VA • Saga Jazzː The President's Men (Lester Young's Disciples)

 

Lester Young, Brew Moore, Gene Ammons, Stan Getz, Wardell Gray, Bob Cooper, Illinois Jacquet, Budd Johnson, Dexter Gordon, Al Cohn, Zoot Sims, Henri Renaud, Warne Marsh, Jimmy Giuffre, Paul Quinichette, Sonny Stitt, Bobby Jaspar, Bill Perkins …

Count Basie • Lester Leaps In

 

VA • Autour De Minuit - Saxophone Ballads

Ben Webster, Coleman Hawkins, Gerry Mulligan, John Coltrane, Lester Young, Stan Getz ...

Glenn Hardman And His Hammond Five • Singles

Glenn Hardman contemporáneo a Milt Herth y Ethel Smith, época en la que el órgano Hammond se convirtió en un instrumento de atractivo relativamente popular, fue tal vez el que estuvo más cercano al jazz, grabando con miembros de de la banda de Count Basie o como en este caso con Lester Young y Jo Jones. 

///////

Glenn Hardman contemporary to Milt Herth and Ethel Smith, a time when the Hammond organ became a relatively popular appeal, was perhaps closest to jazz, recording with members of Count Basie's band or as in this case with Lester Young and Jo Jones.  

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1946

 

Review by Ken Dryden
The 1946 Jazz at the Philharmonic concerts were true all-star events. This CD compiles portions of two different evenings. The first track, from January, includes trumpeters Dizzy Gillespie, Al Kilian, and Howard McGhee and saxophonists Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura, and Lester Young in thae front line. Young, having recently gotten out of the military service, is still not at full strength, with Parker and Gillespie taking charge in the rousing "Sweet Georgia Brown." McGhee takes Dizzy's place on the remaining January numbers. Parker, Smith, and Young are on hand for the April show, adding tenor saxophonist Coleman Hawkins and trumpeter Buck Clayton battling it out in an old-fashioned jam session on-stage. In the opening "J.A.T.P. Blues," Parker and Hawkins outshine the others, while "I Got Rhythm" gets things percolating and enlivens the crowd in an extended workout. Unlike later Jazz at the Philharmonic shows, the rhythm section is merely average, aside from pianist Mel Powell's contributions to "Sweet Georgia Brown." The audio is quite good for the era, considering the limitations of live recording in a large hall in 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

///////

Crítica de Ken Dryden
Los conciertos de Jazz at the Philharmonic de 1946 fueron auténticos acontecimientos estelares. Este CD recopila partes de dos veladas diferentes. La primera pista, de enero, incluye a los trompetistas Dizzy Gillespie, Al Kilian y Howard McGhee y a los saxofonistas Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura y Lester Young en primera línea. Young, recién salido del servicio militar, aún no está a pleno rendimiento, y Parker y Gillespie toman el mando en la entusiasta «Sweet Georgia Brown». McGhee ocupa el lugar de Dizzy en los restantes números de enero. Parker, Smith y Young están presentes en el concierto de abril, añadiendo al saxofonista tenor Coleman Hawkins y al trompetista Buck Clayton, que se baten en una jam session a la vieja usanza en el escenario. En el primer tema, «J.A.T.P. Blues», Parker y Hawkins eclipsan a los demás, mientras que «I Got Rhythm» pone las cosas en su sitio y anima al público en un largo entrenamiento. A diferencia de los conciertos posteriores de Jazz at the Philharmonic, la sección rítmica es simplemente regular, aparte de las contribuciones del pianista Mel Powell en «Sweet Georgia Brown». El sonido es bastante bueno para la época, teniendo en cuenta las limitaciones de la grabación en directo en una gran sala en 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

VA • Jazz Noireː Darktown Sleaze Mean Streets of 1940's

 

 

VA • Stompin at the Savoy - Swinging Jazz

 

Lester Young How to Make a Pork Pie Hat

 
 

The Pork Pie Hat. 

Silent film comedian Buster Keaton was famous for wearing one and Art Carney’s character Ed Norton from “The Honeymooners” was another who wore one as did actors Gene Hackman (in “The French Connection”) and Robert DeNiro (in “Mean Streets”). But the man who we focus on here is Lester Young and here he shows how to make one courtesy of a November 1949 article in “Our World” magazine.
-Scott Wenzel

https://mosaicrecords.tumblr.com/post/149805572483/lester-young-how-to-make-a-pork-pie-hat-the-pork

 

 

El sombrero Pork Pie.
El cómico de cine mudo Buster Keaton era famoso por llevarlo y el personaje de Art Carney Ed Norton de "The Honeymooners" era otro que lo llevaba, al igual que los actores Gene Hackman (en "The French Connection") y Robert DeNiro (en "Mean Streets"). Pero el hombre en el que nos centramos aquí es Lester Young y aquí nos muestra cómo hacer uno por cortesía de un artículo de noviembre de 1949 en la revista "Our World".
-Scott Wenzel

https://mosaicrecords.tumblr.com/post/149805572483/lester-young-how-to-make-a-pork-pie-hat-the-pork

 

 

Lester Young • 100 Years - Forever Young

 

You can’t overestimate Lester Young’s importance on the development of modern jazz. His superb melodic gift and logical phrasing and smooth, flowing lines were the inspiration for most of the jazz musicians regardless of instruments born after 1920. (Lester Young born 1909) As Johnny Griffin said to Eddie “Lockjaw” Davis: There are five tenor saxophonists that have made the styles we all get our inspiration from: Chu Berry, Don Byas, Ben Webster, Coleman Hawkins and Lester Young. All the tracks on these two CD’s are from the fifties. Three of the sessions are unissued and on one track Oh! Lady Be Good young Miles Davis is on trumpet. It was recorded on a European tour Lester and Miles did in 1956.
https://www.storyvillerecords.com/products/forever-young-1038414



 In October 1944, Lester Young, one of the most influential saxophonists in jazz, was inducted into the US army. In the 15 months that followed he was subjected to blatant racial prejudice then court martialed for possession of marijuana and alcohol and sentenced to a year in a detention barracks. He returned to civilian life severely traumatized. As a result, the received wisdom is it's not worth listening to recordings made by Young after his discharge.

This double album from radio shows and concerts proves the reverse. True, the sound is variable throughout and there are some irritating and badly cut announcements, but there is ample evidence that, while in the 1950s Lester might not always have leapt in quite as adroitly as he had done before Uncle Sam got hold of him, he could still cut it... and cut it pretty well.

The first five tracks are from Birdland in 1951. On all of them, particularly the opener, "Indiana" and his own "D.B. Blues" ( D.B. stands for detention barracks), Young gives good account of himself. He is aided by the competent but unremarkable Jesse Drakes on trumpet and backed by a rhythm section led by John Lewis on piano. There follows a rather shrill "Too Marvellous For Words," recorded at Birdland two years later, with Horace Silver on piano.

The next six tracks come from George Wein's Storyville Club in Boston, with Gildo Mahones on piano. Mahones, who played with Young for two years, has his moments, in particular on "Just You, Just Me" and "It's Only A Paper Moon." Young approaches the latter in rather desultory fashion but picks up considerably for his two solos. He goes on to turn in excellent versions of "I Cover The Waterfront" and "Up And At 'Em."

All the other tracks were recorded in 1956, when Young was in good shape, following hospital treatment for a nervous breakdown. Those recorded in Zurich include a lovely, lazy version of "Polka Dots And Moonbeams," followed by energetic takes on "Three Little Words" and "Lester Leaps In" and culminate in a rather subdued version of "Oh, Lady Be Good" featuring Miles Davis on trumpet.

Young is on very good form too on three numbers with Idrees Sulieman, recorded at Cafe Bohemia, again in 1956.

