EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "ÚLTIMOS DÍAS DE LA VÍCTIMA" (Adolfo Aristaráin, 1982)

Un poco de ternura y Mendizábal (Federico Luppi) se nos desarma. Él, asesino profesional a sueldo de políticos y empresarios mega corruptos, sicario pulcro y sabio que vende su pistola a quien la pueda pagar, un individuo que normalmente cuando tiene que matar es por algo... acabará disolviéndose como un azucarillo víctima del afecto y la seducción. Este solitario necesitado de amor, hundido en sus muchas contradicciones, pronto se dará cuenta de que algo no funciona con su nueva víctima, que quizás este nuevo objetivo no sea tan "matable".

Estamos ante uno de esos densos y perversos thrillers de culto que nos vuelven tarumbas. Un deslumbrante neo-noir argentino de tono muy contenido y sin apenas diálogos, basado en la novela homónima de Jose Pablo Feinmann y dirigido a quemarropa por un Aristaráin en estado de gracia. Podía haber sido giallo italiano, yakuza-eiga japonés, si acaso film-noir francés... pero es cine negro de La Plata. En "ULTIMOS DÍAS DE LA VÍCTIMA (1982)" se aprecian referencias genéricas y visuales que la emparentan con títulos que están en nuestra lista de clásicos canallas: Scorpio (Michael Winner, 1973), Hard Contract (S. Lee Pogostin, 1969), Point Blank (John Boorman, 1967)... Aunque la más evidente de todas esas influencias repose en la obra maestra de Coppola "La Conversación" (1974), y, rebuscando un poco más, en un film hoy olvidado de Robert Mulligan titulado "El Hombre clave"(The Nickel Ride, 1975), interesante película que rara vez se menciona cuando se analiza la obra del director de "Matar a un ruiseñor". Incluso habrá quien sincronice "La Ventana Indiscreta" (Rear Window; Alfred Hitchcock, 1954) con toda esta historia negra de la Pampa...

CURIOSIDADES DE UN THRILLER DE RESONANCIAS METAFÍSICAS ...

- "¡CÓGEME, CÓGEME!" ("¡Fóllame, fóllame!")... Era la primera vez que se decía algo así, tan crudamente, en el cine argentino (Aristaráin tuvo que ensuciar un poco el sonido en dicha escena entre Soledad Sylveira y Luppi para que no se notara tanto). Debido a alusiones sexuales de este tipo la película tuvo algunos problemas con la censura, pero a cambio de modificar alguna secuencia, pasaron por alto otras cosas: como los símbolos militares en el escritorio del tio que le paga a Luppi por matar gente...

- LA CINTA gustó a críticos y crítica (ganó el festival de Huelva), pero en taquilla, sobre todo en Argentina, no funcionó tan bien como el anterior trabajo de la dupla actor/director, "Tiempo de revancha". Adolfo lo achaca a que el estreno se produjo en los mismos días en que empezó la guerra de Las Malvinas...
- ... Aunque otros apuntan a que el motivo de que no gustara tanto al público se debió al cambio de arquetipo de Luppi, convertido en un asesino con el que resultaba dificil identificarse. Por cierto, Don Federico está inconmensurable.

CINE FRANCÉS: "LOS CANALLAS (2013)". Un polar triturado de Claire Denis

LES SALAUDS (Los Canallas. 2013) -D.: Claire Denis

¿Qué deberíamos esperar de un film que, en el argot popular, vendría a titularse algo así como Los Hijos de Puta?...Pues que le viene al pelo, joder! Esta película es como una patada en los huevos, te deja sin respiración. Una portentosa lección de cine polar del nuevo milenio, mejor aún, film noir francés con sabor a clásico imperecedero. Pónganle ustedes el adjetivo que gusten: zafia, turbia, visceral, lenta, fría, indecente, profunda, inquietante, provocadora, anti-narrativa ..., pero si de algo va sobrada esta cinta es de VALENTÍA. Cierto que le llueven las críticas negativas (los hay que reclaman más 'notas explicativas', más información, incapaces de imaginarse la trama por sí solos) pero ya quisieran muchos tener el atrevimiento y la inventiva de madame Denis. Parece mentira que este brutal thriller esté escrito y dirigido por una señora que podría ser tu abuela (casi 70 tacos, ahí es nada).  Aprendan los acomodados y querubines cineastas de los barrios ricos y nobles como se rueda en los arrabales independientes de la tercera edad. El maestro Melville -de estar todavía el patrón de Le Samourai entre los vivos de este mundo- hubiese aplaudido a rabiar la cinta, sobretodo el desenlace final, que no por inesperado resulta tan demoledor como los finales que solía depararles a los infelices antihéroes de sus películas. A su vez  Claire Denis (35 Tragos de Ron), como todo gran artista, necesita de muy poco para hipnotizarnos. Nada de tiros, acción, truculentos giros de guión, mareos de cámara, maquillaje digital, ni sobreactuación alguna que empañe descarnado lienzo. En esta película se folla como se tiene que follar (pregúntenle a Chiara Mastroianni si miento), las imágenes transmiten como nunca (mínimo texto: pocos diálogos y grandes frases) y las personas se mienten y traicionan como siempre. Ningún canalla tumbero dormirá en paz después de visionar una obra como esta. Estamos ante otro de esos visionados chungos que se quedarán grabados en tu memoria de por vida. Por si fuera poco, el personaje central está interpretado por un actor que se mueve como pez en el agua en esta clase de papeles: Vincent Lindon, actorazo que recordarán figuraba en los créditos de aquella otra pasada de thriller francés que llevaba por título La Moustache (Emmanuel Carrère, 2005), una inclasificable película a caballo entre la ciencia ficción menos bigotuda y el terror neutro más (para)psicológico.
Prepárense a disfrutar de un programa doble del mejor cine franchute de los últimos años. Pongan a trabajar sus neuronas lynchianas y penetren hondo bajo los límites de la carne (tienen permiso de Cronenberg) en compañía de Vincent Lindon y Claire Denis. Absténganse curiosos, impacientes, mentes enrevesadas y catetos duros de mollera.

