Red Garland • Dig It!

 

Review by Michael G. Nastos
Taken from "scraps" or "leftovers" of three different sessions, Dig It! presents distinct sides of Red Garland's straight-ahead jazz persona that manifests in trio, quartet, and quintet formats. One track was issued as led by drummer Art Taylor (Taylor's Wailers), ostensibly John Coltrane in Garland's quartet apart from their association with Miles Davis, and two separate recordings have trumpeter Donald Byrd added to comprise a five-piece combo. Memphis bassist George Joyner (aka Jamil Nasser) is on three cuts, with Taylor present throughout. Though the total time is shy of 34 minutes, this recording represents all of these musicians in transition from their sideman associations to the leadership roles they were in the process of wresting hold of. What have always been Garland's strong suits -- high-class discourse and fleet and fluid bebop -- are heartily dished out with no trace of arrogance. On the swing-era standard "Crazy Rhythm," the Garland trio with bassist Paul Chambers and Taylor plays a concise, hard-charging version with no wasted motion and the two-fisted chord progressions of the pianist. Coltrane's feature during Jimmy Heath's hard bop icon "C.T.A." is a bit tentative, as he plays only eighth notes in a reserved fashion. But the quintet take of "Billie's Bounce" has Trane rippin' it up in a fervor that doubles the note volume, animated and fast, while also expressing a soulful side. Byrd is fairly inconsequential, only soloing on this and the 16-minute vintage blues "Lazy Mae." It's Garland who takes liberties on this slow, languorous, sleepy-time jam, where he evokes the classic sounds of Teddy Wilson, Earl "Fatha" Hines, and especially the elegant Erroll Garner for a full eight minutes, also quoting the pop tune "Send for Me" and the rambling staircase triplet midsection of "After Hours" before Coltrane and Byrd settle into their own bluesy solos. Because of the lack of extra material or alternate takes, one might buy this just for the good music, but also the Rudy Van Gelder remastering factor that allows you to hear these genius musicians cleaner and brighter. https://www.allmusic.com/album/dig-it%21-mw0000202697

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Reseña de Michael G. Nastos
Tomado de "sobras " o" sobras " de tres sesiones diferentes, ¡Cava! presenta lados distintos de la personalidad jazzística directa de Red Garland que se manifiesta en formatos de trío, cuarteto y quinteto. Una pista fue emitida dirigida por el baterista Art Taylor( Taylor's Wailers), aparentemente John Coltrane en el cuarteto de Garland, aparte de su asociación con Miles Davis, y dos grabaciones separadas han agregado al trompetista Donald Byrd para formar un combo de cinco piezas. El bajista de Memphis, George Joyner (alias Jamil Nasser), está en tres cortes, con Taylor presente en todas partes. Aunque el tiempo total es de menos de 34 minutos, esta grabación representa a todos estos músicos en transición de sus asociaciones de acompañantes a los roles de liderazgo que estaban en proceso de arrebatar. Lo que siempre han sido los puntos fuertes de Garland, el discurso de clase alta, la flota y el bebop fluido, se reparten de todo corazón sin rastro de arrogancia. En el estándar de la era del swing "Crazy Rhythm", el trío Garland con el bajista Paul Chambers y Taylor toca una versión concisa y contundente sin desperdicio de movimiento y las progresiones de acordes de dos puños del pianista. La función de Coltrane durante el ícono del hard bop de Jimmy Heath "CTA" es un poco tentativa, ya que solo toca corcheas de manera reservada. Pero la versión del quinteto de "Billie's Bounce" tiene a Trane Rippin ' con un fervor que duplica el volumen de las notas, animado y rápido, al tiempo que expresa un lado conmovedor. Byrd es bastante intrascendente, solo haciendo solos en esto y en el blues vintage de 16 minutos "Lazy Mae."Es Garland quien se toma libertades en esta jam lenta, lánguida y somnolienta, donde evoca los sonidos clásicos de Teddy Wilson, Earl "Fatha" Hines y, especialmente, el elegante Erroll Garner durante ocho minutos completos, citando también la melodía pop "Send for Me" y la laberíntica sección media del triplete staircase de "After Hours" antes de que Coltrane y Byrd se instalen en sus propios solos de blues. Debido a la falta de material adicional o tomas alternativas, uno podría comprar esto solo por la buena música, pero también por el factor de remasterización de Rudy Van Gelder que le permite escuchar a estos genios músicos de manera más limpia y brillante. https://www.allmusic.com/album/dig-it%21-mw0000202697

