John Patton • That Certain Feeling

It took Big John Patton nearly twoyears to return to the studio as a leader following the sessions that produced the exceptional Got a Good Thing Goin'. When he finally cut its sequel, That Certain Feeling, the musical climate had changed just enough to make a difference in his music. Where Got a Good Thing Goin' was down and dirty, That Certain Feeling was smooth. That's not to say that it didn't groove -- it was just cleaner, which means that the groove wasn't as infectious or hot as before. Still, Patton and his band -- guitarist Jimmy Ponder, tenor saxophonist Junior Cook and drummer Clifford Jarvis -- play very well, and there are moments when everything comes together and it just cooks. And those are the moments that make That Certain Feeling worth a search. by Stephen Thomas Erlewine, AMG

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A Big John Patton le llevó casi dos años volver al estudio como líder tras las sesiones que produjeron el excepcional Got a Good Thing Goin'. Cuando finalmente cortó su secuela, That Certain Feeling, el clima musical había cambiado lo suficiente como para marcar la diferencia en su música. Where Got a Good Thing Goin' estaba abajo y sucio, That Certain Feeling era suave. Eso no quiere decir que no se moviera... sólo estaba más limpio, lo que significa que el ritmo no era tan infeccioso o caliente como antes. Aún así, Patton y su banda - el guitarrista Jimmy Ponder, el saxofonista tenor Junior Cook y el baterista Clifford Jarvis - tocan muy bien, y hay momentos en que todo se junta y se cocina. Y esos son los momentos que hacen que valga la pena buscar en That Certain Feeling. por Stephen Thomas Erlewine, AMG

John Patton • The Way I Feel

Review by Stephen Thomas Erlewine
For his third album, Big John Patton decided to expand his band to quintet. Retaining the services of his longtime colleagues, guitarist Grant Green and drummer Ben Dixon, he hired tenor saxophonist Fred Jackson (who also played on Along Came John) and trumpeter Richard Williams.
The combination of two horns can occasionally overshadow the groove Patton, Green, and Dixon lay down, but for the most part the musicians augment the music instead of detracting from it. Nevertheless, the combo never manages to match the peaks of Along Came John and Blue John.
There are several fine moments on the record, and Green and Patton are typically enjoyable, but the record overall is a slight disappointment after its two predecessors.
https://www.allmusic.com/album/the-way-i-feel-mw0000759052


Artist Biography
 Big John Patton was born July 12, 1935 in Kansas City, Missouri. A self-taught musician, he started playing the piano in 1948 and landed his first big gig touring with R&B sensation Lloyd Price from 1954-1959.
Upon his arrival in New York, around 1960, Patton began making the transition from piano to organ. Throughout the 1960's he recorded extensively for Blue Note Records as a leader and sideman, most notably with Grant Green and Lou Donaldson.
His music evolved to incorporate elements of modal and free jazz, without ever losing the basic, earthy groove that he brought to it from the beginning.
He wrote some organ jazz classics such as “Funky Mama” and “The Yodel.” His music will be remembered fondly by musicians and fans. During the late 60's Patton recorded some very adventurous music for the Blue Note label with artists such as Harold Alexander and George Coleman on lps such as Understanding and Accent on the Blues. Of particular note on the early sessions recorded for Blue Note both under his own name and also with George Braith, Don Wilkerson and Lou Donaldson was the superlative empathy he developed with guitarist Grant Green and drummer Ben Dixon - an organ trio whose work in the soul jazz genre remains unsurpassed to this day.
Since the resurgence in interest in music from this period Blue Note has unearthed many sessions that were buried in the vaults. LPs such as Blue John which was actually penciled for release, but never was, and two fantastic (and forward looking) albums Boogaloo and Memphis New York Spirit saw the light of day and showed the world more of this exceptional artist's work.
https://musicians.allaboutjazz.com/bigjohnpatton

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Para su tercer álbum, Big John Patton decidió expandir su banda al quinteto. Reteniendo los servicios de sus antiguos colegas, el guitarrista Grant Green y el baterista Ben Dixon, contrató al saxofonista tenor Fred Jackson (que también tocó en Along Came John) y al trompetista Richard Williams.
La combinación de dos trompetas puede ocasionalmente eclipsar el ritmo que Patton, Green y Dixon establecen, pero en su mayor parte los músicos aumentan la música en lugar de restarle importancia. Sin embargo, el combo nunca consigue igualar los picos de Along Came John y Blue John.
Hay varios buenos momentos en el disco, y Green y Patton son típicamente agradables, pero el disco en general es una pequeña decepción después de sus dos predecesores.
https://www.allmusic.com/album/the-way-i-feel-mw0000759052


