Gemmy Woud-Binnendijk (I) [Fotografía / Photography]

Gemmy Woud-Binnendijk es una artista holandesa que, tras años dedicada a la pintura, y debido a sus circunstancias personales, dio un giro a sus inquietudes artísticas para centrarse en la fotografía. Utilizando cámaras de altísima resolución y medios digitales, y con una puesta en escena que remite a la herencia cultural de los grandes Maestros de la Edad de Oro, Gemmy construye narrativas visuales que se sitúan entre la tradición de la pintura y la fotografía, entre los pintores del pasado y los artistas de hoy, entre los detalles analógicos y los píxeles digitales, entre la realidad y la fantasía, entre lo banal y lo ideal, entre la luz y la sombra, y entre el movimiento texturizado y la quietud nacarada.

En esta primera parte del artículo, una selección de obras de sus diferentes series, información biográfica y extractos de algunas entrevistas. En la segunda una colección de sus exquisitos retratos.

Gemmy Woud-Binnendijk is a Dutch artist who, after years dedicated to painting, and due to her personal circumstances, turned her artistic interests to focus on photography. Using very high resolution cameras and digital media, and with a staging that refers to the cultural heritage of the great Masters of the Golden Age, Gemmy builds visual narratives that are located between the tradition of painting and photography, between the painters of the past and artists of today, between analogue details and digital pixels, between reality and fantasy, between the banal and the ideal, between light and shadow and between textured motion and pearlescent stillness.

In this first part of the article, a selection of works from her different series, biographical information and excerpts from some interviews. In the second part, a collection of her exquisite portraits.

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Gemmy Woud-Binnendijk

(Rheden, Gelderland, Holanda / Netherlands, 1973-)

Gemmy Woud-Binnendijk es una artista contemporánea holandesa, actualmente centrada en la fotografía.

Su trayectoria creativa comenzó con pigmentos líquidos y un pincel, pero, como suele suceder en la vida, su camino la alejó de la pintura. Al reclamar un espacio para su práctica creativa, Gemmy cogió una cámara y empezó a experimentar. "Esto se convirtió en una forma de volver a pintar". A través de la manipulación de la luz y los píxeles, Gemmy empezó a crear obras que se encuentran en algún punto entre la pintura y la fotografía.

Las obras de Gemmy se convierten en una representación de cosas reales que no se basan en la realidad. Cada una de sus fotografías pictorialistas expresa una hermosa quietud, una quietud que existe entre la vigilia y el sueño. Las obras de Gemmy reclaman los espacios intermedios y cada obra expresa una transición divina entre la tradición de la pintura y la fotografía, entre los pintores del pasado y los artistas de hoy, entre los detalles analógicos y los píxeles digitales, entre la realidad y la fantasía, entre lo banal y lo ideal, entre la luz y la sombra, y entre el movimiento texturizado y la quietud nacarada. Nace una historia moderna a la luz del pasado. (1)

Serie "Temporalidad" / Impermanence Series. "Decisiones / Decisions" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Danique Bontenbal - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

Serie "Plumas y porcelana" / Feathers and Porcelain Series

"No puedo ver la verdad / Can't See The Truth" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Noa Abbenhuis - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

"Tengo la necesidad constante de hacer cosas. Me siento bien cuando puedo crear, cuando puedo traducir lo que está en mi cerebro a algo visual. He pintado toda mi vida y me atrajo la rareza de la pintura y la libertad que te permite, porque puedes crear cualquier cosa que no sea real.

Empecé en el sector multimedia, así que me dediqué a ello durante un tiempo hasta que di a luz a mi primera hija. Entonces las cosas cambiaron. Siempre seguí pintando, eso fue algo bueno porque para mí era algo que me permitía aliviar mi estrés. Luego, en mi vida privada, las cosas cambiaron y conocí a mi marido. Juntos tenemos cinco hijos, así que somos una familia mixta. Son muchas dinámicas las que se dan cada día. Tuve que dejar de pintar porque ya no tenemos mucho espacio en la casa para ello, así que tuve que encontrar algo que lo sustituyera. Empecé a dedicarme a la fotografía por accidente. Para mí, el zoo fue una forma de conocer mi cámara y experimentar, y cometer muchos errores, pero también me dio un tiempo sin presiones para esos experimentos.

También fue el momento en el que fui más consciente de que tenía que hacer algo más que tomar fotos en el zoo. El momento que cambió mi vida en la fotografía fue un pequeño anuncio en Facebook. Algo así como, vale, puedes fotografiar retratos con una especie de estilo pictórico". (2)

Serie "Desconexión tangible / Tangible Disconnection Series

"Conciencia de la desconexión; Shock / Awereness of disconection; Shock" (detalle / detail)

© Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Dephny Mulder - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

"Tino". Modelo / Model: Tinotenda Mushore

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof - Vestido / Dress: Linda Friesen couture

"Soy holandesa y en Holanda te educan en historia del arte, así que sabes quienes son Rembrandt y Vermeer, etc. desde muy joven. Es como si formaran parte de ti. Siempre he pintado en ese estilo.