Forever young he wasn't. The Prez was only human... but always interesting.
By CHRIS MOSEY - May 15, 2010
https://www.allaboutjazz.com/100-years-forever-young-lester-young-storyville-records-review-by-chris-mosey.php

/////////

No se puede sobrestimar la importancia de Lester Young en el desarrollo del jazz moderno. Su magnífico don melódico, su fraseo lógico y sus líneas suaves y fluidas fueron la inspiración para la mayoría de los músicos de jazz, independientemente de los instrumentos, nacidos después de 1920. (Lester Young nació en 1909) Como dijo Johnny Griffin a Eddie "Lockjaw" Davis: Hay cinco saxofonistas tenores que han creado los estilos en los que todos nos inspiramos: Chu Berry, Don Byas, Ben Webster, Coleman Hawkins y Lester Young. Todos los temas de estos dos CD son de los años cincuenta. Tres de las sesiones son inéditas y en una de ellas, Oh! Lady Be Good, el joven Miles Davis toca la trompeta. Se grabó en una gira europea que Lester y Miles hicieron en 1956.
https://www.storyvillerecords.com/products/forever-young-1038414



 En octubre de 1944, Lester Young, uno de los saxofonistas más influyentes del jazz, fue reclutado por el ejército estadounidense. En los 15 meses que siguieron, fue sometido a flagrantes prejuicios raciales y luego sometido a un consejo de guerra por posesión de marihuana y alcohol y condenado a un año en un cuartel de detención. Regresó a la vida civil gravemente traumatizado. Por ello, la opinión generalizada es que no merece la pena escuchar las grabaciones realizadas por Young después de su licenciamiento.

Este doble álbum de programas de radio y conciertos demuestra lo contrario. Es cierto que el sonido es variable y que hay algunos anuncios irritantes y mal cortados, pero hay muchas pruebas de que, si bien en los años 50 Lester no siempre saltaba con la misma habilidad que antes de que el Tío Sam se apoderara de él, todavía podía cortar... y cortar bastante bien.

Los primeros cinco temas son de Birdland en 1951. En todos ellos, especialmente en el primero, "Indiana", y en su propio "D.B. Blues" (D.B. significa "detention barracks"), Young da buena cuenta de sí mismo. Está ayudado por el competente pero poco destacable Jesse Drakes a la trompeta y respaldado por una sección rítmica liderada por John Lewis al piano. Le sigue un "Too Marvellous For Words" bastante estridente, grabado en Birdland dos años después, con Horace Silver al piano.

Los siguientes seis temas proceden del Storyville Club de George Wein en Boston, con Gildo Mahones al piano. Mahones, que tocó con Young durante dos años, tiene sus momentos, en particular en "Just You, Just Me" y "It's Only A Paper Moon". Young aborda esta última de forma bastante desordenada, pero mejora considerablemente en sus dos solos. Continúa con excelentes versiones de "I Cover The Waterfront" y "Up And At 'Em".

Todos los demás temas fueron grabados en 1956, cuando Young estaba en buena forma, tras el tratamiento hospitalario por una crisis nerviosa. Los temas grabados en Zurich incluyen una encantadora y perezosa versión de "Polka Dots And Moonbeams", seguida de enérgicas tomas de "Three Little Words" y "Lester Leaps In" y culminan con una versión más bien apagada de "Oh, Lady Be Good" con Miles Davis a la trompeta.

Young también está en muy buena forma en tres números con Idrees Sulieman, grabados en el Café Bohemia, de nuevo en 1956.

No era joven para siempre. El Prez era sólo humano... pero siempre interesante.
Por CHRIS MOSEY - 15 de mayo de 2010
https://www.allaboutjazz.com/100-years-forever-young-lester-young-storyville-records-review-by-chris-mosey.php


www.storyvillerecords.com ...

 

Lester Young • Verve Jazz Masters 30

Review

With Coleman Hawkins and John Coltrane, Lester Young makes up what could be called the Holy Trinity of jazz tenor saxophonists. On this Verve compilation, we get a wonderful overview of Young's post- Count Basie Orchestra output. Selections featured here range from dates recorded in 1943 up through 1956, three years before the musician's death.

Young's cool-toned, behind-the-beat phrasing is in evidence on all 15 tracks, from the Latin inflected "In a Little Spanish Town ('Twas on a Night Like This)," through the relaxed swing of "Peg O' My Heart," to the uptempo bounce of "All of Me." This CD sizzles with great jazz performances.

by AllMusic

https://www.allmusic.com/album/verve-jazz-masters-30-mw0000122274

///////

Reseña

Con Coleman Hawkins y John Coltrane, Lester Young forma lo que podría llamarse la Santísima Trinidad de los saxofonistas tenores de jazz. En esta compilación de Verve, tenemos una maravillosa visión general de la producción de la Orquesta post-Conde Basie de Young. Las selecciones que se presentan aquí van desde fechas grabadas en 1943 hasta 1956, tres años antes de la muerte del músico.

El fraseo de tono frío y detrás del ritmo de Young está en evidencia en los 15 temas, desde el latín inflexionado "In a Little Spanish Town ('Twas on a Night Like This)", pasando por el relajado swing de "Peg O' My Heart", hasta el rebote uptempo de "All of Me". Este CD está lleno de grandes actuaciones de jazz.

por AllMusic

https://www.allmusic.com/album/verve-jazz-masters-30-mw0000122274

 

Lester Young • Blue Lester

Biography by Scott Yanow
Lester Young was one of the true jazz giants, a tenor saxophonist who came up with a completely different conception in which to play his horn, floating over bar lines with a light tone rather than adopting Coleman Hawkins' then-dominant forceful approach. A non-conformist, Young (nicknamed "Pres" by Billie Holiday) had the ironic experience in the 1950s of hearing many young tenors try to sound exactly like him.

Although he spent his earliest days near New Orleans, Lester Young lived in Minneapolis by 1920, playing in a legendary family band. He studied violin, trumpet, and drums, starting on alto at age 13. Because he refused to tour in the South, Young left home in 1927 and instead toured with Art Bronson's Bostonians, switching to tenor. He was back with the family band in 1929 and then freelanced for a few years, playing with Walter Page's Blue Devils (1930), Eddie Barefield in 1931, back with the Blue Devils during 1932-1933, and Bennie Moten and King Oliver (both 1933). He was with Count Basie for the first time in 1934 but left to replace Coleman Hawkins with Fletcher Henderson. Unfortunately, it was expected that Young would try to emulate Hawk, and his laid-back sound angered Henderson's sidemen, resulting in Pres not lasting long. After a tour with Andy Kirk and a few brief jobs, Lester Young was back with Basie in 1936, just in time to star with the band as they headed East. Young made history during his years with Basie, not only participating on Count's record dates but starring with Billie Holiday and Teddy Wilson on a series of classic small-group sessions. In addition, on his rare recordings on clarinet with Basie and the Kansas City Six, Young displayed a very original cool sound that almost sounded like altoist Paul Desmond in the 1950s. After leaving Count in 1940, Young's career became a bit aimless, not capitalizing on his fame in the jazz world. He co-led a low-profile band with his brother, drummer Lee Young, in Los Angeles until re-joining Basie in December 1943. Young had a happy nine months back with the band, recorded a memorable quartet session with bassist Slam Stewart, and starred in the short film Jammin' the Blues before he was drafted. His experiences dealing with racism in the military were horrifying, affecting his mental state of mind for the remainder of his life.