Biografía del artista
 Big John Patton nació el 12 de julio de 1935 en Kansas City, Missouri. Músico autodidacta, comenzó a tocar el piano en 1948 y consiguió su primer gran concierto de gira con la sensación del R&B Lloyd Price entre 1954 y 1959.
A su llegada a Nueva York, alrededor de 1960, Patton comenzó a hacer la transición del piano al órgano. A lo largo de los años 60 grabó extensamente para Blue Note Records como líder y sideman, sobre todo con Grant Green y Lou Donaldson.
Su música evolucionó para incorporar elementos del jazz modal y libre, sin perder nunca el groove básico y terrenal que le aportó desde el principio.
Escribió algunos clásicos del jazz de órgano como "Funky Mama" y "The Yodel". Su música será recordada con cariño por músicos y aficionados. A finales de los 60's Patton grabó música muy aventurera para el sello Blue Note con artistas como Harold Alexander y George Coleman en lps como Understanding y Accent on the Blues. De particular importancia en las primeras sesiones grabadas para Blue Note tanto bajo su propio nombre como con George Braith, Don Wilkerson y Lou Donaldson fue la superlativa empatía que desarrolló con el guitarrista Grant Green y el baterista Ben Dixon - un trío de órgano cuyo trabajo en el género de soul jazz sigue siendo insuperable hasta el día de hoy.
Desde el resurgimiento del interés por la música de este periodo, Blue Note ha desenterrado muchas de las sesiones que fueron enterradas en las bóvedas. LPs como Blue John, que en realidad fue escrito para su lanzamiento, pero nunca lo fue, y dos álbumes fantásticos (y con visión de futuro) Boogaloo y Memphis New York Spirit vieron la luz del día y mostraron al mundo más del trabajo de este artista excepcional.
https://musicians.allaboutjazz.com/bigjohnpatton

 

 

John Patton • Memphis To New York Spirit

Although it was scheduled for release two times, Memphis to New York Spirit didn't appear until 1996, over 25 years after it was recorded. The album comprises the contents of two separate sessions - one recorded in 1970 with guitarist James "Blood" Ulmer, drummer Leroy Williams and saxophonist/flautist Marvin Cabell; the other recorded in 1969 with Cabell, Williams, and saxophonist George Coleman - that were very similiar in concept and execution.

Patton leads his combo through a selection of originals and covers that range from Wayne Shorter and McCoy Tyner to the Meters. Though the group is rooted in soul-jazz, they stretch the limits of the genre on these sessions, showing a willingness to experiment, while still dipping into the more traditional blues and funk reserves. Consequently, Memphis to New York Spirit doesn't have a consistent groove like some other Patton records, but when it does click, the results are remarkable; it's worthy addition to a funky soul-jazz collection.

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Aunque estaba programado para su lanzamiento dos veces, Memphis to New York Spirit no apareció hasta 1996, más de 25 años después de su grabación. El álbum comprende los contenidos de dos sesiones separadas: una grabada en 1970 con el guitarrista James "Blood" Ulmer, el baterista Leroy Williams y el saxofonista / flautista Marvin Cabell; el otro grabado en 1969 con Cabell, Williams y el saxofonista George Coleman, que eran muy similares en concepto y ejecución.

Patton lidera su combo a través de una selección de originales y portadas que van desde Wayne Shorter y McCoy Tyner hasta los Meters. Aunque el grupo está arraigado en el soul-jazz, extienden los límites del género en estas sesiones, mostrando una voluntad de experimentar, mientras siguen sumergiéndose en las reservas más tradicionales de blues y funk. En consecuencia, Memphis to New York Spirit no tiene un ritmo consistente como algunos otros registros de Patton, pero cuando hace clic, los resultados son notables; Es una adición digna a una colección funky de soul-jazz.

 

John Patton • Along Came John

Review:
by Stephen Thomas Erlewine

By the time John Patton recorded Along Came John, his debut as a leader, he had already become a familiar name around the Blue Note studios. He, guitarist Grant Green, and drummer Ben Dixon had become the label's regular soul-jazz rhythm section, playing on sessions by Lou Donaldson, Don Wilkerson, and Harold Vick, among others. They had developed an intuitive, empathetic interplay that elevated many of their sessions to near-greatness, at least in the realm of soul-jazz. That's one of the reasons why Along Came John is so successful -- the three know each other so well that their grooves are totally natural, which makes them quite appealing. These original compositions may not all be memorable, but the band's interaction, improvisation, and solos are. Tenor saxophonists Fred Jackson and Harold Vick provide good support, as well, but the show belongs to Patton, Green, and Dixon, who once again prove they are one of the finest soul-jazz combos of their era.

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Reseña:
por Stephen Thomas Erlewine

Por el equipo John Patton grabado Canto John, su debut en la líder, he he hecho ya un familiar name alrededor de los Blue Note studios. , Que se estrenará en el mes de mayo de este año, en la que participará en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Han sido desarrollados un intuitivo, empathetic interplay que elevó muchos de sus sesiones a cerca de la grandeza, al menos en el reino del soul-jazz. Que es una de las razones por las que el Came Juan es tan exitoso - los tres saben cada uno de ellos tan bien que sus grooves son totalmente naturales, que las marcas ellos quita la aparición. Estos originales composiciones no pueden ser memorables, pero la banda de interacción, improvisación, y los suelos. , Que se ha convertido en una de las mejores películas de la saga de la saga Crepúsculo.

