Jim Rotondi • Dark Blue

 

"Nothing beats musicians of this caliber working on a strong program of original material and innovative arrangements."
-- C. Andrew Hovan, All About Jazz

"This trumpeter’s new album, DARK BLUE, may put you in mind of a Freddie Hubbard recording from the early seventies—a mighty compliment in an era when far too many brass players value braininess over full-throttled passion."
-- Steve Futterman, The New Yorker

"Rotondi’s style is a fusion of flash and depth. He’s got chops for days but never turns them into a crutch. One minute, he’s whipping through a glittery solo on the firm-grooving 'BC'; the next, his horn embraces the introspective last-call melody of the title track."
-- Matt R. Lohr, JazzTimes

#1 JazzWeek radio chart (2 weeks)

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Jim Rotondi's DARK BLUE is an album that proves again that when you hear him for the first time, you aren't likely to forget it. For 20+ years, Rotondi was one of the leading trumpet heroes of the New York City jazz scene and a musician whose fiery playing and daring solos firmly established him as a torchbearer of the Lee Morgan-Freddie Hubbard-Woody Shaw trumpet tradition.

Like so many jazz greats before him, he’s based in Europe now, but he’s still blowing with the same intensity, if not more. But, he returned to New York for this recording and assembled a spectacular quintet that brings together hard-bop stalwarts David Hazeltine on piano, Joe Locke on vibraphone, David Wong on bass, and Carl Allen on drums. Rotondi uses the importance of place as a central theme for much of this program and features music inspired by pivotal locations in his career from Europe to New York and beyond.

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«Nada supera a músicos de este calibre trabajando en un sólido programa de material original y arreglos innovadores».
-- C. Andrew Hovan, All About Jazz

«El nuevo álbum de este trompetista, DARK BLUE, puede recordarte a una grabación de Freddie Hubbard de principios de los setenta, un gran elogio en una época en la que demasiados trompetistas valoran más la inteligencia que la pasión.»
-- Steve Futterman, The New Yorker

«El estilo de Rotondi es una fusión de destello y profundidad. Tiene chuletas para días, pero nunca las convierte en una muleta. En un momento, está azotando a través de un brillante solo en el firme-rooting 'BC'; al siguiente, su trompa abraza la introspectiva melodía de última llamada de la canción que da título al disco».
-- Matt R. Lohr, JazzTimes

#Nº 1 en la lista de radio de JazzWeek (2 semanas)

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DARK BLUE de Jim Rotondi es un álbum que demuestra una vez más que cuando le escuchas por primera vez, no es probable que lo olvides. Durante más de 20 años, Rotondi fue uno de los principales héroes de la trompeta de la escena del jazz de Nueva York y un músico cuya ardiente forma de tocar y sus atrevidos solos le establecieron firmemente como portador de la tradición de la trompeta de Lee Morgan-Freddie Hubbard-Woody Shaw.

Como tantos otros grandes del jazz antes que él, ahora vive en Europa, pero sigue tocando con la misma intensidad, si no más. Sin embargo, ha vuelto a Nueva York para esta grabación y ha reunido un quinteto espectacular que reúne a los incondicionales del hard-bop David Hazeltine al piano, Joe Locke al vibráfono, David Wong al bajo y Carl Allen a la batería. Rotondi utiliza la importancia del lugar como tema central de gran parte de este programa y presenta música inspirada en lugares cruciales de su carrera, desde Europa hasta Nueva York y más allá.


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Eddie Higgins • Moonlight Becomes You

Review by Ken Dryden

Eddie Higgins fronts a quintet, with string arrangements by Dick Lieb backing him on most tracks, as he covers ten standards. The effect of this lineup invites comparisons to the George Shearing Quintet of old. Vibraphonist Joe Locke, guitarist Joe Cohn, bassist Jay Leonhart, and drummer Joe Ascione are first-rate musicians who primarily stick to supporting roles, though Cohn's tasty solo in "The Folks Who Live on the Hill" and Leonhart's call and response with the leader and Locke's dancing vibes add some variety in a brisk treatment of "If I Should Lose You." The snappy arrangement of "Have You Met Miss Jones?" showcases Higgins and Locke. The final track, "When April Comes," is an original ballad by the leader in a soft bossa nova setting. The overall effect of this recommended CD makes it perfect for late-evening listening with someone special.

