Hank Jones Trio • The Trio

 

Claude Hopkins • Swing Time!

 

Review by Scott Yanow
Claude Hopkins is best-known for being a powerful stride pianist who led a big band in the 1930s; he is also known for his solo records of 1969-72. Barely on records at all from 1941-59, Hopkins cut three albums for Swingville from 1960-63; the second and third are reissued in full on this 1999 CD. The most surprising aspect to these combo dates is that Hopkins hardly strides at all and comes across as a Teddy Wilson-inspired swing pianist. Much of the time he is in the background, with the success of the sessions really due to the fine playing of the horns. Trombonist Vic Dickenson and tenor saxophonist Budd Johnson play at the high level one would expect on the Swing Time set, with the main revelation being the obscure trumpeter Bobby Johnson, a veteran of Erskine Hawkins' Orchestra, who holds his own with the stars. Hopkins' "Crying My Heart Out for You" from this date is well worth reviving again. The music from the other Swingville album, Let's Jam, gives tenor saxophonist Buddy Tate an opportunity to play his underrated clarinet on "Late Evening" and has several opportunities for the largely forgotten swing trumpeter Joe Thomas to show how lyrical a soloist he was. This CD is recommended even if Hopkins' role is much more minor than expected. 
https://www.allmusic.com/album/swing-time-mw0000666904

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Reseña de Scott Yanow
Claude Hopkins es conocido principalmente por ser un poderoso pianista de stride que lideró una big band en la década de 1930; también es famoso por sus discos en solitario de 1969-72. Apenas grabó entre 1941 y 1959, pero entre 1960 y 1963 Hopkins grabó tres álbumes para Swingville; el segundo y el tercero se reeditan íntegramente en este CD de 1999. Lo más sorprendente de estas grabaciones en combo es que Hopkins apenas toca el stride y se presenta como un pianista de swing inspirado en Teddy Wilson. La mayor parte del tiempo permanece en segundo plano, y el éxito de las sesiones se debe realmente a la excelente interpretación de los instrumentos de viento. El trombonista Vic Dickenson y el saxofonista tenor Budd Johnson tocan al alto nivel que cabría esperar en el conjunto Swing Time, siendo la principal revelación el desconocido trompetista Bobby Johnson, un veterano de la Orquesta de Erskine Hawkins, que está a la altura de las estrellas. Vale la pena recuperar «Crying My Heart Out for You» de Hopkins, de esta fecha. La música del otro álbum de Swingville, Let's Jam, da al saxofonista tenor Buddy Tate la oportunidad de tocar su clarinete, infravalorado, en «Late Evening», y ofrece varias oportunidades al trompetista de swing Joe Thomas, en gran parte olvidado, para demostrar lo lírico que era como solista. Este CD es recomendable, aunque el papel de Hopkins sea mucho más secundario de lo esperado. 
https://www.allmusic.com/album/swing-time-mw0000666904

Duke Jordan & Sadik Hakim • East And West Of Jazz

 

Don Byrd - Gigi Gryce • Modern Jazz Perspective

 

Review:
by Matt Collar
Trumpeter Donald Byrd's 1957 date Modern Jazz Perspective is a swinging, straight-ahead, bop-infused album featuring pianist Gigi Gryce. Also showcased on the album is vocalist Jackie Paris. Interestingly, Paris is also featured playing banjo on the gospel-inflected opening track, "Medley: Early Morning Blues."
https://www.allmusic.com/album/modern-jazz-perspective-mw0002407411

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Reseña:
por Matt Collar
La fecha de 1957 del trompetista Donald Byrd, Modern Jazz Perspective, es un álbum de swing, directo y con una gran influencia del bop, en el que participa la pianista Gigi Gryce. También aparece en el álbum la vocalista Jackie Paris. Curiosamente, Paris también aparece tocando el banjo en el tema de apertura de influencia gospel, "Medley: Early Morning Blues".
https://www.allmusic.com/album/modern-jazz-perspective-mw0002407411

Don Byrd & Gigi Gryce • Jazz Lab

 

Ike Quebec • The Art Of Ike Quebec

 

Review
by Scott Yanow
Tenor-saxophonist Ike Quebec recorded six albums for Blue Note during his last period before passing away in Jan. 1963. This single CD has at least one selection from each of the records (11 in all) that, when taken as a whole, gives one a good idea as to how strong Quebec was still sounding. Although his fans will want to get the individual records (four of the six are currently available on CD's), this is an excellent sampler. Among the other players are organist Freddie Roach, guitarists Grant Green and Kenny Burrell, pianist Sonny Clark, drummer Art Blakey and Billy Higgins, trombonist Bennie Green and tenor great Stanley Turrentine.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-ike-quebec-mw0000613994

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Reseña
por Scott Yanow
El tenor-saxofonista Ike Quebec grabó seis álbumes para Blue Note durante su última etapa antes de fallecer en enero de 1963. Este único CD contiene al menos una selección de cada uno de los discos (11 en total) que, tomados en su conjunto, dan una buena idea de la fuerza con la que Quebec seguía sonando. Aunque sus fans querrán conseguir los discos individuales (cuatro de los seis están disponibles actualmente en CD), éste es un excelente muestrario. Entre los demás músicos figuran el organista Freddie Roach, los guitarristas Grant Green y Kenny Burrell, el pianista Sonny Clark, los baterías Art Blakey y Billy Higgins, el trombonista Bennie Green y el gran tenor Stanley Turrentine.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-ike-quebec-mw0000613994

Buddy Tate-Claude Hopkins • Buddy & Claude

 

Review
by Alex Henderson
Buddy and Claude combines two 1960 sessions on a single 74-minute CD. The first is Yes Indeed!, a Claude Hopkins date that features Buddy Tate prominently and also employs trumpeter Emmett Berry, bassist Wendell Marshall, and drummer Osie Johnson. The other is Tate's Tate-A-Tate, which doesn't employ pianist Hopkins at all, but boasts Clark Terry on trumpet and flügelhorn, Tommy Flanagan on piano, Larry Gales on bass, and Art Taylor on drums. When these swing-to-bop sessions were recorded, Tate was in his late 40s, and his breathy tenor playing continued to reflect his years in the Count Basie Orchestra. Indeed, Basie's influence is prominent on both sessions, and it comes through whether Tate is swinging passionately on Duke Ellington's "It Don't Mean a Thing" and Billy Strayhorn's "Take the A Train," blowing the blues on "Empty Bed Blues," or favoring smoky, sentimental ballad playing on "What Is This Thing Called Love," "All Too Soon," and "Willow Weep for Me." It's interesting to note that Hopkins and Flanagan interact with Tate equally well -- even though they were two very different pianists. Hopkins started out as a stride pianist, whereas Flanagan (who was 27 years younger) became well known in the 1950s and was primarily a hard bopper. Both pianists enjoy a strong rapport with Tate, and both of them do their part to make Buddy and Claude the rewarding reissue that it is.
https://www.allmusic.com/album/buddy-and-claude-mw0000050358