Hank Jones Trio • The Trio

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • Birdhouse

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

VA • The Best Blue Note Album In The World Ever

 

The perfect introduction to jazz by the genre's most legendary record label! This album is a great introduction to the Blue Note label and their incredible library of music, in fact there are probably enough great Blue Note tunes for another equally good compilation - New jazz converts will appreciate being able to use this as an introduction to the various artists.

With 20 classic tracks included on the two discs there is plenty of music to keep your fingers tapping - The songs are thoughtfully chosen and ordered so that it feels less like a compilation album and more like a mix - This means that even more seasoned jazz listeners will appreciate being able to slip in a couple of discs and get a couple of hours of great music without having to try and create their own mix

www.bluenote.com ...

The Red Garland Quintet • Soul Junction

 

Review by Scott Yanow
Pianist Red Garland's very relaxed, marathon blues solo on the 16-minute "Soul Junction" is the most memorable aspect of this CD reissue. With such soloists as tenor saxophonist John Coltrane and trumpeter Donald Byrd, plus steady support provided by bassist George Joyner and drummer Art Taylor, Garland gets to stretch out on the title cut and four jazz originals, including "Birk's Works" and "Hallelujah." Coltrane is in excellent form, playing several stunning sheets of sound solos. 
https://www.allmusic.com/album/soul-junction-mw0000649523

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Reseña de Scott Yanow
El solo de blues maratoniano y muy relajado del pianista Red Garland en el tema «Soul Junction», de 16 minutos de duración, es lo más memorable de esta reedición en CD. Con solistas como el saxofonista tenor John Coltrane y el trompetista Donald Byrd, además del apoyo constante del bajista George Joyner y el baterista Art Taylor, Garland se luce en el tema principal y en cuatro temas originales de jazz, entre ellos «Birk's Works» y «Hallelujah». Coltrane está en excelente forma y toca varios solos impresionantes. 
https://www.allmusic.com/album/soul-junction-mw0000649523


 

Donald Byrd N Early Byrd [The Best Of The Jazz Soul Years]

 

Donald Byrd • Harlem Blues

 

Paul Chambers & Tommy Flanagan • Motor City Scene

 

Donald Byrd • The Creeper

 

Donald Byrd • The Best Of Donald Byrd

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Donald Byrd • Fuego

 

Review
by Michael G. Nastos
Fuego -- a title that might be somewhat misleading -- is the final Blue Note recording exclusively pairing Donald Byrd with Jackie McLean, a fruitful partnership that set the yin of the (in this case) restrained trumpeter, against the yang of the tart and extroverted alto saxophonist. While not quite a unified whole, the two were involved in turf battles that were based on mutual respect, here exuding a quieter fire that toned down McLean and muted Byrd to attain an intriguing harmonic balance. Duke Pearson's clever piano in the middle, with Doug Watkins playing bass and favored drummer Lex Humphries, made for one of the more diverse sounds in modern jazz circa 1959-1960. Of course hard bop is at the core of this band, but Byrd is moving further into post-bop, as served up heartily by the two horns during the modal, rambling, and staggered theme of the title selection. It's more a cool flame than burning inferno, as the drum inserts of Humphries fill the cracks of the horns' bluesy ideas. "Bup-A-Loup" is a harder bop theme, with distinct staccato accents identifying the melody priming McLean's quintessential solo. "Low Life" also takes into account the burgeoning original soul-jazz aesthetic in a jaunty mood that parallels the Bobby Timmons evergreens "Dis Here" and "Dat Dere." As Byrd's father was a preacher, "Amen" pays tribute to the spirit-soul in a gospel shuffle straight from the pulpit with some static drum accents. "Lament" is not the J.J. Johnson standard, but a light, soul-jazz original with ultimate feeling, depth, and sophistication -- a real beauty. The title "Funky Mama" fools you a bit into thinking it is a typical soul-jazz number, while it is, in fact, a long, striding, loping, cushy, and dusky blues, very patient and elegant, embellished by McLean's singing alto. This is where Pearson in particular shines, wringing out all of the combined pain and joy so prevalent in the styles of previous masters like Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner, and Tommy Flanagan. On the front cover, a contemplative Donald Byrd is depicted, perhaps pondering his next move and his band five years after successfully joining the New York City jazz scene from his native Detroit. It also represents his thoughtful role in Fuego, as he takes a break from forceful interaction to play a more democratic role on this refined and mature album that is less brash, a prelude for his more powerful statements yet to come.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435