https://www.allmusic.com/album/moonlight-becomes-you-mw0000331514

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Reseña de Ken Dryden

Eddie Higgins dirige un quinteto, con arreglos de cuerdas de Dick Lieb que lo respalda en la mayoría de los temas, ya que cubre diez estándares. El efecto de esta alineación invita a hacer comparaciones con el Quinteto George Shearing de antaño. El vibrafonista Joe Locke, el guitarrista Joe Cohn, el bajista Jay Leonhart y el baterista Joe Ascione son músicos de primera línea que se aferran principalmente a los papeles secundarios, aunque el sabroso solo de Cohn en "The Folks Who Live on the Hill" y la llamada y respuesta de Leonhart con el líder y las vibraciones bailables de Locke añaden algo de variedad en un tratamiento enérgico de "If I Should Lose You". El elegante arreglo de "¿Habéis conocido a la señorita Jones?" muestra a Higgins y Locke. El tema final, "When April Comes", es una balada original del líder en un ambiente de bossa nova. El efecto general de este CD recomendado lo hace perfecto para escuchar en la noche con alguien especial.

https://www.allmusic.com/album/moonlight-becomes-you-mw0000331514

Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

 

  

Jim Rotondi • Dark Blue

Dark Blue, uses the importance of place as a central theme and features music inspired by pivotal locations in Rotondi’s career from Europe to New York and beyond. While the title itself doesn’t reference any particular place, it’s a vivid description of this breathtaking music and this spectacular quintet that brings together hard-bop stalwarts David Hazeltine, Joe Locke, David Wong and Carl Allen.
https://www.jazzmessengers.com/es/71739/jim-rotondi/dark-blue

Clearly, (Rotondi) emerges as one of the best of the post-Hubbard generation
- Chris Hovan, All About Jazz.com

Rotondi has the passion and focus to find a place for the music in the new millennium.”-The New Yorker

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Dark Blue, utiliza la importancia del lugar como tema central y presenta música inspirada en lugares fundamentales de la carrera de Rotondi, desde Europa hasta Nueva York y más allá. Aunque el título en sí no hace referencia a ningún lugar en particular, es una vívida descripción de esta impresionante música y de este espectacular quinteto que reúne a los incondicionales del hard-bop David Hazeltine, Joe Locke, David Wong y Carl Allen.
https://www.jazzmessengers.com/es/71739/jim-rotondi/dark-blue

Claramente, (Rotondi) emerge como uno de los mejores de la generación post-Hubbard
- Chris Hovan, All About Jazz.com

Rotondi tiene la pasión y el enfoque para encontrar un lugar para la música en el nuevo milenio" -The New Yorker


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Joe Locke David Hazeltine Quartet • Mutual Admiration Society

 

This is a sparkling, deeply–grooved session by four seasoned pros whose musical temperaments are perfectly harmonized. While Locke and Hazeltine, both 40, have known each other for more than a decade, Mutual Admiration Society marks their first collaborative effort in a recording studio, one in which the reciprocal esteem is evident from start to finish. Locke and Hazeltine are so harmoniously well–matched that one sometimes wonders if they mightn’t be able to read each other’s thoughts. Also on the same wavelength are Essiet and Drummond whose unflagging support is an indispensable part of the album’s success.

There’s no doubt, however, about who the leaders are — Locke wrote three of the album’s eight selections, Hazeltine two others, and together they take most of the solos. Completing the program are the standards “Spring Will Be a Little Late” and “For All We Know” and the Burt Bacharach/Hal David pop hit, “I Say a Little Prayer” (taken at a slower tempo than we’d ever heard before). On the other hand, “For All We Know,” ordinarily a ballad, is played in an up-tempo Latin groove, which evens the score. Whatever the pace or mood, Locke and Hazeltine are clearly on their game, spinning many an engaging post–bop phrase while sounding nothing at all like that celebrated archetype of piano/vibes quartets, the MJQ. While Locke could perhaps pass for Milt Jackson, Hazeltine’s pianisms are far too warm–blooded and percussive ever to be mistaken for the ultra–composed John Lewis. After a relatively placid start, the session moves into high gear with Hazeltine’s “Can We Talk?” (I’d have led with that one) and continues apace with Locke’s “Haze Factor” and Hazeltine’s lovely ballad “Tears in Her Heart.” Frank Loesser’s “Spring Will Be a Little Late,” taken for a pleasant medium–tempo stroll, is a highlight with tasteful solos by the co–leaders, another by Essiet and the usual superb backing from bass and drums.