Erwin Olaf, es un gran héroe para mí. Kirsty Mitchell también, pero de una manera totalmente diferente. Fotógrafos que toman imágenes y crean una especie de quietud sin mucha dinámica". (3)

"No sé si soy fotógrafa, porque siempre se oye la discusión: ¿qué es ser un fotógrafo, qué no lo es? Todavía hay fotógrafos por ahí que piensan que no eres fotógrafa cuando haces Photoshop. Así que no sé lo que soy. Simplemente me gusta hacer imágenes. No sé si debería llamarme fotógrafa o artista, o simplemente me gusta hacer imágenes y ya está". (3)

"Nautilo. Rayas (en cuarentena) / Nautilus. Stripes (in quarantine)" © Gemmy Woud-Binnendijk

Serie "De puertas para adentro" / InsideOut Series. "Orgullo / Proud" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Fareda Johnson - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

"Ya no estoy conectada emocionalmente con las imágenes que tomé en el pasado, porque una vez que están hechas, están hechas; ya estoy en lo siguiente. Y si ahora miro hacia atrás, a todas mis imágenes, veo tantos errores y tantas cosas que me gustaría hacer de otra manera, o hacer de nuevo. Creo que aprovecho cada error que cometo en la siguiente sesión para mejorarlo y no volver a cometer el mismo. Intento aprender de todas las sesiones y de lo que sale mal, y trato de solucionarlo cuando puedo, pero si no puedo intento verlo como un proceso de aprendizaje y llevarlo conmigo a la siguiente sesión". (3)

Serie "De puertas para adentro" / InsideOut Series

"Orgullo / Proud" (detalle / detail) © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Fareda Johnson - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

"Cada parte de la sesión es tan importante que el día de la toma es sólo una pequeña parte de todo el proyecto. La mayor parte del tiempo está en la preparación.

Intento fotografiar lo más cerca posible del resultado final. Lo bueno es que, como fotografío conectada al ordenador, veo directamente lo que estoy fotografiando. Puedo ajustar directamente las cosas que no me gustan, las que me gustan, y por eso se tarda tanto en hacer una sesión, porque intento ver todo lo que está mal para ajustarlo al momento en el set." (4)

Serie "Estándares esperados" / Expected Standards Series. "Belleza / Beauty"

Modelo / Model: Melanie Gaydos © Gemmy Woud-Binnendijk

La cualidad de ser agradable, especialmente para mirar, o alguien o algo que da gran placer, especialmente cuando se mira /

B1 [ C or U ] the quality of being pleasing, especially to look at, or someone or something that gives great pleasure, especially when you look at it

«La idea del proyecto era algo que me rondaba por la cabeza desde hacía mucho tiempo, rodeada de adolescentes (y adultos) tan obsesionados con su aspecto, preocupados por si encajan y por la enorme presión que conlleva desde muy jóvenes. Todo el mundo está rodeado y se enfrenta a diario a la presión, a veces absurda, de encajar en los estándares esperados, olvidando que estar satisfecho con lo que uno es y encontrar su pasión es mucho más importante en esta vida. Hipnotizada por la intensa belleza de Melanie Gaydos, era para mí la embajadora perfecta para este proyecto.»

Serie "Desconexión tangible / Tangible Disconnection Series

"Dejando este mundo / Leaving This World" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Rienus Gündel Franciscus - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

Serie "Fe" / Faith Series. Model / Model: Tinotenda Mushore

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof © Gemmy Woud-Binnendijk

"Para mí la característica única en este tipo de fotografía es la forma en que se puede contar una historia con la luz, el color y las líneas. La clave para dominarla fue y es todo mi amor y pasión por hacer imágenes/arte.

He sacrificado mucho, he abandonado casi por completo mi vida social y me he sumergido en lo más profundo para hacer mía toda la información que he podido encontrar.

Dedico 14 horas al día, siete días a la semana a esta pasión obsesiva. A veces es duro, y hay que luchar mucho, pero me llena de satisfacción poder crear, contar una historia y compartirla con mucha gente". (5)

Serie "En mi burbuja" / In My Bubble Series. "David" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: David-Joshua Lingolo - Maquillaje y peinado, Asistente / MUAH, Assistant: Nadia Veenhof

Serie "Plumas y porcelana" / Feathers and Porcelain Series

"Buceando en lo desconocido / Diving Into The Unknown" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Noa Abbenhuis - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

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Gemmy Woud-Binnendijk is a Dutch contemporary artist, nowadays focused on photography.

Her creative path began with liquid pigments and a brush, but, as life so often does, her path took her away from painting. In claiming space for her creative practice, Gemmy, picked up a camera and started experimenting. "This became a way for me to paint again". Through the manipulation of light and pixels, Gemmy began creating work that exists somewhere in-between painting and photography.

Gemmy’s artworks become a depiction of real things not quite grounded in reality. Each of her painterly photographs expresses a beautiful stillness; a stillness existing between awake and asleep. Gemmy’s works claim the spaces in-between with each work expressing a divine transition between the tradition of painting and photography, between the painters of the past and artists of today, between analogue details and digital pixels, between reality and fantasy, between the banal and the ideal, between light and shadow and between textured motion and pearlescent stillness. A modern story in the light of the past is born. (1)

Serie "En lo profundo" / In The Deep Series. "Como me ves / How You See Me"

Modelo / Model: Elle van Aken - Maquillaje y peinado, Asistente / MUAH, Assistant: Nadia Veenhof

Serie "En lo profundo" / In The Deep Series. "Como me ves / How You See Me" (detalle / detail)

«I have the constant urge to just, make stuff. I feel good when I can create, when I can translate what's in my brain like to a visual. I painted all my life and I was kind of drawn to the weirdness in painting and the freedom you can have because you can create anything that's not real.

