Gigi Gryce • Reminiscin'

 

Biography
Gigi Gryce was born George General Grice(sic) on 28th November, 1925 (not 1927) in Pensacola, Florida - although he was brought up in Hartford, Connecticut. He spent a short period in the Navy where he met musicians such as Clark Terry, Jimmy Nottingham and Willie Smith, who were to turn his thoughts from pursuing medicine to the possibility of making music for a living. In 1948 he began studying classical composition at the Boston Conservatory under Daniel Pinkham and Alan Hovhaness. It has been reported that he won a Fulbright scholarship and went to Paris to study under Nadia Boulanger and Arthur Honegger, although confirmation of this has been hard to establish. Although illness interrupted his studies abroad, the fruits of this immersion in classical modernism were the production of three symphonies, a ballet (The Dance of the Green Witches), a symphonic tone-poem (Gashiya-The Overwhelming Event) and chamber works, including various fugues and sonatas, piano works for two and four hands, and string quartets.

Gryce strictly separated his classical composing from his work in jazz and received inspiration and instruction from a number of 'unsung' jazz saxophonists. The first of these was alto player Ray Shep, also from Pensacola, who had played with Noble Sissle. Then there were three musicians Gryce had met whilst based in the Navy in North Carolina. Altoists, Andrew 'Goon' Gardner, who played with the Earl Hines Band and Harry Curtis, who performed with Cab Calloway, as did tenorman Julius Pogue, for whom Gryce reserved the highest accolade. As well as alto saxophone Gryce performed on tenor and baritone saxes, clarinet, flute and piccolo - a 1958 recording for the Metrojazz label saw him multitracking all these instruments over a conventionally- recorded rhythm section.

Whilst in Boston (from 1948) Gryce arranged for Sabby Lewis, and had working gigs with Howard McGhee and Thelonious Monk. When playing at the Symphony Hall he attracted the attention of Stan Getz who asked Gryce to arrange for him - Getz subsequently recorded three Gryce originals: Yvette, Wildwood and Mosquito Knees. Dissatisfied with these and other earlier compositions Gryce went on the Fulbright scholarship outlined previously. Returning to New York, Gryce arranged on record dates for Howard McGhee (Shabozz) and Max Roach (Glow Worm). In the summer of 1953 Gryce joined Tadd Dameron's band, and in the autumn of that year was with the Lionel Hampton band when they made their legendary European tour. Through Hampton's band Gryce met many musicians with which he was to collaborate with later, including Clifford Brown , Art Farmer, Quincy Jones and Benny Golson. Against Hampton's wishes this emerging nucleus of talent recorded a number of sessions in Paris for French Vogue in between Hampton gigs. There were many different permutations from quartets to a small big-band, interestingly labelled as an orchestra, alluding to Gryce's exploration of new orchestrations. Later that year Gryce married Eleanor Sears - they had three children together: Bashir, Laila and Lynette - before separating in 1964.

On returning to Manhattan after the Hampton tour, Gryce settled near to his former colleague Art Farmer, with whom he was to collaborate in a most productive quintet. In 1957 further memorable recordings were made with a group led by Thelonious Monk ('Monk's Music'), which Gryce described as one of the hardest and most humbling sessions he had known - in stark contrast with mostly first takes being used for an earlier 1955 session involving Monk. The Jazz Laboratory name, used previously for play- along records, was revived and shortened into the Jazz Lab Quintet, co-led by Gryce and trumpeter Donald Byrd. Oscar Pettiford made use of Gryce as player, composer and arranger for a couple of sessions which echoed the small orchestra Gryce had used for some French Vogue recordings. Some of the last jazz recordings Gryce made were in 1960, when he fronted a blues-oriented quintet which introduced the exuberant trumpet talent of Richard Williams.

After less than ten years in the jazz limelight Gryce decided to withdraw to the relative 'anonymity of the Long Island school system,' as jazz critic Ira Gitler critic put it. There has been much speculation as to the reasons for Gryce's sudden departure from the mainstream jazz scene, but it appears that a variety of influences and circumstances contributed to this: psychological pressures, business and publishing interests, and personal tragedy. It is often overlooked that Gryce was one of the first black musicians to form his own publishing company in order to have control over his and fellow musicians' creative output - many of the prominent black jazz musicians of the day were with Gryce's Melotone publishing company. It became clear, however, that Gryce couldn't buck the deeply ingrained system of record companies controlling (at least in part) music publishing rights as part of recording deals. Upon retiring from active involvement in the jazz scene suffering from a variety of psychological pressures, Gryce turned instead to music teaching (predominantly instrumental) - and such was his devotion that there exists a school in The Bronx named after him (PS53 Basheer Qusim School). He also married again and his second wife Ollie took his Muslim surname Qusim - it is believed that whilst in Paris, Gryce changed his name to Basheer Qusim on converting to Islam. He died of a massive heart attack upon recuperating in the town of his birth, Pensacola, on 17th March, 1983. The Jazz Society of Pensacola recently held a celebration of his music and life featuring a talk and performances and it is hoped to make this available on the website too.
Source: David Griffith
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gigi-gryce/

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Biografía
Gigi Gryce nació como George General Grice(sic) el 28 de noviembre de 1925 (no en 1927) en Pensacola, Florida, aunque se crió en Hartford, Connecticut. Pasó un breve periodo en la Marina, donde conoció a músicos como Clark Terry, Jimmy Nottingham y Willie Smith, que harían que dejara de pensar en la medicina para dedicarse a la música. En 1948 empezó a estudiar composición clásica en el Conservatorio de Boston con Daniel Pinkham y Alan Hovhaness. Se dice que ganó una beca Fulbright y fue a París a estudiar con Nadia Boulanger y Arthur Honegger, aunque es difícil confirmarlo. Aunque la enfermedad interrumpió sus estudios en el extranjero, los frutos de esta inmersión en el modernismo clásico fueron la producción de tres sinfonías, un ballet (The Dance of the Green Witches), un poema sinfónico (Gashiya-The Overwhelming Event) y obras de cámara, entre ellas varias fugas y sonatas, obras para piano a dos y cuatro manos y cuartetos de cuerda.

Gryce separó estrictamente la composición clásica de su trabajo en el jazz y recibió inspiración e instrucción de varios saxofonistas de jazz "desconocidos". El primero de ellos fue el contralto Ray Shep, también de Pensacola, que había tocado con Noble Sissle. Luego estaban tres músicos que Gryce había conocido durante su estancia en la Marina, en Carolina del Norte. Los contraltos Andrew 'Goon' Gardner, que tocaba con la Earl Hines Band, y Harry Curtis, que actuaba con Cab Calloway, al igual que el tenor Julius Pogue, para quien Gryce reservaba el máximo elogio. Además de saxofón alto, Gryce tocaba los saxos tenor y barítono, el clarinete, la flauta y el flautín; en una grabación de 1958 para el sello Metrojazz se le pudo ver tocando todos estos instrumentos en multipista sobre una sección rítmica grabada de forma convencional.