Although many critics have written that Lester Young never sounded as good after getting out of the military, despite erratic health he actually was at his prime in the mid- to late-'40s. He toured (and was well paid by Norman Granz) with Jazz at the Philharmonic on and off through the '40s and '50s, made a wonderful series of recordings for Aladdin, and worked steadily as a single. Young also adopted his style well to bebop (which he had helped pave the way for in the 1930s). But mentally he was suffering, building a wall between himself and the outside world, and inventing his own colorful vocabulary. Although many of his recordings in the 1950s were excellent (showing a greater emotional depth than in his earlier days), Young was bothered by the fact that some of his white imitators were making much more money than he was. He drank huge amounts of liquor and nearly stopped eating, with predictable results. 1956's Jazz Giants album found him in peak form as did a well documented engagement in Washington, D.C., with a quartet and a last reunion with Count Basie at the 1957 Newport Jazz Festival. But, for the 1957 telecast The Sound of Jazz, Young mostly played sitting down (although he stole the show with an emotional one-chorus blues solo played to Billie Holiday). After becoming ill in Paris in early 1959, Lester Young came home and essentially drank himself to death. Many decades after his death, Pres is still considered (along with Coleman Hawkins and John Coltrane) one of the three most important tenor saxophonists of all time.
https://www.allmusic.com/artist/lester-young-mn0000259529#biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Lester Young fue uno de los verdaderos gigantes del jazz, un saxofonista tenor al que se le ocurrió una concepción completamente diferente sobre cómo tocar su trompa, flotando sobre las líneas de compás con un tono ligero en lugar de adoptar el enfoque contundente entonces dominante de Coleman Hawkins. Un inconformista, Young (apodado" Pres " por Billie Holiday) tuvo la irónica experiencia en la década de 1950 de escuchar a muchos tenores jóvenes tratar de sonar exactamente como él.

Aunque pasó sus primeros días cerca de Nueva Orleans, Lester Young vivió en Minneapolis en 1920, tocando en una legendaria banda familiar. Estudió violín, trompeta y batería, comenzando en contralto a los 13 años. Debido a que se negó a hacer una gira por el sur, Young dejó su hogar en 1927 y, en cambio, realizó una gira con Bostonians de Art Bronson, pasando al tenor. Regresó a la banda familiar en 1929 y luego trabajó como autónomo durante algunos años, tocando con Walter Page's Blue Devils (1930), Eddie Barefield en 1931, regresó con los Blue Devils durante 1932-1933, y Bennie Moten y King Oliver (ambos en 1933). Estuvo con Count Basie por primera vez en 1934, pero se fue para reemplazar a Coleman Hawkins con Fletcher Henderson. Desafortunadamente, se esperaba que Young intentara emular a Hawk, y su sonido relajado enfureció a los acompañantes de Henderson, lo que provocó que Pres no durara mucho. Después de una gira con Andy Kirk y algunos breves trabajos, Lester Young regresó con Basie en 1936, justo a tiempo para protagonizar con la banda mientras se dirigían al Este. Young hizo historia durante sus años con Basie, no solo participando en las fechas discográficas de Count, sino protagonizando con Billie Holiday y Teddy Wilson una serie de sesiones clásicas de grupos pequeños. Además, en sus raras grabaciones con clarinete con Basie y Kansas City Six, Young mostró un sonido genial muy original que casi sonaba como el altoista Paul Desmond en la década de 1950. Después de dejar Count en 1940, la carrera de Young quedó un poco sin rumbo, sin capitalizar su fama en el mundo del jazz. Codirigió una banda de bajo perfil con su hermano, el baterista Lee Young, en Los Ángeles hasta que volvió a unirse a Basie en diciembre de 1943. Young tuvo una feliz vuelta de nueve meses con la banda, grabó una memorable sesión de cuarteto con el bajista Slam Stewart y protagonizó el cortometraje Jammin' the Blues antes de ser reclutado. Sus experiencias lidiando con el racismo en el ejército fueron horribles, afectando su estado mental por el resto de su vida.

Aunque muchos críticos han escrito que Lester Young nunca sonó tan bien después de dejar el ejército, a pesar de su salud errática, en realidad estaba en su mejor momento a mediados y finales de los 40. Estuvo de gira (y Norman Granz le pagó bien) con Jazz en la Filarmónica de forma intermitente durante los años 40 y 50, hizo una maravillosa serie de grabaciones para Aladdin y trabajó constantemente como single. Young también adoptó bien su estilo al bebop (que había ayudado a allanar el camino en la década de 1930). Pero mentalmente estaba sufriendo, construyendo un muro entre él y el mundo exterior e inventando su propio vocabulario colorido. Aunque muchas de sus grabaciones en la década de 1950 fueron excelentes (mostrando una mayor profundidad emocional que en sus primeros días), a Young le molestaba el hecho de que algunos de sus imitadores blancos estuvieran ganando mucho más dinero que él. Bebió grandes cantidades de licor y casi dejó de comer, con resultados predecibles. El álbum Jazz Giants de 1956 lo encontró en plena forma, al igual que un compromiso bien documentado en Washington, DC, con un cuarteto y una última reunión con Count Basie en el Festival de Jazz de Newport de 1957. Pero, para la transmisión televisiva de 1957 The Sound of Jazz, Young tocó principalmente sentado (aunque se robó el espectáculo con un emotivo solo de blues de un coro interpretado con Billie Holiday). Después de enfermarse en París a principios de 1959, Lester Young llegó a casa y esencialmente bebió hasta morir. Muchas décadas después de su muerte, Pres sigue siendo considerado (junto con Coleman Hawkins y John Coltrane) uno de los tres saxofonistas tenores más importantes de todos los tiempos.
https://www.allmusic.com/artist/lester-young-mn0000259529#biography

Charlie Parker • The Essential Charlie Parker

 

 

Biography by Scott Yanow
One of a handful of musicians who can be said to have permanently changed jazz, Charlie Parker was arguably the greatest saxophonist of all time. He could play remarkably fast lines that, if slowed down to half speed, would reveal that every note made sense. "Bird," along with his contemporaries Dizzy Gillespie and Bud Powell, is considered a founder of bebop; in reality he was an intuitive player who simply was expressing himself. Rather than basing his improvisations closely on the melody as was done in swing, he was a master of chordal improvising, creating new melodies that were based on the structure of a song. In fact, Bird wrote several future standards (such as "Anthropology," "Ornithology," "Scrapple from the Apple," and "Ko Ko," along with such blues numbers as "Now's the Time" and "Parker's Mood") that "borrowed" and modernized the chord structures of older tunes. Parker's remarkable technique, fairly original sound, and ability to come up with harmonically advanced phrases that could be both logical and whimsical were highly influential. By 1950, it was impossible to play "modern jazz" with credibility without closely studying Charlie Parker.

Born in Kansas City, KS, Charlie Parker grew up in Kansas City, MO. He first played baritone horn before switching to alto. Parker was so enamored of the rich Kansas City music scene that he dropped out of school when he was 14, even though his musicianship at that point was questionable (with his ideas coming out faster than his fingers could play them). After a few humiliations at jam sessions, Bird worked hard woodshedding over one summer, building up his technique and mastery of the fundamentals. By 1937, when he first joined Jay McShann's Orchestra, he was already a long way toward becoming a major player.

Charlie Parker, who was early on influenced by Lester Young and the sound of Buster Smith, visited New York for the first time in 1939, working as a dishwasher at one point so he could hear Art Tatum play on a nightly basis. He made his recording debut with Jay McShann in 1940, creating remarkable solos with a small group from McShann's orchestra on "Oh, Lady Be Good" and "Honeysuckle Rose." When the McShann big band arrived in New York in 1941, Parker had short solos on a few of their studio blues records, and his broadcasts with the orchestra greatly impressed (and sometimes scared) other musicians who had never heard his ideas before. Parker, who had met and jammed with Dizzy Gillespie for the first time in 1940, had a short stint with Noble Sissle's band in 1942, played tenor with Earl Hines' sadly unrecorded bop band of 1943, and spent a few months in 1944 with Billy Eckstine's orchestra, leaving before that group made their first records. Gillespie was also in the Hines and Eckstine big bands, and the duo became a team starting in late 1944.