CIENCIA FICCIÓN. Beyond the black rainbow.

BEYOND THE BLACK RAINBOW (Panos Cosmatos, 2011).

-Para pirados del cine de David Lynch y demás compinches surrealistas metafísicos de postín. Para amantes de la farándula canadiense por la ciencia ficción más chunga y virial; a la que homenajea. Cronenberg (Videodrome) o Vincenzo Natali (Cube) son la punta del iceberg de un cine que ha contaminado nuestras mentes prenatales como pocos han logrado. Estamos ante una de esas cintas que suscitan cultomanía o repugnancia a partes iguales.  ¿Compleja? ¿Inverosímil? ¿Excesiva?... Ustedes dirán. En este fanzine somos más primitivos y más simplones. Suspiramos por proyectos atrevidos que se escapen del resto y rescaten el género que tanto nos gusta. En definitiva, aquí tienen una peli para quienes sientan respeto por el cine de terror y ciencia ficción más disparatado y honesto.

LÉEME: DESEO DE SER PUNK (Belén Gopegui)

Mi hermano me lo regaló (creo que fué porque lo tenía repetido, aún así, muchas grácias Chinaski). No me engañó cuando lleno de razón afirmó que me iba a gustar. Punkarra adolescente, mi hermano, hoy responsable padre de familia, más metido a Nacho Vegas que a Iggy Pop, en cuanto a lo musical, y más metido en el mundo escrito de Murakami que en el de J.G. Ballard o Jaime Gonzalo como puedo estarlo yo, me desafió a leer "literatura que no lées tú, a ver si aprendes". Queda claro que el culto y el entendido es él. Así que háganle caso y regálense esta oferta de 'otra lectura'. Novela española, escrita por una mujer, cuyo precioso título puede engañar a despistados crápulas como yo. Pero descubrí, amigos, que no va sobre la Iguana, ni sobre músicos algunos, no. La historia va de actitud y, sobre adtitudes, sí, y esa es la acertada relación del Punk en todo esto. Pero bueno, como la madrileña Belén Gopegui (de la cual desconozco si tiene una hija de la edad de la protagonista) no necesita mucho para enganchar al 'inteligente' lector como lo haría cualquier disco de los Stooges con el oyente, porque es muy buena escritora, nos regala alguna que otra referencia musical (a lo Alta Fidelidad), y lo que es todavía más gratificante, muchas críticas, no sólo al sistema, sino a los gustos y a la forma de pensar del rebaño de adolescentes (y adultos) de hoy día y de siempre, los cuales desconocen el verdadero sentido de una canción rock, la historia y relación que hay detrás de la música de moda que escuchan..., y muchas más de 'cosas que les traen sin cuidado' y demás. Por eso deberían de oir a Martina, 16 años, la guardiana entre el centeno protagonista de esta novela parída de Belén. Un relato corto, sencillo de leer, rebeldemente tierno y, al menos para mí, con un poso nostálgico. ("A ver si aprendes"...)!!

DESDE LAS ANTÍPODAS: MAD BASTARDS (2010)

"...tengo a un hombre con una puta hacha dentro de mí, y no lo puedo controlar."
Más cine australiano del bueno, que ya tocaba. La cinta independiente estrenada en el Sundance de ese año y dirigida por el desconocido (hasta el día de hoy) Brendan Fletcher es de las que calan hondo en el espectador. Un drama suburbial, con violencia y alcoholismo de fondo. Nos narra una historia mil veces contada, sí, pero no por repetida dejará de cansarnos jamás. Al menos, siempre que esté bien narrada y tenga cierto grado de credibilidad y honradez como es el caso de MAD BASTARDS. La peli, en determinados momentos, y por el tema a tratar, puede pecar de cursilada para el cinéfilo más exiginte. Nada más lejos de la realidad. Tal vez semejante miopía tenga que ver con los prejuícios del espectador 'entendido' más que por otra cosa. Y para nada le resta méritos el que sus protagonistas, todos aborígenes, se pusieran por vez primera frente a las cámaras, o/y que se note que el director todavía esté arrancando en la profesión; es más, a mí todo esto me parece fantástico. Estamos ante un film para recomendar cor los ojos cerrados. Testimonios reales para una película sobre la cruda realidad, documento visceral del pueblo aborigen. Rodada en espacios naturales de gran belleza y sana espiritualidad. Con una música para perder el sentido, country-folk del desierto para demostrar que hay todo un mundo de sonidos por descubrir allende el océano. Para finalizar decíros que si os gustó un film como la neozelandesa Gerreros de Antaño (Lee Tamahori, 1994), con la que Mad Bastards guarda cierta similitud, tendréis una razón más para no perderos esta dura y, a la vez, hermosa película.

DOCUMENTALES: CIUDADES LEGENDARIAS DEL PECADO

París, Berlín y Shangai ¡Qué historias más lirondas, óigan! Menudos años que nos hemos perdido. En los albores del siglo XX estas tres ciudades se convirtieron en lugares legendarios. En ellas bullían el arte, la cultura y la vida misma, avivadas por una tolerancia que permitió prosperar al erotismo, la permisividad y el pecado... Así nos presentan este jugoso ducumental de tres partes. Un capítulo para cada promiscua urbe. Me río yo de Malcolm McLaren y sus punks de escaparate. Si creen ustedes que lo saben todo sobre sus bisabuelos (por no hablar del sexo, el vício, la perversión, las drogas o las juergas..) esperen a ver este educativo documento. Visto lo bien que se lo pasaban en los años 20 aquellos ricos, mafiosos, timadores, putas, camellos, los artistas, los sin patria, los homosexuales, los frikis, los cineastas, los vividores y demás buenas gentes del pasado (...pues los menos favorecidos, o séa, los pobres o los sin suerte, lo tendrán jodido siempre) a uno le entran ganas de vender su alma al diablo por una máquina del tiempo. Pasar una noche en el mítico barrio parisino Montparnasse y caer seducido por los encantos eróticos de KiKi, conocer de primera mano como pervertía Claire Waldorf a los berlineses de entre guerras y de paso comprar los servicios de la explosiva hembra de ébano Josephine Baker.... Hay tantos personajes e historias dignas de mención (Man Ray, Cole Porter, Marlene Dietrich...), tanta brasa en este documental, que allá ustedes amigos tumberos si se lo pierden.