Durante su estancia en Boston (a partir de 1948), Gryce hizo arreglos para Sabby Lewis y trabajó con Howard McGhee y Thelonious Monk. Cuando tocaba en el Symphony Hall, atrajo la atención de Stan Getz, que le pidió que le hiciera arreglos; Getz grabó posteriormente tres originales de Gryce: Yvette, Wildwood y Mosquito Knees. Insatisfecho con éstas y otras composiciones anteriores, Gryce obtuvo la beca Fulbright mencionada anteriormente. De vuelta a Nueva York, Gryce hizo arreglos discográficos para Howard McGhee (Shabozz) y Max Roach (Glow Worm). En el verano de 1953 Gryce se unió a la banda de Tadd Dameron, y en otoño de ese año estuvo con la banda de Lionel Hampton cuando realizaron su legendaria gira europea. A través de la banda de Hampton, Gryce conoció a muchos músicos con los que colaboraría más tarde, entre ellos Clifford Brown , Art Farmer, Quincy Jones y Benny Golson. En contra de los deseos de Hampton, este núcleo emergente de talento grabó varias sesiones en París para French Vogue entre los conciertos de Hampton. Hubo muchas permutaciones diferentes, desde cuartetos hasta una pequeña big-band, curiosamente etiquetada como orquesta, en alusión a la exploración de nuevas orquestaciones por parte de Gryce. Ese mismo año, Gryce se casó con Eleanor Sears, con la que tuvo tres hijos: Bashir, Laila y Lynette- antes de separarse en 1964.

A su regreso a Manhattan tras la gira de Hampton, Gryce se instaló cerca de su antiguo colega Art Farmer, con quien colaboraría en un quinteto de lo más productivo. En 1957 se realizaron otras grabaciones memorables con un grupo liderado por Thelonious Monk ('Monk's Music'), que Gryce describió como una de las sesiones más duras y humillantes que había conocido, en marcado contraste con las primeras tomas que se utilizaron en su mayoría para una sesión anterior de 1955 en la que participó Monk. El nombre Jazz Laboratory, utilizado anteriormente para discos de play- along, se recuperó y acortó en Jazz Lab Quintet, codirigido por Gryce y el trompetista Donald Byrd. Oscar Pettiford recurrió a Gryce como intérprete, compositor y arreglista para un par de sesiones que recordaban a la pequeña orquesta que Gryce había utilizado para algunas grabaciones de French Vogue. Algunas de las últimas grabaciones de jazz que hizo Gryce fueron en 1960, cuando encabezó un quinteto orientado al blues que introdujo el exuberante talento trompetístico de Richard Williams.

Tras menos de diez años en el candelero del jazz, Gryce decidió retirarse al relativo "anonimato del sistema escolar de Long Island", en palabras del crítico de jazz Ira Gitler. Se ha especulado mucho sobre las razones del repentino alejamiento de Gryce de la escena principal del jazz, pero parece que contribuyeron a ello diversas influencias y circunstancias: presiones psicológicas, intereses comerciales y editoriales, y una tragedia personal. A menudo se pasa por alto que Gryce fue uno de los primeros músicos negros en crear su propia editorial para poder controlar su producción creativa y la de sus compañeros: muchos de los músicos de jazz negros más destacados de la época trabajaban en la editorial Melotone de Gryce. Sin embargo, quedó claro que Gryce no podía romper el arraigado sistema por el que las discográficas controlaban (al menos en parte) los derechos de edición musical como parte de los contratos de grabación. Al retirarse de la escena del jazz, aquejado de diversas presiones psicológicas, Gryce se dedicó a la enseñanza de la música (predominantemente instrumental), y tal fue su devoción que existe una escuela en el Bronx que lleva su nombre (PS53 Basheer Qusim School). También se casó de nuevo y su segunda esposa, Ollie, adoptó su apellido musulmán Qusim; se cree que durante su estancia en París, Gryce cambió su nombre por el de Basheer Qusim al convertirse al Islam. Murió el 17 de marzo de 1983 en Pensacola, su ciudad natal, de un infarto fulminante. La Jazz Society de Pensacola organizó recientemente una celebración de su música y su vida, con una charla y actuaciones, y se espera poder publicarla también en el sitio web.
Fuente: David Griffith
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gigi-gryce/

Eddie Costa • Complete Trio

 

Biography by Ken Dryden

Eddie Costa emerged from an unlikely background into a heralded -- if too brief -- career in jazz. Born in a rural coal mining town, Costa studied piano with his brother Bill and developed a taste for the swing greats; later, exposure to Bud Powell turned him to bop. Self-taught on vibes, Costa became known as an excellent sight reader, which produced a lot of studio work. On piano, his trademark sound was the emphasis of the middle and lower registers while nearly ignoring the top two octaves. In addition to recording as a sideman with Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, the Bob Brookmeyer-Clark Terry Quintet, and Bill Evans, Costa led his own trio and quintet dates. Sadly, most of Costa's recorded output remains unavailable on CD, with the notable exception of the VSOP reissue of his Quintet LP. Costa died when his car careened off of a busy New York parkway in 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

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Biografía de Ken Dryden
Eddie Costa emergió de un trasfondo improbable hacia una anunciada, aunque demasiado breve, carrera en el jazz. Nacido en un pueblo rural minero de carbón, Costa estudió piano con su hermano Bill y desarrolló un gusto por los grandes del swing; más tarde, la exposición a Bud Powell lo convirtió en bop. Autodidacta en vibes, Costa se hizo conocido como un excelente lector visual, lo que produjo una gran cantidad de trabajo de estudio. En el piano, su sonido característico era el énfasis en los registros medio e inferior, mientras que casi ignoraba las dos octavas superiores. Además de grabar como acompañante con Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, el quinteto Bob Brookmeyer-Clark Terry y Bill Evans, Costa dirigió sus propias fechas de trío y quinteto. Lamentablemente, la mayor parte de la producción grabada de Costa sigue sin estar disponible en CD, con la notable excepción de la reedición en VSOP de su LP de Quinteto. Costa murió cuando su automóvil se salió de una concurrida avenida de Nueva York en 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

The Aaron Bell Orchestra • Music From Peter Gunn

Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

The Aaron Bell Orchestra • Music From 77 Sunset Strip

with Kenny Burrell, Ray Bryant, Eddie Costa ...