Locke’s “Diamonds Remain,” dedicated to the late Don Grolnick, is next, and the foursome caps its pleasantly swinging date with “For All We Know.” And for all we know, those who hear it may wish to add their names to the Locke/Hazeltine mutual admiration society.
By JACK BOWERS
August 1, 1999
https://www.allaboutjazz.com/mutual-admiration-society-joe-locke-sharp-nine-records-review-by-jack-bowers.php


Review by Steve Loewy
Versatile vibraphonist Joe Locke is joined by virtuosic pianist David Hazeltine and backed by bassist Essiet Essiet and drummer Billy Drummond for this very compelling set of standards and originals. Vibes and piano make a difficult front line, but Locke and Hazeltine somehow manage to strike just the right balance in producing music that glows with creative abandon. Locke, whose credits include stints with Cecil Taylor, Dianne Reeves, and the Beastie Boys, is a technically impressive player, but also one whom is able to transcend the inherent limitations of his instrument. He and Hazeltine make a good team, as they show an uncanny ability to navigate tricky rhythms and chords, while never sacrificing the essential swing quality of a tune. The results are often uplifting, sometimes introspective, but never less than successful.
https://www.allmusic.com/album/mutual-admiration-society-mw0000244791

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Esta es una sesión chispeante y profundamente surcada por cuatro profesionales experimentados cuyos temperamentos musicales están perfectamente armonizados. Mientras Locke y Hazeltine, ambos de 40 años, se conocen desde hace más de una década, Mutual Admiration Society marca su primer esfuerzo colaborativo en un estudio de grabación, uno en el que la estima recíproca es evidente de principio a fin. Locke y Hazeltine están tan armoniosamente bien emparejados que a veces uno se pregunta si no serán capaces de leer los pensamientos del otro. También en la misma onda están Essiet y Drummond, cuyo apoyo incansable es una parte indispensable del éxito del álbum.

Sin embargo, no hay duda sobre quiénes son los líderes: Locke escribió tres de las ocho selecciones del álbum, Hazeltine otras dos, y juntas toman la mayoría de los solos. Completan el programa los estándares "Spring Will Be a Little Late" y "For All We Know" y el éxito pop de Burt Bacharach / Hal David, "I Say a Little Prayer" (tomado a un ritmo más lento del que jamás habíamos escuchado antes de). Por otro lado, "For All We Know", normalmente una balada, se toca en un ritmo latino acelerado, que iguala la partitura. Cualquiera que sea el ritmo o el estado de ánimo, Locke y Hazeltine están claramente en su juego, haciendo girar muchas frases post-bop atractivas sin sonar en absoluto como ese célebre arquetipo de cuartetos de piano / vibes, el MJQ. Si bien Locke podría pasar por Milt Jackson, los pianismos de Hazeltine son demasiado cálidos y percusivos como para confundirlos con el ultracompuesto John Lewis. Después de un comienzo relativamente plácido, la sesión avanza a toda velocidad con "Can We Talk?" De Hazeltine (Yo habría liderado con ese) y continúa a buen ritmo con "Haze Factor" de Locke y la hermosa balada de Hazeltine "Tears in Her Heart". “Spring Will Be a Little Late” de Frank Loesser, tomada para un agradable paseo de tempo medio, es un punto culminante con los solos de buen gusto de los co-líderes, otro de Essiet y el soberbio acompañamiento habitual de bajo y batería.

Le sigue "Diamonds Remain" de Locke, dedicada al fallecido Don Grolnick, y el cuarteto remata su agradable cita con "For All We Know". Y por lo que sabemos, aquellos que lo escuchen tal vez deseen agregar sus nombres a la sociedad de admiración mutua Locke / Hazeltine.
Por JACK BOWERS
1 de agosto de 1999
https://www.allaboutjazz.com/mutual-admiration-society-joe-locke-sharp-nine-records-review-by-jack-bowers.php


Reseña de Steve Loewy
El versátil vibrafonista Joe Locke está acompañado por el virtuoso pianista David Hazeltine y respaldado por la bajista Essiet Essiet y el baterista Billy Drummond para este atractivo conjunto de estándares y originales. Las vibraciones y el piano son una difícil línea frontal, pero Locke y Hazeltine de alguna manera logran encontrar el equilibrio justo en la producción de música que brilla con abandono creativo. Locke, cuyos créditos incluyen temporadas con Cecil Taylor, Dianne Reeves y los Beastie Boys, es un músico técnicamente impresionante, pero también capaz de trascender las limitaciones inherentes de su instrumento. Él y Hazeltine forman un buen equipo, ya que muestran una asombrosa habilidad para navegar por ritmos y acordes complicados, sin sacrificar nunca la calidad de swing esencial de una melodía. Los resultados son a menudo edificantes, a veces introspectivos, pero nunca menos que exitosos.
https://www.allmusic.com/album/mutual-admiration-society-mw0000244791

https://joelocke.com/
https://www.davidhazeltine.com/

Randy Johnston • Hit & Run

 