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Reseña
por Michael G. Nastos
Fuego -un título que puede ser algo engañoso- es la última grabación de Blue Note que empareja exclusivamente a Donald Byrd con Jackie McLean, una fructífera asociación que contrapone el yin del (en este caso) sobrio trompetista, con el yang del agrio y extrovertido saxofonista alto. Aunque no formaban un todo unificado, los dos estaban implicados en batallas territoriales basadas en el respeto mutuo, y aquí exudaban un fuego más tranquilo que atenuaba a McLean y silenciaba a Byrd para lograr un intrigante equilibrio armónico. El ingenioso piano de Duke Pearson en el centro, con Doug Watkins tocando el bajo y el favorecido baterista Lex Humphries, dieron lugar a uno de los sonidos más diversos del jazz moderno en torno a 1959-1960. Por supuesto, el hard bop es el núcleo de esta banda, pero Byrd se adentra más en el post-bop, tal y como lo sirven con ganas las dos trompas durante el tema modal, ramplón y escalonado de la selección del título. Es más una llama fría que un infierno ardiente, ya que las inserciones de la batería de Humphries llenan las grietas de las ideas blueseras de las trompas. "Bup-A-Loup" es un tema de bop más duro, con claros acentos de staccato que identifican la melodía que prepara el solo por excelencia de McLean. "Low Life" también tiene en cuenta la floreciente estética original del soul-jazz en un humor alegre que es paralelo a los imperecederos de Bobby Timmons "Dis Here" y "Dat Dere". Como el padre de Byrd era predicador, "Amen" rinde tributo al espíritu-alma en un shuffle gospel directamente desde el púlpito con algunos acentos de batería estáticos. "Lament" no es el estándar de J.J. Johnson, sino un original ligero de soul-jazz con el máximo sentimiento, profundidad y sofisticación - una verdadera belleza. El título "Funky Mama" engaña un poco al pensar que es un número típico de soul-jazz, mientras que es, de hecho, un blues largo, con zancadas, con un ritmo suave y oscuro, muy paciente y elegante, embellecido por el canto del contralto de McLean. Aquí es donde Pearson brilla en particular, exprimiendo todo el dolor y la alegría combinados tan frecuentes en los estilos de maestros anteriores como Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner y Tommy Flanagan. En la portada aparece un Donald Byrd contemplativo, quizá reflexionando sobre su próximo movimiento y su banda cinco años después de incorporarse con éxito a la escena del jazz de Nueva York desde su Detroit natal. También representa su papel reflexivo en Fuego, ya que se toma un descanso de la interacción contundente para desempeñar un papel más democrático en este álbum refinado y maduro que es menos descarado, un preludio de sus declaraciones más poderosas aún por venir.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435

Donald Byrd • Stepping Into Tomorrow

 