MONDO LIRONDO: CHAPARRÓN DE ESTRENOS CON TEMÁTICA TUMBERA.

Gente de la nuestra... ¡La que se nos viene encima! Expectantes contamos los días que faltan para que directores afines a esta casa láncen sus ultimos largos cinematográficos. Mientras los cinéfilos esperan la última perogrullada del manchego Almodobar, nosotros, cinemaníacos tumberos, ansiamos que la vieja guardia de malsanos artesanos -en muchos casos vilipendiados, o cuando no, directamente olvidados (léase Abel Ferrara o William Friedkin)-, den señales de vida. Los que gusten de cine autoral a quemarropa, están de suerte. La cosa no es para menos.

-AKI KAURISMAKI: LE HAVRE (2011)

Algún día de estos analizaremos como se merece la carrera del autor finlandés. Alguien que tenga a Chaplin como maestro y esté enamorado del rock'n'roll clásico de los años 50, no puede ser mal tipo. Existe Aki Kaurismaki, y el resto del rebaño. Cine a contracorriente. Pura mágia (al menos que te guste soñar). Y ya tardaba. Tiempo pasó desde sus ultimas maravillas "Un hombre sin pasado"(2002) y "Luces al atardecer"(2006), así que no véan ustedes lo impacientes que estamos por adentrarnos en otra bonita historia llena de imágenes ensoñadoras.

-TAKASHI MIIKE: ICHIMEI (2011)

Sorprendente. Al igual que ustedes, teníamos al autor de Audition, Ichi the Killer y demás brutales gamberradas fantamafiosas, reconocido como el Scorsese japonés. Eso sí, elevado al cubo. Siempre un paso por delante. A la vanguardia del cine más bruto, bizarro y bárbaro hecho jamás. Pues bien, visto su ultimo flim (13 Assassins, 2010) y a la espera de poder ver "Ichimei"(2011), hay que reconocerle una nueva faceta, un antes y un después en su carrera. Son dos remakes de películas clásicas del cine de samurais nipón, cierto. Pero no le resta mérito alguno. Miike quiere dejar claro que él es un cineasta total. Kurosawa, Kobayashi, Hideo Gosha y demás maestros del género Chambara estarían tan orgullosos de su paisano como lo estamos los amantes del buen cine.

-ABEL FERRARA: 4:44 LATS DAY ON THE EARTH (2012)

Ya está aquí, incordiando a periodistas, productores, progres, críticos y demás jauría del circo, nuestro noctámbulo preferido. Al neoyorquino le va la marcha. A alguien capaz de rodar aquella pasada de péli que fue "Teniente Corrupto", no se le olvida facilmente. Hay que seguirle la pista allá donde vaya. Quien sabe, puede que algún día recupere algunas de las pinceladas que hicieron que gente brutta como nosotros le tengamos en tan buena estima. Su ultimo trabajo reseñable, Chelsea on the Rocks (del que ya dejamos constancia meses atrás), fue un documental, y su último largo interesante, "Un Cuento de Navidad", data del 2001. De ahí las ganas que tengo de incarle el diente a esta historia apocalíptica, que en manos del director del Bronx, no se parecerá en nada a los blockbusters de Roland Emmerich y mercenarios similares. Además corre la suerte de poder apreciar la grandeza interpretativa de Willem Dafoe. Un actor 'de los suyos', y de los nuestros. No te mueras nunca Ferrara, contamos contigo.

-ROMAN POLANSKI: UN DIOS SALVAJE (2011)

Suerte de tener al 'enano polaco' (como lo denominara Jack Nicholson) con vida. Nadie parece quererlo hoy día. Al no ser de ninguna parte, no pertenece a ningún sitio (la historia y su vida así lo demuestra). La dicha del cineasta errante. Del exiliado. Bajo arresto domiciliario, está más productivo que nunca. Todo hay que decirlo. Y nosotros tan contentos. Christoph Waltz y el gran John C. Reilly completan el pastel.

-JOHNNIE TO: LIFE WITHOUT PRINCIPLE (2011)

Al magnífico director honkonés ya os lo presenté en su momento. Filmes como Election o Exiled no tienen parangón en su género. Impecables, relucientes, sensibles... los trabajos tonianos resultan poéticas radiografías de la violencia. Gangsters trajeados que se convierten en hombres de negocios asoman en este thriller de acción, con la crisis y el descalabro económico ultraliberalista ejerciendo como el malo de la película. Sabémos que como mínimo será correcta, como toda su flimografía.

-DAVID CRONENBERG: "UN MÉTODO PELIGROSO"

Lo último que estrene el doctorado canadiense siempre será un acontecimiento. Relaciones sentimentales y profesionales entre titanes de psicoanálisis parece ser lo penúltimo. ¿Cronenberg retratando a Freud? No se engañen. El autor de La Mosca hace tiempo que dejó atrás sus delirios fantásticos para inquietarnos de otra manera mucho más realista. Su actor fetiche Viggo Mortensen, y el expléndido Michael Fassbender (Hunger, 2008), prometen divertirnos. Cronenberg nunca ha hecho una mala película, y apuesto a que nunca la hará.

-WILLIAM FRIEDKIN: "KILLER JOE"(2012)

Una película de Friedkin, como ocurrió con su anterior "Bug"(2006), por muy buena que sea, pasará desapercivida para la gran mayoría de consumidores de estrenos (si es que llega a estrenarse). Supongo que para un hombre que firmó en los 70 obras maestras de la categoría de El Exorcista o French Connection le importará una mierda si sale del ostracismo o no con cada nuevo trabajo. Su tren ya pasó. Lo que no es de recibo alguno, es ver como trata la industria (a él como a tantos otros) a alguien que ha hecho tanto por este podrido negocio. Parece un apestado. Nosotros no te olvidamos William. Has dado muestras de ofrecer algo distinto y honorable. Killer Joe parece ser un thriller negro con humor solapado. Veámos si todavía te quedan balas en la recámara, viejo zorro.