I started in the multimedia sector, so I did that for a while until I gave birth to my first daughter, then things 

changed. I always kept on painting, that was a good thing because that was for me one thing to relieve my stress. Then in my private life things changed and I met my husband. Together we have five kids so we're a blend family. That's a lot of dynamics going on every day. I had to stop painting because we don't have a lot of space in the house to paint anymore, so I had to find something to replace that. I started going into photography by accident. For me, the zoo was kind of a way to get to know my camera and experiment, and make 

a lot of mistakes, but it also gave me the time with no pressure to experiment.

 That was also the moment I was more aware that i needed to do more than only taking pictures at the zoo. The moment that kind of changed my life in photography was a little facebook ad.

 Like, okay, you can shoot portrait with a kind of painterly style.» (2)

Serie "Fe" / Faith Series. Model / Model: Tinotenda Mushore

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof © Gemmy Woud-Binnendijk

"Ofelia / Ophelia"

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof © Gemmy Woud-Binnendijk

«I’m Dutch and in Holland you get an education in art history, so you know who Rembrandt and Vermeer, etc. are when you are very young. It’s kind of like it is a part of you. I always painted in that style.

Erwin Olaf, he’s a big hero for me. Kirsty Mitchell also, but in a totally different way. So the photographers who take images and create a kind of stillness without a lot of the dynamics.» (3)

«I don’t know if I am a photographer because you always hear the discussion, what’s a photographer, what’s not? There are still photographers around who think you are not a photographer when you do Photoshop. So I don’t know what I am. I just like to make images. I don’t know if I should call myself a photographer or an artist or I just love to make images and that’s it.» (3)

Serie "Desconexión tangible / Tangible Disconnection Series

"El funeral; El último adiós / The funeral; The last goodbye" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelos / Models: Rienus Gündel Franciscus & Dephny Mulder - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

"Psique y Cupido / Psyche & Cupid" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelos / Models: Tinotenda Mushore & Sanele Junior Xaba

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof - Asistente / Assistant: Michiel Fischer

«Every image that I took in the past, I am not emotionally connected to it anymore because once it’s done, it’s done; I’m on to the next thing. And if I look back at all my images now, I see so many mistakes and I see so many things I would like to do in another way, or do over. I think I take every mistake I make into the next shoot to make it better and not make the same mistake again. I really try to learn from all the shoots and what goes wrong and I try to solve it when I can, but if I can’t then I try to see it as a learning process and take that with me into the next shoot.» (3)

Serie "Serenidad" / Serenity Series

En colaboración con la diseñadora / Collaboration With Designer Monique Désar

Modelo / Model: Claudia de Wilde - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

Serie "Temporalidad" / Impermanence Series. "Tiempo / Time" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Danique Bontenbal - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

El tiempo es tu amigo o tu enemigo... A veces, el paso del tiempo es tan rápido que uno quiere detener el tic-tac del reloj /

Is time your friend or enemy... Sometimes the passing of time is so fast that you might want to stop the ticking of the clock.

«Every part of the shot is so important that the shooting day is just a small part of this whole project. The most of the time is in preparation.

 I try to shoot as close to the end result as possible. The good thing is because I'm shooting tethered, I'm directly seeing what I'm shooting. I can directly adjust things that I don't like, that I like, and that's why it's taking so much time to do a shoot, because I try to see everything 

that's wrong already to adjust it in set.» (4)

Serie "Temporalidad" / Impermanence Series. "Tiempo / Time" (detalle / detail) © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Danique Bontenbal - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

Serie "Estándares esperados" / Expected Standards Series. "Perspectiva / Perspective"

Modelo / Model: Melanie Gaydos © Gemmy Woud-Binnendijk

Una actitud particular hacia o una forma de considerar algo; un punto de vista /

A particular attitude towards or way of regarding something; a point of view.

«The idea for the project was something that was on my mind for a long time, surrounded by teenagers (and adults) so obsessed with their looks, worries if they fit in and the huge pressure that brings starting at a very young age. Everyone is daily surrounded by and confronted with the sometimes absurd pressure to fit within expected standards. Forgetting that being satisfied with who you are and finding your passion is way more important in this life. Mesmerized by the intense beauty of Melanie Gaydos she was for me the perfect ambassador for this project.»

Serie "Desconexión tangible / Tangible Disconnection Series

"Aceptando la vacuidad / Accepting The Emptiness" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Dephny Mulder - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

Serie "De puertas para adentro" / InsideOut Series

"Pensamientos tragados / Swallowed Thoughts" © Gemmy Woud-Binnendijk

Modelo / Model: Fareda Johnson - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

«The unique features for me in this kind of photography are the way you can tell a story with light, color, and lines. For me, the key to master it was and is all about my love and passion for making images/art.

I've sacrificed a lot, almost entirely stepped out of my social life and dived in deep to make all the information that I could find my own.

I spend 14 hours a day, seven days a week at this obsessive passion. Sometimes it’s hard, and a lot of struggling, but it does give me a fulfilling feeling being able to create, tell a story and share it with a lot of people.» (5)

Serie "Fe" / Faith Series. Model / Model: Tinotenda Mushore

Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof © Gemmy Woud-Binnendijk

Proyecto "Renacimiento" / Project "Rebirth"

Modelos / Models: Dephny Mulder & Indra Cauwels - Maquillaje y peinado / MUAH: Nadia Veenhof

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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Rembrandt van Rijn: [Todos los enlaces / All links] 

Johannes Vermeer: [Todos los enlaces / All links] 

Erwin Olaf: [Aniversarios Fotografía (XIX)], [Alex Timmermans (Fotografía)]

Kirsty Mitchell: Website

Fuentes / Sources:

* (1) Website

* (2) La fotógrafa / Photographer Gemmy Woud-Binnendijk. Biografía / Biography. 