Review
by Andy Kellman  
Beginning with a crack of thunder, like it was made to trail Gary Bartz's "Mother Nature" (actually recorded at a slightly later date), Stepping into Tomorrow contains almost all of the Mizell trademarks within its title track's first 30 seconds: a soft and easy (yet still funky) electric-bass-and-drums foundation, silken rhythm guitar, organ and piano gently bouncing off one another, light synthesizer shading, and coed group vocals to ensure true liftoff. It's only one in a line of many magnetic '70s sessions led by Fonce and Larry Mizell, and it differs from their two previous Donald Byrd dates -- the polarizing and groundbreaking Black Byrd and the deceptively excellent Street Lady -- by not featuring any of Roger Glenn's flute, and by focusing on heavily melodic and laid-back arrangements. Even the speedy "You Are the World," by some distance the most energetic song, seems more suited for relaxing in a hammock than shooting down a freeway. Many of the musicians present on the previous Byrd-Mizell meetings are here, including drummer Harvey Mason, bassist Chuck Rainey, keyboardist Jerry Peters, and guitarist David T. Walker. As ever, those who pined for the approach of Byrd's '60s dates would tune out a sublime set of material, but maybe some of those who sniffed at the straightforward nature of some of the rhythms and riffing were won over by the supreme layering of the many components (the way in which "Think Twice" lurches forward, peels back, and gathers steam is nothing short of heavenly), not to mention some deeply evocative playing from Byrd himself.
https://www.allmusic.com/album/stepping-into-tomorrow-mw0000057832

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Reseña
por Andy Kellman  
Empezando con un trueno, como si estuviera hecho para seguir a "Mother Nature" de Gary Bartz (en realidad grabado en una fecha ligeramente posterior), Stepping into Tomorrow contiene casi todas las marcas registradas de Mizell dentro de los primeros 30 segundos de su tema principal: una base de bajo eléctrico y batería suave y fácil (pero todavía funky), una guitarra rítmica sedosa, un órgano y un piano que rebotan suavemente entre sí, un ligero matiz de sintetizador y voces grupales conjuntas para asegurar un verdadero despegue. Es sólo una de las muchas sesiones magnéticas de los años 70 dirigidas por Fonce y Larry Mizell, y difiere de sus dos citas anteriores con Donald Byrd -el polarizador y rompedor Black Byrd y el engañosamente excelente Street Lady- por no presentar nada de la flauta de Roger Glenn, y por centrarse en arreglos muy melódicos y relajados. Incluso la veloz "You Are the World", con diferencia la canción más enérgica, parece más adecuada para relajarse en una hamaca que para rodar por una autopista. Muchos de los músicos presentes en las anteriores reuniones de Byrd-Mizell están aquí, como el batería Harvey Mason, el bajista Chuck Rainey, el teclista Jerry Peters y el guitarrista David T. Walker. Como siempre, los que añoran el enfoque de las citas de Byrd en los 60 se quedarán con un material sublime, pero quizás algunos de los que olfatearon la naturaleza directa de algunos ritmos y riffs fueron conquistados por la suprema estratificación de los muchos componentes (la forma en que "Think Twice" avanza, retrocede y se llena de vapor es nada menos que celestial), por no hablar de una interpretación profundamente evocadora del propio Byrd.
https://www.allmusic.com/album/stepping-into-tomorrow-mw0000057832

Donald Byrd • Blackjack

 

Review
by Scott Yanow
One of three Donald Byrd albums from 1967 (the end of his hard bop period), this recording features the trumpeter/leader with altoist Sonny Red, tenor saxophonist Hank Mobley, pianist Cedar Walton, bassist Walter Booker, and drummer Billy Higgins. The six tunes (five of which are originals by Byrd or Red) are all quite obscure and to one extent or another quite explorative. One can sense that Byrd wanted to break through the boundaries and rules of hard bop but had not yet decided on his future directions. The music does swing and highlights include "West of the Pecos" and "Beale Street"; Byrd and Red in particular are in excellent form throughout the date.
https://www.allmusic.com/album/blackjack-mw0000032341