-STEVE McQUEEN: "SHAME"(2011)

Tan pronto acabamos de visionar un film como "Hunger"(2008), no dudamos en calificar a su joven director como una de las grandes promesas a seguir en un futuro. Todavía hoy al recordar semejante y estremecedor relato sobre aquel preso del IRA, se me pone la carne de gallina. Así que no es de extrañar el fervor con el que esperábamos en esta casa el siguiente paso a dar por el director y videoartista británico Steve McQueen (nada que ver con el genial actor americano de mismo nombre y apellidos; vasta con ver la oscura tonalidad de su piel para estar seguro de ello). La historia que nos viene, al igual que ocurriera en su ópera prima, gira en torno a las libertades del ser humano. Si el prota de Hunger caecía de libertad alguna, el de Shame (en ambos filmes interpretados por un asombroso Michael Fassbinder, un actor que sin duda, y con el tiempo, se convertirá en una gran estrella de cine), disfruta de élla a raudales. Mejor dicho, a gusto. Su retrato de un perturbado adicto al sexo promete distanciarse de los demás films que sobre el tema se han hecho. McQueen rema a contracorriente, así que nos esperamos una película en las antípodas del cine comercial actual. Bravo irlandés. (Si la péli es una mierda serémos los primeros en admitirlo... Aunque lo dudámos mucho)

AMER (2009). UN FILM DESCONCERTANTE

• GIALLO SENSIBLE

Insólita, sorprendente, o fascinante, son algunos de los calificativos que desprende el visionado de una cinta como Amer (Helene Cattet y Bruno Forzani, 2009). Inédita en nuestros cines, la película franco-belga es una propuesta que va más allá del cine fantástico, del cine de horror, del cine experimental y lo que ustedes quieran. Amer es una experiencia totalmente desconcertante. Historia subjectiva -una vida en 3 actos temporales desarrollada dentro de la cabeza de un solo personaje- donde la paranoia, la ansiedad, el deseo sexual, el erotismo, la mutilación, la muerte y lo hipnótico se relacionan entre sí como fragmentos de una realidad por veces fantástica y alucinatoria. Podríamos estar hablando de un giallo sensible, un poema simbólico o simplemente de un film metafísico, pero cualquier racionalidad o intento de comprensión de Amer quedaría mejor para el debate de críticos y cinéfilos de pro. No le demos más vueltas, Amer figura desde ya como una agradable anomalía dentro del cine actual (y no solo fantástico), como en su día lo fueron las películas de David Lynch ("Cabeza Borradora" por nombrar solo una). Además puede verse como una reformulación del género giallo italiano, radical eso sí, como en su momento lo fueron los films de Dario Argento, Bava y cía. en los cuales se inspira (los trucos narrativos o la excitante sexualidad, para más señas). Lo dicho, si desean contemplar algo diferente no duden en dejarse llevar por las hipnóticas imágenes de esta rara maravilla de película.

-NUNCA ME ABANDONES. (¿Qué es lo que verdaderamente importa en la vida?)

NEVER LET ME GO ("Nunca me abandones", Mark romarek. 2010) Peliculón. Un film descolorido, inquietante y opresivo. Drama romantico de Ciencia Ficción sin tramas científicas ni escenarios futuristas, en el que todo parece muy sencillo pero es desgarradamente muy real. Un futuro reconocible en el que parece que algo no encaja. Si te gustaron películas como "Moon" o "Gattaca", relatos añejos de Fillip K. Dick como ¿Sueñan los androides con ovejas electricas? y te sientes cómodo con la sci-fi existencialista (futuros distópicos, en los que la realidad sucede en terminos opuestos a los de una sociedad ideal), o te gusta el buen cine sin más, alucinarás con esta fábula fabulosa (basada en la famosa novela homónima de Kazuo Ishiguro, -que no he leído-) y que explora el alma humana, la vida, la muerte y el amor como solo las grandes películas saben hacerlo. En esta historia unos niños pasan su infancia, no sabemos si en un orfanato o en un internado inglés, mientras poco a poco, escena a escena (y a la vez que los personajes), vamos descubriendo que hay detrás de todo aquello; la verdad que oculta su destino. Aunque sea una peli sobre clones esto último pasa a un segundo plano, El film hace que nos planteemos preguntas, más que dar respuestas, sobre temas como la ética de la clonación, qué es lo que nos hace humanos y qué es lo que realmente importa en la vida. Una de esas cintas que acaban dejando una profunda huella.