PRO EDU Photography Tutorials, Youtube, 6/2018

* (3) "Tomando fotografías al estilo de Rembrandt utilizando técnicas de los viejos Maestros /

Taking Rembrandt-Like Photos Using Old Master Artist Techniques"

Entrevista de / Interview by Dane Johnson, Phlearn, 5/2018

* (4) "Desconexión tangible / Tangible Disconnection". Phase One, Youtube, 11/2020

* (5) Entrevista a / Interview With Gemmy Woud-Binnendijk. Photographize

Más sobre / More about Gemmy Woud-Binnendijk: Website, Instagram, facebook

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Gemmy!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gemmy!)

Andrea Kowch (I) [Pintura / Painting]

Primera parte de este artículo dedicado a la notable artista figurativa estadounidense Andrea Kowch. Influenciada por los grandes Maestros renacentistas y, en gran medida, por los estadounidenses (Wyeth, Hopper), Andrea construye, a partir de emociones y experiencias vitales, grandes lienzos en los que plasma narrativas alegóricas abiertas que giran en torno a la existencia humana y los misterios del mundo natural, con los vastos y desolados paisajes rurales estadounidenses como marco escénico para sus personajes.

Acompaño la selección con información biográfica y reflexiones de la artista extraidas de varias entrevistas. Texto en inglés en la segunda parte.

First part of this article dedicated to the remarkable American figurative artist Andrea Kowch. Influenced by the great Renaissance Masters and, to a great extent, by the Americans (Wyeth, Hopper), Andrea constructs, from emotions and life experiences, large canvases in which she depicts open allegorical narratives revolving around human existence and the mysteries of the natural world, with the vast and desolate rural American landscapes as the backdrop for her characters.

I accompany the selection with biographical information and reflections of the artist extracted from several interviews. Text in  English in the second part.

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Andrea Kowch

(Detroit, Michigan, EE.UU./ MI, USA, 1986-)

Andrea Kowch, 2019. Foto / Photo: Marsin Mogielski. Social Life Magazine

Andrea Kowch es una pintora estadounidense nacida en Detroit, Michigan, en 1986.

Estudió en el College for Creative Studies gracias a una beca Walter B. Ford II, y se graduó Summa Cum Laude con una licenciatura en 2009, con doble especialización en Ilustración y Educación Artística.

Ha recibido numerosos premios en varias exposiciones con jurado de ámbito regional, nacional e internacional, y ha expuesto en varias exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías, como la RJD Gallery de Nueva York, el Museo de Arte de Muskegon, el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Jacksonville, el Museo de Arte de Grand Rapids, ArtPrize, Art Basel Miami, el Salón de Arte de Los Ángeles, ArtHamptons y SCOPE NYC, que en 2012 nombró a Andrea una de las 100 mejores artistas emergentes del mundo. También ha aparecido en las portadas de varias destacadas publicaciones nacionales e internacionales, y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Andrea reside y trabaja en Michigan, donde pinta a tiempo completo, y es profesora adjunta en el College for Creative Studies.

"El Cabo / The Cape", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 152,3 x 213,4 cm.

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

"En el silencio conocido / In Silence Known"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 24" © Andrea Kowch

Las historias y la inspiración que hay detrás de sus cuadros "surgen de las emociones y experiencias de la vida, dando lugar a imágenes narrativas y alegóricas que ilustran los paralelismos entre la experiencia humana y los misterios del mundo natural". El solitario y desolado paisaje estadounidense que rodea los temas de las pinturas sirve como exploración de la sacralidad de la naturaleza y como reflejo del alma humana, simbolizando todas las cosas poderosas, frágiles y eternas. Escenarios reales, aunque oníricos, transforman ideas personales en metáforas universales de la condición humana, todo ello conservando suficiente vaguedad como para fomentar el diálogo entre el arte y el espectador." (1)

"Fugitivo / Runaway"

Acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30", 2017 © Andrea Kowch

"Velada / Soiree", acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", 2019 © Andrea Kowch

«Empecé a pintar muy joven, y no "viví la vida", como hacen algunos, prefiriendo en cambio hacer mi trabajo, con extrema seriedad. Mis cuadros son el foco principal de mi vida. Pienso constantemente en la composición y el color, y siempre he sido una observadora que aprende rápido y responde, y un "alma vieja" en lo que respecta a mi forma de enfocar y vivir la vida. Tiendo a buscar siempre el significado superior presente en todas las experiencias, y con ello llega una conciencia profunda y en rápida expansión conformando nuevos niveles de conciencia que sin duda se transfieren a mi obra y a través de ella. Valoro mi tiempo a solas, observando el mundo y estando con mis pensamientos, que tienen una curiosidad infinita por la vida y el mundo natural que me rodea.» (3)

"Matriarca / Matriarch"

Acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 14", 2019 © Andrea Kowch

"Su elegancia / Her Fancy", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 36"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

«Diría que mi parte favorita de la pintura es simplemente explorar ese misterio y esa magia que veo en muchos de los lugares comunes, ya sabes, la naturaleza humana, las emociones humanas, ciertos paisajes que me golpean y me emocionan, lo que hay más allá de ese bosque, lo que hay más allá de esa casa, y luego el bosque detrás de ella, y qué viaje harías si caminaras a través de él.» (5)

"El mechón / The Strand", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 24"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

"El festín / The Feast", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 152,4 x 213,4 cm. © Andrea Kowch

«Aunque suelo empezar a trabajar en un cuadro con un pensamiento y un mensaje concretos, hay veces en las que veo una imagen primero en mi mente, sin ningún tipo de significado literal específico en ese momento.