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Reseña
por Alex Henderson
Buddy and Claude combina dos sesiones de 1960 en un único CD de 74 minutos. La primera es Yes Indeed!, una fecha de Claude Hopkins en la que Buddy Tate ocupa un lugar destacado y en la que también trabajan el trompetista Emmett Berry, el bajista Wendell Marshall y el batería Osie Johnson. El otro es Tate-A-Tate de Tate, que no emplea al pianista Hopkins en absoluto, pero cuenta con Clark Terry a la trompeta y flügelhorn, Tommy Flanagan al piano, Larry Gales al bajo y Art Taylor a la batería. Cuando se grabaron estas sesiones de swing-to-bop, Tate rondaba los 40 años, y su soplo de tenor seguía reflejando sus años en la orquesta de Count Basie. De hecho, la influencia de Basie es prominente en ambas sesiones, y se percibe tanto si Tate está tocando apasionadamente "It Don't Mean a Thing" de Duke Ellington y "Take the A Train" de Billy Strayhorn, soplando blues en "Empty Bed Blues", o favoreciendo una balada humeante y sentimental en "What Is This Thing Called Love", "All Too Soon" y "Willow Weep for Me". Es interesante observar que Hopkins y Flanagan interactúan con Tate igual de bien, a pesar de que eran dos pianistas muy diferentes. Hopkins empezó como pianista de stride, mientras que Flanagan (27 años más joven) se dio a conocer en los años 50 y era principalmente un pianista de hard bopper. Ambos pianistas disfrutan de una gran compenetración con Tate, y ambos ponen de su parte para hacer de Buddy and Claude la gratificante reedición que es.
https://www.allmusic.com/album/buddy-and-claude-mw0000050358

The Mal Waldron Trio • The Blues Minus You - Ten Shades Of Blue

 

Joe Reisman And His Orchestra • Party Night At Joe's

 

Joseph Reisman (September 16, 1924, Dallas - September 15, 1987, Los Angeles) was an American musician (tenor and baritone saxophone, clarinet), bandleader, arranger, and record producer in the swing era.

Reisman studied at Baylor University and at the University of Texas at El Paso. He began his music career as a saxophonist in bands like Glen Gray's Casa Loma Orchestra, Louis Prima, Bob Crosby, Sam Donahue, Frankie Masters, and Jack Teagarden. As an arranger he worked for Ray Bauduc and Gene Williams. At the end of the 1940s he gave up an active career as a musician, and worked as an arranger and producer in the Hollywood studios. He arranged and conducted for Patti Page, accompanying her on her hits "How Much Is That Doggie in the Window", "Tennessee Waltz", and "Mockingbird Hill", and for Perry Como, including on "Catch a Falling Star" and "Papa Loves Mambo".[1] He also worked on productions by Eartha Kitt ("Sho-Jo-Ji (The Hungry Raccoon)"), Sarah Vaughan, June Valli, Georgia Gibbs, Ann-Margret, Lena Horne, André Previn and the Ames Brothers.

In the mid-1950s he was the musical director of several television shows, including NBC's Shower of Stars and The Oldsmobile Hour; He also worked for RCA Victor and Roulette Records. At RCA and Roulette, he also recorded several albums in an easy listening style, and had a minor hit with a cover version of Ross Bagdasarian's "Armen's Theme". At the beginning of the 1960s, Reisman returned to RCA and then worked as a producer for Henry Mancini for almost thirty years, starting with his album Our Man in Hollywood (1964).

He died of a heart attack one day before his 63rd birthday on September 15, 1987 in Los Angeles. In 1996, his widow donated his collection of scores to the New York Public Library for the Performing Arts.
https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Reisman

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Joseph Reisman (16 de septiembre de 1924, Dallas - 15 de septiembre de 1987, Los Ángeles) fue un músico estadounidense (saxofón tenor y barítono, clarinete), director de orquesta, arreglista y productor discográfico de la era del swing.

Reisman estudió en la Universidad de Baylor y en la Universidad de Texas en El Paso. Comenzó su carrera musical como saxofonista en bandas como la Casa Loma Orchestra de Glen Gray, Louis Prima, Bob Crosby, Sam Donahue, Frankie Masters y Jack Teagarden. Como arreglista trabajó para Ray Bauduc y Gene Williams. A finales de la década de 1940 abandonó su carrera como músico y trabajó como arreglista y productor en los estudios de Hollywood. Hizo arreglos y dirigió para Patti Page, acompañándola en sus éxitos "How Much Is That Doggie in the Window", "Tennessee Waltz" y "Mockingbird Hill", y para Perry Como, incluso en "Catch a Falling Star" y "Papa Loves Mambo". [También trabajó en producciones de Eartha Kitt ("Sho-Jo-Ji (The Hungry Raccoon)"), Sarah Vaughan, June Valli, Georgia Gibbs, Ann-Margret, Lena Horne, André Previn y los Ames Brothers.

A mediados de la década de 1950 fue el director musical de varios programas de televisión, como Shower of Stars y The Oldsmobile Hour de la NBC; también trabajó para RCA Victor y Roulette Records. En RCA y Roulette, también grabó varios álbumes de estilo easy listening, y tuvo un pequeño éxito con una versión de "Armen's Theme" de Ross Bagdasarian. A principios de los años sesenta, Reisman volvió a RCA y luego trabajó como productor para Henry Mancini durante casi treinta años, empezando por su álbum Our Man in Hollywood (1964).

Murió de un ataque al corazón un día antes de cumplir 63 años, el 15 de septiembre de 1987 en Los Ángeles. En 1996, su viuda donó su colección de partituras a la Biblioteca Pública de Nueva York para las Artes Escénicas.
https://en.wikipedia.org/wiki/Joe_Reisman

Milt Jackson • Jackson's Ville

 

Review
by Jim Todd
This fine 1956 date features Jackson leading a session that moves with ease and authority through a relaxing eight-minute ride on Charlie Parker's "Now's the Time," an Ellington ballad medley, and a pair of the vibist's own blues-based, hard bop compositions. The real treat here is Lucky Thompson's tenor sax. The Don Byas-influenced Thompson has a sound that invites the listener to luxuriate in its grace and strength. Thompson solos on "Mood Indigo" with a sublime, breathy legato, adding bite and rougher edges -- without sacrificing nuance or subtlety -- on Jackson's "Minor Conception" and "Soul in 3/4." For his part, Jackson reels off a fluid stream of shifting, seamless, advanced blues -- his time, phrasing, and execution all exquisite. In the rhythm section, Hank Jones (piano), Wendell Marshall (bass), and Kenny Clarke (drums) support with the ego-free artistry expected of the Savoy house band of the day. Jackson's Ville is one of four Savoy CDs that pair Jackson with Thompson. The others are The Jazz Skyline, Roll 'em Bags, and Meet Milt Jackson. Each on its own is short measure (Jackson's Ville clocks in at 30 minutes). As a collection, though, they comprise a vital document that sits nicely alongside Jackson's and Thompson's work with Miles Davis from this period.
https://www.allmusic.com/album/jacksons-ville-mw0000097959