Although Charlie Parker recorded with Tiny Grimes' combo in 1944, it was his collaborations with Dizzy Gillespie in 1945 that startled the jazz world. To hear the two virtuosos play rapid unisons on such new songs as "Groovin' High," "Dizzy Atmosphere," "Shaw 'Nuff," "Salt Peanuts," and "Hot House," and then launch into fiery and unpredictable solos could be an upsetting experience for listeners much more familiar with Glenn Miller and Benny Goodman. Although the new music was evolutionary rather than revolutionary, the recording strike of 1943-1944 resulted in bebop arriving fully formed on records, seemingly out of nowhere.

Unfortunately, Charlie Parker was a heroin addict ever since he was a teenager, and some other musicians who idolized Bird foolishly took up drugs in the hope that it would elevate their playing to his level. When Gillespie and Parker (known as "Diz and Bird") traveled to Los Angeles and were met with a mixture of hostility and indifference (except by younger musicians who listened closely), they decided to return to New York. Impulsively, Parker cashed in his ticket, ended up staying in L.A., and, after some recordings and performances (including a classic version of "Oh, Lady Be Good" with Jazz at the Philharmonic), the lack of drugs (which he combated by drinking an excess of liquor) resulted in a mental breakdown and six months of confinement at the Camarillo State Hospital. Released in January 1947, Parker soon headed back to New York and engaged in some of the most rewarding playing of his career, leading a quintet that included Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter, and Max Roach. Parker, who recorded simultaneously for the Savoy and Dial labels, was in peak form during the 1947-1951 period, visiting Europe in 1949 and 1950, and realizing a lifelong dream to record with strings starting in 1949 when he switched to Norman Granz's Verve label.

But Charlie Parker, due to his drug addiction and chance-taking personality, enjoyed playing with fire too much. In 1951, his cabaret license was revoked in New York (making it difficult for him to play in clubs) and he became increasingly unreliable. Although he could still play at his best when he was inspired (such as at the 1953 Massey Hall concert with Gillespie), Bird was heading downhill. In 1954, he twice attempted suicide before spending time in Bellevue. His health, shaken by a very full if brief life of excesses, gradually declined, and when he died in March 1955 at the age of 34, he could have passed for 64.

Charlie Parker, who was a legendary figure during his lifetime, has if anything grown in stature since his death. Virtually all of his studio recordings are available on CD along with a countless number of radio broadcasts and club appearances. Clint Eastwood put together a well-intentioned if simplified movie about aspects of his life (Bird). Parker's influence, after the rise of John Coltrane, has become more indirect than direct, but jazz would sound a great deal different if Charlie Parker had not existed. The phrase "Bird Lives" (which was scrawled as graffiti after his death) is still very true.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-parker-mn0000211758#biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Charlie Parker, uno de los pocos músicos de los que se puede decir que cambió permanentemente el jazz, fue posiblemente el mejor saxofonista de todos los tiempos. Podía tocar líneas notablemente rápidas que, si se reducían a la mitad de velocidad, revelarían que cada nota tenía sentido. "Bird", junto con sus contemporáneos Dizzy Gillespie y Bud Powell, es considerado uno de los fundadores del bebop; en realidad era un jugador intuitivo que simplemente se estaba expresando. En lugar de basar sus improvisaciones estrechamente en la melodía como se hacía en el swing, era un maestro de la improvisación de acordes, creando nuevas melodías que se basaban en la estructura de una canción. De hecho, Bird escribió varios estándares futuros (como "Anthropology", "Ornithology", "Scrapple from the Apple" y "Ko Ko", junto con números de blues como "Now s the Time" y "Parker's Mood") que "tomaron prestado" y modernizaron las estructuras de acordes de melodías más antiguas. La notable técnica de Parker, su sonido bastante original y su capacidad para crear frases armónicamente avanzadas que pudieran ser tanto lógicas como caprichosas fueron muy influyentes. Para 1950, era imposible tocar "jazz moderno" con credibilidad sin estudiar de cerca a Charlie Parker.

Nacido en Kansas City, Kansas, Charlie Parker creció en Kansas City, Missouri. Primero tocó el cuerno de barítono antes de cambiarse al alto. Parker estaba tan enamorado de la rica escena musical de Kansas City que abandonó la escuela cuando tenía 14 años, a pesar de que su maestría musical en ese momento era cuestionable (con sus ideas surgiendo más rápido de lo que sus dedos podían tocarlas). Después de algunas humillaciones en sesiones improvisadas, Bird trabajó duro como leñador durante un verano, desarrollando su técnica y dominio de los fundamentos. Para 1937, cuando se unió por primera vez a la Orquesta de Jay McShann, ya estaba muy lejos de convertirse en un actor importante.

Charlie Parker, quien fue influenciado desde el principio por Lester Young y el sonido de Buster Smith, visitó Nueva York por primera vez en 1939, trabajando como lavaplatos en un momento dado para poder escuchar tocar a Art Tatum todas las noches. Hizo su debut discográfico con Jay McShann en 1940, creando solos notables con un pequeño grupo de la orquesta de McShann en "Oh, Lady Be Good" y "Honeysuckle Rose"."Cuando la McShann big band llegó a Nueva York en 1941, Parker tenía solos cortos en algunos de sus discos de blues de estudio, y sus transmisiones con la orquesta impresionaron mucho (y a veces asustaron) a otros músicos que nunca antes habían escuchado sus ideas. Parker, que había conocido y tocado con Dizzy Gillespie por primera vez en 1940, tuvo un breve período con la banda de Noble Sissle en 1942, tocó tenor con la bop band de Earl Hines, lamentablemente sin grabar, de 1943, y pasó unos meses en 1944 con la orquesta de Billy Eckstine, abandonando antes de que ese grupo hiciera sus primeros discos. Gillespie también estuvo en las big bands de Hines y Eckstine, y el dúo se convirtió en un equipo a partir de finales de 1944.

Aunque Charlie Parker grabó con el combo de Tiny Grimes en 1944, fueron sus colaboraciones con Dizzy Gillespie en 1945 las que sorprendieron al mundo del jazz. Escuchar a los dos virtuosos tocar rápidos unísonos en canciones nuevas como "Groovin ' High", "Dizzy Atmosphere", "Shaw ' Nuff"," Salt Peanuts " y "Hot House", y luego lanzarse a solos ardientes e impredecibles podría ser una experiencia perturbadora para los oyentes mucho más familiarizados con Glenn Miller y Benny Goodman. Aunque la nueva música fue evolutiva en lugar de revolucionaria, la huelga discográfica de 1943-1944 resultó en que bebop llegara completamente formado en discos, aparentemente de la nada.

Desafortunadamente, Charlie Parker era un adicto a la heroína desde que era un adolescente, y algunos otros músicos que idolatraban a Bird tontamente tomaron drogas con la esperanza de que elevara su forma de tocar a su nivel. Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz y Bird") viajaron a Los Ángeles y se encontraron con una mezcla de hostilidad e indiferencia (excepto por músicos más jóvenes que escuchaban atentamente), decidieron regresar a Nueva York. Impulsivamente, Parker cobró su boleto, terminó quedándose en Los Ángeles y, después de algunas grabaciones y presentaciones (incluida una versión clásica de "Oh, Lady Be Good" con Jazz en la Filarmónica), la falta de drogas (que combatió bebiendo un exceso de licor) resultó en un colapso mental y seis meses de confinamiento en el Hospital Estatal de Camarillo. Lanzado en enero de 1947, Parker pronto regresó a Nueva York y participó en algunas de las interpretaciones más gratificantes de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. Parker, que grabó simultáneamente para los sellos Savoy y Dial, estuvo en plena forma durante el período 1947-1951, visitó Europa en 1949 y 1950 y realizó el sueño de toda su vida de grabar con cuerdas a partir de 1949 cuando se cambió al sello Verve de Norman Granz.