A veces el significado sale a la luz una vez terminado el cuadro, cuando me siento a pensar por qué lo he pintado. Los conceptos y las imágenes que a menudo surgen por sí solos tienden a encenderse con lo más simple: la forma en que se mueve una cortina con la brisa de verano, por ejemplo, puede crear un escenario en mi cabeza. Puedo imaginarme en una vieja granja, sintiendo esa misma brisa que entra por los campos circundantes al otro lado de la ventana. El lienzo es el lugar donde puedo dar vida a todas estas reflexiones personales e imaginativas, y hacerlas realidad.» (4)

"Más allá de lo invisible (Tríptico) / Beyond the Invisible (Triptych)"

Acrílico sobre masonita / acrylic on masonite, 24" x 68"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

Andrea pintando "Los cortesanos" / painting "The Courtiers"

Captura del video / Still of the video (5)

"Andrea Kowch: Los cortesanos / The Courtiers"

RJD Fine Arts Gallery, 7/2016

Sobre "Los cortesanos":

"Fue un concepto que empezó a gestarse en mi mente hace aproximadamente dos años (2014). Estaba conduciendo por el campo. Era un día de otoño y vi a estas grullas canadienses caminando por el campo, y era la primera vez que veía una grulla así, y había algo en sus movimientos, su gracia, sus largos y delgados cuerpos y lo tranquilo que estaba todo, y te miraba desde la distancia. Sentí algo en ese momento, supe que quería hacer una pintura en el futuro que incluyera estas aves. Para mí, llegó a simbolizar todas estas vías y caminos diferentes que se me presentaban. Cuando miramos la figura, es casi como si se cuestionara: ¿qué camino voy a elegir?, ¿quién va a acompañarme en ese camino y quién no?, así que estos pájaros representan todas estas opciones, personas y elecciones diferentes.

El título "Los cortesanos" deriva de la Edad Antigua en Inglaterra y Francia, por ejemplo, donde la gente pasaba tiempo en la corte de un rey o una reina intentando ascender en la escala social, en cierto sentido, y formar parte de su círculo íntimo. Estas aves están haciendo lo mismo". (5)

"Los cortesanos / The Courtiers"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 60", 2016 © Andrea Kowch

"Nocturno / Nocturne", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 24"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

«Parte de mi proceso se basa tanto en la imaginación como en el uso de varias fotografías de referencia, la mayoría de las cuales tomo yo misma. En cuanto a las localizaciones, sirven como catalizador principal y disparan muchas de estas ideas, y cómo incorporar mis figuras y animales dentro de un determinado entorno. Estas inspiraciones se unen para formar el mundo en el que sitúo a todos mis personajes.» (5)

"En mi mente / In My Mind"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 91,4 x 121,9 cm. © Andrea Kowch

"Persiguiendo la luna / Chasing The Moon"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 91,4 x 152,4 cm. © Andrea Kowch

«Todos mis modelos son personas y amigos queridos que conozco e incluyo en mis cuadros de forma constante. Mis cuadros empezaron con una de mis mejores amigas de la infancia a la que conozco desde los 7 u 8 años. Al cabo de un tiempo, su hermana pequeña empezó a aparecer en mis obras junto con ella, y después otras personas de las que me he hecho amiga. Todos ellos son personas maravillosas con disposiciones y personalidades muy diferentes. Cada uno de ellos tiene una cualidad específica que les es propia y, a menudo, esa cualidad particular resulta ser una que yo también poseo o que resuena en mí en algún nivel oculto (como si cada uno de ellos, de una manera u otra, fuera una extensión de mí) y ese es un factor que me atrae hacia ellos y me inspira a incluirlos en mis escenas.» (2)

"Los viajeros / The Travelers", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

"Soledad / Solitude", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 91,4 x 61 cm. © Andrea Kowch

Sobre "Soledad":

«La composición consiste en una figura femenina de cuerpo entero colocada en el centro, de pie sobre un montón de nieve. Su atuendo invernal ondea con la ventisca, evocando la sensación de estar casi en la cima de una montaña. El telón de fondo es un cielo arremolinado, salpicado por una hipnotizante masa de pájaros que se abalanzan al unísono hacia las copas de los árboles que se ven en el horizonte bajo detrás de ella. La paleta de colores es muy atmosférica. Los grises, blancos y azules de la nieve que la rodea contrastan con los tonos más cálidos de su piel y su ropa. El paisaje y la naturaleza son siempre una presencia activa y determinante en las historias de mis personajes. Siempre fascinada y conmovida por la austera belleza del mundo natural, esta pintura habla en gran medida de la poderosa conexión de ser uno con la naturaleza.» RJD

About "Solitude": 

«The composition involves a centrally placed, full-length female figure standing atop a snowdrift. Her winter attire blows in the snowy wind, evoking the feeling of her almost being on a mountaintop. The backdrop is a swirling sky, peppered by a mesmerizing mass of birds swooping in unison towards treetops that are visible on the low horizon behind her. The color palette is very atmospheric. Grays, whites, and blues of the blowing snow encircling her, contrast with the warmer tones of her flesh and clothing. Landscape and nature is always an active and shaping presence in the stories of my characters. Forever fascinated and moved by the austere beauty of the natural world, this painting largely speaks to the powerful connection of being one with Nature.» RJD

"La captura / The Catch", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 36"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

«La gente me ha dicho que mi obra contiene este raro efecto tridimensional y en mis composiciones eso es completamente intencionado. Compongo cuidadosamente todas las partes para que la gente tenga la oportunidad de acercar una silla, sentarse y sentir todo lo que está ocurriendo; toda la acción, el viento en el aire, son escenas reales, pero creo que donde realmente reside la magia es en la cualidad onírica que se obtiene del sentimiento.