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Reseña
por Scott Yanow
Uno de los tres álbumes de Donald Byrd de 1967 (el final de su periodo hard bop), esta grabación presenta al trompetista/líder con el contralto Sonny Red, el saxofonista tenor Hank Mobley, el pianista Cedar Walton, el bajista Walter Booker y el batería Billy Higgins. Los seis temas (cinco de los cuales son originales de Byrd o Red) son todos bastante oscuros y, en una u otra medida, bastante exploratorios. Se puede intuir que Byrd quería romper los límites y las reglas del hard bop, pero aún no había decidido su futuro. La música tiene swing y entre las canciones más destacadas se encuentran "West of the Pecos" y "Beale Street"; Byrd y Red, en particular, están en excelente forma durante todo el disco.
https://www.allmusic.com/album/blackjack-mw0000032341

Donald Byrd • Fuego

 

Donald Byrd • Byrd Jazz

 

Donald Byrd • Byrd's Word

 

Review
by Stephen Cook
Before making his mark with several fine Blue Note albums from the late '50s and throughout the '60s (his stay with the label continued until 1978), trumpeter Donald Byrd got his start with several blowing dates for Savoy, Prestige, and a few other independents. This 1955 date for Savoy pitted Byrd with Basie alum and tenor saxophonist Frank Foster, pianist Hank Jones, bassist Paul Chambers, and drummer Kenny Clarke. The group romps through a mix of standards ("Someone to Watch Over Me," "Star Eyes"), a Foster original ("Winterset"), and some band collaborations. While not on par with Byrd's much more polished efforts for Blue Note, Byrd's Word is fine for fans in the mood for some loose '50s hard bop.
https://www.allmusic.com/album/byrds-word-mw0001954488

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Revisión
por Stephen Cook
Antes de dejar su huella con varios álbumes de Blue Note de finales de los 50 y a lo largo de los 60 (su estancia en el sello continuó hasta 1978), el trompetista Donald Byrd se inició con varias fechas de soplado para Savoy, Prestige y algunos otros independientes. Esta fecha de 1955 para Savoy enfrentó a Byrd con el ex alumno de Basie y saxofonista tenor Frank Foster, el pianista Hank Jones, el bajista Paul Chambers y el baterista Kenny Clarke. El grupo hace una mezcla de estándares ("Someone to Watch Over Me", "Star Eyes"), un original de Foster ("Winterset") y algunas colaboraciones de la banda. Aunque no está a la altura de los esfuerzos mucho más pulidos de Byrd para Blue Note, Byrd's Word está bien para los fans con ganas de un poco de hard bop de los 50.
https://www.allmusic.com/album/byrds-word-mw0001954488

Kenny Burrell & Donald Byrd • All Day Long

 

Having recorded All Night Long (OJC-427) a week earlier. Kenny Burrell went into the studio on January 4. 1957 for a sequel álbum to be called, probably inevitably. All Day Long Both have become classic examples of the blowing session. a jazz recording phenomenon that flowered with the advent of the long-playing record The formula, whlch produced glories when ¡t worked and boredom when it didn’t, was simple: A handíul of musicians plus a handful of tunes, which were usually wntten shortly before the session or invented on the spot out of familiar harmonio material like the blues and "I Got Rhythm.” This Burrell blowing session is a prime example of his ability to mold a pickup band of all-stars into a cohesive unit and produce a memorable recording.

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Habiendo grabado "Toda la noche" (OJC-427) una semana antes. Kenny Burrell entró en el estudio el 4 de enero. 1957 para que se llamara un álbum de secuelas, probablemente inevitablemente. All Day Long Ambos se han convertido en ejemplos clásicos de la sesión de soplado. un fenómeno de grabación de jazz que floreció con la llegada del disco de larga duración La fórmula, que producía glorias cuando funcionaba y aburrimiento cuando no, era simple: Un puñado de músicos y un puñado de temas, que se solían tocar poco antes de la sesión o se inventaban en el acto a partir de material de armonio conocido como el blues y "I Got Rhythm". Esta sesión de soplado de Burrell es un buen ejemplo de su habilidad para moldear una banda de música de estrellas en una unidad cohesiva y producir una grabación memorable.