Valhalla Rising ( Nicolas Winding Refn, 2009). UNA ODISEA VIKINGA

El director danés Nicolas Winding Refn no deja de sorprendernos. Si ya nos la puso dura y nos dejó estupefactos con el sangrante realismo de su trilogía PUSHER, una de las sagas de narco-acción más impresionantes de los ultimos tiempos dentro del cine europeo, con VALHALLA RISING vuelve a demostrar que su discurso cinematográfico no tiene límites. Discutido y cuestionado aquí y allá durante toda su filmografía ("Bronson" y "Fear X" son otros de sus títulos "menores") y dividiendo a críticos y aficionados (como buen transgresor) Nicolas vuelve a hablarnos, metaforicamente, de la soledad del ser humano. La inusual propuesta cinematográfica (en forma y contenido) del director danés, termina por irritar a los que esperaban de Valhalla Rising una película de vikingos con la narración y ritmo de los clásicos films del género. Insatisfechos, éstos ingénuos afirman que aunque el film resulte un ejercicio original las pretensiones de su director hacen de Valhalla una película ambigua, vácua y a la postre fallida. Personalmente lo que opinen estos "inquisidores del gusto" me la trae floja. Pero en este caso han servido para qué, con más razón, me desaga en elógios hacia lo que algunos consideran un fracaso de película. Ojalá fracasaran más directores de la misma manera. Brillantes e imnovadores como Nicolas Winding. Capaces de hipnotizarnos y abrumarnos con historias tan alejadas de los cánones habituales. Un cine por el que apostarémos siempre, sin dudarlo, nosotros pecadores sin remedio. Películas jodidamente pretenciosas ¡sí!, como la no hace mucho reseñada Tasmania (a la que evoca por su lírica e impresionante fotografía, sus silencios, sus alegorías religiosas y, por qué no, a la hambruna en un momento dado de sus personajes), o la memorable Aguirre la Cólera de Diós con la que guarda no pocas similitudes temáticas (sacrificio, locura, ira, muerte...) y tonales (carencia, atmósfera...). Apocalypto o el fenomenal arranque de Conan el Barbaro (un exclavo guerrero, pagano y mudo, al que llevan sus amos preso por el cuello a pelear en el barro) son otros títulos que me vinieron a la mente los primeros minutos de metrage. Pero a las primeras de cambio ahí se quedaron mis alucinadas comparaciones. Tras contemplar atónito semejante ritual poético -despojado de innecesaria narración que nos despiste- uno acaba penetrando en la nebluna psicológica tendida por su director: La odisea de unos vikingos del siglo X (partiendo del hecho de que fue este pueblo quien descubrió América antes que Colón) y lo que pudo haber sido aquel primer viaje oceánico y el impacto de tropezarse con gentes hostiles en un nuevo mundo (resulta paradójico el hecho de que la espedición normanda buscase ir a Jerusalen en un principio, para luchar en Tierra Santa y, visto su fracaso fuesen esos mismos vikingos quien pretendieran colonizar las nuevas tierras con la Cruz de Cristo). Lo dicho, una película a recomendar fervientemente. Aunque tan solo sea por la cíclope interpretación de Mads Mikkelsen (Un Ojo). Un actor que habla por boca de un crío, pero al que no oímos decir palabra en todo el film... Ni falta que hace.

RETOMANDO AUSTRALIA: UNA "MONSTER-MOVIE" Y UN POQUITO DE AUSSIE ROCK

RAZORBACK / LOS COLMILLOS DEL INFIERNO (1984). D.: Russell Mulcahy. I.: Gregory Harrison, Bill Kerr, Chris Haywood y Arkie Whiteley.

- Antes del caos sembrado por el jabalí gigante que asola a los protagonistas de nuestra cinta, el cine fantástico ya había imaginado todo tipo de desmanes argumentales protagonizados por especies animales de considerable tamaño: Cocodrilos (Alligator), Gusanos (Temblores), Tiburones, Ratas (El Alimento de los Dioses), Pirañas, Tarántulas, Murcielagos (Alas en la Noche), Cefalópodos, y el resto del mapa zoológico que se os ocurra... Así que el argumento de Razorback, original, lo que se dice original, no es que sea mucho. Pero esta producción australiana de serie B de los años 80, es una más que aceptable moster-movie que hará las delicias de los incondicionales al género. Por qué esa falta de originalidad argumental la suple la péli con cierta elegancia visual y sin demasiados artificios. Claro está, se vale de influencias reconocibles: el cine de George Miller (Mad Max) y todas aquellas producciones adrenalínicas Ozploitation facturadas en la década anterior por cinéfagos de serie B.

Reconozcámoslo, para bien o para mal, cada país tiene su estilo de hacer cine, de hacer las cosas. Y un menda, -tal vez por lejanía, desconocimiento o por pura curiosidad-, siente especial predilección por la forma en que los australianos cuentan sus historias. Y ya no digamos, de su personalísimo estilo a la hora de crear grandes bandas de rock'n'roll... Pero ésa es otra historia...

ULTIMAS REFERENCIAS ROCKERAS DESDE LAS ANTÍPODAS

-DEAD HORSE PROBLEM (Beast Records, 2010)

Tremebunda portada, calcinante sonido. Oscuros y ruidosos temazos brotan de su interior. Música hecha con muy mala leche, con pleitesía por lo malsano. Necesitas varias escuchas para encontrarle el regusto al asunto. Pronto descubrirás que guitarras crujientes como éstas ya las habías escuchado antes en grupos como Beast Of Bourbon o Gun Club, aval más que suficiente para adentrarse el el reverso tenebroso de este cuarteto australiano.

-JAMES McCANN "Last Night I Meet the Devil" (Bang, 2006)

La música de este miembro fundador de los Drones es un viaje fascinante por toda la fauna pantanosa del rock australiano, de principio a fin. Desde el folk más aborigen que crece hasta convertirse en preciosas baladas, hasta el lado más salvaje y supersónico reminiscencia de los esenciales Scientists. Rock and Roll en su extremos más honesto, crudo y vital.

ERUPTOS A TUMBA ABIERTA:

-Mi adiós más sincero a ilustres ciudadanos (como vosotros). El mundo está hoy mucho más huerfano sin ALEX CHILTON (The Box Tops, Big Star...); Iván ZULUETA ("Arrebato"); Jean Simons ("El Fuego y la Palabra"); J. D. SALINGER (El guardián entre el centeno, 1951); o Eric Rohmer (arquitecto del cine francés).

-Mi enhorabuena a JEFF BRIDGES. Un "perdedor" ganando un premio (lo siento Rourke). No se lo dieron por "el Nota" pero finalmente tiene su estatuilla en el salón. Fue lo más interesante de unos Oscars que cada año apestan más (que se joda Cameron, su Avatar no vale una mierda, y luego hablan de crisis...). Cary Grant, Hitchcock, Howard Hawks...saben de que hablo.