Pero Charlie Parker, debido a su adicción a las drogas y su personalidad arriesgada, disfrutaba demasiado jugando con fuego. En 1951, su licencia de cabaret fue revocada en Nueva York (lo que le dificultaba tocar en clubes) y se volvió cada vez menos confiable. Aunque todavía podía tocar al máximo cuando estaba inspirado (como en el concierto de Massey Hall de 1953 con Gillespie), Bird se dirigía cuesta abajo. En 1954, intentó suicidarse dos veces antes de pasar un tiempo en Bellevue. Su salud, sacudida por una vida muy plena, aunque breve, de excesos, declinó gradualmente, y cuando murió en marzo de 1955 a la edad de 34 años, podría haber pasado por 64.

Charlie Parker, quien fue una figura legendaria durante su vida, ha crecido en estatura desde su muerte. Prácticamente todas sus grabaciones de estudio están disponibles en CD junto con un sinnúmero de transmisiones de radio y apariciones en clubes. Clint Eastwood armó una película bien intencionada, aunque simplificada, sobre aspectos de su vida (Bird). La influencia de Parker, tras el ascenso de John Coltrane, se ha vuelto más indirecta que directa, pero el jazz sonaría muy diferente si Charlie Parker no hubiera existido. La frase "Bird Lives" (que fue garabateada como graffiti después de su muerte) sigue siendo muy cierta.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-parker-mn0000211758#biography

charlieparkermusic.com ...

The Lester Young-Teddy Wilson Quartet • Pres And Teddy

Review by Scott Yanow
Although it has been written much too often that Lester Young declined rapidly from the mid-'40s on, the truth is that when he was healthy, Young played at his very best during the '50s, adding an emotional intensity to his sound that had not been present during the more carefree days of the '30s. This classic session, a reunion with pianist Teddy Wilson and drummer Jo Jones (bassist Gene Ramey completes the quartet), finds the great tenor in particularly expressive form. His rendition of "Prisoner of Love" is quite haunting, the version of "All of Me" is also memorable, and all of the swing standards (which are joined by his original "Pres Returns") are well worth hearing. This date (which has been reissued on CD) was recorded the day after Young's other classic from his late period, Jazz Giants '56.
https://www.allmusic.com/album/pres-teddy-mw0000188852

///////

Crítica de Scott Yanow
Aunque se ha escrito con demasiada frecuencia que Lester Young decayó rápidamente a partir de mediados de los años 40, la verdad es que cuando estaba sano, Young tocó en su mejor momento durante los años 50, añadiendo una intensidad emocional a su sonido que no había estado presente durante los días más despreocupados de los años 30. Esta sesión clásica, la reunión con el pianista Teddy Wilson y el baterista Jo Jones (el bajista Gene Ramey completa el cuarteto) encuentra al gran tenor en una forma particularmente expresiva. Esta sesión clásica, una reunión con el pianista Teddy Wilson y el batería Jo Jones (el bajista Gene Ramey completa el cuarteto), muestra al gran tenor en una forma particularmente expresiva. Su interpretación de "Prisoner of Love" es bastante inquietante, la versión de "All of Me" también es memorable, y merece la pena escuchar todos los estándares de swing (a los que se une su original "Pres Returns"). Esta fecha (que se ha reeditado en CD) se grabó al día siguiente del otro clásico de Young de su última época, Jazz Giants '56.
https://www.allmusic.com/album/pres-teddy-mw0000188852

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#1

 

It all started with Adolphe Sax, a Belgian instrument inventor. In 1842, he attached a clarinet mouthpiece to a brass creation and named it the saxophone. Because of its metal, conical body, the saxophone was capable of playing at volumes much higher than other woodwinds. Used in military bands in the 1800s, it took a while for the saxophone to be taken seriously by musicians. Now, it is a staple instrument in jazz and also has a role in music genres ranging from classical to pop.

Here is a brief history of the progression of jazz saxophone playing styles, structured around the stories of jazz figureheads.

Sidney Bechet (May 14th, 1897 - May 14th, 1959)
A contemporary of Louis Armstrong, Sidney Bechet was perhaps the first to develop a virtuosic approach to the saxophone. He played the soprano sax and, with his voice-like tone and bluesy style of improvisation, he boosted the involvement of the saxophone in early jazz styles.

Frankie Trumbauer (May 30th, 1901 - June 11th, 1956)
Alongside trumpeter Bix Beiderbecke, Trumbauer presented a refined alternative to the "hot jazz" of the first few decades of the 1900s. He rose to fame in the 1920s for recording "Singin' the Blues" on the C-Melody saxophone (halfway between the tenor and alto) with Beiderbecke. His dry tone and calm, introspective style influenced many later saxophonists.

Coleman Hawkins (November 21st, 1904 - May 19th, 1969)
One of the first virtuosos on the tenor saxophone, Coleman Hawkins became renowned for his aggressive tone and melodic creativity. He was a star of the Fletcher Henderson Orchestra during the swing era in the 1920s and '30s. His application of advanced harmonic knowledge to improvisation helped pave the way for bebop.

Johnny Hodges (July 5th, 1906 - May 11th, 1970)
Hodges was an alto saxophonist best known for leading Duke Ellington's Orchestra for 38 years. He played the blues and ballads with unrivaled tenderness. Heavily influenced by Sidney Bechet, Hodges' tone wailed with a fast vibrato and a bright timbre.

Ben Webster (March 27th, 1909 - September 20th, 1973)
Tenor saxophonist Ben Webster borrowed a raspy, aggressive tone from Coleman Hawkins on blues numbers, and invoked Johnny Hodges' sentimentality on ballads. He became a star soloist in Duke Ellington's Orchestra and is considered one of the three most influential tenor players of the swing era, along with Hawkins and Lester Young. His version of Ellington's "Cotton Tail" is one of the most famous recordings in jazz.

Lester Young (August 27th, 1909 - March 15th, 1959)
With his smooth tone and laid-back approach to improvisation, Young presented an alternative to the gruff styles of Webster and Hawkins. His melodic style more reflected that of Frankie Trumbauer, and his "cool" expression lead to the cool jazz movement.

Charlie Parker (August 29th, 1920 - March 12th, 1955)
Alto saxophonist Charlie Parker is credited with developing the lightning-fast, high energy bebop style alongside trumpeter Dizzy Gillespie. Parker's incredible technique along with his grasp of rhythm and harmony made him the object of study of virtually every jazz musician at some point in their development.

Sonny Rollins (b. September 7, 1930)
Inspired by Lester Young, Coleman Hawkins, and Charlie Parker, Sonny Rollins developed a bold and quirky melodic style. Bebop and calypso have been featured prominently throughout his career, which is marked by continual self-questioning and conscious evolution. In the late 1950s, after firmly establishing himself as one of the top call tenor players, he abandoned his career for three years while searching for a new sound. During this period, he practiced on the Williamsburg Bridge. To this day, Rollins is evolving and seeking out styles of jazz that will best express his ebullient musical character.

John Coltrane (September 23rd, 1926 - July 17th, 1967)
Coltrane's influence is one of the most remarkable in jazz. He began his career modestly, attempting to emulate Charlie Parker. In the 1950s, he found wider exposure through his gigs with Miles Davis and Thelonious Monk. It wasn't until 1959, however, that it seemed that Coltrane was really on to something. His piece "Giant Steps," on the album of the same name, featured a harmonic structure he had invented that sounded like nothing before it. He entered a period marked by a dismissal of linear melodies, fierce technique, and layers of harmony. In the mid 1960s, he abandoned rigid structures for intense, free improvisation.