Review by Ken Dryden
Randy Johnston's eighth CD as a leader features a shifting lineup of veteran musicians and a pair of solo tracks, each crafted carefully to leave a lasting impression. This talented guitarist, a Detroit native and graduate of the University of Miami jazz program, is accompanied by old friend Nat Reeves on bass, pianist Bruce Barth, and drummer Grady Tate. And on four tracks, vibraphonist Joe Locke is added. The full quintet is featured on Johnston's "Down Time," (an imaginative reworking of "Autumn Leaves"), the cooking hard bop original "Hit & Run," and the strutting blues tune "The Hat Man," while Locke takes Barth's place in the gently swinging version of "The Best Thing For You." A funky approach to the Beatles' "Things We Said Today" is a quartet chart with Barth back at the piano, which shows the influence of Grant Green in Johnston's playing. Reeves and Tate back the leader in the lush treatment of "When I Fall in Love." But Randy Johnston's superb chops can especially be appreciated with his lyrical interpretation of "Here's That Rainy Day" and "For the King," the latter a catchy original written for his girlfriend.
https://www.allmusic.com/album/hit-run-mw0000231296



Biography by Alex Henderson
An expressive, often funky hard bopper who is quite comfortable in soul-jazz settings, Randy Johnston has evolved into one of the finest straight-ahead jazz guitarists of the Baby Boomer generation. Johnston has never been an introverted sort of player; he is an aggressive, gritty, hard-swinging musician who brings a great deal of blues feeling to his work. The late Grant Green is Johnston's most obvious influence, and other guitarists who have had an impact on his playing include, among others, Pat Martino, Kenny Burrell, Wes Montgomery, and George Benson (especially the straight-ahead recordings that Benson provided for Columbia early in his career). Blues great B.B. King's electric guitar playing has also been cited as an influence on Johnston, which isn't surprising because the Detroit native definitely knows his way around a 12-bar blues.

The guitarist was born in Detroit, MI -- a city that has given us a lot of great jazz musicians over the years -- in 1956 and moved to Richmond, VA when he was 13. At that point, he was playing rock guitar, and he was a major admirer of the seminal singer/guitarist Jimi Hendrix (who was arguably the first heavy metal artist -- he certainly had a major impact on headbangers like Led Zeppelin, Black Sabbath, Mahogany Rush, and Deep Purple). But eventually, jazz guitar -- not rock guitar -- became Johnston's primary focus. After graduating from high school, Johnston moved to South Florida and attended the University of Miami in the late ‘70s and early ‘80s. During his years in Miami, Johnston often sat in when multi-hornman Ira Sullivan (originally from Chicago) held jam sessions in a Unitarian church. In 1981, Johnston left Miami and moved to New York, where he struggled for a few years but became increasingly busy as the ‘80s progressed. And by the end of the decade, Johnston had been employed as a sideman on albums by tenor saxophonist Houston Person and the late singer Etta Jones. But it was in the ‘90s that Johnston became a major name in jazz -- that was when people really started to recognize him as one of the best jazz guitarists of his generation. In early 1991, Johnston signed with Muse and recorded his first album as a leader, Walk On, which was produced by tenor saxophonist Person and engineered by Rudy Van Gelder (the most famous engineer in the history of jazz). In 1992, Johnston was reunited with Person and Van Gelder when he recorded his second Muse album, Jubilation. Muse released Johnston's third album, In-A-Chord, in 1994, and Johnston parted company with the New York-based label after that. Then, the guitarist recorded a few more albums in the late ‘90s, including Somewhere in the Night on High Note and Riding the Curve on J Curve. In the ‘90s and early 2000s, Johnston was featured on many albums as a sideman, and the jazzmen who employed him (either on-stage or in the studio) have included Person, Lionel Hampton, Lou Donaldson, Jack McDuff, Dr. Lonnie Smith (not to be confused with Lonnie Liston Smith), and Philadelphia organist "Papa" John DeFrancesco (the father of organist/trumpeter Joey DeFrancesco and the brother of guitarist Johnny DeFrancesco). Johnston's early-2000s releases include Homage on J Curve and Detour Ahead on High Note.
https://www.allmusic.com/artist/randy-johnston-mn0000399004/biography