Big John Patton • Blue Planet Man

 

 

Lonnie Smith • Mama Wailer

Review by Thom Jurek

Dr. Lonnie Smith's Mama Wailer is one of the quintessential sides issued by Creed Taylor's CTI/Kudu imprint. Out of print for decades on LP, in 2003 it became available again in Japan as a beautifully remastered CD -- as part of King's ambitious reissue project of all things Kudu. Uncharacteristically, Smith played clavinet as well as organ on this set, and arranged all but one track. The rest of the band was comprised of Billy Cobham, Ron Carter, Chuck Rainey, Grover Washington, Jr., Airto, Jimmy Ponder, George Davis, and others. There are only four cuts on Mama Wailer, the title and "Hola Muneca" were written by Smith, the others are covers of pop tunes from the era: Carole King's "I Feel the Earth Move," and Sly Stone's "Stand" -- the latter takes up all of Side Two. Smith's keyboard playing -- particularly on the clavinet, is dirty, greasy, and way-gone funky. He rides Latin grooves on "Hola Muneca," and his B3 collides with the basses and Cobham's dancing, inverted backbeat groove. This is what Latin soul is all about when it meets jazz. The improvisations are in the pocket, but, at the same time, off the page. Here is where boogaloo and hard bop meet headlong. On the King tune, soul-jazz reigns supreme as the B3 administers groove therapy to the rhythm challenge. Elsewhere, as on "Stand," (arranged by Washington), Smith's overdubbed B3s create a wondrously complex harmonic melody as the band moves in behind the beat. A few minutes in (it's almost 20 minutes in length), the ensemble picks up the tempo, and falls into the groove pocket from which all things are possible improvisationally. Two-and-a-half minutes into the tune, the jam unfolds, a soul-jazz deep funky grit that streams and sweats call-and-response lines from one player to the next. For anyone who's ever had reservations about Washington's ability to cut loose as an improviser, they need only to give this track a listen and then apologize to his ghost. As guitars weave in and around the slinky, deep-groove basslines, Smith and Washington trade fours, and then Ponder turns his guitar into an overdrive machine to match Smith line for line, interweaving and intercutting before the whole mutha lifts off at eight-minutes-thirty-seconds and into a James Brown and His Famous Flames riot of soulful funky badness that nonetheless allows for Washington to solo outside on the edges of an over-amped rhythm section. Whew!

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Revisión por Thom Jurek
Mama Wailer, del Dr. Lonnie Smith, es una de las partes por excelencia del sello CTI / Kudu de Creed Taylor. Fuera de impresión durante décadas en LP, en 2003 volvió a estar disponible en Japón como un CD hermosamente remasterizado, como parte del ambicioso proyecto de reedición de King de todo lo relacionado con Kudu. Extrañamente, Smith tocó tanto el clavinet como el órgano en este set, y organizó todas las pistas menos una. El resto de la banda estaba compuesto por Billy Cobham, Ron Carter, Chuck Rainey, Grover Washington, Jr., Airto, Jimmy Ponder, George Davis y otros. Solo hay cuatro cortes en Mama Wailer, el título y "Hola Muneca" fueron escritos por Smith, los otros son covers de canciones pop de la época: "I Feel the Earth Move" de Carole King y "Stand" de Sly Stone - el último ocupa todo el lado dos. La ejecución del teclado de Smith, en particular en el clavinet, es sucia, grasienta, y funky. Él monta ritmos latinos en "Hola Muneca", y su B3 choca con los bajos y el baile de Cobham, ritmo de ritmo invertido. De esto se trata el alma latina cuando se encuentra con el jazz. Las improvisaciones están en el bolsillo, pero, al mismo tiempo, fuera de la página. Aquí es donde el boogaloo y el hard bop se encuentran de frente. En la melodía de King, el soul-jazz reina supremo a medida que el B3 administra la terapia de ritmo al desafío del ritmo. En otra parte, como en "Stand" (arreglado por Washington), los B3s doblados de Smith crean una melodía armónica maravillosamente compleja cuando la banda se mueve detrás del ritmo. A los pocos minutos (casi 20 minutos de duración), el conjunto recoge el ritmo y cae en el bolsillo de la ranura desde el cual todo es posible de manera improvisada. A dos minutos y medio de la melodía, el atasco se despliega, una profunda melodía funky de soul-jazz que transmite y suda líneas de respuesta y respuesta de un jugador a otro. Para cualquiera que haya tenido reservas acerca de la capacidad de Washington para liberarse como improvisador, solo tienen que escuchar esta canción y luego disculparse con su fantasma. Mientras las guitarras tejen en torno a las líneas de bajo slinky, surco surco, Smith y Washington intercambian cuatro, y luego Ponder convierte su guitarra en una máquina de sobremarcha para que coincida línea por línea con Smith, entretejiéndose e intercalando antes de que el mutha se levante a los ocho minutos. - Treinta segundos y en un motín de maldad funky y funky de James Brown y Sus Llamas Famosas que, sin embargo, le permite a Washington salir a solas en los bordes de una sección de ritmo demasiado amplificada. ¡Uf! 