Biography

Though he studied at Xavier University and played in many New Orleans bands, Aaron Bell was no traditionalist. He was rather one of the best bassists ever in the Duke Ellington band; his powerful lines and graceful, yet sturdy support provided a rich presence in the rhythm section alongside drummer Sam Woodyard and the Duke on piano. Bell was in the Navy from 1942 to 1946, then worked with Andy Kirk in 1947. He returned to his native Oklahoma and taught music before resuming his own education at New York University. Bell recorded and worked with Lucky Millinder, Teddy Wilson and Lester Young in the '50s, while leading his own trio. They recorded in 1955 and 1958. Bell backed vocalists, and played with combos and in the Broadway show "Compulsion" before joining Ellington in 1960. He remained until 1962, then did sessions and worked in theater. He became resident composer at La Mama, an experimental New Jersey theater, in 1972. Bell also taught music in Newark and earned his masters at Columbia in 1975. He continued to teach until retiring in the early-'90s; he passed away at a Bronx, NY hospital on July 28, 2003 at the age of 82. Aaron Bell can be heard on various sessions from, among others, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges, and Billy Holiday.

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Biografía

Aunque estudió en la Universidad de Xavier y tocó en muchas bandas de Nueva Orleans, Aaron Bell no era tradicionalista. Fue uno de los mejores bajistas de la banda de Duke Ellington; sus líneas poderosas y su apoyo elegante y robusto proporcionaron una rica presencia en la sección rítmica junto con el baterista Sam Woodyard y el Duke al piano. Bell estuvo en la Marina de 1942 a 1946, luego trabajó con Andy Kirk en 1947. Regresó a su Oklahoma natal y enseñó música antes de reanudar su propia educación en la Universidad de Nueva York. Bell grabó y trabajó con Lucky Millinder, Teddy Wilson y Lester Young en los años 50, mientras dirigía su propio trío. Grabaron en 1955 y 1958. Bell apoyó a vocalistas, y tocó con combos y en el espectáculo de Broadway "Compulsion" antes de unirse a Ellington en 1960. Permaneció hasta 1962, luego hizo sesiones y trabajó en teatro. Se convirtió en compositor residente de La Mama, un teatro experimental de Nueva Jersey, en 1972. Bell también enseñó música en Newark y obtuvo su maestría en Columbia en 1975. Continuó enseñando hasta retirarse a principios de los 90; falleció en un hospital del Bronx, Nueva York, el 28 de julio de 2003, a la edad de 82 años. Aaron Bell puede ser escuchado en varias sesiones de, entre otros, Duke Ellington, Stan Kenton, Johnny Hodges y Billy Holiday.

 

 

 

Tal Farlow • The Swinging Guitar Of Tal Farlow

Review by Scott Yanow

In the mid-'50s, guitarist Tal Farlow led one of his finest groups, a drumless trio with pianist Eddie Costa and bassist Vinnie Burke. The same band would record the album Tal a week or two later. With Burke contributing a constant walking bass, the interplay between Farlow and Costa is always exciting, whether they are playing unisons or trading off. This 1999 CD reissue not only has the original seven selections but "Gone With the Wind" (which was left off of the original LP due to lack of space) plus three full-length alternate takes that are basically on the same level as the masters. Among the highpoints are "Taking a Chance on Love," "Yardbird Suite," "Like Someone in Love," and Farlow's lone original, "Meteor," which utilizes the chord changes of "Confirmation." Hot bebop that is easily recommended.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow

A mediados de los años 50, el guitarrista Tal Farlow dirigió uno de sus mejores grupos, un trío sin batería con el pianista Eddie Costa y el bajista Vinnie Burke. La misma banda grabaría el álbum Tal una semana o dos después. Con Burke contribuyendo con un bajo andante constante, la interacción entre Farlow y Costa es siempre emocionante, ya sea que estén jugando unisons o trading off. Esta reedición de CD de 1999 no solo tiene las siete selecciones originales, sino "Lo que el viento se llevó" (que quedó del LP original debido a la falta de espacio) más tres tomas alternativas completas que básicamente están en el mismo nivel que los maestros . Entre los puntos culminantes están "Tomando la oportunidad de amar", "Yardbird Suite", "Like Someone in Love" y el solitario original de Farlow, "Meteor", que utiliza los cambios de acordes de "Confirmation". Bebop caliente que se recomienda fácilmente.

Mundell Lowe • Blues For A Stripper

Mundell Lowe, Eddie Costa, George Duvivier, Clark Terry, Joe Newman, Urbie Green, Al Cohn, Phil Woods, Oliver Nelson ...

Andre Hodeir • American Jazzmen Play Andre Hodeir's Essais

Artist Biography by AllMusic

(1921-2011), Paris, France. Hodeir studied music formally for many years but also developed a fascination for jazz. In the late 40s he frequently wrote jazz criticism, becoming chief editor of the French magazine Jazz Hot. He also wrote an important book, first published in the USA in 1956 under the title Jazz: Its Evolution And Essence. He played violin and recorded with various jazz groups, including musicians such as Django Reinhardt and Kenny Clarke. However, Hodeir was more interested in composing and writing about jazz and his playing days were thus numbered. From the mid-50s until the end of the 60s he co-led a band, Jazz Groupe De Paris, with Bobby Jaspar, a vehicle for his own compositions. In the 60s he took an interest in third stream music, composing in this hybrid medium. He was also in demand as a composer of music for the soundtracks of motion pictures. By the 80s Hodeir had abandoned composing, channelling most of his energies into writing. From recordings of his work, Hodeir’s composing and arranging talents are evident, although there is much about his composing, especially in third-stream mode, that makes his work less than readily accessible to the general listener. His criticism is also interesting and perceptive although often pugnaciously argumentative and sometimes slightly wrong-headed. Nevertheless, he is always thought-provoking and some of his in-depth analyses are incisive and informed.

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André Hodeir, el compositor que creía en la religión del jazz

El autor francés contribuyó como pocos a hacerlo respetable

J. M. García Martínez

4 NOV 2011

El aficionado al jazz inclinaba respetuosamente la cabeza a su paso. Violinista, compositor, arreglista, musicólogo y escritor, André Hodeir contribuyó como pocos a hacer del jazz la música respetable y respetada que es hoy día. Su muerte, en Versalles, ocurrida el pasado 1 de noviembre a los 90 años de edad, deja al jazz huérfano de uno de sus más clarividentes pensadores y teóricos.

Hodeir iba para violinista clásico cuando el jazz se cruzó en su camino. Alumno del Conservatorio de París en los años de la guerra, fue compañero de pupitre de Olivier Messiaen. Pocos conocían su doble personalidad como músico, que disimulaba bajo el seudónimo de Claude Laurence. Hodeir se las apañó para juntarse con lo mejor del jazz francés de la época, de André Ekyan a Django Reindhart. Con este último trabajó en la película Le Village de la colère.

