejo de la búsqueda del grupo, siempre instrumental, experimental, cerca de lo psicodélico, jugando en preponderancia con los climas, progresiones, y con sus propias visiones y ritmos. Todo lo que proponen son experimentos, de alto goce progresivo para quienes amen este tipo de inventos. A veces como trio, a veces también asociados a algún guitarrista, pero siempre con un estilo propio, oscuro y psicodélico.

Cod: #1817

jueves, 8 de junio de 2023

Elephant9 - Dodovoodoo (2008)

Elephant9 es una banda noruega, un trio nacido en el 2006, en Oslo, de jazz rock bastante ecléctico, ellos supieron crear un estilo realmente propio. Inicialmente se hacían llamar ‘’Storløkken / Eilertsen / Lofthus’’. Nombres correspondientes a los miembros de la banda, Ståle Storløkken ( teclado ), Nikolai Eilertsen ( contrabajo ) y Torstein Lofthus, pero cambiaron el nombre a Elephant9 después del primer año juntos.

El trío lanzó su álbum debut ‘’Dodovoodoo’’ en 2008, grabado en vivo en cinta analógica en los Grand Sport Studio, en Oslo, en Noviembre de 2007. Tratándose de una música fusión en la que convergen jazz, rock, y toda su imaginería instrumental progresiva, derivándose en un sonido netamente personal y propio, sesiones instrumentales en las que van derramando todo lo que saben y la fusión que saben desprender, que es de un enorme nivel. 

Las piezas en su mayoría tratan de atascos semi improvisados, atascos rabiosos y con furia, un sonido que aplasta todo a su paso y que no baja jamás de su intensidad, sobrecargando el audio de efectos, órganos hammond y libre-improvisaciones abrumadoras. Un estilo fusión ejecutado con mucho ímpetu y mezclado con funk y psicodelia, todo desarrollándose en una atmosfera instrumental neta de desborde instrumental e improvisación, un envase libre y casi sin estructuras.

Por momentos, por el sonido tan característico arrancado al órgano Hammond, recuerdan a algunos emprendimientos psicodélicos de los 60 o 70, similares por ejemplo a un disco homónimo extraño llamado CHILLUM, un disco 1971. Algunas alegorías similares parecen surgir de la época, se acercan a algunos delirios propuestos por el Miles Davis de los 70, entre funk, free jazz y solos libres.

El sonido se mantiene álgido de principio a fin, la sesión rítmica es consistente aun en los pasajes improvisados y más calmos, lo que le da el toque contemporáneo, a un sonido que a la vez tiene mucho de los 60 y 70, en especial por la implementación de órganos hammond y sintetizadores, por parte de Ståle Storløkken. 

Comienza con un alto ritmo y el tempo casi nunca se relaja en todo el álbum, con la excepción de "Hymne", una pieza lenta y solemne interpretada en órgano, pero eso es sólo una desaceleración muy temporal, para que la maquinaría retorne a toda potencia en el resto de las pistas. 

Musicalmente se acercan a Weather Report, Medeski, Martin and Wood, Miles Davis, o incluso recuerdan sutilmente a Emerson, Lake & Palmer, pero son sólo superficiales estos acercamientos, Elephant9 cuenta con su propio ímpetu y su propio poderío, creando su propia fusión con improvisaciones, potencia y muchos sonidos rústicos. A pesar de la naturaleza cooperativa y democrática de Elephant9, es Storløkken quién es la estrella más clara. Considerado durante mucho tiempo uno de los más grandes tecladistas de improvisación de Noruega, interviene y dirige en el disco, como el instrumento principal del trio, y lo hace de una manera formidable.

Más tarde seguirían con los discos ‘’Walk the Nile’’ en 2010, disco que fue galardonado con el premio Spellemannprisen 2010, y se ha hecho que la banda ganara su lugar de honor dentro del fusion de todo el mundo. En su tercer álbum de estudio de ‘’Atlantis’’ , lanzado en 2012, contaron además con el apoyo del veterano guitarrista Reine Fiske, y fue acompañado por una serie de conciertos en el Festival de Jazz de Kongsberg , y en otros festivales de Noruega como "Union Scene" y "Victoria, Najonal Jazzscene".

Cod: #1738

jueves, 15 de septiembre de 2022

Arve Henriksen ‎- Cosmic Creation (2014)

Desde el primer segundo del trabajo se puede apreciar que no se trata de una música cualquiera y de que le están haciendo honor al título de la obra que proclama la ‘’Creación Cósmica’’, es así que, a lo largo de una variada serie de piezas instrumentales experimentales y espaciales, recrean una especie de creacionismo celeste con un sonido nacido de la deliberación de las capas subterráneas de los ventrículos áureos que se subyugan en una divergencia de equinoccios cósmicos con auras fantasmagóricas y texturas de una maquinaria que refleja una fuerte conexión y/o sensación de un ‘’más allá’’ que sobrevuela la materia y la traspasa perteneciéndola desde las fibras más íntimas hasta los recovecos más alejados del ser.