-El cine que nos viene. Espero con ansiedad lo nuevo de John Carpenter, David Cronenberg y Vicenzo Natali, gente muy estimada en esta casa que a lo largo del año verán estrenados sus nuevos trabajos. Entre medias Kusturica prepara un biopic sobre Pancho Villa -hablan de Johnny Deep para el papel- en lo que pretende ser un cruce entre Peckinpah y Sergio Leone (no nos pongamos nerviosos)... En cuanto al vilipendiado cine español (y con razón, Celda 211 no deja de ser un chiste) resaltar el estreno del tercer largo ¡¡en quince años!! (que duro es pretender hacer cine en España) del maldito Oscar Aibar ("Atolladero"), lleva por título EL GRAN VAZQUEZ y cuenta la historia del ilustre dibujante de personajes como Anacleto o Las Hermanas Gilda. En la piel del genial humorista encontraremos a Santiago Segura. No sé lo que saldrá de todo este tinglado, pero personajes como el de Vazquez se merecen ser recordados.

-En papeles destacar el lanzamiento de "Poder Freak: Una Crónica de la Contracultura (Vol. 1)" del reputado y flamante critico musical Jaime Gonzalo. Me toca ahorrar o soñar con que alguien me lo regale, para así poder ofreceros más información...

-DUSTAPHONICS: AÚN QUEDA MUCHA LEÑA POR CORTAR...

Sí amigos...Por si no fueran pocos los nombres esenciales de la Historia del Rock&Roll que todavía nos quedan por descubrir -y que en esta corta vida tal vez nunca encontraremos, por desídia, o bien por falta de tiempo-... encima debemos estar bien atentos al panorama actual, no vaya a ser, que sin querer, vayamos a perdernos alguna maravilla oculta entre tanta saturación y exceso de oferta musical (por supuesto rockera). Esto mísmo, es lo que te puede pasar a tí, si pasas por alto un grupo como the DUSTAPHONICS. Puede que no séa tu estilo el soul-power-exploitation saturado de garage punk... Puede que no te digan nada combos como Mitch Ryder & The Detroit Weels, The Rascals, Bellrays, Dirtbombs... Puede, que hasta no te guste el rock'n'roll... Ni el rhythm&blues... En todo caso, ¿a quién le importa?... Solo debería decíros que de ser así: es una verdadera lástima. Por que a mí, los Dusta, me ponen. Han bastado un par de temas para que esta superbanda me deje colgado y babeando. También han bastado dos minutos, lo que duran sus trallazos vitaminados, para tirarme de los pelos al enterarme, tarde y como siempre, de que me había perdido por poquito su reciente gira por territorio nacional (para más señas, cerca de casa). Ocasión única de haber comprobado, en vivo , y sin trampas ni cartón, el alcance real de los ingleses, a priori y segun cuentan: todo un espectáculo. Un combo, los DUSTAPHONICS, que ya apuntan en sus grabaciones (los temas que he tenido el placer de escuchar) maneras y actitudes que honran la música que reivindican... Y por si no fuera poco imaginarse una estupenda noche de rock&roll disfrutaríamos, y por el mismo precio, de la belleza y figura de su vocalista Ayna, una fiera de la naturaleza... que está para comersela, ¡menuda pava! Incluso nuestra idolatrada chicaMeyer Tura Satana ("Faster Pussycat Kill!,Kill!,Kill!") se apuntó a semejante desmadre festivo cantando en uno de los temas del grupo. Arrolladores temas. Pueden ser grandes los Dusta, la historia nos dirá. Yo prometo no perderme este tren...

-NOTICIERO RESESO: Cine británico, Defunciones, Venecia, Jim Jarmusch...

-Ya tenemos hablado en alguna otra ocasión del buen momento que atraviesa cierto cine británico reciente ("Hunger", "Somers Town" ...). Los ultimos dos títulos que he visto: FIFTY DEAD MEN WALKING y THE DAMNED UNITED, refuerzan dicha teoría. Ambos están basados en historias reales, y a pesar de que son dramas, los dos se ven con una sonrísa de complicidad. El I.R.A. y el futbol, respectivamente, son los temas a tratar. La primera versa sobre un jóven irlandés atrapado entre dos bandos, en su lucha por la supervivencia se ve obligado, literalmente, a ejercer de informante para los ingléses en los años más sangrientos del conflicto. Pero es con THE DAMNED UNITED con la que me he llevado la mayor sorpresa. Pese haber inventado el futbol, no tenían los ingleses una película referencia. Ya la tienen. La sorprendente historia del entrenador Brian Clough (un magnífico Michael Sheen) y su particular guerra templaria contra todo y contra todos. El Dundee United ejercía su terrorífico dominio en el futbol de las islas hasta la llegada de tan peculiar e imnovador personaje. La película debería representar un antes y un después dentro del maltrecho y fulero género de filmes sobre el deporte(negocio) rey. Historias como esta, así lo demuestran. Que tómen nota quienes estén faltos de ideas... (Aunque todavía estén por estrenar, puedes descargártelas subtituladas)

-DEFUNCIONES: Trágica perdida la de un músico histórico (dependiendo de qué revistas léas) como SKY SAXON. Vocalista, bajista, gurú y principal compositor de los legendarios THE SEEDS, grupo hippie-psicodélico-garagero de los años 60. Sky todavía se mantenía al pie del cañon a sus 71 años, y podría decirse que hemos perdido a una relíquia de otros tiempos. Seguramente no tendrá una estrella embaldosada con su nombre, pero temazos como "Pushin too hard" o "Can't seem to make you mine" podrían competir con cualquier número uno de los Rolling Stones. Descansa en paz, viejo.

Otro ilustre cadáver que añadir al panteón del rock and roll ha sido el de ELLIE GREENWICH, que ha sido una de las grandes compositoras que hadado la música pop con mayúsculas. Puede que su nombre te suene a chino, pero a buen seguro bailarías y cantaríais muchas de sus composiciones. La neoyorquina arrasó en los 60 con joyas inolvidables como "Leader of the Pack", "There she was just walkin' down the street", "Be my babe" o "Do wah Diddy" entre otros temazos. De buena gente es estar agradecidos. Y yo prometo estarlo -

-ADELANTOS: En el festival de Venecia se las dan felices. Dicen que no será dificil superar la penosa calidad de la edición anterior, dada las películas a competición de este año. Entre las más esperadas destacan el esperadísimo, y ya polémico, remake del TENIENTE CORRUPTO de Abel Ferrara, a cargo como ya sabréis del respetado Herzog. Otra que acaparará expectación es la apocaliptica LA CARRATERA (The Road) del australiano John Hillcoat (recordad su comentada "The Proposition") con Viggo Mortensen, o la nueva película de George Romero y sus zombies: SURVIVAL OF THE DEAD. Pero recuerdo a críticos y navegantes que fue THE WRESTLER (darren aronofsky) quién se llevó el León de Oro en el 2008, y amigos, superar semejante Obra Maestra no será moco de pavo. Optimismo sí. Pero teniendo en cuenta el cine de hoy...