Siempre me ha interesado la belleza cruda y pintar la verdad psicológica de la condición humana. Sólo quiero que la gente se lleve esa sensación onírica y abrace todas esas cosas dentro de sí misma. Cuando ven cosas en la naturaleza y sienten diferentes emociones, todo forma parte de lo que somos como personas. Sólo hay que disfrutar por lo que es, dejar que sean quienes quieran ser cuando miren la obra e interpreten lo que quieran de ella.» (6)

"Expectativa / Expectation"

Acrílico sobre masonita / acrylic on masonite, 10" x 10", 2019 © Andrea Kowch

«Uno de los momentos que más disfruto de la enseñanza es cuando me alejo brevemente de la instrucción y observo a los estudiantes trabajando. Suena la música, el modelo está sentado en la plataforma, y cada estudiante está absorto en su dibujo. Los lápices y los trozos de carboncillo se mueven en todas direcciones, y sus mentes y espíritus están completamente entrelazados mientras sus ojos y manos concentrados trabajan febrilmente al unísono para captar, comprender y expresar todo lo que tienen delante. La sala se convierte en una gran burbuja de energía armoniosa y creativa, y es fascinante contemplarla.» (5)

"Los alegres vagabundos / The Merry Wanderers"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 36"

Colección privada / Private Collection © Andrea Kowch

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Fuentes / Sources:

* (1) Website

* (2) "Andrea Kowch, Eclectix Interview 60", Eclectix Art, 10/2015

* (3) "Andrea Kowch, En busca de un sentido superior / Searching for a Higher Meaning"

Entrevista de / Interview by Deliah Flores. Social Life Magazine, 8/2019

* (4) "Pintora de realismo mágico Andrea Kowch: Lo que el viento sopló /

Magic Realism Painter Andrea Kowch: What the Wind Blew"

Entrevista de / Interview by Deanna Phoenix Selene. Combustus

* (5) "Andrea Kowch: Los cortesanos / The Courtiers". RJD Fine Arts Gallery, 7/2016. Youtube

* (6) "Andrea Kowch, Artista destacada / Artist Spotlight". RJD Gallery, 2013. Youtube

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Andrea Kowch en "El Hurgador" / in this blog: [Pintando perros (LIV)], [Andrea Kowch (II, Pintura)]

Más sobre / More about Andrea Kowch: Website, facebook, RJD Gallery

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Andrea!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Andrea!)

Patrick Akpojotor [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

Las pinturas y dibujos del joven artista nigeriano Patrick Akpojotor consisten, en general, en una antropomorfización de estructuras geométricas, arquitecturas y espacios urbanos, elaborando composiciones que bordean la abstracción (o la abrazan definitivamente) jugando con nuestra percepción. La acumulación de formas dispuestas orgánicamente, y el juego de perspectivas, dan lugar a paisajes y retratos que a menudo evocan las máscaras africanas, flirteando con el surrealismo y el cubismo, a partir de recuerdos personales y referencias culturales.

The paintings and drawings of the young Nigerian artist Patrick Akpojotor generally consist of an anthropomorphization of geometric structures, architectures and urban spaces to elaborate compositions that border on abstraction (or definitely embrace it), playing with our perception. The accumulation of organically arranged forms, and the interplay of perspectives, give rise to landscapes and portraits that often evoke African masks, flirting with surrealism and cubism, based on personal memories and cultural references. 

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Patrick Oberhi Akpojotor

(Ilé-Ifẹ, Nigeria, 1982-)

en / at Lagos

Patrick Akpojotor es un artista multidisciplinar nigeriano nacido en 1982, que vive y trabaja en Lagos, Nigeria.

Estudió Bellas Artes en el Politécnico Federal de Auchi y diseño gráfico en el Politécnico del Estado de Lagos, en Ikorodu. Tuvo como mentor al maestro Bruce Onobrakpeya, con el que trabajó como asistente de estudio, y posteriormente como facilitador en los talleres bianuales Harmattan. 

Ha recibido numerosos reconocimientos, incluido el primer Premio ArtXLagos para artistas emergentes en 2016

Ha participado en varias exposiciones colectivas. Su primera exposición individual, "Si las paredes hablaran", tuvo lugar en la galería SMO Contemporary (Lagos, Nigeria) en 2019.

"Legado de la existencia II / Legacy of Existence II"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

"Impresión de un lugar (Autorretrato) / Impression of Place (Self-Portrait)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

Habiéndose criado en la megaciudad de Lagos, Patrick Akpojotor estaba fascinado por los nombres de calles y edificios, y comenzó a jugar con la personificación de edificios abandonados que albergan recuerdos silenciosos de personas olvidadas y eventos históricos.

En 2016 se sintió profundamente perturbado por la expulsión violenta de los residentes de la comunidad de tugurios frente al mar de Otodo Gbame, en Lekki, donde miles de personas fueron desplazadas. Canalizó su ira y frustración en sus pinturas y esculturas de madera, creando edificios con rasgos humanos y emociones.