El misterio cósmico y la sensación de misticismo están totalmente impregnados en el sonido de este trabajo, de esas atemporalidades sonoras que son difíciles de explicar en cuanto a lo que reflejan, que contienen un mundo metafísico en su interior y que son detonadoras de trips siderales en los que es muy factible perderse hacia alguna galaxia lejana. Henriksen explora sonidos y paisajes musicales donde su distintivo y susurrante canto de trompeta se acompaña de grabaciones de campo fuertemente procesadas, así como una variedad de instrumentos electrónicos, para invitar al oyente a la creación pictórica interior. 

Es música cósmica, relacionada a la experimentación electrónica y/o electroacústica, con ambientes siderales de misterio y creación sonora, ambientes espaciales, místicos, con mucha carga experimental y espiritual, pero también al sonido se lo relaciona con el jazz vanguardista debido a su creador, Arve Henriksen, que es trompetista de formacion profesional en el jazz, el cual aplica a todo el disco un sonido particular dirigido por su trompeta, generalmente con un sonido alterado con ecos y otros efectos, aplicándole estigmas del jazz, agregándole una visión con miras hacia el vanguardismo jazzero y sumergiendo el sonido a una nueva influencia, lo que da por resultado la unión de varios quehaceres experimentales en uno solo.

La influencia del jazz y la aparición del mismo en la materia sonora del trabajo se hacen evidente teniendo en cuenta que su creador fue un jazzero experimentado pero lo cierto es que el sonido lejos está de emular algún tipo de jazz incluso si este es de los más vanguardistas, más bien esta música tiene su propio ser y su propio estigma y funciona bajo sus propias leyes metafísicas musicales, donde sí aparece el jazz, en trazas melodias, pero este se fusiona profundamente con auras electroacústicas y otros agregados electrónicos y experimentales.

Nacido en 1968, Arve Henriksen estudió en el Conservatorio de Trondheim de 1987 a 1991 y ha trabajado como músico autónomo desde 1989. Ha tocado en muchos contextos, bandas y proyectos diferentes, desde trabajar con el músico de koto Satsuki Odamura hasta la banda de rock Motorpsycho, pasando por numerosos grupos de improvisación libre con Ernst Reisiger, Sten Sandell, Peter Friis-Nilsen, Lotte Anker, Hasse Poulsen, Terje Isungset. , Benoit Delbecq, Steve Arguelles, Lars Juul y Marc Ducret. 

Ha colaborado con los compositores Peter Tornquist, Helge Sunde, Terje Bjørklund y Tõnu Kõrvits en cooperación con orquestas y escenarios de cámara como Cikada String Quartet, Nidaros String Quartet, Zapp 4, The Norwegian Chamber Orchestra, Kristiansand y Trondheim Symphony Orchestra, London Sinfonietta, Britten Sinfonia, Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, The Norwegian Wind Ensemble y Trondheim Soloists.

Ha trabajado con muchos músicos, incluidos Jon Balke Magnetic North Orchestra / Batagraf, Edward Vesala, Jon Christensen, Marilyn Mazur, Nils Petter Molvær, Misha Alperin, Arkady Shilkloper, Arild Andersen, Stian Carstensen, Dhafer Youssef, Sidsel Endresen, Pekka Kuusisto, Christian Wallumrød Ensemble, Nils Økland, Karl Seglem, Per Oddvar Johansen, Iain Ballamy, Thomas Strønen, Gjermund Larsen, Svante Henryson, Mats Eilertsen, David Sylvian, Jon Hassell, Hope Sanduval, Laurie Anderson, John Paul Jones, Erik Honoré, Toshimaru Nakamura , Trygve Seim Ensemble, Jan Gunnar Hoff, Tord Gustavsen, Giovanni Di Domenico, Tatsuhisa Yamamoto, Gavin Bryars, John Potter, Johanna McGregor, Imogen Heap, Guy Sigsworth, Ryuichi Sakamoto, Bill Frisell, Terje Rypdal, Maria Schneider, Kate Havnevik, Live Marie Roggen, Silje Nergaard, Odd Nordstoga, Kari Bremnes,Sondre Bratland, Jannis Anastasakis, Lars Danielsson, The Source, Vox Clamantis y muchos más.

Henriksen ha compuesto y encargado música para festivales, películas y programas de documentales. Tiene una larga discografía contando más de 140 discos en total. Recibido junto con Supersilent The Alarm Award 2004. Ha sido artista residente en Moers Jazzfestival 2006, OIOI-festival en Bergen 2008 y en Molde Jazz Festival 2009. Desde 2004-2006 formó parte del proyecto European Jazz Launch. Ha recibido Norsk Jazzforums Buddy Award 2005. Radka Toneffs Memorial Award 2007, Paul Acket Award en el North Sea Jazz Festival 2011 y DNB and Kongsberg Jazzfestival´s Musician Award 2011. Ha sido nominado al Nordisk Råds musikkpris 2009 y también al European Jazz músico del año 2009. En 2016 se convirtió en Doctor Honoris Causa en la Universidad de Gotemburgo.