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Revisión
por Jim Todd
Esta buena fecha de 1956 presenta a Jackson dirigiendo una sesión que se mueve con facilidad y autoridad a través de un relajante paseo de ocho minutos en "Now's the Time" de Charlie Parker, un popurrí de baladas de Ellington, y un par de composiciones propias del vibrista basadas en el blues y el hard bop. Lo mejor es el saxo tenor de Lucky Thompson. Thompson, influenciado por Don Byas, tiene un sonido que invita al oyente a deleitarse con su gracia y fuerza. Thompson hace un solo en "Mood Indigo" con un legato sublime y respiratorio, añadiendo mordacidad y bordes más ásperos - sin sacrificar el matiz o la sutileza - en "Minor Conception" y "Soul in 3/4" de Jackson. Por su parte, Jackson se desprende de un flujo fluido de blues cambiante, sin fisuras, avanzado - su tiempo, fraseo y ejecución son exquisitos. En la sección rítmica, Hank Jones (piano), Wendell Marshall (bajo) y Kenny Clarke (batería) apoyan con el arte sin ego que se esperaba de la banda de la casa Savoy de la época. Jackson's Ville es uno de los cuatro CDs de Savoy que emparejan a Jackson con Thompson. Los otros son The Jazz Skyline, Roll 'em Bags y Meet Milt Jackson. Cada uno de ellos por sí solo es corto (Jackson's Ville dura 30 minutos). Sin embargo, como colección, constituyen un documento vital que se sitúa muy bien junto a los trabajos de Jackson y Thompson con Miles Davis de este periodo.
https://www.allmusic.com/album/jacksons-ville-mw0000097959

Willis Jackson • Cookin' Sherry

 

Biography
An exciting tenor saxophonist whose honking and squeals (although influenced by Illinois Jacquet) were quite distinctive, Willis Jackson was also a strong improviser who sounded perfectly at home with organ groups. He played locally in Florida early on, until joining Cootie Williams (on and off during 1948-1955). His two-sided honking feature "Gator Tail" with "Cootie" (which earned Williams a lifelong nickname) was a hit in 1948, and he started recording as a leader in 1950. Jackson had a romantic and creative partnership with singer Ruth Brown for eight years, and often appeared on her recordings during this era. His extensive series of Prestige recordings (1959-1964) made him a big attraction on the organ circuit. Although generally overlooked by critics, Willis Jackson continued working steadily in the 1970s and '80s. In 1977, he recorded one of the finest albums of his career for Muse, Bar Wars.
Jackson died in New York City one week after heart surgery, in October 1987, at the age of 55.

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Biografía

Un excitante saxofonista tenor cuyos bocinazos y chillidos (aunque influenciado por Illinois Jacquet) eran bastante distintivos, Willis Jackson era también un fuerte improvisador que sonaba perfectamente en casa con los grupos de órgano. Tocó localmente en Florida desde el principio, hasta que se unió a Cootie Williams (de vez en cuando durante 1948-1955). Su característica de tocar la bocina por los dos lados "Gator Tail" con "Cootie" (lo que le valió a Williams un apodo de por vida) fue un éxito en 1948, y comenzó a grabar como líder en 1950. Jackson tuvo una relación romántica y creativa con la cantante Ruth Brown durante ocho años, y a menudo apareció en sus grabaciones durante esta época. Su extensa serie de grabaciones de Prestige (1959-1964) lo convirtió en una gran atracción en el circuito de los órganos. Aunque generalmente pasado por alto por los críticos, Willis Jackson continuó trabajando firmemente en los años 70 y 80. En 1977, grabó uno de los mejores álbumes de su carrera para Muse, Bar Wars.

Jackson murió en la ciudad de Nueva York una semana después de una operación de corazón, en octubre de 1987, a la edad de 55 años.

Billy Strayhorn • Piano Passion

 

Review from All About Jazz:
"During their nearly three decades of working together, Billy Strayhorn and Duke Ellington created a legacy of music for the ages. This set offers a rare opportunity to hear Strayhorn the composer playing many of his own songs, as well as some he wrote with Ellington and others. Their partnership began in 1939 and ended only with the death of "Swee' Pea," as Strayhorn came to be fondly called by Ellington, at a mere 52 from cancer in 1967.

The first ten cuts in this collection, recorded in Paris during two midnight sessions in 1961, were originally released on an LP rather inexplicably called The Peaceful Side of Billy Strayhorn. To that set another eleven sides have been added here. Recorded at various dates in New York from 1946 and 1950, both Ellington and Strayhorn play the piano.

The 1961 sides are marked by simplicity and a vibrant emotional connection. Strayhorn's playing is not showy. It's an honest performance in which each note of his "Passion Flower or his and Ellington's "Strange Feeling are invested with soul. On three numbers, the Paris Blue Notes lend a dash of vocalese. If on "Lush Life their "aaaaaahs verge on the kitschy, on "Day Dream they deepen the reverie. "Lush Life also remains notable as a highly personal and courageous reference to gay life by Strayhorn.
The mood shifts dramatically with the first of the Strayhorn and Ellington duets, "Cottontail, a hop-hopping race across the keyboards to the accompaniment of Wendell Marshall's bass. The high spirits of their exchanges on "C-Jam Blues are complemented by the tenderness of their playing on "Flamingo, the set's only cover. Filled with brilliant, playful, intimate and thoughtful touches, this private party of giants is one we're fortunate indeed to be able to share."  

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Reseña de All About Jazz:
"Durante sus casi tres décadas de trabajo conjunto, Billy Strayhorn y Duke Ellington crearon un legado de música para las edades. Este set ofrece una rara oportunidad de escuchar a Strayhorn el compositor tocando muchas de sus propias canciones, así como algunas que escribió con Ellington y otros. Su colaboración comenzó en 1939 y sólo terminó con la muerte de "Swee' Pea", como Strayhorn llegó a ser llamado cariñosamente por Ellington, a los 52 años a causa de un cáncer en 1967.

Los diez primeros cortes de esta colección, grabados en París durante dos sesiones de medianoche en 1961, se publicaron originalmente en un LP inexplicablemente llamado The Peaceful Side of Billy Strayhorn. A ese conjunto se han añadido aquí otras once caras. Grabadas en varias fechas en Nueva York entre 1946 y 1950, tanto Ellington como Strayhorn tocan el piano.

Las caras de 1961 están marcadas por la sencillez y una vibrante conexión emocional. La interpretación de Strayhorn no es vistosa. Es una interpretación honesta en la que cada nota de su "Passion Flower" o de su "Strange Feeling" y la de Ellington están revestidas de alma. En tres números, los Blue Notes de París aportan una pizca de voz. Si en "Lush Life" sus "aaaaaahs" rozan la cursilería, en "Day Dream" profundizan el ensueño. "Lush Life" también sigue siendo notable como una referencia muy personal y valiente a la vida gay de Strayhorn.
El estado de ánimo cambia radicalmente con el primero de los dúos de Strayhorn y Ellington, "Cottontail", una carrera de saltos a través de los teclados con el acompañamiento del bajo de Wendell Marshall. El buen humor de sus intercambios en "C-Jam Blues" se complementa con la ternura de su interpretación en "Flamingo", la única versión del disco. Lleno de toques brillantes, juguetones, íntimos y reflexivos, esta fiesta privada de gigantes es una de las que tenemos la suerte de poder compartir".  