La eclosión del bebop tras la guerra le alcanzó de pleno. Hodeir colaboró con quienes se encargaron de difundir los valores del nuevo jazz entre los europeos: los saxofonistas Don Byas y James Moody, el pianista John Lewis, y el baterista Kenny Clarke. Con Bobby Jaspar, fundó en 1954 el Jazz Group de París, dedicado a la interpretación de su propia obra. Ese año publicó Hommes et problèmes du jazz, recopilación de sus artículos para la revista Jazz Hot, incluyendo un polémico epílogo bajo el título La religión del jazz. La obra crítica de Hodeir culminaría en 1970 con Les mondes du jazz, "gran obra hoderiana, híbrida y aguda, ensayo-ficción sobre la naturaleza y las muertes del jazz, sus devenires y sus arrepentimientos", en palabras del musicólogo Christian Tarting. El versátil André Hodeir fue además autor de dos novelas: Play-back (1983) y Musikant (1987). En esta última, da cuenta de las razones que le llevaron a abandonar la práctica del violín. Por lo que respecta a su faceta como compositor de jazz, lo mejor de la misma se halla condensada en tres discos: Kenny Clarke plays André Hodeir (1956); American Jazzmen play André Hodeir (1957), con Annie Ross, Donald Byrd, y Eddie Costa; y Jazz et jazz (1960), con Christiane Legrand y Martial Solal. En sus últimos años, el trabajo de Hodeir estuvo centrado en otro tipo de obras de mayor empeño, como es el caso de Anna Livia Plurabelle-Jazz on Joyce, Jazz cantata para dos voces y orquesta de jazz, y Bitter ending.

https://elpais.com/diario/2011/11/04/necrologicas/1320361202_850215.html

Al Caiola • Great Pickin' & Soft Guitars

The name of Al Caiola has been part of that very select fraternity of studio musicians who were heard on most of New York’s top rated television and recording assignments from the 40s up to the 70s. There’s a distinctive style and approach in his playing which made for a “sound.” On these recordings, Caiola joined forces with Don Arnone, another top-class, revered and busy studio jazz and pop guitarist. Both men get the chance to swing on these albums featuring two dozen well-known standards and originals, which showcase how well their unique styles blend.

On the first, “Great Pickin’,” the sparkling ensemble works with bass and drums, while on some tracks the band includes Eddie Costa on piano, Phil Kraus on vibes, reedman Phil Bodner and Art Van Damme’s swinging accordion. On “Soft Guitars,” “Mr. Guitar” Al Caiola and “Mr. Y” Don Arnone are backed by Frank Carroll on bass and Gloria Agostini on harp.

These recordings capture the full, complete warmth of each instrument, bringing out all the highlights, all the nuances, all the subtle interplay that give their playing its special distinction.

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El nombre de Al Caiola ha sido parte de esa fraternidad muy selecta de músicos de estudio que se escucharon en la mayoría de los trabajos de grabación y televisión más importantes de Nueva York desde los años 40 hasta los 70. Hay un estilo y un enfoque distintivo en su forma de tocar, que hizo un "sonido". En estas grabaciones, Caiola se unió a Don Arnone, otro venerado y ocupado guitarrista de estudio de jazz y pop de primera clase. Ambos tienen la oportunidad de bailar en estos álbumes con dos docenas de estándares y originales muy conocidos, que muestran lo bien que se mezclan sus estilos únicos.

En el primero, "Great Pickin'", el brillante conjunto trabaja con el bajo y la batería, mientras que en algunos temas la banda incluye a Eddie Costa en el piano, Phil Kraus en el vibráfono, el cantante Phil Bodner y el acordeón de Art Van Damme. En "Soft Guitars", "Mr. Guitar" Al Caiola y "Mr. Y" Don Arnone están respaldados por Frank Carroll en el bajo y Gloria Agostini en el arpa.

Estas grabaciones capturan la calidez completa de cada instrumento, sacando a la luz todos los aspectos destacados, todos los matices, toda la sutil interacción que le da a su interpretación su especial distinción.

Herbie Mann • Yardbird Suite

Review by Michael G. Nastos
Recorded in the great year of music and especially jazz -- 1957 -- Herbie Mann at the time was gaining momentum as a premier flute player, but was a very competent tenor saxophonist. Teamed here with the great alto saxophonist Phil Woods and criminally underrated vibraphonist Eddie Costa, Mann has found partners whose immense abilities and urbane mannerisms heighten his flights of fancy by leaps and bounds. Add to the mix the quite literate and intuitive guitarist Joe Puma, and you have the makings of an emotive, thoroughly professional ensemble. The legendary bass player Wilbur Ware, who in 1957 was shaking things up with the piano-less trio of Sonny Rollins and the group of Thelonious Monk, further enhances this grouping of virtuosos on the first two selections. Ware spins thick, sinuous cables of galvanized steel during the Mann penned swinger "Green Stamp Monsta!" with the front liners trading alert phrases, and into his down-home Chicago persona, strokes sly, sneaky blues outlines surrounding Mann's tenor and the alto of Woods in a lengthy jam "World Wide Boots." Bassist Wendell Marshall and drummer Bobby Donaldson step in for the other six selections, with three originals by Puma set aside from the rest. "One for Tubby" (for Brit Tubby Hayes) has Mann's flute in a gentle tone as Woods and Costa chirp away while keeping the melody going. The midtempo bopper "Who Knew?" (P.S.; the phrase was coined long ago before its contemporary hipness) is shaded by Costa and deepened by the colorful saxes, and the excellent "Opicana," is a complex and dicey chart, showing the most inventive side of this group and Puma's fertile imagination. You also get the quintessential bop vehicle "Yardbird Suite" with the classic flute and vibes lead spurred on by the alto talkback of Woods. An early version of the enduring, neat and clean bop original "Squire's Parlor" from the book of Woods in inserted. Costa's "Here's That Mann," brims with swing and soul from the perfectly paired, harmonically balanced saxes, demonstrably delightful as the horns, especially the celebrated altoist, step up and out.