Cod: #1688

miércoles, 20 de abril de 2022

Akasha - Akasha (1977)

Aquí hay otra joya salida de la era final del progresivo, un momento en el que las bandas principales estaban declinando y terminando su esplendor, pero afortunadamente todavía sobrevivían entes progresivos que, diseminados por todo el mundo, mantenían vivo el género. Es el caso de Akasha, una extraña banda proveniente del under noruego que con su uso de mellotrones y sintetizadores a la máxima potencia revivían los sonidos de principios de la década y traían sabores de todo tipo, reminiscencias de muchos lugares que corren por las venas de este sonido.

Con letras de ciencia ficción, que parecieran haber sido creadas especialmente para la ocasión, y épicas electrónicas distribuidas por todo el disco, esta banda se las arregla para crear un trabajo progresivo extraño, con partes armónicas y cantos que muchas veces se lo compara con los psicodélicos Moody Blues, psicodelia que también parecen revivir y degustar en sus muchos ambientes delirantes del trabajo y en su uso del mellotrón, aunque la diferencia con estas bandas psych es la notable complejidad que Akasha manejaba, como un credo que se desplegaba de principio a fin, en lo que parece ser una puesta artística que no solo se manifestaba en la música sino también en las letras, sonido, efectos, además de las puestas en escena en vivo con juegos de luces.

Este es también un sonido oscuro, carácter que se acrecienta con la baja calidad del audio obtenida de la grabación original, grabado en un TEAC cuatro pistas, en un oscuro sótano de un hotel local, y editado originalmente por el pequeño sello BAT Records. Esto incrementa la leyenda, aumenta la oscuridad, le otorga el riesgo de ser un registro pobre, cosa que no lo es porque la oscuridad de la música acompaña su baja calidad y se conjugan, en este caso, de manera formidable en una puesta total lúgubre. De todas formas, el sello sueco Ad Perpetuam Memoriam se encargó de reeditarlo y mejorarlo para una tirada limitada en cd en 1995.

Sabores de sinfónicos con mellotrón a lo King Crimson, complejidad a lo Genesis, momentos eclécticos delirantes y voces tipo Van Der Graaf Generator, momentos de arreglos clásicos electrónicos a lo Emerson, Lake & Palmer, electrónica espacial a lo Hawkwind, etc., todo un repertorio de sabores, reminiscencias, elementos y aplicaciones se conjugan para dar vida a este experimento oscuro que es más que particular por sus atmosferas electrónicas, que incluso bien podría tratarse de influencia del space o del krautrock mismo, y sus momentos de delirio que renuevan la propuesta musical y la hacen algo muy propio.

La puesta es muy ecléctica y cambiante, lo que comienza como un ajetreado atasco sinfónico termina como cancion electrónica, u otros momentos como la pista primera ‘’ Isle Of Kawi’’, nos muestra un terrenos de alta complejidad onde la banda se florea con un sinfín de momentos sinfónicos y electrónico especiales. Ya para ‘’Light And Darkness’’ aparece una guitarra eléctrica sucia y pesada y la banda toma tintes rockeros puros, aunque sin perder el sabor prog.

El disco tuvo una tirada corta y fue lanzado por un pequeño sello local con seguramente también una tirada local y de poca repercusión, la magia de los años, el internet y el sonido han hecho el resto, añejando un disco extraño que merece al menos algo de reconocimiento en su era. Se dice que la versión original del vinilo de este álbum es ahora un artículo de coleccionista, codiciado por muchos y figurando a altos valores en el mercado clandestino. 

El grupo estaba formado por el vocalista Sverre Svendsen, el baterista Kjeil Evensen, el bajista Arild Andreassen y el tecladista/guitarrista Jens Ivar Andreassen. También tienen a Tor-Jonny Hansen por la letra de "Death Hymn", e incluso le dan crédito a Bjørn Hugo Gjøen por el espectáculo de luces psicodélicas.

Cod: #1654

miércoles, 22 de septiembre de 2021

Terje Rypdal - What Comes After (1974)

Terje Rypdal es parte de una escuela de vanguardistas de jazz que salieron de la escena noruega, donde aparecieron otros nombres como Jan Garbarek o Jon Christensen, todos que alcanzarían el renombre internacional y entrando directamente en el ámbito de los vanguardismo y la experimentación, aunque, a diferencia del saxofonista Jan Garbarek, sería el guitarrista Terje Rypdal el que tomaría un camino mucho más ligado a la influencia con la fusión con el rock, habiendo declarado su admiración por el estilo de Jimi Hendrix y habiendo incluido en el repertorio sonoro de su guitarra algunos efectos eléctricos que utilizó en muchos de sus discos y conciertos en vivo.