Warne Marsh (October 26th, 1927 - December 17th, 1987)
Generally under the radar for most of his career, Warne Marsh played with an almost stoic approach. He valued complex linear melodies over riffs and licks, and his dry tone seemed reserved and pensive, unlike the effusive sounds of Coleman Hawkins and Ben Webster. Although he never earned the recognition of some of his like-minded contemporaries such as Lee Konitz or Lennie Tristano (who was also his teacher), Marsh's influence can be heard in the modern players such as saxophonist Mark Turner and guitarist Kurt Rosenwinkel.

Ornette Coleman (b. March 9th, 1930)
Beginning his career playing blues and R&B music, Coleman turned heads in the 1960s with his “harmolodic” approach — a technique with which he sought to equate harmony, melody, rhythm, and form. He didn’t adhere to conventional harmonic structures and his playing came to be called “free jazz," which was wildly controversial. Since his early days of angering jazz purists, Coleman is now considered the first avant-garde jazz musician. The avant-garde improvisation that he instigated has grown into a substantial and diverse genre.

Joe Henderson (April 24th, 1937 - June 30th, 2001)
Schooled by absorbing the music of all the master saxophonists who preceded him, Joe Henderson developed a style that was simultaneously steeped in yet independent of tradition. He gained attention for his early hard bop work, including an outstanding solo on Horace Silver’s “Song for My Father.” Over the course of his career, he recorded albums ranging from hard bop to experimental projects, and thereby embodied the expanding and evolving jazz culture.

Michael Brecker (March 29th, 1949 – January 13th, 2007)
Combining jazz and rock with supreme agility and finesse, Brecker rose to fame in the 1970s and '80s. He performed with pop acts Steely Dan, James Taylor, and Paul Simon as well as with jazz figures including Herbie Hancock, Roy Hargrove, Chick Corea, and dozens of others. His flawless technique raised the bar for jazz saxophonists to come, and he helped legitimize the role of rock and pop music in jazz styles.

Kenny Garrett (b. October 9th, 1960)
Garrett rose to fame while playing with Miles Davis’ electric band in the 1980s, during which time he developed a novel approach to the alto saxophone. His bluesy and aggressive solos tend to juxtapose his long, wailing notes with clipped, abrasive melodic fragments.

Chris Potter (b. January 1st, 1971)
A child saxophone prodigy, Chris Potter took saxophone technique to a new level. He began his career with trumpeter Red Rodney, and soon became the first choice tenor player for a number of notable bandleaders including Dave Holland, Paul Motian, and Dave Douglas. Having mastered the styles of previous jazz icons, Potter specializes in virtuosic solos built on motives or tone sets. The ease with which he plays in all registers of the saxophone is practically unmatched.

Mark Turner (b. Novermber 10th, 1965)
Heavily influenced by both Coltrane and Warne Marsh, Mark Turner rose to prominence alongside guitarist Kurt Rosenwinkel. His dry tone, angular phrases, and frequent use of the uppermost register of the saxophone make him stand out among contemporary saxophonists. Along with Chris Potter and Kenny Garrett, Turner is one of the most influential saxophonists in jazz today.
jazz.about.com

///////

Todo empezó con Adolphe Sax, un inventor belga de instrumentos. En 1842, unió una boquilla de clarinete a una creación de latón y le dio el nombre de saxofón. Gracias a su cuerpo cónico de metal, el saxofón era capaz de tocar a volúmenes mucho más altos que otros instrumentos de viento. Utilizado en bandas militares en el siglo XIX, el saxofón tardó un tiempo en ser tomado en serio por los músicos. En la actualidad, es un instrumento básico en el jazz y también desempeña un papel en géneros musicales que van desde la música clásica hasta el pop.

He aquí una breve historia de la progresión de los estilos de tocar el saxofón de jazz, estructurada en torno a las historias de las figuras del jazz.

Sidney Bechet (14 de mayo de 1897 - 14 de mayo de 1959)
Contemporáneo de Louis Armstrong, Sidney Bechet fue quizás el primero en desarrollar un enfoque virtuosístico del saxofón. Tocaba el saxo soprano y, con su tono similar a la voz y su estilo bluesy de improvisación, impulsó la participación del saxofón en los primeros estilos de jazz.

Frankie Trumbauer (30 de mayo de 1901 - 11 de junio de 1956)
Junto al trompetista Bix Beiderbecke, Trumbauer presentó una alternativa refinada al "hot jazz" de las primeras décadas del siglo XX. Saltó a la fama en los años 20 por grabar "Singin' the Blues" en el saxofón C-Melody (a medio camino entre el tenor y el alto) con Beiderbecke. Su tono seco y su estilo tranquilo e introspectivo influyeron en muchos saxofonistas posteriores.

Coleman Hawkins (21 de noviembre de 1904 - 19 de mayo de 1969)
Coleman Hawkins, uno de los primeros virtuosos del saxofón tenor, se hizo famoso por su tono agresivo y su creatividad melódica. Fue una estrella de la orquesta de Fletcher Henderson durante la era del swing en los años veinte y treinta. Su aplicación de conocimientos armónicos avanzados a la improvisación ayudó a allanar el camino para el bebop.

Johnny Hodges (5 de julio de 1906 - 11 de mayo de 1970)
Hodges fue un saxofonista alto más conocido por dirigir la orquesta de Duke Ellington durante 38 años. Tocaba el blues y las baladas con una ternura inigualable. Muy influido por Sidney Bechet, el tono de Hodges gemía con un vibrato rápido y un timbre brillante.

Ben Webster (27 de marzo de 1909 - 20 de septiembre de 1973)
El saxofonista tenor Ben Webster tomaba prestado un tono áspero y agresivo de Coleman Hawkins en los números de blues, e invocaba el sentimentalismo de Johnny Hodges en las baladas. Se convirtió en solista estrella de la orquesta de Duke Ellington y está considerado uno de los tres tenores más influyentes de la era del swing, junto con Hawkins y Lester Young. Su versión de "Cotton Tail" de Ellington es una de las grabaciones más famosas del jazz.

Lester Young (27 de agosto de 1909 - 15 de marzo de 1959)
Con su tono suave y su enfoque relajado de la improvisación, Young presentó una alternativa a los estilos roncos de Webster y Hawkins. Su estilo melódico reflejaba más el de Frankie Trumbauer, y su expresión "cool" dio lugar al movimiento del cool jazz.

Charlie Parker (29 de agosto de 1920 - 12 de marzo de 1955)
Al saxofonista alto Charlie Parker se le atribuye el desarrollo, junto al trompetista Dizzy Gillespie, del rapidísimo y enérgico estilo bebop. La increíble técnica de Parker, junto con su dominio del ritmo y la armonía, le convirtieron en objeto de estudio de prácticamente todos los músicos de jazz en algún momento de su desarrollo.

Sonny Rollins (n. 7 de septiembre de 1930)
Inspirado por Lester Young, Coleman Hawkins y Charlie Parker, Sonny Rollins desarrolló un estilo melódico atrevido y peculiar. El bebop y el calypso han ocupado un lugar destacado a lo largo de su carrera, marcada por el continuo autocuestionamiento y la evolución consciente. A finales de la década de 1950, tras establecerse firmemente como uno de los mejores tenores de llamada, abandonó su carrera durante tres años mientras buscaba un nuevo sonido. Durante este periodo, practicó en el puente de Williamsburg. A día de hoy, Rollins sigue evolucionando y buscando estilos de jazz que expresen mejor su efervescente carácter musical.

John Coltrane (23 de septiembre de 1926 - 17 de julio de 1967)
La influencia de Coltrane es una de las más notables del jazz. Comenzó su carrera modestamente, intentando emular a Charlie Parker. En los años 50, se dio a conocer gracias a sus actuaciones con Miles Davis y Thelonious Monk. Sin embargo, no fue hasta 1959 cuando pareció que Coltrane estaba realmente en lo cierto. Su pieza "Giant Steps", en el álbum del mismo nombre, presentaba una estructura armónica inventada por él que no se parecía a nada anterior. Entró en un periodo marcado por el abandono de las melodías lineales, la técnica feroz y las capas de armonía. A mediados de los sesenta, abandonó las estructuras rígidas por la improvisación libre e intensa.