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Reseña de Ken Dryden
El octavo CD de Randy Johnston como líder presenta una cambiante alineación de músicos veteranos y un par de temas solistas, cada uno de ellos elaborado cuidadosamente para dejar una impresión duradera. Este talentoso guitarrista, nativo de Detroit y graduado del programa de jazz de la Universidad de Miami, está acompañado por su viejo amigo Nat Reeves en el bajo, el pianista Bruce Barth y el baterista Grady Tate. Y en cuatro pistas, se añade el vibrafonista Joe Locke. El quinteto completo aparece en "Down Time" de Johnston, (una imaginativa reelaboración de "Autumn Leaves"), el original de bop duro de cocina "Hit & Run", y el tema de blues pavoneándose "The Hat Man", mientras que Locke toma el lugar de Barth en la versión suavemente balanceada de "The Best Thing For You". Un acercamiento funky a "Things We Said Today" de los Beatles es un cuarteto con Barth al piano, que muestra la influencia de Grant Green en la interpretación de Johnston. Reeves y Tate respaldan al líder en el exuberante tratamiento de "When I Fall in Love". Pero las soberbias chuletas de Randy Johnston se pueden apreciar especialmente con su interpretación lírica de "Here's That Rainy Day" y "For the King", esta última un pegadizo original escrito para su novia.
https://www.allmusic.com/album/hit-run-mw0000231296



Biografía de Alex Henderson
Un expresivo, a menudo funky hard bopper que se siente bastante cómodo en los escenarios de soul-jazz, Randy Johnston se ha convertido en uno de los mejores guitarristas de jazz de la generación de los Baby Boomers. Johnston nunca ha sido un músico introvertido; es un músico agresivo, valiente y de gran swing que aporta una gran cantidad de sentimiento blues a su trabajo. El difunto Grant Green es la influencia más obvia de Johnston, y otros guitarristas que han tenido un impacto en su forma de tocar incluyen, entre otros, a Pat Martino, Kenny Burrell, Wes Montgomery, y George Benson (especialmente las grabaciones directas que Benson proporcionó a Columbia al principio de su carrera). La guitarra eléctrica del gran B.B. King también ha sido citada como una influencia en Johnston, lo que no es sorprendente porque el nativo de Detroit definitivamente conoce su camino en el blues de 12 compases.

El guitarrista nació en Detroit, MI - una ciudad que nos ha dado muchos grandes músicos de jazz a lo largo de los años - en 1956 y se mudó a Richmond, VA cuando tenía 13 años. En ese momento, tocaba la guitarra rock, y era un gran admirador del cantante/guitarrista Jimi Hendrix (que fue posiblemente el primer artista de heavy metal - ciertamente tuvo un gran impacto en los headbangers como Led Zeppelin, Black Sabbath, Mahogany Rush, y Deep Purple). Pero con el tiempo, la guitarra de jazz - no la de rock - se convirtió en el principal objetivo de Johnston. Después de graduarse de la escuela secundaria, Johnston se mudó al sur de Florida y asistió a la Universidad de Miami a finales de los 70 y principios de los 80. Durante sus años en Miami, Johnston a menudo se sentaba cuando el multihombres Ira Sullivan (originario de Chicago) celebraba jam sessions en una iglesia unitaria. En 1981, Johnston dejó Miami y se mudó a Nueva York, donde luchó durante algunos años pero se ocupó cada vez más a medida que avanzaban los años 80. Y para finales de la década, Johnston había sido empleado como sideman en álbumes del saxofonista tenor Houston Person y de la fallecida cantante Etta Jones. Pero fue en los 90 que Johnston se convirtió en un nombre importante en el jazz - fue cuando la gente empezó a reconocerlo como uno de los mejores guitarristas de jazz de su generación. A principios de 1991, Johnston firmó con Muse y grabó su primer álbum como líder, Walk On, producido por el saxofonista tenor Person y diseñado por Rudy Van Gelder (el ingeniero más famoso de la historia del jazz). En 1992, Johnston se reunió con Person y Van Gelder cuando grabó su segundo álbum con Muse, Jubilation. Muse lanzó el tercer álbum de Johnston, In-A-Chord, en 1994, y Johnston se separó de la compañía con el sello discográfico con sede en Nueva York después de eso. Luego, el guitarrista grabó unos cuantos álbumes más a finales de los 90, incluyendo Somewhere in the Night en High Note y Riding the Curve en J Curve. En los 90 y principios del 2000, Johnston apareció en muchos álbumes como sideman, y los jazzistas que lo emplearon (ya sea en el escenario o en el estudio) han incluido a Person, Lionel Hampton, Lou Donaldson, Jack McDuff, Dr. Lonnie Smith (no confundir con Lonnie Liston Smith), y el organista de Filadelfia "Papa" John DeFrancesco (el padre del organista/trompetista Joey DeFrancesco y el hermano del guitarrista Johnny DeFrancesco). Los lanzamientos de Johnston a principios de los años 2000 incluyen Homage on J Curve y Detour Ahead en High Note.
https://www.allmusic.com/artist/randy-johnston-mn0000399004/biography


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