Es conocido como uno de los principales guitarristas de jazz moderno de Europa. Al mismo tiempo, se le considera un destacado compositor de música de arte contemporáneo. Rypdal ha tenido una carrera musical diversa desde que fundó su banda de pop "The Vanguards" en la década de 1960. Más tarde puso en marcha "Dream" donde se despertó su interés por el jazz. En 1969 se incorporó al Cuarteto Jan Garbarek. Al mismo tiempo, incluso tocó en el sexteto y big band de George Russell. Rypdal ha compuesto a lo largo de los años numerosas composiciones de jazz tanto para grupos propios como para otros.

‘’What Comes After’’ es el tercer álbum del guitarrista, grabado en Agosto de 1973 en el Arne Bendiksen Studio en Oslo, y publicado por el sello ECM. Aquí Rypdal continua por la senda que comenzó a trazar en su segundo disco, el homónimo ‘’Terje Rypdal’’ de 1971, continuando por el mismo estilo de experimentación compositiva dentro de terrenos de jazz rock donde se encuentra a Rypdal como líder de las sesiones, ideólogo y ejecutante principal en los momentos más álgidos de sus conceptos armónicos y melódicos. En este sonido se aprecia también la búsqueda experimental del sonido de jazz rock, no dentro de los estándares del genero sino inventando prácticamente su propio estilo desde su visión de primer guitarrista.

En esta etapa de su carrera Rypdal estaba en pleno apogeo no solo de su vanguardismo sino también de sus exploraciones sobre dicho sonido con una técnica muy personalista desarrollada en su ejecución de la guitarra, explayándose sobre terrenos de exploraciones a lo largo del tiempo y el espacio, lo que dio como resultado sesiones expresadas en extensos atascos improvisados, muchos de sus discos ya adentrados en esta etapa consisten en gran parte en sesiones de gran extensión. A esta característica también la había comenzado en su primer disco solista y sería para esta ocasión en su disco ‘’What Comes After’’ donde continuaría explorando esta posibilidades.

Para este disco inclusive sigue siendo notoria la influencia de la música clásica sobre el autor, apareciendo momentos de arreglos de instrumentos de orquesta sobre algunas piezas, lo que termina de eclosionar en su punto culmine en la pieza ‘’Sejours’’, en la que prácticamente desaparece el jazz y el sonido se vuelca a arreglos de orquesta, una gran manera de salirse del estilo fusión y de presentar otra faceta en el disco. 

Otra cara parece mostrarla en ‘’Yearning’’, consistiendo el sonido en aplicaciones acústicas sobre las que aparecen algunas aplicaciones de viento que parecen ser salidas de un oboe, un aire con cierta etnicidad para dar un color diferente, siendo la pieza ‘’Back Of J.’’ donde reaparece un estilo similar, también con aplicaciones acústicas que predominan el sonido. 

Tal vez las piezas más importantes del disco sean ‘’Bend It’’ y ‘’What Comes After’’, o por lo menos se destacan en que son las dos extensas sesiones que presenta el disco, entre las demás que son de menor duración. Es en estas extensas sesiones donde Rypdal desarrolla todo su concepto musical y artístico, sintiéndose cómodo en las sesiones de larga duración y ejecución desde donde aplica todo su repertorio en la ejecución de su guitarra, y donde aparecen además las improvisaciones de los demás instrumentos, aplicaciones instrumentales y las demás aplicaciones cuasi orquestales.

Cod: #1600

viernes, 3 de septiembre de 2021

Jan Garbarek Quartet - Afric Pepperbird (1970)

Jan Garbarek es un saxofonista noruego descubierto e impulsado por Geroge Russell, compositor quien había ido a Escandinavia a relanzar su carrera hacia mediados de la década de los 60s, viaje que lo terminaría encontrando como docente y creador de shows y discos de jazz vanguardista. Garbarek no solo participó de algunos de esos discos y eventos sino que también recibió el apoyo artístico de Russell en sus primeros lanzamientos discográficos, como lo fue en ''The Esoteric Circle'' de 1970, donde también participaron otros músicos escandinavos como Jon Christensen y Terje Rypdal, también impulsados por Russell. Garbarek ya había dado destellos de su personalidad como vanguardista en su lanzamiento ‘’Til Vigdis’’ de 1967 para trio y cuarteto, pero fueron dichas experiencias junto a Russell las que acrecentaron en él sus visiones y parámetros de lo que era la vanguardia y lo impulsaron a emprender nuevos proyectos y lanzamientos.