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Brad Shepik Organ Trio • Top Down

 

Featuring Gary Versace (organ) and Mark Ferber (drums), the comfort and easy rapport is apparent as they groove their way through full tilt improvisation, funk, blues, swing, South American and Balkan rhythms in this update of the time honored organ trio.

Shepik writes about Top Down- "These compositions (except Gary Peacock's Major Major) were written in the late spring/early summer of 2015. Friday evokes a wide open elation I feel working in my studio in Brooklyn. Sweet Suzy, written just a few days before the recording recalls the Meter's and the blues and was a highlight of the recording for me. There's more than a hint of one of my favorite guitarists, John Scofield, on this tune. Coincidentally, on the morning of the day of this album's second recording session, I had the honor to record a song with him along with Peter Bernstein and Adam Rogers as part of an New York University Guitar Ensemble record. Vampa has South American feel though I didn't have a specific regional rhythm in mind. The tune's harmonic/rhythmic structure leaves a lot of room for melodic invention and suggested a conversation in the trading choruses. Hall is dedicated to Jim Hall, the giant of the guitar whose influence is felt on every generation of guitarists that have come along since the the late 1950's. Something in the wide melodic intervals and fluid rhythm suggested his artistry. Top in the Middle is a bluesy AABC form however the chords deviate and suggest a somewhat difficult climb to the goal. The title refers to the inevitable mix of sweet and bitter as life unfolds. Major Major has been a favorite tune from Gary Peacock's "Tales of Another" for many years, I had the privilege of playing a session with him when I was 19. Aeolia is a circular tune with a 7/8 Balkan rhythm that reminds me of a friend who lives on a windy island. I was playing with harmonic colors and phrasing on Stumma Cake. The tune's title could be a dessert but the final two chords reflect a mild discomfort experienced occasionally by the very young."

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Traducción Automática:

Con Gary Versace (órgano) y Mark Ferber (batería), el confort y la buena relación son evidentes a medida que se van abriendo camino a través de la improvisación a toda velocidad, el funk, el blues, el swing, los ritmos sudamericanos y balcánicos en esta actualización del trío de órgano honrado. .

Shepik escribe sobre Top Down- "Estas composiciones (excepto Gary Majorc Major Major) se escribieron a fines de la primavera / principios de verano de 2015. El viernes evoca una gran emoción que siento trabajando en mi estudio en Brooklyn. Dulce Suzy, escrita solo algunas días antes de la grabación recuerda el Meter's y el blues y fue lo más destacado de la grabación para mí. Hay más de un indicio de uno de mis guitarristas favoritos, John Scofield, en esta melodía. Casualmente, en la mañana del día del álbum. En la segunda sesión de grabación, tuve el honor de grabar una canción con él junto con Peter Bernstein y Adam Rogers como parte de un disco de Ensemble de Guitarra de la Universidad de Nueva York. Vampa tiene un toque sudamericano, aunque no tenía un ritmo regional específico en mente. La estructura armónica / rítmica de la melodía deja mucho espacio para la invención melódica y sugirió una conversación entre los coros comerciales. Hall está dedicado a Jim Hall, el gigante de la guitarra cuya influencia se siente en cada generación de guitarristas. s que han aparecido desde finales de la década de 1950. Algo en los amplios intervalos melódicos y ritmo fluido sugirió su arte. Top in the Middle es una forma AABC de blues, sin embargo, los acordes se desvían y sugieren un ascenso algo difícil hacia la meta. El título se refiere a la inevitable mezcla de dulce y amargo a medida que se desarrolla la vida. Major Major ha sido una melodía favorita de "Tales of Another" de Gary Peacock durante muchos años, tuve el privilegio de tocar una sesión con él cuando tenía 19 años. Aeolia es una melodía circular con un ritmo 7/8 de los Balcanes que me recuerda a Un amigo que vive en una isla ventosa. Jugaba con colores armónicos y fraseo en Stumma Cake. El título de la melodía podría ser un postre, pero los dos acordes finales reflejan una leve molestia experimentada ocasionalmente por los muy jóvenes ".

 

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Lonnie Smith • Move Your Hand

 

Review 1

Anyone that has listened to Lonnie Smith should know that Dr. Smith is at his best when performing the slow and grinding ilk of funk. While his album "Live at Club Mozambique" is a great and funky disc, it tends towards the faster and more energized groves; it only gives us a taste of the grinding slow stuff. This album, however, gives us a lot more of the slow grinders that Dr. Smith is rightly known for.

Review 2

Just as Lou Donaldson's albums broke loose of many blues cliches a few years before, introducing a new funky boogaloo rhythm into Jazz, Lonnie breaks free of the boogaloo funk cliche's of the '60s and absorbs the funk of JB and then contemporary black radio. In fact, this is probably the least dated B3 CD of that era. He even does a bit of singing visa vis the enormously funky "Move Your Hand" which could of just as easily been taken up by George Clinton and P-Funk.

Cool, Funky and Groovin', this album along with Jimmy Smith's ROOT DOWN and Lou Donaldson's Midnight Creeper are definitely top picks for the true Hammond B-3 funkateer.