Donald Byrd-Gigi Gryce • Jazz Lab

 

Review by Stephen Cook
Alto saxophonist/arranger Gigi Gryce and trumpeter Donald Byrd's innovative, but unfortunately short-lived Jazz Lab Quintet recorded several sides during 1957, seven of which were released on this excellent Columbia album (a handful of other titles were collectively made for Riverside, Verve, and RCA). The nucleus band of Gryce, Byrd, pianist Tommy Flanagan (a spot also filled by Wade Legge and Hank Jones), bassist Wendell Marshall, and drummer Art Taylor are augmented on four cuts here by trombonists Benny Powell and Jimmy Cleveland, French horn player Julius Watkins, baritone saxophonist Sahib Shihab, and tuba player Don Butterfield. The expanded ensemble turn in fleetly swinging renditions of Horace Silver's "Speculation" and Gryce's "Nica's Tempo," while varying the mood a bit with a ballad reading of Benny Golson's "I Remember Clifford" and a Far East-tinged waltz take on Randy Weston's "Little Niles" (shades of Miles Davis' Birth of the Cool group are heard in the complex, yet featherweight arrangements by Gryce). The quintet tracks include Gryce's "Sans Souci" and a provocative version of "Over the Rainbow." With some of the best arrangements heard in jazz and excellent solos by Gryce, Byrd, and Flanagan, Jazz Lab makes for an excellent introduction to the hard bop catalog.
https://www.allmusic.com/album/jazz-lab-mw0000889906

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Reseña de Stephen Cook
El innovador, pero desafortunadamente efímero Quinteto de Jazz Lab del saxofonista alto/arreglista Gigi Gryce y el trompetista Donald Byrd grabaron varios lados durante 1957, siete de los cuales fueron lanzados en este excelente álbum de Columbia (un puñado de otros títulos se hicieron colectivamente para Riverside, Verve y RCA). La banda central de Gryce, Byrd, el pianista Tommy Flanagan (un puesto también ocupado por Wade Legge y Hank Jones), el bajista Wendell Marshall y el baterista Art Taylor se complementan en cuatro cortes aquí con los trombonistas Benny Powell y Jimmy Cleveland, el trompetista Julius Watkins, el saxofonista barítono Sahib Shihab y el tuba Don Butterfield. El conjunto expandido gira en interpretaciones fugazmente oscilantes de "Speculation" de Horace Silver y "Nica's Tempo" de Gryce, mientras varía un poco el estado de ánimo con una lectura de balada de "I Remember Clifford" de Benny Golson y una versión de vals con tintes del Lejano Oriente de "Little Niles" de Randy Weston (los matices del Nacimiento del grupo Genial de Miles Davis se escuchan en los arreglos complejos, pero de peso pluma de Gryce). Las pistas del quinteto incluyen "Sans Souci" de Gryce y una versión provocativa de " Over the Rainbow."Con algunos de los mejores arreglos que se escuchan en el jazz y excelentes solos de Gryce, Byrd y Flanagan, Jazz Lab es una excelente introducción al catálogo de hard bop.
https://www.allmusic.com/album/jazz-lab-mw0000889906

Grant Green & Ike Quebec • Complete Instrumental Sessions

 

This release presents all existing instrumental recordings by Grant Green with Ike Quebec. It comprises the complete LPs Blue and Sentimental (Blue Note BST-84098, with Quebec as the leader), and Born to Be Blue (Blue Note BST-84432, with Green as the leader). Also included are all of the extra tunes from those sessions that were not included on the original LPs, as well as a rare two-tune date featuring readings of “Granada” and “Hey There”. As a bonus, six songs from singer Dodo Greene’s album My Hour of Need (Blue Note BST- 89001), on which both Quebec and Green participated as sidemen.
https://www.jazzmessengers.com/es/64091/grant-green/and-ike-quebec-complete-instrumental-sessions

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Este lanzamiento presenta todas las grabaciones instrumentales existentes de Grant Green con Ike Quebec. Comprende los LPs completos Blue and Sentimental (Blue Note BST-84098, con Quebec como líder), y Born to Be Blue (Blue Note BST-84432, con Green como líder). También se incluyen todas las melodías extra de esas sesiones que no se incluyeron en los LPs originales, así como una rara cita de dos melodías con lecturas de «Granada» y «Hey There». Como bonus, seis canciones del álbum de la cantante Dodo Greene My Hour of Need (Blue Note BST- 89001), en el que tanto Quebec como Green participaron como sidemen.
https://www.jazzmessengers.com/es/64091/grant-green/and-ike-quebec-complete-instrumental-sessions


 

Sonny Stitt • Sonny Stitt With The New Yorkers

 

 

Biography:
Edward “Sonny” Stitt was a quintessential saxophonist of the bebop idiom. He was also one of the most prolific saxophonists, recording over 100 records in his lifetime. He was nicknamed the “Lone Wolf” by jazz critic Dan Morgenstern, due to his relentless touring and his devotion to jazz.

Stitt was born in Boston, Massachusetts, and grew up in Saginaw, Michigan. Stitt had a musical background; his father taught music, his brother was a classically trained pianist, and his mother was a piano teacher. His earliest recordings were from 1945, with Stan Getz and Dizzy Gillespie. He had also experienced playing in some swing bands, though he mainly played in bop bands. Stitt featured in Tiny Bradshaw's big band in the early forties.

Stitt played alto saxophone in Billy Eckstine's big band alongside future bop pioneers Dexter Gordon and Gene Ammons from 1945 until 1949, when he started to play tenor saxophone more frequently. Later on, he notably played with Gene Ammons and Bud Powell. Stitt spent time in a Lexington prison between 1948-49 on account of selling narcotics.

Stitt, when playing tenor saxophone, seemed to break free from some of the criticism that he was apeing jazz genius Charlie Parker's style. When alto saxophonist Gene Quill was criticised for playing too similar to Parker once by a jazz writer he retorted, “You try imitating Charlie Parker!” Indeed, Stitt began to develop a far more distinctive sound on tenor. He played with other bop musicians Bud Powell and Eddie “Lockjaw” Davis, a fellow tenor with a distinctly tough tone in comparison to Stitt, in the 1950s and recorded several albums for the burgeoning Prestige Records label as well as for Argo, Verve and Roost. Stitt's playing is said to be at its zenith on these now rare records. Stitt experimented with Afro-Cuban jazz in the late 1950s, and the results can be heard on his recordings for Roost and Verve, on which he teamed up with Thad Jones and Chick Corea for Latin versions of such standards as “Autumn Leaves.”

Stitt joined Miles Davis briefly in 1960, and his sole performance with the 1960 quintet is on the record Live at Stockholm, which featured Wynton Kelly, Jimmy Cobb and Paul Chambers. However, Miles fired him due to the excessive drinking habit he had developed, and replaced him with fellow tenor saxophonist Hank Mobley. Stitt, later in the 1960s paid homage to one of his main influences, Charlie Parker, on the seminal cut “Stitt Plays Bird”, which features Jim Hall on guitar. He recorded a number of memorable records with his friend and fellow saxophonist Gene Ammons. The records recorded by these two saxophonists are regarded by many as some of both Ammons and Stitt's best work, thus the Ammons/Stitt partnership went down in posterity of the best duelling partnerships in jazz, alongside Zoot Sims & Al Cohn, and Johnny Griffin with Eddie “Lockjaw” Davis. Stitt would venture into soul jazz, and he recorded with fellow tenor great Booker Ervin in 1964 on the enjoyable Soul People album. Stitt would also record with Duke Ellington alumnus Paul Gonsalves during the 1960's.