En 1970 llegaría su segundo trabajo como líder, el ‘’Afric Pepperbird’’ grabado por un cuarteto liderado por Garbarek, e integrado por viejos amigos de la escena como lo eran Terje Rypdal en guitarra, Arild Andersen en contrabajo y Jon Christensen en batería, una formación de notables caballeros de la vanguardia escandinava que ya nomás al comienzo de su carrera no dudaban en inmiscuirse en fuertes dosis de experimentación desde sus respectivos trabajos solistas, en los cuales se apoyaban entre sí como en una escena de vanguardia auto sustentada.

Este sonido es de una vanguardia elegante, una innovación de punta dentro del vanguardismo europeo made in Escandinavia, con ejecutantes de lujo y en consecuencia una experiencia enriquecedora para cualquier buscador de vanguardias en el jazz. Ya nomás desde el comienzo el álbum presenta sus múltiples facetas dentro del vanguardismo, con un acercamiento a la libre ejecución al comenzar el disco con ‘’Skarabee’’, continuando con un una interesante amalgama de contrabajo en ‘’Mah-Jong’’, para luego continuar con un extenso atasco modal en ‘’Beast Of Kommodo’’ en el que brilla Garbarek en saxo y dónde sacan a relucir su gusto por la influencia de los vanguardismos de George Russell, pero en una versión con aires de free jazz.

En realidad se puede apreciar la influencia directa de los vanguardismos de George Russell sobre muchos aspectos de este sonido, desde las líneas modales del contrabajo, hasta las fusiones exóticas, o el sabor prototípico de un fusión que no termina de ser tan rockero pero que traza puentes hacia modos que rozan con el estilo. Esta influencia aparece reflejada también en la cuarta pieza ‘’Blow Away Zone’’ con esas típicas tramas melódicas contrapuestas al ritmo con las que se abre la pieza y que se encuentran tan característicamente en muchos trabajos de Russell.

Por otro lado, el disco se encuentra estrechamente ligado el free jazz, género con el que Garbarek había comenzado en su primer disco pero que en esta ocasión reformulaba, ya no tan bajo la influencia del jazz negro sino ya más maduro y reinterpretado a la europea. Por aquel entonces Terje Rypdal también era un joven que comenzaba a dar sus primeras muestras de personalidad vanguardista, y aunque quizás en este disco no se presente tan protagonista aun así se puede ver destellos de su estilo, especialmente en la pieza homónima ‘’Afric Pepperbird’’, donde participa con algunos efectos en su guitarra eléctrica y algunas aplicaciones también surgidas de su técnica tan propia.

El sonido no está tan ligado a lo ‘’africano’’ como se podría llegar a deducir del nombre del disco, no aparece una fusión con música africana típica, y lo más cerca que se llega en el intento se hace presente en la participación de algunos instrumentos como la marimba o en otros eventuales momentos que no funcionan como fusión pero que por lo menos dejan ese sabor exótico en el aire. Para esa altura estos músicos todavía estaban dando sus primeros pasos en el terreno de la vanguardia y se puede apreciar el estilo prototípico de su desarrollo. Aun así se trata de un sonido de punta que se encuentra entre lo más destacado de la carrera de Garbarek, aun ligado a terrenos orgánicos rústicos donde terminaban de desaparecer las breves influencias sobre su estilo del jazz negro y el fusión de principio de década, antes de sumergirse en la estética ECM.

Cod: #1589

sábado, 3 de abril de 2021

Terje Rypdal - Terje Rypdal (1971)

El estilo artístico que Terje Rypdal mostró al principio de su carrera discográfica solista dejó entrever un decisivo acercamiento hacia las vanguardias y la experimentación temprana con el  jazz fusión, y aunque presentó, por ejemplo en su primer disco, una de las primeras formas escuchadas en su época de fusión entre el vanguardismo jazzero y el rock experimental, aun así esos serían momentos tempranos y prototípicos de su carrera porque ese representaría nomás el comienzo de un estilo personal que pronto iría mutando y evolucionando, sofisticándose, diversificándose, estilizándose, mutando en su técnica personal y en sus visiones del uso del espacio y el tiempo, que pronto comenzaría a dar nuevos frutos.

Para 1971 Rypdal ya había reunido la experiencia suficiente en el campo del vanguardismo, participando en el disco ‘’The Esoteric Circle’’ del mismo año, producido por George Russell, su mentor musical, además de haber formado parte de formaciones lideradas por uno de sus compatriotas y otro icono del jazz noruego, Jan Garbarek. Con todo esto, sumado a sus visiones particulares que habían comenzado a re direccionarse e intensificarse hacia terrenos de mayor riesgo conceptual, siempre impulsándose por la influencia de las vanguardias de la época,  publicaría en 1971 su segundo trabajo discográfico como solista y líder, conformando otro eslabón en la cadena evolutiva que estaba transitando y que lo tendría concerniente a expresiones y fulguraciones en el terreno del jazz rock y el jazz vanguardista.