Review 3

Lonnie has that essential groove that remains through the whole album. Right from the first track you realise you are on one of Blue notes very special albums. "Charlie Brown" sets the scene while "Layin in the Cut" builds up the pace to an awe inspiring state on one of the greatest groove organ tracks I have ever heard. On the Title track "Move Your Hand" Lonnie matches his organ brilliance with unique heart felt vocals. On "Sunshine Superman" Lonnie continues the saga. The man is backed by awesome performances on guitar by Larry Mcgee and Rudy Jones on Tenor Saxaphone as well as many other musicians also giving excellent performances. This is an album that always remains by the stereo, mainly in it. You will always return to it. This is the exact music you would want to listen to in your favourite bar with dim lights a groovy armosphere and your favourite drink in your hand.

Review 4

Move Your Hand was recorded live at Club Harlem in Atlantic City on August 9, 1969. Organist Lonnie Smith led a small combo -- featuring guitarist Larry McGee, tenor saxist Rudy Jones, bari saxist Ronnie Cuber, and drummer Sylvester Goshay -- through a set that alternated originals with two pop covers, the Coasters' "Charlie Brown" and Donovan's "Sunshine Superman." Throughout, the band works a relaxed, bluesy, and, above all, funky rhythm; they abandon improvisation and melody for a steady groove, so much that the hooks of the two pop hits aren't recognizable until a few minutes into the track. No one player stands out, but Move Your Hand is thoroughly enjoyable, primarily because the group never lets their momentum sag throughout the session. Though the sound of the record might be somewhat dated, the essential funk of the album remains vital.

-Stephen Thomas Erlewine

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Traducción Automática:

Opinión 1

Cualquier persona que haya escuchado a Lonnie Smith debe saber que el Dr. Smith está en su mejor momento cuando realiza el lento y duro trabajo del funk. Si bien su álbum "Live at Club Mozambique" es un gran disco funky, tiende hacia arboledas más rápidas y con más energía; Solo nos da una idea de lo lento y molido. Este álbum, sin embargo, nos ofrece muchos más de los molinos lentos por los que el Dr. Smith es conocido.

Revisión 2

Al igual que el álbum de Lou Donaldson se desprendió de muchos clichés de blues unos años antes, introduciendo un nuevo ritmo boogaloo funky en Jazz, Lonnie se libera del cliché de boogaloo funk de los años 60 y absorbe el funk de JB y la radio negra contemporánea. De hecho, este es probablemente el CD B3 menos fechado de esa era. Incluso hace un poco de visa de canto frente al enormemente funky "Move Your Hand", que podría ser fácilmente abordado por George Clinton y P-Funk.

Cool, Funky and Groovin ', este álbum junto con ROOT DOWN de Jimmy Smith y Midnight Creeper de Lou Donaldson son sin duda las mejores elecciones para el verdadero funkateer Hammond B-3.

Revisión 3

Lonnie tiene ese ritmo esencial que permanece en todo el álbum. Desde la primera pista te das cuenta de que estás en uno de los álbumes muy especiales de Blue Notes. "Charlie Brown" establece la escena, mientras que "Layin in the Cut" aumenta el ritmo hasta convertirse en un estado impresionante en una de las mejores pistas de órgano groove que he escuchado. En el tema del título "Move Your Hand", Lonnie combina la brillantez de su órgano con voces únicas y sentidas. En "Sunshine Superman" Lonnie continúa la saga. El hombre está respaldado por impresionantes actuaciones en la guitarra por Larry Mcgee y Rudy Jones en Tenor Saxaphone, así como muchos otros músicos que también brindan excelentes actuaciones. Este es un álbum que siempre permanece por el estéreo, principalmente en él. Siempre volverás a ello. Esta es la música exacta que querrías escuchar en tu bar favorito con tenues luces, una armosfera genial y tu bebida favorita en tu mano.

Revisión 4

Move Your Hand se grabó en vivo en el Club Harlem en Atlantic City el 9 de agosto de 1969. El organista Lonnie Smith dirigió un pequeño combo con el guitarrista Larry McGee, el saxista tenor Rudy Jones, el saxista bari Ronnie Cuber y el baterista Sylvester Goshay a través de un conjunto que alternó originales con dos versiones pop, "Charlie Brown" de los Coasters y "Sunshine Superman" de Donovan. En todo momento, la banda trabaja con un ritmo relajado, blues y, sobre todo, funky; abandonan la improvisación y la melodía para un ritmo constante, tanto que los ganchos de los dos éxitos del pop no son reconocibles hasta unos pocos minutos en la pista. Ningún jugador se destaca, pero Move Your Hand es completamente agradable, principalmente porque el grupo nunca deja que su impulso ceda durante la sesión. Aunque el sonido del disco podría ser un poco anticuado, el funk esencial del álbum sigue siendo vital.