 

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Reseña de Michael G. Nastos
Grabado en el gran año de la música y especialmente del jazz - 1957 - Herbie Mann en ese momento estaba ganando impulso como flautista de primera, pero era un saxofonista tenor muy competente. Junto con el gran saxofonista alto Phil Woods y el criminalmente subestimado vibrafonista Eddie Costa, Mann ha encontrado socios cuyas inmensas habilidades y manierismos urbanos aumentan sus vuelos de fantasía a pasos agigantados. Añade a la mezcla el muy alfabetizado e intuitivo guitarrista Joe Puma, y tienes los ingredientes de un emotivo y completo conjunto profesional. El legendario bajista Wilbur Ware, que en 1957 estaba sacudiendo las cosas con el trío sin piano de Sonny Rollins y el grupo de Thelonious Monk, mejora aún más esta agrupación de virtuosos en las dos primeras selecciones. Ware hace girar gruesos y sinuosos cables de acero galvanizado durante el "Monstaño del Sello Verde" de Mann, con los músicos de primera línea intercambiando frases de alerta, y en su personaje de Chicago, traza astutos y furtivos contornos azules que rodean al tenor de Mann y al alto de Woods en un largo "World Wide Boots". El bajista Wendell Marshall y el baterista Bobby Donaldson intervienen en las otras seis selecciones, con tres originales de Puma separados del resto. "One for Tubby" (para el británico Tubby Hayes) tiene la flauta de Mann en un tono suave mientras Woods y Costa gorjean mientras mantienen la melodía. El bopper de medio tiempo "¿Quién lo sabía?" (P.D.; la frase fue acuñada hace mucho tiempo antes de su contemporánea cadencia) está sombreada por Costa y profundizada por los coloridos saxos, y la excelente "Opicana", es un gráfico complejo y arriesgado, que muestra el lado más inventivo de este grupo y la fértil imaginación de Puma. También se obtiene el vehículo bop por excelencia "Yardbird Suite" con la flauta clásica y las vibraciones impulsadas por el alto talkback de Woods. Se ha insertado una versión temprana del duradero, ordenado y limpio bop original "Squire's Parlor" del libro de Woods. "Here's That Mann" de Costa, rebosa de swing y alma de los saxos perfectamente emparejados y armónicamente equilibrados, demostrablemente deliciosos cuando los cuernos, especialmente el célebre altoísta, dan un paso al frente.

 

 

Hal Mckusick • Now's The Time

 

Review
by Scott Yanow  
The decision to include just seven of the twelve numbers from Hal McKusick's Isn't It Romantic recording and eight of the ten from Cross Section: Saxes on this CD reissue is unfortunate, making this a so-called "best-of" set; why not reissue three McKusick dates (including Jazz at the Academy) complete on two CDs so valuable music is not lost? McKusick, a fine cool-toned altoist who sometimes recalls Paul Desmond a bit, also plays some floating atmospheric bass clarinet on these performances. Four of the titles feature a four-sax septet on two arrangements apiece by George Handy and Ernie Wilkins; the latter's interpretation of "Now's the Time" harmonizes Charlie Parker's original recorded solo à la Supersax. Otherwise McKusick is matched with trumpeter Art Farmer in a quintet/sextet with either Eddie Costa or Bill Evans on piano, The arrangements (by Farmer, Al Cohn, Manny Albam, Jimmy Giuffre, or George Russell) are sometimes complex but always lightly swinging, leaving plenty of space for the horns to solo. Recommended to those listeners who do not already have the more complete LPs.
https://www.allmusic.com/album/nows-the-time-mw0000176625

Artist Biography by Scott Yanow

A fine cool-toned altoist and an occasional clarinetist, Hal McKusick worked with the big bands of Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich, and Claude Thornhill (1948-1949). In the 1950s, in addition to his work with Terry Gibbs and Elliot Lawrence, he was a busy and versatile studio musician. During 1955-1958, McKusick recorded nine albums of material as a leader for Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige, and Decca. Those small-group recordings, although basically cool bop, sometimes used very advanced arrangements, including charts by George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, and particularly George Russell. Hal McKusick died in April 2012 at the age of 87.

https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

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Reseña
por Scott Yanow  
La decisión de incluir sólo siete de los doce números de la grabación de Hal McKusick Isn't It Romantic y ocho de los diez de Cross Section: Saxes en esta reedición en CD es desafortunada, haciendo de este un supuesto "best-of" set; ¿por qué no reeditar tres fechas de McKusick (incluyendo Jazz at the Academy) completas en dos CDs para que no se pierda música valiosa? McKusick, un fino contralto de tono fresco que a veces recuerda un poco a Paul Desmond, también toca un clarinete bajo atmosférico y flotante en estas actuaciones. Cuatro de los títulos cuentan con un septeto de cuatro saxofonistas en dos arreglos de George Handy y Ernie Wilkins; la interpretación de este último de "Now's the Time" armoniza el solo original grabado de Charlie Parker à la Supersax. Los arreglos (de Farmer, Al Cohn, Manny Albam, Jimmy Giuffre o George Russell) son a veces complejos, pero siempre ligeramente oscilantes, dejando mucho espacio para los solos de vientos. Recomendado a los oyentes que aún no posean los LP más completos.
https://www.allmusic.com/album/nows-the-time-mw0000176625

Biografía del artista por Scott Yanow

Hal McKusick trabajó con las grandes bandas de Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich y Claude Thornhill (1948-1949). En la década de 1950, además de su trabajo con Terry Gibbs y Elliot Lawrence, fue un músico de estudio ocupado y versátil. Durante 1955-1958, McKusick grabó nueve álbumes de material como líder para Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige y Decca. Esas grabaciones en grupos pequeños, aunque básicamente cool bop, a veces usaban arreglos muy avanzados, incluyendo gráficos de George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, y particularmente George Russell. Hal McKusick murió en abril de 2012 a la edad de 87 años.

https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

Eddie Costa - Vinnie Burke Trio • Eddie Costa - Vinnie Burke Trio

 

Hal McKusick • Triple Exposure

 

Review by Scott Yanow

Two talented but forgotten bop-based improvisers are featured on this quintet set: Hal McKusick (who switches between his Paul Desmond-inspired alto, tenor and cool-toned clarinet) and trombonist Billy Byers. Accompanied by pianist Eddie Costa, bassist Paul Chambers and drummer Charlie Persip, the two horns get rare opportunities to stretch out on material ranging from "Saturday Night" and an early version of Dizzy Gillespie's "Con Alma" to "I'm Glad There Is You" and three McKusick originals. This obscure Prestige session (reissued on CD in the OJC series) should interest straightahead jazz fans.

https://www.allmusic.com/album/triple-exposure-mw0000092129

Artist Biography by Scott Yanow

A fine cool-toned altoist and an occasional clarinetist, Hal McKusick worked with the big bands of Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich, and Claude Thornhill (1948-1949). In the 1950s, in addition to his work with Terry Gibbs and Elliot Lawrence, he was a busy and versatile studio musician. During 1955-1958, McKusick recorded nine albums of material as a leader for Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige, and Decca. Those small-group recordings, although basically cool bop, sometimes used very advanced arrangements, including charts by George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, and particularly George Russell. Hal McKusick died in April 2012 at the age of 87.