Warne Marsh (26 de octubre de 1927 - 17 de diciembre de 1987)
Durante la mayor parte de su carrera, Warne Marsh pasó generalmente desapercibido. Valoraba más las melodías lineales complejas que los riffs y los licks, y su tono seco parecía reservado y pensativo, a diferencia de los efusivos sonidos de Coleman Hawkins y Ben Webster. Aunque nunca obtuvo el reconocimiento de algunos de sus contemporáneos afines, como Lee Konitz o Lennie Tristano (que también fue su maestro), la influencia de Marsh se puede escuchar en intérpretes modernos como el saxofonista Mark Turner y el guitarrista Kurt Rosenwinkel.

Ornette Coleman (n. 9 de marzo de 1930)
Coleman, que comenzó su carrera tocando blues y R&B, llamó la atención en la década de 1960 con su enfoque "armolódico", una técnica con la que pretendía equiparar armonía, melodía, ritmo y forma. No se ceñía a las estructuras armónicas convencionales y su forma de tocar pasó a denominarse "free jazz", que fue muy controvertido. Desde sus primeros días de enfado con los puristas del jazz, Coleman es considerado el primer músico de jazz de vanguardia. La improvisación vanguardista que instigó se ha convertido en un género importante y diverso.

Joe Henderson (24 de abril de 1937 - 30 de junio de 2001)
Joe Henderson, que aprendió absorbiendo la música de todos los maestros saxofonistas que le precedieron, desarrolló un estilo que, al mismo tiempo, estaba impregnado de la tradición y era independiente de ella. Llamó la atención por sus primeros trabajos de hard bop, incluido un solo excepcional en "Song for My Father" de Horace Silver. A lo largo de su carrera, grabó álbumes que abarcaban desde el hard bop hasta proyectos experimentales, encarnando así la cultura del jazz en expansión y evolución.

Michael Brecker (29 de marzo de 1949 - 13 de enero de 2007)
Combinando jazz y rock con agilidad y delicadeza supremas, Brecker saltó a la fama en las décadas de 1970 y 1980. Tocó con artistas de pop como Steely Dan, James Taylor y Paul Simon, así como con figuras del jazz como Herbie Hancock, Roy Hargrove, Chick Corea y docenas de otros. Su técnica impecable elevó el listón para los saxofonistas de jazz venideros, y ayudó a legitimar el papel del rock y la música pop en los estilos de jazz.

Kenny Garrett (n. 9 de octubre de 1960)
Garrett saltó a la fama mientras tocaba con la banda eléctrica de Miles Davis en la década de 1980, época en la que desarrolló un novedoso enfoque del saxofón alto. Sus solos bluesy y agresivos tienden a yuxtaponer sus notas largas y ululantes con fragmentos melódicos cortantes y abrasivos.

Chris Potter (n. 1 de enero de 1971)
Niño prodigio del saxofón, Chris Potter llevó la técnica del saxofón a un nuevo nivel. Comenzó su carrera con el trompetista Red Rodney, y pronto se convirtió en el tenor preferido de varios directores de orquesta notables, como Dave Holland, Paul Motian y Dave Douglas. Tras dominar los estilos de anteriores iconos del jazz, Potter se especializa en solos virtuosos construidos sobre motivos o conjuntos de tonos. La facilidad con la que toca en todos los registros del saxofón es prácticamente inigualable.

Mark Turner (n. 10 de noviembre de 1965)
Muy influido por Coltrane y Warne Marsh, Mark Turner saltó a la fama junto al guitarrista Kurt Rosenwinkel. Su tono seco, sus frases angulosas y el uso frecuente del registro más agudo del saxofón le hacen destacar entre los saxofonistas contemporáneos. Junto con Chris Potter y Kenny Garrett, Turner es uno de los saxofonistas más influyentes del jazz actual.
jazz.about.com

Lester Young • The President Of The Tenor Saxophone - The Essential

Biography by Scott Yanow
Lester Young was one of the true jazz giants, a tenor saxophonist who came up with a completely different conception in which to play his horn, floating over bar lines with a light tone rather than adopting Coleman Hawkins' then-dominant forceful approach. A non-conformist, Young (nicknamed "Pres" by Billie Holiday) had the ironic experience in the 1950s of hearing many young tenors try to sound exactly like him.

Although he spent his earliest days near New Orleans, Lester Young lived in Minneapolis by 1920, playing in a legendary family band. He studied violin, trumpet, and drums, starting on alto at age 13. Because he refused to tour in the South, Young left home in 1927 and instead toured with Art Bronson's Bostonians, switching to tenor. He was back with the family band in 1929 and then freelanced for a few years, playing with Walter Page's Blue Devils (1930), Eddie Barefield in 1931, back with the Blue Devils during 1932-1933, and Bennie Moten and King Oliver (both 1933). He was with Count Basie for the first time in 1934 but left to replace Coleman Hawkins with Fletcher Henderson. Unfortunately, it was expected that Young would try to emulate Hawk, and his laid-back sound angered Henderson's sidemen, resulting in Pres not lasting long. After a tour with Andy Kirk and a few brief jobs, Lester Young was back with Basie in 1936, just in time to star with the band as they headed East. Young made history during his years with Basie, not only participating on Count's record dates but starring with Billie Holiday and Teddy Wilson on a series of classic small-group sessions. In addition, on his rare recordings on clarinet with Basie and the Kansas City Six, Young displayed a very original cool sound that almost sounded like altoist Paul Desmond in the 1950s. After leaving Count in 1940, Young's career became a bit aimless, not capitalizing on his fame in the jazz world. He co-led a low-profile band with his brother, drummer Lee Young, in Los Angeles until re-joining Basie in December 1943. Young had a happy nine months back with the band, recorded a memorable quartet session with bassist Slam Stewart, and starred in the short film Jammin' the Blues before he was drafted. His experiences dealing with racism in the military were horrifying, affecting his mental state of mind for the remainder of his life.

Although many critics have written that Lester Young never sounded as good after getting out of the military, despite erratic health he actually was at his prime in the mid- to late-'40s. He toured (and was well paid by Norman Granz) with Jazz at the Philharmonic on and off through the '40s and '50s, made a wonderful series of recordings for Aladdin, and worked steadily as a single. Young also adopted his style well to bebop (which he had helped pave the way for in the 1930s). But mentally he was suffering, building a wall between himself and the outside world, and inventing his own colorful vocabulary. Although many of his recordings in the 1950s were excellent (showing a greater emotional depth than in his earlier days), Young was bothered by the fact that some of his white imitators were making much more money than he was. He drank huge amounts of liquor and nearly stopped eating, with predictable results. 1956's Jazz Giants album found him in peak form as did a well documented engagement in Washington, D.C., with a quartet and a last reunion with Count Basie at the 1957 Newport Jazz Festival. But, for the 1957 telecast The Sound of Jazz, Young mostly played sitting down (although he stole the show with an emotional one-chorus blues solo played to Billie Holiday). After becoming ill in Paris in early 1959, Lester Young came home and essentially drank himself to death. Many decades after his death, Pres is still considered (along with Coleman Hawkins and John Coltrane) one of the three most important tenor saxophonists of all time.
https://www.allmusic.com/artist/lester-young-mn0000259529#biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Lester Young fue uno de los verdaderos gigantes del jazz, un saxofonista tenor al que se le ocurrió una concepción completamente diferente sobre cómo tocar su trompa, flotando sobre las líneas de compás con un tono ligero en lugar de adoptar el enfoque contundente entonces dominante de Coleman Hawkins. Un inconformista, Young (apodado" Pres " por Billie Holiday) tuvo la irónica experiencia en la década de 1950 de escuchar a muchos tenores jóvenes tratar de sonar exactamente como él.