In the 1970s, Stitt slowed his recording output, though not by much and in 1972, he produced another classic, Tune Up, which was and still is regarded by many jazz critics, such as Scott Yanow, as his definitive record. Indeed, his fiery and ebullient soloing was quite reminiscent of his earlier playing. Stitt was one of the first jazz musicians to experiment with an electric saxophone (the instrument was called a Varitone) in the late '60s. Because the device distorted Stitt's glorious, uncluttered, pure yet embodied sound, critics and Stitt followers were relieved when he eventually discarded the gratuitous gadget.

Stitt, to his credit, never slowed down, joining the Giants of Jazz (which included Art Blakey, Dizzy Gillespie and Thelonious Monk) on some albums for the Mercury Records label, and recording sessions for Cobblestone and other labels. His last recordings were made in Japan. Sadly in 1982, Stitt suffered a heart attack, and he died on July 22.

Although his playing was at first heavily inspired by Charlie Parker and Lester Young, Stitt eventually developed his own style, one which influenced John Coltrane. Stitt was especially effective with blues and with ballad pieces such as “Skylark”.
https://musicians.allaboutjazz.com/sonnystitt

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Biografía:
Edward "Sonny" Stitt fue un saxofonista por excelencia del idioma bebop. También fue uno de los saxofonistas más prolíficos, grabando más de 100 discos en su vida. Fue apodado el "Lobo Solitario" por el crítico de jazz Dan Morgenstern, debido a sus implacables giras y su devoción al jazz.

Stitt nació en Boston, Massachusetts, y creció en Saginaw, Michigan. Stitt tenía formación musical; su padre enseñaba música, su hermano era un pianista de formación clásica, y su madre era profesora de piano. Sus primeras grabaciones fueron de 1945, con Stan Getz y Dizzy Gillespie. También había experimentado tocando en algunas bandas de swing, aunque principalmente en bandas de bop. Stitt apareció en la gran banda de Tiny Bradshaw a principios de los años 40.

Stitt tocó el saxofón alto en la big band de Billy Eckstine junto a los futuros pioneros del bop Dexter Gordon y Gene Ammons desde 1945 hasta 1949, cuando empezó a tocar el saxofón tenor con más frecuencia. Más tarde, tocó notablemente con Gene Ammons y Bud Powell. Stitt pasó un tiempo en una prisión de Lexington entre 1948 y 1949 por vender narcóticos.

Stitt, cuando tocaba el saxo tenor, parecía liberarse de algunas de las críticas de que estaba imitando el estilo del genio del jazz Charlie Parker. Cuando un escritor de jazz criticó al saxofonista alto Gene Quill por tocar demasiado parecido a Parker, le respondió: "¡Intenta imitar a Charlie Parker!" De hecho, Stitt comenzó a desarrollar un sonido mucho más distintivo en el tenor. En los años 50 tocó con otros músicos de bop Bud Powell y Eddie "Lockjaw" Davis, un compañero tenor con un tono claramente más duro en comparación con Stitt, y grabó varios álbumes para el floreciente sello Prestige Records, así como para Argo, Verve y Roost. Se dice que la interpretación de Stitt está en su apogeo en estos discos ahora raros. Stitt experimentó con el jazz afrocubano a finales de los 50, y los resultados se pueden escuchar en sus grabaciones para Roost and Verve, en las que se asoció con Thad Jones y Chick Corea para las versiones latinas de estándares como "Autumn Leaves".

Stitt se unió brevemente a Miles Davis en 1960, y su única actuación con el quinteto de 1960 está en el disco Live at Stockholm, en el que participaron Wynton Kelly, Jimmy Cobb y Paul Chambers. Sin embargo, Miles lo despidió debido al excesivo hábito de beber que había desarrollado, y lo reemplazó por su compañero saxofonista tenor Hank Mobley. Stitt, más tarde en los años 60 rindió homenaje a una de sus principales influencias, Charlie Parker, en el corte seminal "Stitt Plays Bird", en el que aparece Jim Hall en la guitarra. Grabó varios discos memorables con su amigo y compañero saxofonista Gene Ammons. Los discos grabados por estos dos saxofonistas son considerados por muchos como algunos de los mejores trabajos de Ammons y Stitt, por lo que la asociación Ammons/Stitt pasó a la posteridad de las mejores asociaciones de dúo en el jazz, junto con Zoot Sims & Al Cohn, y Johnny Griffin con Eddie "Lockjaw" Davis. Stitt se aventuraría en el jazz soul, y grabó con su compañero tenor, el gran Booker Ervin, en 1964 en el agradable álbum Soul People. Stitt también grabaría con el ex-alumno de Duke Ellington Paul Gonsalves durante los años 60.

En el decenio de 1970, Stitt redujo su producción discográfica, aunque no por mucho y en 1972 produjo otro clásico, Tune Up, que fue y sigue siendo considerado por muchos críticos de jazz, como Scott Yanow, como su disco definitivo. De hecho, su ardiente y exuberante solitario era bastante parecido a su anterior trabajo. Stitt fue uno de los primeros músicos de jazz que experimentó con un saxofón eléctrico (el instrumento se llamaba Varitone) a finales de los 60. Debido a que el dispositivo distorsionaba el glorioso, despejado y puro pero encarnado sonido de Stitt, los críticos y los seguidores de Stitt se sintieron aliviados cuando finalmente desechó el aparato gratuito.

Stitt, a su favor, nunca se detuvo, uniéndose a los Gigantes del Jazz (que incluían a Art Blakey, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk) en algunos álbumes para el sello Mercury Records, y sesiones de grabación para Cobblestone y otros sellos. Sus últimas grabaciones se hicieron en Japón. Tristemente en 1982, Stitt sufrió un ataque al corazón, y murió el 22 de julio.

Aunque al principio su forma de tocar se inspiró mucho en Charlie Parker y Lester Young, Stitt desarrolló su propio estilo, que influyó en John Coltrane. Stitt fue especialmente efectivo con el blues y con piezas de balada como "Skylark".
https://musicians.allaboutjazz.com/sonnystitt

www.sonnystitt.com ...  

Roland Kirk • We Free Kings

 

Review by Lindsay Planer
We Free Kings, Roland Kirk's third long-player, is among the most consistent of his early efforts. The assembled quartet provides an ample balance of bop and soul compliments to Kirk's decidedly individual polyphonic performance style. His inimitable writing and arranging techniques develop into some great originals, as well as personalize the chosen cover tunes. With a nod to the contemporary performance style of John Coltrane, as well as a measure of his influences -- most notably Clifford Brown and Sidney Bechet -- Kirk maneuvers into and out of some inspiring situations. His decidedly 'Trane-esque solos on "My Delight" are supported with a high degree of flexibility by one-time Charles Mingus' pianist Richard Wyands and Dizzy Gillespie percussionist Charlie Persip. The album's title track is a Kirk original, based on the melody of the Christmas hymn "We Three Kings." Incorporating recognizable melodies into Kirk's oft times unorthodox musical settings would prove to be a motif throughout his career. An example is the highly touted cover of Charlie Parker's "Blues for Alice." This is an ideal avenue for the quartet to explore one of Kirk's specialties -- the blues. The almost irreverent manner in which he fuses blues and soul music into the otherwise bop-driven arrangements is striking. "A Sack Full of Soul" is a funky number with a walking-blues backbeat that perfectly supports Kirk's swinging solos. The stop time syncopation is reminiscent of Ray Charles' "What'd I Say." The 1987 CD version also includes an alternate take of "Blues for Alice." One additional track -- a cover of the Frank Loesser standard "Spring Will Be a Little Late This Year" -- was also recorded at these sessions and remained unissued until its inclusion on the ten-disc Rahsaan: The Complete Mercury Recordings of Roland Kirk box set.
https://www.allmusic.com/album/we-free-kings-mw0000649599