https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

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Reseña de Scott Yanow

Dos talentosos pero olvidados improvisadores basados en el bop se presentan en este conjunto de quinteto: Hal McKusick (que cambia entre su contralto, tenor y clarinete de inspiración Paul Desmond) y el trombonista Billy Byers. Acompañados por el pianista Eddie Costa, el bajista Paul Chambers y el baterista Charlie Persip, los dos trompetas tienen raras oportunidades de extenderse en material que va desde "Saturday Night" y una primera versión de "Con Alma" de Dizzy Gillespie hasta "I'm Glad There Is You" y tres originales de McKusick. Esta oscura sesión de Prestige (reeditada en CD en la serie OJC) debería interesar directamente a los fans del jazz.

https://www.allmusic.com/album/triple-exposure-mw0000092129

Biografía del artista por Scott Yanow

Hal McKusick trabajó con las grandes bandas de Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich y Claude Thornhill (1948-1949). En la década de 1950, además de su trabajo con Terry Gibbs y Elliot Lawrence, fue un músico de estudio ocupado y versátil. Durante 1955-1958, McKusick grabó nueve álbumes de material como líder para Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige y Decca. Esas grabaciones en grupos pequeños, aunque básicamente cool bop, a veces usaban arreglos muy avanzados, incluyendo gráficos de George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, y particularmente George Russell. Hal McKusick murió en abril de 2012 a la edad de 87 años.

https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

Tal Farlow • Tal

Artist Biography by Scott Yanow

Nearly as famous for his reluctance to play as for his outstanding abilities, guitarist Tal Farlow did not take up the instrument until he was already 21, but within a year was playing professionally and in 1948 was with Marjorie Hyams' band. While with the Red Norvo Trio (which originally included Charles Mingus) from 1949-1953, Farlow became famous in the jazz world. His huge hands and ability to play rapid yet light lines made him one of the top guitarists of the era. After six months with Artie Shaw's Gramercy Five in 1953, Farlow put together his own group, which for a time included pianist Eddie Costa. Late in 1958, Farlow settled on the East Coast, became a sign painter, and just played locally. He only made one record as a leader during 1960-1975, but emerged a bit more often during 1976-1984, recording for Concord fairly regularly before largely disappearing again. Profiled in the definitive documentary Talmage Farlow, the guitarist can be heard on his own records for Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969), and Concord. He died of cancer July 25, 1998, at age 77.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Casi tan famoso por su renuencia a tocar como por sus extraordinarias habilidades, el guitarrista Tal Farlow no tomó el instrumento hasta que ya tenía 21 años, pero al cabo de un año ya estaba tocando profesionalmente y en 1948 estaba con la banda de Marjorie Hyams. Mientras que con el Trío Red Norvo (que originalmente incluía a Charles Mingus) de 1949 a 1953, Farlow se hizo famoso en el mundo del jazz. Sus enormes manos y su habilidad para tocar líneas rápidas pero ligeras lo convirtieron en uno de los mejores guitarristas de la época. Después de seis meses con Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow formó su propio grupo, que por un tiempo incluyó al pianista Eddie Costa. A finales de 1958, Farlow se estableció en la costa este, se convirtió en pintor de signos y sólo tocaba localmente. Sólo hizo un disco como líder durante 1960-1975, pero emergió un poco más a menudo durante 1976-1984, grabando para Concord con bastante regularidad antes de volver a desaparecer en gran medida. Perfilado en el documental definitivo Talmage Farlow, el guitarrista puede ser escuchado en sus propios discos para Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969) y Concord. Murió de cáncer el 25 de julio de 1998, a la edad de 77 años.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

Chuck Wayne • String Fever

 

Colaborador / Contribuitor:  Michel

Shelly Manne • 2-3-4

 

 

Review by Scott Yanow
This unusual set has five selections from a date featuring the great tenor Coleman Hawkins, pianist Hank Jones, bassist George Duvivier, and drummer Shelly Manne. Both "Take the 'A' Train" and "Cherokee" find the group at times playing two tempos at once (Manne sticks to double-time throughout "Cherokee"), and showing that they'd heard some of the avant-garde players. The most swinging piece, "Avalon," was previously available only on a sampler, while "Me and Some Drums" features Hawkins and Manne in a very effective duet; the veteran tenor makes his only recorded appearance on piano during the first half. This date is rounded off by a pair of trio features for Eddie Costa (with Duvivier and Manne); one song apiece on vibes and drums. A very interesting set with more than its share of surprises.
https://www.allmusic.com/album/2-3-4-mw0000120041

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Reseña de Scott Yanow
Este conjunto inusual tiene cinco selecciones de una fecha con el gran tenor Coleman Hawkins, el pianista Hank Jones, el bajista George Duvivier, y el baterista Shelly Manne. Tanto en "Take the 'A' Train" como en "Cherokee" el grupo toca a veces a dos tiempos a la vez (Manne toca a doble tiempo en "Cherokee"), y demuestra que habían escuchado a algunos de los músicos de vanguardia. La pieza más movida, "Avalon", sólo estaba disponible anteriormente en un sampler, mientras que "Me and Some Drums" presenta a Hawkins y Manne en un dúo muy efectivo; el veterano tenor hace su única aparición grabada al piano durante la primera mitad. Esta fecha se completa con un par de actuaciones en trío de Eddie Costa (con Duvivier y Manne); una canción cada uno en el vibráfono y la batería. Un conjunto muy interesante y lleno de sorpresas.
https://www.allmusic.com/album/2-3-4-mw0000120041

Ernie Wilkins & His Orchestra • Here Comes The Swingin' Mr. Wilkins

A fine, slippery bop tenor sax player, and a creator of sharp-edged arrangements for bop and swing big bands who helped define the Count Basie Mk. II style of the 1950s, Ernie Wilkins had been a regular fixture on the American jazz scene until 1979, when he pulled up stakes and moved to Europe. He first learned piano and violin, then studied music at Wilberforce University before going into the Navy during the war. He caught on with the Earl Hines band in 1948 and worked around the St. Louis area before joining the Basie band in 1952. He remained in the Basie fold until 1955, but continued to freelance arrangements to the Count, as well as arrange for and perform with the Dizzy Gillespie band that toured the Middle East and South America in 1956. Also in 1956, he wrote three of the six movements of the exciting Wilkins/Manny Albam The Drum Suite (RCA Victor) -- reputedly the first time anyone had tried to integrate four drummers into one band -- and led big band albums under his own name for Savoy and Everest in the 1950s. He was the staff composer for the Harry James orchestra from 1958 to 1960 and served as musical director for albums by Nat Adderley, Sarah Vaughan, Buddy Rich, Oscar Peterson, and Dinah Washington, among others. In 1968, he joined Clark Terry's Big B-A-D Band, serving as a composer and music director, after which he assembled his own band and became head of A&R for the Mainstream label (1971-1973). He would continue to provide Basie with arrangements and toured Europe with Terry in the late '70s, ultimately settling in Copenhagen in 1979, where he formed the Almost Big Band. Most of the recorded examples of Wilkins' work on sax are as a sideman with Basie and Terry.