-Stephen Thomas Erlewine

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Brad Shepik Trio [Feat. Gary Versace] • Places You Go

 

Review by Jeff Tamarkin
Although he holds onto the trio configuration for Places You Go, Brad Shepik has made one rather major change here: out goes the bassist of the jazz guitarist's past two albums and in comes Hammond B-3 organist Gary Versace. To say that Shepik's shaken things up a bit in the rhythm department with this move would be stating the obvious, but with Versace handling the basslines on his keys, and holdover drummer Tom Rainey not only tying up the loose ends but quite often pointing the way, the additional textures aren't so much a switcheroo as an opening up of myriad new possibilities. And the trio do take advantage of those possibilities, even if, in doing so, they give up a certain amount of the abandon that characterized their previous output (as well as some of Shepik's other projects, such as the Commuters and Babkas): Versace's approach is more often than not far removed from that of classic B-3 players like Jimmy Smith and Jack McDuff, save for one thing: like them, he's got soul, and thus he and Shepik make sure to play off of the organ's natural funkiness as often as possible. There is a cost to all this, though: Shepik's music has lost a good deal of its worldliness. Where past projects were likely to visit traditions from the Balkans to Africa, the improvisations on Places You Go keep largely within more conventional Western jazz structures -- if the word conventional can be applied to music this elastic and relatively edgy. Shepik has in the past shown a predilection for angular, strong, rhythmic bursts, and while there are still plenty of those, as well as many a time signature trick within these grooves, Shepik spends much of this record applying his technical prowess and songwriting acumen to what can only be considered rather straightforward, un-harsh tones and lyrical, easier-to-follow melodic and harmonic paths. Places You Go isn't a lightweight album by any means -- Shepik and both bandmembers kick out some serious musicality here from top to bottom, the smoother ballads being no exception -- but it is a less experimental one. It would be foolhardy to expect a musician such as Shepik to stay here long, however -- moving forward is too much a part of who he is.
https://www.allmusic.com/album/places-you-go-mw0000556950

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Reseña de Jeff Tamarkin
Aunque mantiene la configuración de trío para Places You Go, Brad Shepik ha hecho un cambio bastante importante aquí: sale el bajista de los dos últimos álbumes del guitarrista de jazz y entra el organista de Hammond B-3 Gary Versace. Decir que Shepik ha sacudido un poco las cosas en el departamento rítmico con este cambio sería afirmar lo obvio, pero con Versace manejando las líneas de bajo con sus teclas, y el baterista Tom Rainey no sólo atando los cabos sueltos sino a menudo señalando el camino, las texturas adicionales no son tanto un cambio como una apertura de innumerables nuevas posibilidades. Y el trío aprovecha esas posibilidades, aunque, al hacerlo, renuncie en cierta medida al abandono que caracterizaba su producción anterior (así como algunos de los otros proyectos de Shepik, como The Commuters y Babkas): El enfoque de Versace suele distar mucho del de los intérpretes clásicos de B-3 como Jimmy Smith y Jack McDuff, salvo por una cosa: al igual que ellos, tiene alma, y por eso él y Shepik se aseguran de aprovechar el funk natural del órgano siempre que sea posible. Sin embargo, todo esto tiene un coste: La música de Shepik ha perdido gran parte de su mundanidad. Mientras que proyectos anteriores visitaban tradiciones desde los Balcanes hasta África, las improvisaciones de Places You Go se mantienen en gran medida dentro de las estructuras más convencionales del jazz occidental, si es que la palabra convencional puede aplicarse a una música tan elástica y relativamente vanguardista. Shepik ha mostrado en el pasado una predilección por los estallidos rítmicos angulosos y fuertes, y aunque todavía hay muchos de ellos, así como muchos trucos de compás dentro de estos surcos, Shepik pasa gran parte de este disco aplicando su destreza técnica y su perspicacia compositiva a lo que sólo puede considerarse tonos más bien directos, no ásperos y líricos, caminos melódicos y armónicos más fáciles de seguir. Places You Go no es un álbum ligero ni mucho menos (Shepik y los dos miembros de la banda desprenden una gran musicalidad de arriba abajo, y las baladas más suaves no son una excepción), pero es menos experimental. Sin embargo, sería temerario esperar que un músico como Shepik se quedara aquí mucho tiempo: avanzar forma parte de él.
https://www.allmusic.com/album/places-you-go-mw0000556950

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instagram.com/garyversace ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

John Patton • Accent On The Blues

Seven of the ten tracks here were cut in 1969 by organist Patton, guitarist Blood Ulmer, drummer Leroy Williams and Marvin Cabell on tenor sax, sax, cello and flute. During the final three tracks, two previously unreleased, Patton is joined by tenorman George Coleman. Patton didn't receive the attention in the '60s and '70s paid to Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes and Jimmy McGriff, but few B-3 players could approach him. His relaxed work, while always bluesy, was and is consistently fresh. His phrases may seem familiar, but aren't cliches. He's also got an excellent left hand, and really knows when to punctuate with it, and structures his solos lucidly. John composes well, too. His sophisticated tunes are, like his playing, deceptively simple.