Biography by Chris Kelsey
Arguably the most exciting saxophone soloist in jazz history, Kirk was a post-modernist before that term even existed. Kirk played the continuum of jazz tradition as an instrument unto itself; he felt little compunction about mixing and matching elements from the music's history, and his concoctions usually seemed natural, if not inevitable. When discussing Kirk, a great deal of attention is always paid to his eccentricities -- playing several horns at once, making his own instruments, clowning on stage. However, Kirk was an immensely creative artist; perhaps no improvising saxophonist has ever possessed a more comprehensive technique -- one that covered every aspect of jazz, from Dixieland to free -- and perhaps no other jazz musician has ever been more spontaneously inventive. His skills in constructing a solo are of particular note. Kirk had the ability to pace, shape, and elevate his improvisations to an extraordinary degree. During any given Kirk solo, just at the point in the course of his performance when it appeared he could not raise the intensity level any higher, he always seemed able to turn it up yet another notch.

Kirk was born with sight, but became blind at the age of two. He started playing the bugle and trumpet, then learned the clarinet and C-melody sax. Kirk began playing tenor sax professionally in R&B bands at the age of 15. While a teenager, he discovered the "manzello" and "stritch" -- the former, a modified version of the saxello, which was itself a slightly curved variant of the B flat soprano sax; the latter, a modified straight E flat alto. To these and other instruments, Kirk began making his own improvements. He reshaped all three of his saxes so that they could be played simultaneously; he'd play tenor with his left hand, finger the manzello with his right, and sound a drone on the stritch, for instance. Kirk's self-invented technique was in evidence from his first recording, a 1956 R&B record called Triple Threat. By 1960 he had begun to incorporate a siren whistle into his solos, and by '63 he had mastered circular breathing, a technique that enabled him to play without pause for breath.

In his early 20s, Kirk worked in Louisville before moving to Chicago in 1960. That year he made his second album, Introducing Roland Kirk, which featured saxophonist/trumpeter Ira Sullivan. In 1961, Kirk toured Germany and spent three months with Charles Mingus. From that point onward, Kirk mostly led his own group, the Vibration Society, recording prolifically with a range of sidemen. In the early '70s, Kirk became something of an activist; he led the "Jazz and People's Movement," a group devoted to opening up new opportunities for jazz musicians. The group adopted the tactic of interrupting tapings and broadcasts of television and radio programs in protest of the small number of African-American musicians employed by the networks and recording studios. In the course of his career, Kirk brought many hitherto unused instruments to jazz. In addition to the saxes, Kirk played the nose whistle, the piccolo, and the harmonica; instruments of his own design included the "trumpophone" (a trumpet with a soprano sax mouthpiece), and the "slidesophone" (a small trombone or slide trumpet, also with a sax mouthpiece). Kirk suffered a paralyzing stroke in 1975, losing movement on one side of his body, but his homemade saxophone technique allowed him to continue to play; beginning in 1976 and lasting until his death a year later, Kirk played one-handed.
https://www.allmusic.com/artist/rahsaan-roland-kirk-mn0000864257#biography

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Reseña de Lindsay Planer
We Free Kings, el tercer jugador largo de Roland Kirk, se encuentra entre los más consistentes de sus primeros esfuerzos. El cuarteto ensamblado proporciona un amplio equilibrio de elogios bop y soul al estilo de interpretación polifónica decididamente individual de Kirk. Sus inimitables técnicas de composición y arreglos se convierten en algunos grandes originales, además de personalizar las melodías de portada elegidas. Con un guiño al estilo de interpretación contemporáneo de John Coltrane, así como una muestra de sus influencias, sobre todo Clifford Brown y Sidney Bechet, Kirk maniobra dentro y fuera de algunas situaciones inspiradoras. Sus solos decididamente 'Trane-esque en "My Delight" están respaldados con un alto grado de flexibilidad por el pianista Richard Wyands de Charles Mingus y el percusionista Charlie Persip de Dizzy Gillespie. La canción principal del álbum es una original de Kirk, basada en la melodía del himno navideño " We Three Kings."Incorporar melodías reconocibles en los escenarios musicales a menudo heterodoxos de Kirk demostraría ser un motivo a lo largo de su carrera. Un ejemplo es la muy promocionada portada de Charlie Parker " Blues for Alice."Esta es una vía ideal para que el cuarteto explore una de las especialidades de Kirk: el blues. Llama la atención la manera casi irreverente en la que fusiona el blues y la música soul en los arreglos, por lo demás impulsados por el bop. "A Sack Full of Soul" es un número funky con un ritmo de blues andante que apoya perfectamente los solos oscilantes de Kirk. La síncopa de stop time recuerda a Ray Charles' "¿Qué diría? La versión en CD de 1987 también incluye una versión alternativa de " Blues for Alice."Una pista adicional, una versión del estándar de Frank Loesser "Spring Will Be a Little Late This Year", también se grabó en estas sesiones y permaneció inédita hasta su inclusión en el box set de diez discos Rahsaan: The Complete Mercury Recordings of Roland Kirk.
https://www.allmusic.com/album/we-free-kings-mw0000649599


Biografía de Chris Kelsey
Posiblemente el solista de saxofón más emocionante de la historia del jazz, Kirk era un posmodernista incluso antes de que existiera ese término. Kirk tocó el continuo de la tradición del jazz como un instrumento en sí mismo; sentía poca compulsión por mezclar y combinar elementos de la historia de la música, y sus mezclas generalmente parecían naturales, si no inevitables. Cuando se habla de Kirk, siempre se presta mucha atención a sus excentricidades: tocar varios cuernos a la vez, hacer sus propios instrumentos, hacer payasadas en el escenario. Sin embargo, Kirk era un artista inmensamente creativo; quizás ningún saxofonista improvisador haya poseído una técnica más completa, una que cubriera todos los aspectos del jazz, desde Dixieland hasta free, y quizás ningún otro músico de jazz haya sido más espontáneamente inventivo. Sus habilidades para construir un solo son de particular interés. Kirk tenía la habilidad de marcar el ritmo, dar forma y elevar sus improvisaciones a un grado extraordinario. Durante cualquier solo de Kirk, justo en el momento en el transcurso de su actuación en el que parecía que no podía elevar más el nivel de intensidad, siempre parecía capaz de subirlo un nivel más.