Su estilo había mutado hacia deliberados momentos de pura significancia conceptual, brotando las fibras de la influencia de la música clásica en varios pasajes de este trabajo, como estando sintetizada bajo una mirada fusión de solemne expansión expresada en ambientes vanguardistas calmos, misteriosos, con instrumentaciones sutiles sobre las que brotan algunas líneas de viento entre flautas, saxos y clarinetes; esa es una noción sutilmente sinfónica aplicada al espacio y sincronizada con sus innovadoras visiones de vanguardia.  

El comienzo del disco se presenta dentro de un terreno de construcción extensa en el tiempo, con implicancias especialmente del jazz rock donde brilla la guitarra de Rypdal, hacia el final de la primera pieza, en un solo abrazador de una potencia fusión muy personalista y una visión que se estaba expandiendo, estilizándose su particular técnica en ejecución de solos e improvisaciones. No se podría entender al estilo del Rypdal de esa época sin tener en cuenta la influencia rock acida de Jimi Hendrix, del cual tomó la distorsión y la fiereza que queda notoriamente reflejada en la distribución de las notas sostenidas en un monologo que no decae en intensidad a lo largo de las estructuras temporales que transita.

Tampoco podría entenderse a Rypdal sin la influencia del vanguardismo de George Russell, es que dicho compositor había comenzado a plantear vanguardismos de calibres similares pero en formas orquestales mucho mayores, siendo un impulsor temprano del fusión. Esas maneras de incluir líneas orquestales sutiles e insinuantes sobre terrenos de jazz fusión modal que plantea Rypdal en este disco, como en la pieza ‘’Electric Fantasy’’, parecen haber sido inspiradas sutilmente por los trabajos del Russell de esa época, como ser trabajos como ‘’Electronic Sonata For Souls Loved By Nature’’ de 1969 o ‘’Trip To Prillarguri’’ de 1970, trabajos en los que Rypdal participó en la grabación y presentación en público, experiencia que muy probablemente marcó a fuego las visiones por aquel entonces tempranas del guitarrista Rypdal.

Es en ‘’Rainbow’’ o ‘’Lontano II’’ donde Rypdal se oscurece volcándose hacia un sonido netamente vanguardista, con disonancias, aplicaciones de instrumentos diversos y ambientes decididamente oscuros, es un sonido que resalta en el disco por su particularidad y demuestra lo lejos que estaba dispuesto a llegar el autor en su experimentación.

Las estructuras se destilan hacia una concepción ‘’minimalista’’ en el sentido de que la instrumentación nunca es virtuosa o vertiginosamente cambiante, sino que funciona siempre dentro de ambientes calmos, de misterio, de hechuras artísticas sin nombre que provienen de algún oscuro lugar que las colocó allí por alguna extraña razón y circunstancia, y si es que alcanzan algún punto culmine o álgido en la instrumentación, momentos en los que aparecen generalmente los impresionante solos de Rypdal, es por que llegaron a ellos por medio de extensos pasajes de desarrollo que evolucionaron lentamente hasta alcanzar un limbo particular y eclosionar en los mismo, véase la pieza ‘’Electric Fantasy’’ para ejemplificar esta situación. Las estructuras representan grandes área de juego que propician la aparición de diversas texturas, armonías, instrumentaciones varias, diversos momentos y estados, siendo un estilo fusión en plena fusión, valga la redundancia, con influencias de estilo de la música clásica. 

Este es un disco capaz de satisfacer a gustos por el fusión, pero también se adentra en terrenos vanguardistas, por lo que el producto final cuenta con esa amplitud de visiones, estilos e influencias. La evolución del autor para este disco es notable con respecto a su primer lanzamiento, demostrando una búsqueda de vanguardia total y una fusión de diversos elementos y estilos aunados en una misma cosa de vanguardia que se manifestaba hacia la búsqueda de una identidad propia dentro de un estilo que se estaba desarrollado y que continuaría desarrollándose a lo largo de toda su discografía que se extiende hasta hoy en día.

Cod: #1550

miércoles, 24 de marzo de 2021

Terje Rypdal - Bleak House (1968)

Terje Rypdal surge en la escena noruega a finales de los 60, compañero, contemporáneo y coterráneo a otros músicos que alcanzaron calibres similares en el mundo del jazz, como Jon Christensen  o Jan Garbarek, músicos con el que colaboraría en varias ocasiones. Rypdal, en su adolescencia, se convirtió en miembro de Vanguards, un grupo de rock instrumental noruego que escaló las listas de éxitos locales del pop, y luego, después de escuchar a Jimi Hendrix, formó una banda de rock psicodélico, Dream, en 1967.

Pese a su comienzo directo en el mundo del rock y la psicodelia, continuó abriéndose camino hacia diversas influencias, desarrollando un enlace directo hacia el jazz y la música clásica. Se sintió atraído por la música de Ligeti y Penderecki, así como por la de Coltrane y Miles Davis. Recordó en una entrevista: "Escuché la música de Ligeti y decidí entonces intentar ganarme la vida como compositor y guitarrista".  