Even at this early stage in his career Ulmer's impressive, displaying a strong Wes Montgomery influence while improvising inventively and with discipline. Coleman, in good form, plays rich, many-noted phrases. Like him, Cabell's been marked by John Coltrane. Although he doesn't have anything like Coleman's chops, Marvin's thoughtful playing is worth hearing. ~ Harvey Pekar

Most John Patton albums are hard-driving, edgy soul-jazz and funk, and the title of Accent on the Blues makes the record seem like it would be no different than his other sessions. Accent On The Blues CD music Of course, that isn't the case. Accent on the Blues is among the most atmospheric music Patton has ever made. While it stops short of being free, it's hardly funky soul-jazz, and that may disappoint some fans of his rip-roaring style. Nevertheless, the album is a rewarding listen, primarliy because it displays a more reflective side of his talent, demonstrating that he can hold his own among the likes of guitarist James Blood Ulmer and saxophonist Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine

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Siete de las diez canciones aquí fueron cortadas en 1969 por el organista Patton, el guitarrista Blood Ulmer, el baterista Leroy Williams y Marvin Cabell en saxo tenor, saxo, cello y flauta. En los tres últimos temas, dos de ellos inéditos, Patton está acompañado por el tenor George Coleman. Patton no recibió la atención que en los años 60 y 70 se le prestó a Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes y Jimmy McGriff, pero pocos jugadores de B-3 pudieron acercarse a él. Su trabajo relajado, aunque siempre azul, era y es constantemente fresco. Sus frases pueden parecer familiares, pero no son clichés. También tiene una excelente mano izquierda, y realmente sabe cuando puntuar con ella, y estructura sus solos lúcidamente. John también compone bien. Sus sofisticadas melodías son, como su forma de tocar, engañosamente simples.

Incluso en esta etapa temprana de su carrera, Ulmer es impresionante, mostrando una fuerte influencia de Wes Montgomery mientras improvisa con inventiva y disciplina. Coleman, en buena forma, toca frases ricas y con muchas notas. Como él, Cabell ha sido marcado por John Coltrane. Aunque no tiene nada que ver con las chuletas de Coleman, vale la pena escuchar la forma de tocar de Marvin. ~ Harvey Pekar

La mayoría de los álbumes de John Patton son duros, soul-jazz y funk, y el título de Accent on the Blues hace que el disco parezca que no sería diferente de sus otras sesiones. La música del CD de Accent On The Blues Por supuesto, ese no es el caso. Accent on the Blues es una de las músicas más atmosféricas que Patton ha hecho. Aunque no llega a ser gratis, no es un soul-jazz funky, y eso puede decepcionar a algunos fans de su estilo rip-roaring. Sin embargo, el álbum es una escucha gratificante, sobre todo porque muestra un lado más reflexivo de su talento, demostrando que puede sostenerse entre los gustos del guitarrista James Blood Ulmer y el saxofonista Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine

Will Bernard-Sam Yahel-Donald Edwards • Ancient Grains

 

In the culinary world, ancient grains is a term used to describe grains that have been virtually unchanged for centuries but are often used in modern recipes. Will Bernard uses this idea as a metaphor in his album Ancient Grains. The basic concept is that the instruments used in this recording, such as guitars, organ, amplifiers and drums, are vintage in different ways. Some are actually vintage instruments while others are based on designs of vintage instruments. As with the ancient grains, the players use these older instruments to create their own musical recipes.

Bernard has been recording since the 1980s. He has worked with an impressive list of performers including Don Cherry, Herbie Hancock, The Funky Meters, Tom Waits, John Scofield and Jimmy McGriff. His experience covers a range of musical genres, including jazz, funk, hip-hop and non-Western music. With Ancient Grains, Bernard draws from his background to create a cool modern take on more traditional sounds and styles.

The album features Bernard on guitar, along with Sam Yahel on organ, and Donald Edwards on drums. These are all great players, and there's a definite chemistry among them. It's easy to see how these musicians have been schooled in the traditions, but they are also building from those traditions to explore new territory. In keeping with the ancient grains concept, this classic jazz trio setting produces some super cool, funky grooves seasoned with an occasional twist.

Most of the songs included on this album are original compositions. As Bernard describes it, the songs "draw on old forms and feelings that have been reworked in my own slightly skewed way." It's not free jazz or avant-garde, but it's not entirely traditional either. Take the opener "Dry Land Tourist," for example. This tight and funky groove seems like it could have come straight out of The Meters' playbook. At the same time, there's a little uncertainty to this 6/4 rhythm. It has an inventive and playful quality that isn't all that predictable. It is, as Bernard describes it, "slippery funk."

This idea of "slippery funk" comes across in many of the songs on Ancient Grains, including the title track, "Mazurka Tree" and "Trilobite." There is an appealing uniqueness to these songs, much like some of Thelonious Monk's compositions. This is not surprising, considering that Bernard considers Monk to be his "gateway into the world of straight-ahead jazz." He even covers the Monk song "Boo Boo's Birthday" here.

The album isn't limited to just upbeat funky jazz. Some of the songs have a very soulful and contemplative feel, and the song "Stone Valley" is a perfect example. Yahel's organ has a gospel-inspired sound, which highlights the soulful tone of the tune. This song is something of a tribute to Bernard's father who had recently passed. It's also a reflection about how quickly the world changes.