 

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Ernie Wilkins, un fino y escurridizo saxofonista tenor de bop, y creador de arreglos de vanguardia para las grandes bandas de bop y swing que ayudaron a definir el estilo Count Basie Mk. II de los años 50, había sido un fijo en la escena del jazz americano hasta 1979, cuando dejó de serlo y se trasladó a Europa. Primero aprendió piano y violín, luego estudió música en la Universidad de Wilberforce antes de entrar en la Marina durante la guerra. Se unió a la banda de Earl Hines en 1948 y trabajó en la zona de St. Louis antes de unirse a la banda de Basie en 1952. Permaneció en el redil del Basie hasta 1955, pero continuó haciendo arreglos independientes para el Conde, así como arreglando y actuando con la banda de Dizzy Gillespie que hizo una gira por Oriente Medio y Sudamérica en 1956. También en 1956, escribió tres de los seis movimientos del excitante Wilkins/Manny Albam The Drum Suite (RCA Victor) - supuestamente la primera vez que alguien había intentado integrar cuatro bateristas en una banda - y dirigió álbumes de grandes bandas bajo su propio nombre para Savoy y Everest en los años 50. Fue el compositor de la orquesta de Harry James de 1958 a 1960 y sirvió como director musical de los álbumes de Nat Adderley, Sarah Vaughan, Buddy Rich, Oscar Peterson y Dinah Washington, entre otros. En 1968, se unió a la Big B-A-D Band de Clark Terry, sirviendo como compositor y director musical, tras lo cual reunió su propia banda y se convirtió en jefe de A&R para el sello Mainstream (1971-1973). Continuó haciendo arreglos para Basie y realizó una gira por Europa con Terry a finales de los años 70, instalándose finalmente en Copenhague en 1979, donde formó la Almost Big Band. La mayoría de los ejemplos grabados del trabajo de Wilkins en el saxo son como sideman con Basie y Terry.

 

 

Herbie Mann • Yardbird Suite

Review by Michael G. Nastos
Recorded in the great year of music and especially jazz -- 1957 -- Herbie Mann at the time was gaining momentum as a premier flute player, but was a very competent tenor saxophonist. Teamed here with the great alto saxophonist Phil Woods and criminally underrated vibraphonist Eddie Costa, Mann has found partners whose immense abilities and urbane mannerisms heighten his flights of fancy by leaps and bounds. Add to the mix the quite literate and intuitive guitarist Joe Puma, and you have the makings of an emotive, thoroughly professional ensemble. The legendary bass player Wilbur Ware, who in 1957 was shaking things up with the piano-less trio of Sonny Rollins and the group of Thelonious Monk, further enhances this grouping of virtuosos on the first two selections. Ware spins thick, sinuous cables of galvanized steel during the Mann penned swinger "Green Stamp Monsta!" with the front liners trading alert phrases, and into his down-home Chicago persona, strokes sly, sneaky blues outlines surrounding Mann's tenor and the alto of Woods in a lengthy jam "World Wide Boots." Bassist Wendell Marshall and drummer Bobby Donaldson step in for the other six selections, with three originals by Puma set aside from the rest. "One for Tubby" (for Brit Tubby Hayes) has Mann's flute in a gentle tone as Woods and Costa chirp away while keeping the melody going. The midtempo bopper "Who Knew?" (P.S.; the phrase was coined long ago before its contemporary hipness) is shaded by Costa and deepened by the colorful saxes, and the excellent "Opicana," is a complex and dicey chart, showing the most inventive side of this group and Puma's fertile imagination. You also get the quintessential bop vehicle "Yardbird Suite" with the classic flute and vibes lead spurred on by the alto talkback of Woods. An early version of the enduring, neat and clean bop original "Squire's Parlor" from the book of Woods in inserted. Costa's "Here's That Mann," brims with swing and soul from the perfectly paired, harmonically balanced saxes, demonstrably delightful as the horns, especially the celebrated altoist, step up and out.

 

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Reseña de Michael G. Nastos
Grabado en el gran año de la música y especialmente del jazz - 1957 - Herbie Mann en ese momento estaba ganando impulso como flautista de primera, pero era un saxofonista tenor muy competente. Junto con el gran saxofonista alto Phil Woods y el criminalmente subestimado vibrafonista Eddie Costa, Mann ha encontrado socios cuyas inmensas habilidades y manierismos urbanos aumentan sus vuelos de fantasía a pasos agigantados. Añade a la mezcla el muy alfabetizado e intuitivo guitarrista Joe Puma, y tienes los ingredientes de un emotivo y completo conjunto profesional. El legendario bajista Wilbur Ware, que en 1957 estaba sacudiendo las cosas con el trío sin piano de Sonny Rollins y el grupo de Thelonious Monk, mejora aún más esta agrupación de virtuosos en las dos primeras selecciones. Ware hace girar gruesos y sinuosos cables de acero galvanizado durante el "Monstaño del Sello Verde" de Mann, con los músicos de primera línea intercambiando frases de alerta, y en su personaje de Chicago, traza astutos y furtivos contornos azules que rodean al tenor de Mann y al alto de Woods en un largo "World Wide Boots". El bajista Wendell Marshall y el baterista Bobby Donaldson intervienen en las otras seis selecciones, con tres originales de Puma separados del resto. "One for Tubby" (para el británico Tubby Hayes) tiene la flauta de Mann en un tono suave mientras Woods y Costa gorjean mientras mantienen la melodía. El bopper de medio tiempo "¿Quién lo sabía?" (P.D.; la frase fue acuñada hace mucho tiempo antes de su contemporánea cadencia) está sombreada por Costa y profundizada por los coloridos saxos, y la excelente "Opicana", es un gráfico complejo y arriesgado, que muestra el lado más inventivo de este grupo y la fértil imaginación de Puma. También se obtiene el vehículo bop por excelencia "Yardbird Suite" con la flauta clásica y las vibraciones impulsadas por el alto talkback de Woods. Se ha insertado una versión temprana del duradero, ordenado y limpio bop original "Squire's Parlor" del libro de Woods. "Here's That Mann" de Costa, rebosa de swing y alma de los saxos perfectamente emparejados y armónicamente equilibrados, demostrablemente deliciosos cuando los cuernos, especialmente el célebre altoísta, dan un paso al frente.