Kirk nació con la vista, pero se quedó ciego a la edad de dos años. Comenzó a tocar la corneta y la trompeta, luego aprendió el clarinete y el saxo con melodía en Do. Kirk comenzó a tocar el saxo tenor profesionalmente en bandas de R & B a la edad de 15 años. Cuando era adolescente, descubrió el "manzello" y el" stritch": el primero, una versión modificada del saxello, que a su vez era una variante ligeramente curvada del saxo soprano en Si bemol; el segundo, un alto en Mi bemol recto modificado. A estos y otros instrumentos, Kirk comenzó a hacer sus propias mejoras. Remodeló sus tres saxofones para que pudieran tocarse simultáneamente; tocaba el tenor con la mano izquierda, tocaba el manzello con el dedo derecho y hacía sonar un dron en el stritch, por ejemplo. La técnica inventada por Kirk quedó en evidencia desde su primera grabación, un disco de R&B de 1956 llamado Triple Threat. Para 1960 había comenzado a incorporar un silbato de sirena en sus solos, y para el 63 dominaba la respiración circular, una técnica que le permitía tocar sin pausa para respirar.

A los 20 años, Kirk trabajó en Louisville antes de mudarse a Chicago en 1960. Ese año hizo su segundo álbum, Introducing Roland Kirk, que contó con la participación del saxofonista/trompetista Ira Sullivan. En 1961, Kirk realizó una gira por Alemania y pasó tres meses con Charles Mingus. A partir de ese momento, Kirk dirigió principalmente su propio grupo, Vibration Society, grabando prolíficamente con una variedad de acompañantes. A principios de los 70, Kirk se convirtió en una especie de activista; dirigió el "Jazz and People's Movement", un grupo dedicado a abrir nuevas oportunidades para los músicos de jazz. El grupo adoptó la táctica de interrumpir grabaciones y transmisiones de programas de televisión y radio en protesta por el pequeño número de músicos afroamericanos empleados por las cadenas y los estudios de grabación. En el transcurso de su carrera, Kirk llevó al jazz muchos instrumentos hasta ahora no utilizados. Además de los saxofones, Kirk tocaba el silbato nasal, el flautín y la armónica; los instrumentos de su propio diseño incluían el "trumpófono" (una trompeta con boquilla de saxo soprano) y el "slidesófono" (un trombón pequeño o trompeta deslizante, también con boquilla de saxo). Kirk sufrió un derrame cerebral paralizante en 1975, perdiendo movimiento en un lado de su cuerpo, pero su técnica casera de saxofón le permitió continuar tocando; comenzando en 1976 y durando hasta su muerte un año después, Kirk tocaba con una mano.
https://www.allmusic.com/artist/rahsaan-roland-kirk-mn0000864257#biography

Joe Newman • The Complete Swingville Sessions

 

These Joe Newman Swingville sessions, an object lesson in relaxed and intelligent blowing, are among the happiest recorded by the trumpeter. All the elements fit compatible musicians, familiar material, congenial atmosphere dovetailed into a deceptively simple and always swinging whole.

The potential of a two-horn front line has rarely been exploited as brilliantly as it is here by Newman with Wess or Foster. The three Basie-ites are in top form, playing with more imagination and vitality than in most similar dates. Tommy Flanagan, present in all tracks, is a constant delight, sensitive, forceful when necessary, always sympathetic to the soloist, an essential part of the ideal rhythm sections employed. And the quartet session is a model of complete relaxation and how to assimilate individual expression into a collective wholein itself an ideal summation of what Joe Newman achieved on these dates.
https://www.freshsoundrecords.com/joe-newman-albums/5644-the-complete-swingville-sessions-3-lps-on-2-cds.html

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Estas sesiones de Joe Newman Swingville, una lección de soplido relajado e inteligente, se encuentran entre las más felices grabadas por el trompetista. Todos los elementos encajan: músicos compatibles, material familiar, ambiente agradable, todo encaja en un conjunto engañosamente sencillo y siempre lleno de swing.

El potencial de una primera línea de dos trompas rara vez ha sido explotado tan brillantemente como aquí por Newman con Wess o Foster. Los tres Basie-ites están en plena forma, tocando con más imaginación y vitalidad que en la mayoría de fechas similares. Tommy Flanagan, presente en todos los temas, es una delicia constante, sensible, contundente cuando es necesario, siempre comprensivo con el solista, parte esencial de las ideales secciones rítmicas empleadas. Y la sesión de cuarteto es un modelo de relajación total y de cómo asimilar la expresión individual en un todo colectivo, en sí misma un resumen ideal de lo que Joe Newman consiguió en estas fechas.
https://www.freshsoundrecords.com/joe-newman-albums/5644-the-complete-swingville-sessions-3-lps-on-2-cds.html

Frank Wess • Jazz Is Busting Out All Over

Frank Wess is an NEA Jazz Master Frank Wess (born January 4, 1922 in Kansas City) is an American jazz musician, who has played saxophone (both alto and tenor) and flute.

He began with classical music and played in Oklahoma. He later switched to jazz on moving to Washington, D. C. and by nineteen was working in the Big Bands. His career would be interrupted during World War II although he did play with a military band in the period. On returning from service he joined Billy Eckstine's orchestra.

He returned to DC a few years after this and received a degree in flute at the city's Modern School Of Music. From 1953 he joined Count Basie's band, playing flute and tenor sax. He reverted to alto sax in the late '50s, and left Basie's band in 1964. From 1959 to 1964 he won Down Beat's critic poll for flute. Since then he has done a variety of TV shows and telethons. He was a member of Clark Terry's big band from 1967 into the '70s and played in the New York Quartet (with Roland Hanna). In the '80s and '90s, he worked with Kenny Barron, Rufus Reid, Buck Clayton, Benny Carter, Billy Taylor, Harry Edison, Mel Tormé, Ernestine Anderson, Louie Bellson, John Pizzarelli, Howard Alden, Dick Hyman, Byron Stripling, Jane Jarvis, Frank Vignola and was a featured member of the Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra.

In 2007 Wess was named an NEA Jazz Master by the U.S. National Endowment for the Arts.
https://musicians.allaboutjazz.com/frankwess

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Frank Wess es un maestro del jazz del NEA Frank Wess (nacido el 4 de enero de 1922 en Kansas City) es un músico de jazz estadounidense, que ha tocado el saxofón (tanto alto como tenor) y la flauta.

Comenzó con la música clásica y tocó en Oklahoma. Más tarde se pasó al jazz al trasladarse a Washington, D. C. y a los diecinueve años ya trabajaba en las Big Bands. Su carrera se vería interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial, aunque tocó con una banda militar en ese periodo. Al volver del servicio se unió a la orquesta de Billy Eckstine.

Volvió a DC unos años después y se licenció en flauta en la Modern School Of Music de la ciudad. A partir de 1953 se unió a la banda de Count Basie, tocando la flauta y el saxo tenor. Volvió a tocar el saxo alto a finales de los 50, y dejó la banda de Basie en 1964. Entre 1959 y 1964 ganó la encuesta de la crítica de Down Beat para la flauta. Desde entonces, ha participado en diversos programas de televisión y teletones. Fue miembro de la big band de Clark Terry desde 1967 hasta los años 70 y tocó en el New York Quartet (con Roland Hanna). En los años 80 y 90, trabajó con Kenny Barron, Rufus Reid, Buck Clayton, Benny Carter, Billy Taylor, Harry Edison, Mel Tormé, Ernestine Anderson, Louie Bellson, John Pizzarelli, Howard Alden, Dick Hyman, Byron Stripling, Jane Jarvis, Frank Vignola y fue miembro destacado de la Toshiko Akiyoshi Jazz Orchestra.