"Salud a la buena vida VI / Cheers to Good Life VI"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 2018

"En recuerdo de los vivos II (Autorretrato) / In Memory of Living II (Self Portrait)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

«Mi obra está influenciada por mi fascinación por las máscaras africanas, el espacio construido y la arquitectura, y su capacidad para moldear la propia identidad. Me interesan las diferencias en la actitud humana, relacionadas con la cultura de un entorno construido que habitan. También he observado cómo estructuras como arquitecturas, carreteras y espacios públicos llevan el nombre de personas, lo que crea una conciencia de las buenas acciones de la persona y se constituyen en un archivo de su existencia.

Mi trabajo fusiona referencias visuales del entorno construido, geometría, formas humanas y estructuras imaginadas para crear una composición abstracta que cuestiona nuestro sentido de equilibrio y percepción, que nos desafía a ver de manera diferente. Tomando referencias de mi memoria y proyecciones personales, creo obras deconstruyendo los espacios en los que he vivido, espacios que espero experimentar, poniendo el interior en primer plano, teniendo en cuenta la ley de la perspectiva en mi composición. Mi superficie se convierte en un patio de recreo donde las formas, los colores, la perspectiva y el espacio juegan e interactúan. El uso de elementos geométricos y arquitectónicos resalta la influencia del entorno construido en la configuración de nuestros recuerdos, experiencias e identidades en el mundo.»

"Testigo de los tiempos / Witness to the Times"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2020

"La dama y la rosa / Lady and the Rose"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 2018

"El patio de Adadevoh / Adadevoh's Courtyard"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

Ameyo Adadevoh (nacida Ameyo Stella Adadevoh, 1956-2014) fue una médico nigeriana, a quien se le atribuye haber frenado una propagación más amplia del virus del Ébola en Nigeria al poner al paciente cero, Patrick Sawyer, en cuarentena a pesar de la presión del gobierno liberiano. Cuando fue amenazada por funcionarios liberianos que querían que el paciente fuera dado de alta para asistir a una conferencia, resistió la presión y dijo que, "por el bien público", no lo liberaría. Es conocida por evitar que el caso índice nigeriano salga del hospital en el momento del diagnóstico, por lo que desempeñó un papel clave para frenar la propagación del virus en Nigeria. El 4 de agosto de 2014, se confirmó que había dado positivo en la prueba de la enfermedad por el virus del Ébola y estaba en tratamiento. Murió la tarde del 19 de agosto de 2014.

Wikipedia (English)

"Del revés / Inside Out", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36", 2019

«Lo que enciende mi proceso creativo es el día a día, y he descubierto que me atraen las historias de las personas.»

"Archivo de días mejores / Archive of Better Days"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 2019

"Tiempo (Autorretrato) / Time (Self Portrait)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

"Las obras de Akpojotor nos estimulan a experimentar una experiencia refrescante de la intuición del artista, la infancia, la búsqueda de identidad, la aventura y el romance con el espacio", ha comentado el profesor Jerry Buhari, crítico de arte y profesor de Bellas Artes en la Universidad Ahmadu Bello. "Al ver a Patrick crecer como artista durante un lapso de quince años, tengo una sensación de satisfacción como mentor", agregó el maestro artista, el profesor Bruce Onobrakpeya, un pionero de la escena del arte contemporáneo de Nigeria. "Es muy talentoso, inteligente, diligente y apasionado, y es capaz de inspirarse en las cosas que le rodean y en lugares lejanos".

"En recuerdo de los vivos I (Autorretrato) / In Memory of Living I (Self Portrait)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

Patrick Akpojotor is a Nigerian multidisciplinary artist born in 1982, who lives and works in Lagos, Nigeria.

He studied fine art at the Auchi Federal Polytechnic, and graphic design at the Lagos State Polytechnic, Ikorodu. He was mentored by master artist Prof Bruce Onobrakpeya, working with him as a studio assistant and later as a facilitator at the bi-annual Harmattan Workshops. Akpjotor has received numerous awards including the first ArtXLagos Prize for emerging artists in 2016.

He has participated in several group exhibititions. His first solo exhibition "If Walls Could Speak" was held in SMO Contemporary (Lagos, Nigeria) in 2019.

"Rostro en la calle / Face on the Street"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

"Había una vez / There was a Time"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 28" x 20", 2019

Growing up in the megacity of Lagos, Patrick Akpojotor was fascinated by the names of streets and buildings, and started playing with the personification of abandoned buildings which harbor silent memories of forgotten people and historic events.

In 2016, Patrick Akpojotor was deeply disturbed by the violent ejection of residents of the waterfront slum community of Otodo Gbame in Lekki, where thousands of people were displaced. He channeled his anger and frustration into his paintings and wood sculptures, creating buildings with human features and emotions.

"Paisaje mental / Mindscape", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36", 2019

"Abami Eda (El extraño / The Strange One)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

«Una de las experiencias interesantes al crear esta pieza fue recordar cuando visitaba a mis compañeros de la escuela secundaria en la calle Pepple, sólo para estar cerca del santuario y sentir el ambiente del afrobeat. Eramos demasiado jóvenes para acceder al recinto, pero aún así disfrutábamos de las actividades que se realizaban fuera del santuario.»

«One of the interesting experience creating this piece was looking back to when I use to visit my secondary school mates on Pepple street, just to be around the shrine and feel the vibe of afrobeat. We were too young to gain access into the premises but we still enjoyed the activities outside the shrine.»