 

Stanley Turrentine • A Bluish Bag

Andre Hodeir • American Jazzmen Play Andre Hodeir's Essais

Artist Biography by AllMusic

(1921-2011), Paris, France. Hodeir studied music formally for many years but also developed a fascination for jazz. In the late 40s he frequently wrote jazz criticism, becoming chief editor of the French magazine Jazz Hot. He also wrote an important book, first published in the USA in 1956 under the title Jazz: Its Evolution And Essence. He played violin and recorded with various jazz groups, including musicians such as Django Reinhardt and Kenny Clarke. However, Hodeir was more interested in composing and writing about jazz and his playing days were thus numbered. From the mid-50s until the end of the 60s he co-led a band, Jazz Groupe De Paris, with Bobby Jaspar, a vehicle for his own compositions. In the 60s he took an interest in third stream music, composing in this hybrid medium. He was also in demand as a composer of music for the soundtracks of motion pictures. By the 80s Hodeir had abandoned composing, channelling most of his energies into writing. From recordings of his work, Hodeir’s composing and arranging talents are evident, although there is much about his composing, especially in third-stream mode, that makes his work less than readily accessible to the general listener. His criticism is also interesting and perceptive although often pugnaciously argumentative and sometimes slightly wrong-headed. Nevertheless, he is always thought-provoking and some of his in-depth analyses are incisive and informed.

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André Hodeir, el compositor que creía en la religión del jazz

El autor francés contribuyó como pocos a hacerlo respetable

J. M. García Martínez

4 NOV 2011

El aficionado al jazz inclinaba respetuosamente la cabeza a su paso. Violinista, compositor, arreglista, musicólogo y escritor, André Hodeir contribuyó como pocos a hacer del jazz la música respetable y respetada que es hoy día. Su muerte, en Versalles, ocurrida el pasado 1 de noviembre a los 90 años de edad, deja al jazz huérfano de uno de sus más clarividentes pensadores y teóricos.

Hodeir iba para violinista clásico cuando el jazz se cruzó en su camino. Alumno del Conservatorio de París en los años de la guerra, fue compañero de pupitre de Olivier Messiaen. Pocos conocían su doble personalidad como músico, que disimulaba bajo el seudónimo de Claude Laurence. Hodeir se las apañó para juntarse con lo mejor del jazz francés de la época, de André Ekyan a Django Reindhart. Con este último trabajó en la película Le Village de la colère.

La eclosión del bebop tras la guerra le alcanzó de pleno. Hodeir colaboró con quienes se encargaron de difundir los valores del nuevo jazz entre los europeos: los saxofonistas Don Byas y James Moody, el pianista John Lewis, y el baterista Kenny Clarke. Con Bobby Jaspar, fundó en 1954 el Jazz Group de París, dedicado a la interpretación de su propia obra. Ese año publicó Hommes et problèmes du jazz, recopilación de sus artículos para la revista Jazz Hot, incluyendo un polémico epílogo bajo el título La religión del jazz. La obra crítica de Hodeir culminaría en 1970 con Les mondes du jazz, "gran obra hoderiana, híbrida y aguda, ensayo-ficción sobre la naturaleza y las muertes del jazz, sus devenires y sus arrepentimientos", en palabras del musicólogo Christian Tarting. El versátil André Hodeir fue además autor de dos novelas: Play-back (1983) y Musikant (1987). En esta última, da cuenta de las razones que le llevaron a abandonar la práctica del violín. Por lo que respecta a su faceta como compositor de jazz, lo mejor de la misma se halla condensada en tres discos: Kenny Clarke plays André Hodeir (1956); American Jazzmen play André Hodeir (1957), con Annie Ross, Donald Byrd, y Eddie Costa; y Jazz et jazz (1960), con Christiane Legrand y Martial Solal. En sus últimos años, el trabajo de Hodeir estuvo centrado en otro tipo de obras de mayor empeño, como es el caso de Anna Livia Plurabelle-Jazz on Joyce, Jazz cantata para dos voces y orquesta de jazz, y Bitter ending.

https://elpais.com/diario/2011/11/04/necrologicas/1320361202_850215.html