 

 

 

Billy Ver Planck Orchestra • Jazz For Playgirls

 

Billy Ver Planck was an american trombonist, arranger, composer and jazz bandleader, he was married to the jazz singer, Marlene VerPlanck (Marlene Paula Pampinella).
Played trombone in Jess Stacy Band and he wrote arrangements for many big band including: Charlie Spivak, Claude Thornhill, Jimmy Dorsey, Charlie Barnet and many others.
Born: April 30, 1930 in Norwalk, Connecticut, USA.
Died: June 2, 2009 in Hackensack, New Jersey, USA.
https://www.discogs.com/artist/1288327-J-Billy-VerPlanck

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Billy Ver Planck fue un trombonista, arreglista, compositor y director de banda de jazz estadounidense, casado con la cantante de jazz Marlene VerPlanck (Marlene Paula Pampinella).
Tocó el trombón en la Jess Stacy Band y escribió arreglos para muchas big band como: Charlie Spivak, Claude Thornhill, Jimmy Dorsey, Charlie Barnet y muchos otros.
Nació: Abril 30, 1930 en Norwalk, Connecticut, USA.
Murió: el 2 de junio de 2009 en Hackensack, Nueva Jersey, EE.UU.
https://www.discogs.com/artist/1288327-J-Billy-VerPlanck

Joe Puma • Jazz Trio & Quartet

 

 

Artist Biography
A superior guitarist for a half-century, Joe Puma had a steady if low-profile career, uplifting many sessions without getting famous himself. Puma came from a musical family (several relatives played guitar) and his first major job was with vibraphonist Joe Roland (1949-1950). In the 1950s Puma appeared on many recording sessions including with Roland, Louie Bellson, Artie Shaw & His Gramercy Five (1954), Eddie Bert, Herbie Mann, Mat Mathews, Chris Connor, and Paul Quinichette. Puma was seemingly everywhere during that era. He accompanied Morgana King for two years and in the 1960s recorded with Bobby Hackett, Gary Burton (1964), and Carmen McRae, among many others. During 1972-1977 he co-led a duo with fellow guitarist Chuck Wayne, later became a teacher, and remained musically active on a part-time basis into the late '90s. Joe Puma led recording dates of his own for Bethlehem, Dawn, Jubilee, Columbia, and Reservoir. His last album as a leader, It's a Blue World, was recorded in 1997 and released in 1999 on Euphoria Jazz. He also appeared on the Warren Vaché CD What Is There to Say?, recorded in 1999 and released the following year on Nagel Heyer. Joe Puma died from cancer in New York City on May 31, 2000; he was 72 years old.
by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/joe-puma-mn0000210120/biography

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Biografía del artista
Un guitarrista superior durante medio siglo, Joe Puma tuvo una carrera estable aunque de bajo perfil, elevando muchas sesiones sin llegar a ser famoso. Puma provenía de una familia musical (varios parientes tocaban la guitarra) y su primer trabajo importante fue con el vibrafonista Joe Roland (1949-1950). En los años 50 Puma apareció en muchas sesiones de grabación, incluyendo con Roland, Louie Bellson, Artie Shaw & His Gramercy Five (1954), Eddie Bert, Herbie Mann, Mat Mathews, Chris Connor y Paul Quinichette. Parece que el puma estaba en todas partes durante esa época. Acompañó a Morgana King durante dos años y en los años 60 grabó con Bobby Hackett, Gary Burton (1964) y Carmen McRae, entre muchos otros. Entre 1972 y 1977 dirigió un dúo con su colega guitarrista Chuck Wayne, más tarde se convirtió en profesor, y permaneció musicalmente activo a tiempo parcial hasta finales de los 90. Joe Puma dirigió sus propias grabaciones para Bethlehem, Dawn, Jubilee, Columbia y Reservoir. Su último álbum como líder, It's a Blue World, fue grabado en 1997 y lanzado en 1999 en Euphoria Jazz. También apareció en el CD de Warren Vaché What Is There to Say?, grabado en 1999 y lanzado al año siguiente en Nagel Heyer. Joe Puma murió de cáncer en la ciudad de Nueva York el 31 de mayo de 2000; tenía 72 años. por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/joe-puma-mn0000210120/biography

Colaborador / Contribuitor:  Michel

 

Mundell Lowe • Satan In High Heels

Mundell Lowe's score for the exploitation flick Satan in High Heels is an immensely enjoyable collection of exaggeratedly cinematic jazz. Lowe runs through all sorts of styles, from swinging big band to cool jazz, from laid-back hard-bop to driving bop. He pulls it off because his big band is comprised of musicians as skilled as Oliver Nelson, Al Cohn, Phil Woods, Urbie Green, Joe Newman and Clark Terry. They help give the music the extra kick it needs, and Satan in High Heels winds up as a terrific set of humorous and sleazy, but well-played, mainstream jazz. ~ Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/satan-in-high-heels-mw0000031915

Groovy jazz soundtrack to this obscure film that has kind of a Russ Meyer Supervixens bent to it, and which deals with the dark side of sexuality. Mundell Lowe's score is mostly jazzy, with lots of orchestrations by players like Al Cohn, Phil Woods, Clark Terry, and Joe Newman – and lots of solo guitar parts by Mundell himself. Titles include "Coffee Coffee", "Lake In the Woods", "Pattern Of Evil", "Blues For A Stripper", and "East Side Drive In". © 1996-2012, Dusty Groove America, Inc.

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La partitura de Mundell Lowe para la película de explotación Satanás en Tacones Altos es una colección inmensamente agradable de jazz exageradamente cinematográfico. Lowe recorre todo tipo de estilos, desde la big band de swing hasta el jazz cool, desde el hard-bop relajado hasta el bop de conducción. Lo hace porque su big band está compuesta por músicos tan hábiles como Oliver Nelson, Al Cohn, Phil Woods, Urbie Green, Joe Newman y Clark Terry. Ayudan a darle a la música el toque extra que necesita, y Satanás con Tacones Altos termina como un magnífico conjunto de humor y sórdido, pero bien jugado, de jazz convencional. ~ Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/satan-in-high-heels-mw0000031915

Una banda sonora de jazz para esta oscura película que tiene una especie de Russ Meyer Supervixens doblada, y que trata del lado oscuro de la sexualidad. La partitura de Mundell Lowe es mayormente jazzística, con muchas orquestaciones de músicos como Al Cohn, Phil Woods, Clark Terry y Joe Newman - y muchas partes de guitarra solista del propio Mundell. Los títulos incluyen "Coffee Coffee", "Lake In the Woods", "Pattern Of Evil", "Blues For A Stripper", y "East Side Drive In". © 1996-2012, Dusty Groove America, Inc.