-ARDO EN DESEOS DE ECHARLE EL GUANTE A LO NUEVO DEL MAESTRO jARMUSCH. Los Límites del Control, que así se titula, está rodada en nuestro país. Lo que se comenta y puedes leer acerca de élla en la red, no me aclara nada, al contrario, me confunde sobremanera. Por ahí ya se puede ver el trailer -cosa que yo no pienso hacer-. La verdad es que no recuerdo esperar ansiosamente tanta andanada de autor junta: Herzog, Hillcoat, Haneke, Jarmusch... Ya hablaremos.

-"El blanquito no le pega mal, eh!"

Si no hace mucho hablábamos de la eclosión que supuso Eli "Paperboy" Reed dentro del Soul actual, hoy le toca el turno a JAMES HUNTER. Otro blanquito sentando cátedra en un género que parecía un coto de caza exclusivo para voces negras. Si estamos ante un nuevo revival de la música soul (como tanto gustaría verder) el tiempo lo dirá. Lo que si es cierto es que los que amamos y sentimos nostalgia por aquellos músicos de la Motown o la Stax, debemos agradecer la explosiva aparición de gente como James Hunter o Eli Reed (extensivo a Lady Dottie o Black Joe Lewis) y disfrutar mientras podamos de la clase que atesoran dichos sujetos. No tenéis mas que bajaros una actuación conjunta que circula por e-Mule, de Eli y Hunter en directo, para que estas palabras no se queden en el tintero.

JAMES HUNTER suena fresco y natural. Lo suyo es un soul ecléptico se podría decir. Es un guitarrista estupendo y tal vez éso sea su mejor tarjeta de presentación. Con dos discos en su haber -People Gonna Talk y The Hard Way- ya se ha ganado el reconocimiento de una crítica y un público tan exigente como el soulero. Si quieres dinamitar la pista de baile, pinchalo bien alto y tendrás una respuesta inmediata.

Si todavía no lo estás escuchando haz los deberes y ya me contarás...

-EL ACTOR DETRÁS DE LA CAMARA: Nicolas Cage / Tommy Lee Jones

TRAS LA SENDA DE EASTWOOD

La lista de actores que en mayor o menor medida -con mejor o peor suerte- se han puesto en la piel de un director de cine es tan extensa, que sólo la empresa de nombrar un puñado de éllos me levanta dolor de cabeza. Ahora bien, si comenzamos por aquellos actores -llamémosles "de oficio"- que presumen de tener al menos una película en su currículum, la cosa cambia. Será la escusa perfecta para, poco a poco y por partida doble, repasar el trabajo de actores/directores con películas que merecen la pena recordar... En esta primera entrega le llega el turno a dos peliculones: SONNY de Nicolas Cage y LOS 3 ENTIERROS DE MELEQUÍADES ESTRADA de Tommy Lee Jones, que me han sorprendido gratamente, tanto en un primer momento al conocer quién las dirigía como luego al comprobar la calidad final de los mismos...

-LOS TRES ENTIERROS DE MELQUÍADES ESTRADA (2005)

Tommy Lee Jones es un actor que ha sabído madurar como el buen vino con el paso de los años, y acumular experiencia desde que debutara en Love Story allá por 1970. Como no es un actor "de genética", ha tenido que currárselo mucho. Fue a raiz del éxito de El Fugitivo (1993) cuando lograría entrar a formar parte de star system ("Volar por los aires", "Asesinos Natos", "Men in Black"...) avanzando hasta el status de respetabilidad que actualmente tiene entre la gente de su generación, Ed Harris, Robert Duvall... -a los que también se les ha dado por ponerse a dirigir con tan buenos resultados, como irémos comprobando-. Talento interpretativo, el de Tommy, que podréis comprobar en sus últimas cuatro películas: ésta Melquíades que nos ocupa -que también la interpreta, además de dirigirla magistralmente-; "El Ultimo Show (2006)" la obra póstuma de Robert Altman; "En el Valle de Elah (2007)" y aleccionando a Bardem en "No es país para viejos (07)" de los hermanos Coen.

-Tommy Lee Jones nació en Texas, y es allí cerca de la frontera donde transcurre la historia de Pete Perkins el capataz que pretende por su cuenta -y por principios- descubrir al asesino de su amigo y hacerle llevar el cadaver de éste hasta su lugar natal y enterrarlo donde se merece. Lo mejor del filme lo encontramos en el guión de Guillermo Arriaga. Podría decirse que el resultado final es un western moderno, pero a mí me gusta verlo más como una historia de cine negro luminoso. Un film fronterizo que sugiere más que muestra, que no perderá valor alguno con el paso de los años porque es de esas películas que hacen pensar, lo que siempre será de agradecer. Tommy Jones debutó con notable alto en el oficio de director de cine, que siga por ese camino ya es una obligación. De lo contrario -para un servidor- ya se puede retirar a gusto...

SONNY (2002)

El caso de Cage es muy distinto al anterior. Ya ha salido su nombre en más de una ocasión y ya sabéis mi opinión. Su carrera ha ido de más a menos, aunque su cuenta corriente muestre lo contrario. De "Corazón Salvaje" a... "Ghost Ryder". Una lástima. Pero si Cage me pidiése consejo sobre su trabajo como director, le animaría sin duda a seguír rodando siempre que tiráse por el mismo camino que empezó con SONNY. Su única y sorprendente película tras las cámaras, tiene el tufillo de las películas independientes: humildad y sencillez. Apostó por actores jóvenes (James Franco que luego haría "Spiderman" o "Mi nombre es Harvey Milk" y una Brenda Blethyn que pudimos ver en "Beyond the Sea") y recuperó a Harry Dean Staton para que éste nos legase su mejor interpretación. De agradecer, por entero, que tan solo decidiése aparecer testimonialmente como actor y se centrase exclusivamente en el trabajo de filmación.