Rypdal se volvió hacia el jazz en 1968 y se unió al grupo de Jan Garbarek, y más tarde al sexteto y orquesta de George Russell. Este último, Russell, sería su mentor y maestro, impulsando su carrera, introduciéndolo de lleno al mundo del jazz y presentándole de forma directa al vanguardismo, estilo con el que el compositor norteamericano Russell estaba experimentado por esos años. Sería el mismo Russel que produciría a Rypdal, junto a Jan Garbarek en el disco ‘’The Esoteric Circle’’, de 1971. Un paso importante hacia la atención internacional fue su participación en el festival de free jazz en Baden-Baden, Alemania, en 1969, donde formó parte de una banda liderada por Lester Bowie.

El debut homónimo de Rypdal como líder se registró en 1968, su ‘’Bleak House’’ presentó una amalgama entre fusiones tempranas que provenían del mundo del rock y terminaban en el jazz, con reminiscencia al jazz de Wes Montgomery al cual homenajea en el tema ‘’Wes’’, su ‘’Dead mans tale’’ con estructura de blues, o la pieza de vanguardia ‘’Winter serenade’’. Variada es la propuesta en este disco que alcanza algunos momentos de jazz vanguardista y otros además con un estilo clásico dentro del Post Bop. Este es un sonido de prototipos y elementos tempranos que funcionan como el detonante del despegue para la carrera solista de Typdal, un trabajo con un repertorio amplio y muy diverso.

Como ejecutante de primera guitarra, de solos y buenas improvisaciones, si bien la influencia jazzera clásica corre por sus venas, también lo hace el rock, ambos elementos se conjugan en sus característicos fraseos que convergen entre el freak-out psicodélico y el jazz negro norteamericano. Ese estilo dramatúrgico de desplazarse en el espacio con sentida dinámica de la orientación y práctica prestancia para la fusión le supo valer a Rypdal grandes momentos aportados al fusión más estilizado y evolucionado años siguiente en su carrera, pero para entonces era un joven que comenzaba a dar sus primero pasos y ese germen estaba comenzando a despegar y se presenta en una forma prototípica en su ‘’Bleak House’’.

La pieza homónima ‘’Bleak House’’, que da nombre y concepto al disco, irónicamente no fue compuesta por Rypdal sino por Jan Garbarek, de todas formas representa el corazón del disco, una fusión entre post bop con arreglos de viento donde la particular técnica de Rypdal tiene un lugar particular hacia el final de la pieza, aplicando su estilo ambivalente con un sonido levemente distorsionado. Es el momento de mayor acercamiento al fusión en el disco, representando además uno de los momentos más tempranos del jazz fusión en general. 

Grabado en tres sesiones en 1968, este disco en cada pieza presenta una incumbencia jazzera diferente, pasando por el blues, el post bop, el vanguardismo/free jazz, y elementos tempranos de fusión, en un trabajo creado con gran imaginación y hazaña, una visión que se adelantó en años a lo que vendría posteriormente en el fusión europeo. 

Otra gran sorpresa del disco es la irrupción de toda una sección de vientos especializada que dota al sonido de sus aplicaciones orquestales, de roce con el vanguardismo contemporáneo, y hace sublimar a las piezas hacia limbos de sutilezas embriagadoras donde trazas de modernismo temprano convergen con aplicaciones de viento en un vergel que se ubica en un lugar de vanguardismo temprano. Hay un misterio exótico que se esconde en las líneas melódicas de la guitarra de Rypdal, una inventiva que insinúa una concepción pop de la melodía pero utilizada al servicio de la fusión y la innovación sin concesiones.

Cod: #1545

viernes, 28 de diciembre de 2018

Jan Garbarek Trio & Quartet - Til Vigdis (1967)

Jan Garbarek es un músico, saxofonista tenor y soprano noruego (también flautista y tecladista) y compositor. A los 15 años, participó en NM para músicos aficionados de jazz y ganó el primer premio como solista y líder de orquesta. En la década de 1960, tocó con, entre otros, Karin Krog y George Russell, que significaron mucho para su desarrollo. Hacia el final de la década, dirigió un cuarteto que se inspiró en gran medida en los movimientos recientes del jazz estadounidense, incluido el llamado free jazz. Como saxofonista, fue muy influenciado por John Coltrane y Albert Ayler. 

Su primer álbum bajo su propio nombre, Til Vigdis , llegó en 1967. Al año siguiente recibió el Premio Buddy. Este es un registro clave en lo que fueron los años formativos del noruego Garbarek, que tenía veinte años cuando hizo esto y en ese momento estaba muy inspirado por lo nuevo en los Estados Unidos; Coltrane, Shepp, Ayler y Sanders son fuertes fuentes de inspiración. Si miramos el primer tema ‘’Sr. J.C.’’ (J. Coltrane), es una adaptación del tema ‘’Sr. P.C.’’ de Coltrane para Paul Chambers, una adaptación que demuestra la versatilidad y el prodigio de Garbarek y la gran influencia del jazz norteamericano sobre él, reversionando y extendiendo el tema durante 18 minutos, en un monologo en trio, solo con su saxo.