Aunque pasó sus primeros días cerca de Nueva Orleans, Lester Young vivió en Minneapolis en 1920, tocando en una legendaria banda familiar. Estudió violín, trompeta y batería, comenzando en contralto a los 13 años. Debido a que se negó a hacer una gira por el sur, Young dejó su hogar en 1927 y, en cambio, realizó una gira con Bostonians de Art Bronson, pasando al tenor. Regresó a la banda familiar en 1929 y luego trabajó como autónomo durante algunos años, tocando con Walter Page's Blue Devils (1930), Eddie Barefield en 1931, regresó con los Blue Devils durante 1932-1933, y Bennie Moten y King Oliver (ambos en 1933). Estuvo con Count Basie por primera vez en 1934, pero se fue para reemplazar a Coleman Hawkins con Fletcher Henderson. Desafortunadamente, se esperaba que Young intentara emular a Hawk, y su sonido relajado enfureció a los acompañantes de Henderson, lo que provocó que Pres no durara mucho. Después de una gira con Andy Kirk y algunos breves trabajos, Lester Young regresó con Basie en 1936, justo a tiempo para protagonizar con la banda mientras se dirigían al Este. Young hizo historia durante sus años con Basie, no solo participando en las fechas discográficas de Count, sino protagonizando con Billie Holiday y Teddy Wilson una serie de sesiones clásicas de grupos pequeños. Además, en sus raras grabaciones con clarinete con Basie y Kansas City Six, Young mostró un sonido genial muy original que casi sonaba como el altoista Paul Desmond en la década de 1950. Después de dejar Count en 1940, la carrera de Young quedó un poco sin rumbo, sin capitalizar su fama en el mundo del jazz. Codirigió una banda de bajo perfil con su hermano, el baterista Lee Young, en Los Ángeles hasta que volvió a unirse a Basie en diciembre de 1943. Young tuvo una feliz vuelta de nueve meses con la banda, grabó una memorable sesión de cuarteto con el bajista Slam Stewart y protagonizó el cortometraje Jammin' the Blues antes de ser reclutado. Sus experiencias lidiando con el racismo en el ejército fueron horribles, afectando su estado mental por el resto de su vida.

Aunque muchos críticos han escrito que Lester Young nunca sonó tan bien después de dejar el ejército, a pesar de su salud errática, en realidad estaba en su mejor momento a mediados y finales de los 40. Estuvo de gira (y Norman Granz le pagó bien) con Jazz en la Filarmónica de forma intermitente durante los años 40 y 50, hizo una maravillosa serie de grabaciones para Aladdin y trabajó constantemente como single. Young también adoptó bien su estilo al bebop (que había ayudado a allanar el camino en la década de 1930). Pero mentalmente estaba sufriendo, construyendo un muro entre él y el mundo exterior e inventando su propio vocabulario colorido. Aunque muchas de sus grabaciones en la década de 1950 fueron excelentes (mostrando una mayor profundidad emocional que en sus primeros días), a Young le molestaba el hecho de que algunos de sus imitadores blancos estuvieran ganando mucho más dinero que él. Bebió grandes cantidades de licor y casi dejó de comer, con resultados predecibles. El álbum Jazz Giants de 1956 lo encontró en plena forma, al igual que un compromiso bien documentado en Washington, DC, con un cuarteto y una última reunión con Count Basie en el Festival de Jazz de Newport de 1957. Pero, para la transmisión televisiva de 1957 The Sound of Jazz, Young tocó principalmente sentado (aunque se robó el espectáculo con un emotivo solo de blues de un coro interpretado con Billie Holiday). Después de enfermarse en París a principios de 1959, Lester Young llegó a casa y esencialmente bebió hasta morir. Muchas décadas después de su muerte, Pres sigue siendo considerado (junto con Coleman Hawkins y John Coltrane) uno de los tres saxofonistas tenores más importantes de todos los tiempos.
https://www.allmusic.com/artist/lester-young-mn0000259529#biography

VA • Jazz Districtː Bebop

 

Charlie Parker, Modern Jazz Quartet, Art Blakey, Erroll Garner, Coleman Hawkins, Dexter Gordon, Lester Young, J.J. Johnson, Kai Winding, Stan Getz, Frank Wess, Cannonball Adderley, Dave Brubeck, Charlie Rouse …

VA • Verve Jazz Club Collection Saxophone Ballads

 

 

Dexter Gordon, Charlie Parker, Al Cohn, Stan Getz, Joe Henderson, Lester Young, Johnny Hodges, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Klaus Doldinger, Don Byas, Gerry Mulligan …

 

VA • Saxophone 'N' Jazz

 

Charlie Parker, Stan Getz, Dexter Gordon, Sonny Rollins, John Coltrane, Gerry Mulligan, Wayne Shorter, Steve Lacy, Lester Young, Coleman Hawkins, Art Pepper, Woody Herman, Gene Ammons, Yusef Lateef …

Count Basie & His Orchestra • Swingin' The Blues

Classic recordings for Decca were cut between July 1937 and February 1939. The band line-up included the twin tenor sax threat of Lester Young and Herschel Evans, the All American Rhythm Section of Freddy Green (guitar), Walter Page (bass), Jo Jones (drums) and the Count himself on piano.

///////

Las grabaciones clásicas para Decca fueron cortadas entre julio de 1937 y febrero de 1939. La formación de la banda incluía la amenaza del saxo tenor gemelo de Lester Young y Herschel Evans, la sección rítmica americana de Freddy Green (guitarra), Walter Page (bajo), Jo Jones (batería) y el propio Conde en el piano.

Miles Davis & Milt Jackson • Complete Recordings

This 2CD set collates Miles Davis and Milt Jackson complete recorded collaborations both live and in the studio. These two seminal figures in the development of modern jazz only recorded together on a few occasions (between 1954 and 1956) - but predictably, the results more than lived up to expectations.

Also featuring an all-star cast of musicians : Thelonious Monk, Jackie McLean, Lester Young, Ray Bryant, John Lewis, Percy Heath & Kenny Clarke.

As a bonus, two further examples of Miles sparse small group recordings with vibraphonists: the complete album Blue Moods (1955) with Teddy Charles, Charles Mingus & Elvin Jones (which received a 5 star rating in Down Beat) and an ultra rare 1952 Birdland broadcast with Don Elliott - appearing here on CD for the first time ever.
https://www.freshsoundrecords.com/miles-davis-albums/5337-miles-davis-milt-jackson-complete-recordings-2-cd-set.html

 

///////

 

Este set de 2CD recopila colaboraciones grabadas completas de Miles Davis y Milt Jackson tanto en vivo como en el estudio. Estas dos figuras fundamentales en el desarrollo del jazz moderno solo grabaron juntas en unas pocas ocasiones (entre 1954 y 1956), pero como era de esperar, los resultados estuvieron a la altura de las expectativas.

También cuenta con un elenco estelar de músicos: Thelonious Monk, Jackie McLean, Lester Young, Ray Bryant, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke.

Como beneficio adicional, dos ejemplos más de grabaciones dispersas en grupos pequeños de Miles con vibrafonistas: el álbum completo Blue Moods (1955) con Teddy Charles, Charles Mingus y Elvin Jones (que recibió una calificación de 5 estrellas en Down Beat) y una transmisión ultra rara de Birdland de 1952 con Don Elliott, que aparece aquí en CD por primera vez.
https://www.freshsoundrecords.com/miles-davis-albums/5337-miles-davis-milt-jackson-complete-recordings-2-cd-set.html