Ancient Grains offers a healthy mixture of funky, soulful and straight-ahead tunes. Bernard shows how creating new sounds doesn't mean abandoning established traditions. As with the actual ancient grains, many traditions can be effectively repurposed into a tasty musical entrée.
By Kyle Simpler
June 22, 2021
https://www.allaboutjazz.com/ancient-grains-posi-tone-records

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En el mundo culinario, ancient grains es un término utilizado para describir granos que han permanecido prácticamente inalterados durante siglos, pero que a menudo se utilizan en recetas modernas. Will Bernard utiliza esta idea como metáfora en su álbum Ancient Grains. El concepto básico es que los instrumentos utilizados en esta grabación, como guitarras, órgano, amplificadores y batería, son vintage de diferentes maneras. Algunos son realmente instrumentos antiguos, mientras que otros se basan en diseños de instrumentos antiguos. Al igual que con los granos antiguos, los intérpretes utilizan estos instrumentos antiguos para crear sus propias recetas musicales.

Bernard lleva grabando desde los años ochenta. Ha trabajado con una impresionante lista de intérpretes, entre ellos Don Cherry, Herbie Hancock, The Funky Meters, Tom Waits, John Scofield y Jimmy McGriff. Su experiencia abarca diversos géneros musicales, como el jazz, el funk, el hip-hop y la música no occidental. Con Ancient Grains, Bernard aprovecha su experiencia para crear una versión moderna y fresca de sonidos y estilos más tradicionales.

El álbum cuenta con Bernard a la guitarra, Sam Yahel al órgano y Donald Edwards a la batería. Todos ellos son grandes músicos y existe una gran química entre ellos. Es fácil ver que estos músicos se han formado en las tradiciones, pero también que parten de ellas para explorar nuevos territorios. Siguiendo con el concepto de los granos antiguos, este trío de jazz clásico produce unos ritmos superfrescos y funky aderezados con algún giro ocasional.

La mayoría de las canciones incluidas en este álbum son composiciones originales. Como Bernard lo describe, las canciones "se inspiran en viejas formas y sentimientos que han sido reelaborados a mi manera ligeramente sesgada". No es free jazz ni vanguardia, pero tampoco es totalmente tradicional. Por ejemplo, la primera canción, "Dry Land Tourist". Este groove apretado y funky parece que podría haber salido directamente del libro de jugadas de The Meters. Al mismo tiempo, hay un poco de incertidumbre en este ritmo de 6/4. Tiene un carácter ingenioso y juguetón. Tiene una cualidad inventiva y juguetona que no es tan predecible. Es, como lo describe Bernard, "funk resbaladizo".

Esta idea de "funk resbaladizo" aparece en muchas de las canciones de Ancient Grains, como la que da título al disco, "Mazurka Tree" y "Trilobite". Hay una atractiva singularidad en estas canciones, muy parecida a algunas de las composiciones de Thelonious Monk. No es de extrañar, teniendo en cuenta que Bernard considera a Monk su "puerta de entrada al mundo del jazz directo". Incluso versiona aquí la canción de Monk "Boo Boo's Birthday".

El álbum no se limita al funky jazz alegre. Algunas de las canciones tienen un aire muy conmovedor y contemplativo, y la canción "Stone Valley" es un ejemplo perfecto. El órgano de Yahel tiene un sonido inspirado en el gospel, que resalta el tono conmovedor de la melodía. Esta canción es una especie de homenaje al padre de Bernard, recientemente fallecido. También es una reflexión sobre lo rápido que cambia el mundo.

Ancient Grains ofrece una saludable mezcla de melodías funky, soul y directas. Bernard demuestra que crear nuevos sonidos no significa abandonar las tradiciones establecidas. Como ocurre con los granos antiguos, muchas tradiciones pueden transformarse en un sabroso plato musical.
Por Kyle Simpler
22 de junio de 2021
https://www.allaboutjazz.com/ancient-grains-posi-tone-records

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Tony Monaco & Howard Paul • New Adventures

Tony Monaco and Howard Paul team up in a tribute Jimmy Smith & Wes Montgomery. Tony is an acknowledge master and internationally beloved Hammond organist and educator. Howard is a noted recording artist, lecturer, and most prominently known as President/CEO of Benedetto Guitars, Inc., the world's premier jazz guitar maker. They are joined Jim Rupp, who's years of road work and recording with the bands of Wood Herman, Maynard Ferguson, Glenn Miller and Diane Schuur make him one of the most dynamic and swinging drummers on the planet! This is a O.G.D. trio with an authenticity rarely seen in the genre today!

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Traducción Automática:

Tony Monaco y Howard Paul se unen en un homenaje a Jimmy Smith y Wes Montgomery. Tony es un reconocido maestro y educador y organista de Hammond. Howard es un reconocido artista de grabación, conferencista y el más conocido como Presidente / CEO de Benedetto Guitars, Inc., el principal fabricante de guitarras de jazz del mundo. ¡Se unen a Jim Rupp, que lleva años trabajando en la carretera y grabando con las bandas de Wood Herman, Maynard Ferguson, Glenn Miller y Diane Schuur, lo que lo convierte en uno de los bateristas más dinámicos y activos del planeta! Este es un O.G.D. Trío con una autenticidad raramente vista en el género hoy!

www.b3monaco.com ...