"Freedom jazz dance" otra reversión que aparece en este disco, de la cual también existe en muchas versiones, una de las cuales se puede encontrar en el álbum "Miles Smiles" con el cuarteto clásico y, por supuesto, en "The In Sound" de Eddie Harris desde 1965. Esto demuestra que Garbarek estaba bastante al tanto con lo que estaba pasando en el mundo del jazz en su momento.


Este álbum es bastante diferente de lo que Garbarek haría posteriormente, aquí es mucho más intenso, menos preocupado por el silencio, la elaboración y el espacio, se enrosca en largas excursiones, especialmente en el "Freedom Jazz Dance", donde transita por varios estados en los que cada uno de los instrumentos del cuarteto tiene su tiempo de improvisación; que por cierto, a diferencia del primer tema, el segundo es en cuarteto. 

El primer tema en trio fue grabado en vivo en "Abeidsbrakka" Asker, 1 de Abril de 1967, y las últimas dos piezas fueron grabadas en vivo en Studentbyens Jazz Klubb, Oslo, 24 de Septiembre de 1967. En la formación se encontraban Jan Garbarek, Per Loberg, Jon Christensen el trio que participa de la primer pieza, mientras que Jan Garbarek, Frank Phipps, Arild Andersen y Jon Christensen son el cuarteto que participa en las últimas dos piezas. Tanto Arild Anderson como Jon Christensen, sería los músicos con los que, unos años más tarde, en 1970, Garbarek lanzaría ‘’ The Esoteric Circle’’, a los cuales se les sumaría Terje Rypdal.

En 1970, Garbarek inició una colaboración con el fabricante alemán Manfred Eicher y su compañía discográfica ECM, una colaboración que ha dado lugar a una gran variedad de lanzamientos y ha dado a conocer su música en todo el mundo. A través de ECM también conoció a músicos como Keith Jarrett , Ralph Towner , Egberto Gismonti y Bill Frisell . Más tarde, ha colaborado con practicantes de Asia, África y América del Sur que tienen experiencia en tradiciones musicales completamente diferentes. También ha trabajado mucho en música folk noruega y sami. También se ha utilizado ampliamente como compositor para ballet, cine y teatro. En 1994 colaboró con el grupo vocal clásico The Hilliard Ensemble en el álbum Officium., que se convirtió en un gran éxito tanto artístico como comercial. El éxito se repitió en 1999, con el álbum Mnemosyne (1999) y una serie de conciertos.

Cod: #1338

viernes, 24 de junio de 2016

Moose Loose - Elgen Er Los (1974)

Formada en Oslo, Noruega, en 1973, ‘Moose Loose’ fue una muy buena banda de jazz fusión. El grupo, ideado y liderado por el guitarrista Jon Eberson, (fructífero músico respetado en la escena jazz rock de su país), sería un paraje por donde pasarían muy buenos y prósperos músicos de la escena noruega, un punto de partida no solo para Eberson, sino para los demás músicos participantes.

La primera formación del grupo, la cual grabaría el primer lanzamiento, estaba integrada además por el tecladista Brynjulf Blix, (quien había previamente tocado con Jan Garbarek), el baterista Pål Thowsen y el bajista Sveinung Hovensjø; todos luego de esta participación comenzarían a grabar sus respectivos discos, u otras participaciones en trabajos.

El álbum debut de ‘Moose Loose’ llegaria en 1974, llamado ‘’Elgen Er Los’’, tratándose de un poderoso y exquisito sonido jazz-rock, con bases funky y plagado de improvisaciones en teclado y guitarra, un álbum instrumental abocado en gran parte a la improvisación, aunque explorando además el terreno jazz-fusión, con las distintas variantes y concepciones que refleja cada tema en particular.


Un gran atractivo del sonido es la potencia y la dureza de la interpretación, cuando quieren son realmente rudos, aplastantes, con un funk rock muy áspero y contundente. El trabajo no es muy extenso pero le sobra personalidad y grandes interpretaciones, propias de lo talentosos músicos que pasaron por las filas del grupo.

Una personalidad llamativa para tratarse del primer álbum de una banda relativamente desconocida, que, pese a transitar por un jazz fusión estándar, aun así saben aplicar una dosis muy personal al sonido, siempre dentro de un fusión algo rustico y áspero.

Luego de este lanzamiento la banda cambiaria por completo su formación, siendo solo Jon Eberson el único miembro estable. Para su siguiente disco la nueva formación del grupo traería consigo un nuevo sonido, un poco más esmerado en cuanto a las estructuras y sutilezas en las intensidades y los solos, siempre dentro del jazz fusión.

Cod: #1238