En 2007, Wess fue nombrado "NEA Jazz Master" por el Fondo Nacional de las Artes de Estados Unidos.
https://musicians.allaboutjazz.com/frankwess

John La Porta • The Jazz Message Of John La Porta

 

Back in the 50’s, John La Porta was the rare bird among the alto saxophonists. He played like no one else, and these 1956 recordings are a poignant signature of his stimulating profile. La Porta’s sound and phrasing were extremely distinct. His playing was emotionally striking, with a hard, plunging attack that underlines the solidity of his style, spiced with an occasional nod to Charlie Parker but without being overwhelmingly influenced by Bird.

La Porta builds up intriguing solos, cohesive and well-shaped from individual ideas, as is evidenced in charging, up-tempo performances like Budo and Volcano. He also stands out in the introspectively impressive Yesterdays, which is almost entirely his showcase. The other horn on Jazz Message is trumpeter Donald Byrd. He is in flowing form, playing with a feeling for wholeness in his choruses, as he demonstrates in Volcano and La Porta—Thority.

In the rhythm section, Kenny Clarke’s vital presence is constantly felt. His ever swinging drumming, together with the dependable and melodic voice of Wendell Marshall on bass, goes along effortlessly and effectively, pursuing the feeling and the changes of the tunes. They both take creative advantage of their solo space on Message and Volcano. Pianists Horace Silver and Ronnie Ball, either merging with the rhythm section or in their solos, contribute greatly to the success of these performances. In Budo and Message, Horace swings with his roaring depth of pulsation, and in I Married an Angel, he also shows how smooth and deep he can be when playing a ballad.

Throughout the second date, Ronnie is shown as a subtle and imaginative pianist, with a constant and throbbing interest in ideas —I Hear a Rhapsody and Play, Fiddle, Play are both good examples. The entire album is an excellent endeavor thanks to the cohesive work of the musicians involved in the collective quintet.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/john-la-porta-albums/54793-the-jazz-message-of-john-la-porta.html



American jazz saxophonist (alto, tenor and baritone), clarinetist and composer, arranger and aducator
Born 1 April 1920 in Philadelphia, Pennsylvania, USA
Died 12 May 2004 in Sarasota, Florida, USA

He was a founding member of the Jazz Composers Workshop. He played with Bob Chester, Charlie Parker, Lennie Tristano, Woody Herman, Duke Ellington, Neal Hefti, Bill Harris, Charles Mingus, Stan Getz, Bill Evans, Billy Eckstine and many others. In the 1980 he was a featured soloist with Herb Pomeroy's big band and retired in the late 1990s. He is also known as an author of several books.
https://www.discogs.com/artist/453850-John-Laporta

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En los años 50, John La Porta era una rareza entre los saxofonistas altos. Tocaba como nadie y estas grabaciones de 1956 son una firma conmovedora de su estimulante perfil. El sonido y el fraseo de La Porta eran extremadamente distintos. Su forma de tocar fue emocionalmente impactante, con un ataque duro y profundo que subraya la solidez de su estilo, aderezado con un guiño ocasional a Charlie Parker pero sin estar abrumadoramente influenciado por Bird.

La Porta construye solos intrigantes, cohesivos y bien formados a partir de ideas individuales, como se evidencia en actuaciones cargadas y aceleradas como Budo y Volcano. También destaca en la impresionante e introspectiva Yesterdays, que es casi en su totalidad su escaparate. El otro trompeta de Jazz Message es el trompetista Donald Byrd. Está en una forma fluida, tocando con un sentimiento de plenitud en sus coros, como lo demuestra en Volcano y La Porta—Thority.

En la sección rítmica, la presencia vital de Kenny Clarke se siente constantemente. Su forma de tocar la batería, siempre oscilante, junto con la voz confiable y melódica de Wendell Marshall en el bajo, acompañan sin esfuerzo y de manera efectiva, persiguiendo el sentimiento y los cambios de las melodías. Ambos aprovechan creativamente su espacio en solitario en Message y Volcano. Los pianistas Horace Silver y Ronnie Ball, ya sea fusionándose con la sección rítmica o en sus solos, contribuyen en gran medida al éxito de estas actuaciones. En Budo y Message, Horace se balancea con su rugiente profundidad de pulsación, y en I Married an Angel, también muestra cuán suave y profundo puede ser cuando toca una balada.

A lo largo de la segunda cita, Ronnie se muestra como un pianista sutil e imaginativo, con un interés constante y palpitante por las ideas (I Hear a Rhapsody y Play, Fiddle, Play son buenos ejemplos). Todo el álbum es un excelente esfuerzo gracias al trabajo cohesivo de los músicos involucrados en el quinteto colectivo.
—Jordi Pujol
https://www.freshsoundrecords.com/john-la-porta-albums/54793-the-jazz-message-of-john-la-porta.html



Saxofonista de jazz estadounidense (alto, tenor y barítono), clarinetista y compositor, arreglista y aductor
Nació el 1 de abril de 1920 en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos
Fallecido el 12 de mayo de 2004 en Sarasota, Florida, EE.UU.

Fue miembro fundador del Jazz Composers Workshop. Tocó con Bob Chester, Charlie Parker, Lennie Tristano, Woody Herman, Duke Ellington, Neal Hefti, Bill Harris, Charles Mingus, Stan Getz, Bill Evans, Billy Eckstine y muchos otros. En la década de 1980 fue un solista destacado con la big band de Herb Pomeroy y se retiró a finales de la década de 1990. También es conocido como autor de varios libros.
https://www.discogs.com/artist/453850-John-Laporta


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Jimmy Forrest • Soul Street

 

Review by Scott Yanow
A popular yet underrated tenor saxophonist, Jimmy Forrest is featured in several different settings on this 1998 CD reissue. Forrest matches wits with fellow tenors King Curtis and Oliver Nelson on "Soul Street" (his opening phrase is a classic), plays three standards (including an effective "Sonny Boy") with a combo that includes pianist Hugh Lawson and is featured on "I Wanna Blow, Blow, Blow" with a nonet also featuring trombonist Buster Cooper. The remainder of the CD has Forrest showcased on three numbers with an octet arranged by Oliver Nelson. These tracks are of lesser interest (particularly Henry Mancini's "Experiment in Terror") but still include some fine tenor playing. With this reissue, all of Forrest's work for the Prestige and New Jazz labels has been made available on CD.
https://www.allmusic.com/album/soul-street-mw0000040390

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Reseña de Scott Yanow
Jimmy Forrest, un saxofonista tenor popular pero subestimado, aparece en varios escenarios diferentes en esta reedición en CD de 1998. Forrest combina ingenio con sus compañeros tenores King Curtis y Oliver Nelson en "Soul Street" (su frase de apertura es un clásico), toca tres estándares (incluido un efectivo "Sonny Boy") con un combo que incluye al pianista Hugh Lawson y aparece en "I Wanna Blow, Blow, Blow" con un noneto que también presenta al trombonista Buster Cooper. El resto del CD tiene a Forrest presentado en tres números con un octeto arreglado por Oliver Nelson. Estas pistas son de menor interés (particularmente "Experiment in Terror" de Henry Mancini) pero aún incluyen una excelente interpretación de tenor. Con esta reedición, todo el trabajo de Forrest para los sellos Prestige y New Jazz está disponible en CD.
https://www.allmusic.com/album/soul-street-mw0000040390