Fela Kuti

Fela Anikulapo Kuti (nacido Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti, 1938-1997) fue un multiinstrumentista, líder de orquesta, compositor, activista político y panafricanista nigeriano. Es considerado el pionero del Afrobeat, un género musical africano que combina la música tradicional yoruba y afrocubana con el funk y el jazz. En el apogeo de su popularidad, se le conoció como uno de los intérpretes de música más "desafiantes y carismáticos" de África.

Kuti era hijo de una activista por los derechos de la mujer nigeriana, Funmilayo Ransome-Kuti. Después de sus primeras experiencias en el extranjero, su banda, Africa 70, saltó al estrellato en Nigeria durante la década de 1970, durante la cual fue un crítico abierto y objetivo de las juntas militares de Nigeria. En 1970 fundó la comuna de la República de Kalakuta, que se declaró independiente del gobierno militar, y que fue destruida en una redada de 1978.

Se hacía llamar "Abami Eda", una frase yoruba que se traduce aproximadamente como "el extraño".

Wikipedia

Fela Anikulapo Kuti (born Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti, 1938-1997) was a Nigerian multi-instrumentalist, bandleader, composer, political activist, and Pan-Africanist. He is regarded as the pioneer of Afrobeat, an African music genre that combines traditional Yoruba and Afro-Cuban music with funk and jazz. At the height of his popularity, he was referred to as one of Africa's most "challenging and charismatic music performers".

Kuti was the son of a Nigerian women's rights activist, Funmilayo Ransome-Kuti. After early experiences abroad, his band, Africa 70, shot to stardom in Nigeria during the 1970s, during which he was an outspoken critic and target of Nigeria's military juntas. In 1970, he founded the Kalakuta Republic commune, which declared itself independent from military rule. The commune was destroyed in a 1978 raid.

He accurately called himself "Abami Eda", a Yoruba phrase that roughly translates to "the strange one".

Wikipedia

"Chica con cinta roja / Girl with Red Ribbon"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2021

"Espacio no contado I / Untold Space I"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 15" x 11", 2018

«My work is influenced by my fascination with African masks, the built space and architecture and its ability to shape ones identity. I am interested in the differences in human attitude, relating to the culture of a built environment that they inhabit. I have also observed how structures like architectures, roads and public spaces are named after people, which create an awareness of the person’s good deeds and archive his or her existence.

My work merges together visual references of the built environment, geometry, human forms and imagined structures to create abstract composition that interrogates our sense of balance and perception that challenges us to see  differently. Taking references from my memory and personal projections, I create works by deconstructing the spaces I have lived in, spaces I hope to experience, bringing the interior to the fore, while bearing in mind the law of perspective in my composition. My surface becomes a playground where forms, colours, perspective, and space comes to play and interact. The use of geometry and architectural elements highlight the influence of the built environment in shaping our memories, experiences and identities in the world.»

"Pasaje a las posibilidades I / Passage to Possibilities I"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 2019

"Rey de la calle / Street King", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 2019

«What sparks my creative process is a day-to-day life and I found that I'm drawn to people's stories.»

"La casa que construyó Stella Adadevoh / The House Stella Adadevoh Built"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 2018

Ameyo Adadevoh (born Ameyo Stella Adadevoh, 1956-2014) was a Nigerian physician, credited with having curbed a wider spread of the Ebola virus in Nigeria by placing the patient zero, Patrick Sawyer, in quarantine despite pressure from the Liberian government. When threatened by Liberian officials who wanted the patient to be discharged to attend a conference, she resisted the pressure and said, "for the greater public good" she would not release him. She is known for preventing the Nigerian index case from leaving the hospital at the time of diagnosis, thereby playing a key role in curbing the spread of the virus in Nigeria. On 4 August 2014, it was confirmed that she had tested positive for Ebola virus disease and was being treated. Adadevoh died in the afternoon of 19 August 2014.

Wikipedia

"Salud a la buena vida VII / Cheers to Good Life VII"

Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 2018

"Akpojotor’s works stimulate us to a refreshing experience of the artist’s intuition, childhood, the search of identity, adventure and romance with space," commented Prof. Jerry Buhari, art critic and Professor of Fine Arts at Ahmadu Bello University. "Watching Patrick grow as an artist over a span of fifteen years I have a sense of fulfillment as a mentor," added Master Artist Prof. Bruce Onobrakpeya, a pioneer of Nigeria’s contemporary art scene. "He is very talented, intelligent, diligent and passionate, and is able to draw inspiration from things around him and from faraway places."

"Ciudadano del mundo / Citizen of the World"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2019

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Visita al estudio de Patrick Akpojotor con motivo de la exposición "Si las paredes hablaran" /

Studio Visit with Patrick Akpojotor on exhibition If Walls Could Speak

SMO Contemporary, 5/2020

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Fuentes / Sources:

* Website

* Conozca a Patrick Akpojotor con SMO Contemporary.

Si las paredes hablaran: Una exploración de cómo la identidad es modelada por el entorno construido / 

Meet Patrick Akpojotor with SMO Contemporary".

If Walls Could Speak : An exploration into how identity is shaped by the built environment.,

16/09 - 08/11/2019. SMO Contemporary

* "Cómo Fela Kuti llegó a ser celebrado por aquellos contra los que cantaba /

How Fela Kuti came to be celebrated by those he sang against"

Artículo de / Article by Demola Olarewaju, Al Jazeera, 7/2018

* Video que puede verse arriba / Video you can see above

Más sobre / More about Patrick Akpojotor: Website, Instagram, facebook, SMO Contemporaray

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