-La historia de la péli no es nada del otro mundo. Es la enésima historia de amores imposibles que tanto hemos visto en el cine, pero son una série de detalles lo que hace que SONNY me guste. Como ya he dicho, los actores son una baza (la inusual historia de prostitución madre/hijo, podría ser otra) pero lo que le da color de verdad son las calles de Bourbon Street en pleno corazón de Nueva Orleans donde se rodó la película, uno de esos lugares en los que parece haberse detenido el tiempo. Un lugar dado a recrear atmósferas y envolver las historias en un halo de cuento y de misterio... siempre y cuando haya cierta intención de hacerlo, claro.

-"El blanquito no le pega mal, eh!".

¿PUEDE UN BLANQUITO DE MASSACHUSSETS DE VEINTIUNA PRIMAVERAS CANTAR HOY COMO UN NEGRO DE ALABAMA DE HACE 50 AÑOS?... La respuesta tiene nombre y apellidos: ELI "Paperboy" REED. Y factura SOUL incendiario poseído por el espíritu de Sam Cooke

Su irrupción fue toda una sorpresa (todavía colea su actuación en Madrid durante el Primavera Sound a finales del 2008). De sus conciertazos leo noticias en periódicos cómo el País(?) y leo a su vez diversos comentarios sobre su persona y su música. Leo a críticos como Manrique (de los más veteranos de este país) decir: "El problema es que tiene tan asimilados los esquemas del soul que suena artificioso. Es tan perfecto que huele a muerto. Pasado el primer impacto, da hasta miedo"; por contra leo a Luis Lapuente (autoridad en música negra) afirmar: "Me parece fascinante que un tipo blanco sea capaz de recrear toda esa música sin que suene falso o impostado". Vale... ¿A quién hacemos caso? Mejor dicho: ¿Porqué les hacemos caso?.

Todas estas discusiones de si ser retro es bueno o malo, si la música suena natural o artificiosa, si es todo pose o verdadero show... son para que los críticos y publicitarios se ganen el pan. Yo por mi parte (que no cobro un duro), no puedo más que caer rendido a los piés de ELI. Canta cómo los dioses. El nota me transporta al pasado y me hace revivir la época de los grandes cantantes y grupos Soul -la época Motown, Stax, ya sabéis...- algo que ya me parecía imposible. Al César lo que es del César. Bendito sea por resucitar de nuevo aquel soul marchoso y rebelde, tan lleno de fuerza y emoción. A valorar su entrada en el reino del Soul desde el anonimato más underground. Directo a las raíces, al boom bomm, dónde sólo los valientes se atreven a entrar.

-el disco: ELI "PAPERBOY" REED AND THE TRUE LOVES. "Roll with you" (2008).

-el tesoro escondido: El homenage al soul más elegante. Ottis Redding, Smokey Robinson, Sam Cooke, James Brown, Ray Charles y demás personalidades. Quizás exclamarían aquello de "el blanquito no le pega mal, eh!"...

-BOX OF MOONLIGHT Y JOHNNY SUEDE: CINE INDEPENDIENTE AMERICANO DE LOS 90

REBELDES CON CAUSA.

Si es que exíste o puede hablarse del término "independiente" dentro del mundo del cine, éstos dos títulos de TOM DiCILLO serían dos buenos ejemplos de dicho movimiento o corriente. Sin entrar en juicios sobre el término "independiente", en el que a veces es fácil confundir lo material (pocos medios) con lo sustancial (resultado final), lo que en realidad importa o debería importar(por lo menos para el que suscribe) son unos determinados valores que al final se le pediría a cualquier película de cualquier género o nacionalidad alguno. Lo que estas películas aportan y las difieren del resto son, sobretodo a mi entender, unos aspectos que parecían perdidos (idéas y caras nuevas, aire fresco, sencillez, naturalidad, sugerencia, improvisación, empleo de la música, texturas, humildad, honradez...) por el cine americano, desde su ultima gran época dorada, el new hollywood americano de los años 70. En la cima del resurgido cine independiente americano estaría el imprescindible Jim Jarmusch (del que ya hablamos en su momento) y John Sayles ("Pasion Fish", "Lone Star"). Otros abanderados serían Hat Hartley ("Trust", "Simple Men"), Todd Haynes ("Poison"), los primeros hermanos Coen ("Sangre Facil", "Arizona Baby"), el primer Spike Lee ("Haz lo que debas", "Cuanto más, mejor") o alguno que convina cine indie con cine mainstream como Soderbergh ("Sexo,Mentiras y Cintas de video", "El Rey de la Colina") o Gus Van Sant ("Mi Aidaho Privado")... y cómo no: TOM DiCILLO otro realizador neoyorquino (aunque naciera en Georgia) que comenzó como director de fotografía del genial y ya mencionado Jarmusch (visto el lugar de origen de los citados, Nueva York, tal vez huviese que referirse en términos de "cine independiente neoyorquino"...). Y dejemos aquí este mini-estúdio de nombres independientes porque al fin y al cabo directores a contracorriente en el cine norteamericano siempre los ha habido, desde Sam Peckinpah, Kubrick, pasando por Alan Rudolph, Robert Altman, John Waters, Sam Raimi... hasta el mismísimo Tarantino en su época fardaba de dicha etiqueta.

DiCillo debutó con el largometrage JOHNNY SUEDE (Johnny Suede, 1991). Siguiendo los pasos de su mentor (ya sabéis de quien os hablo) estamos ante un filme underground con influencias del autor de "Mistey Train", como es lógico, pero aportando cierto toque personal que iría puliendo con el paso de los años. Su segunda película "Vivir Rodando" (con el genuíno Steve Buscemi) es mucho más madura -y si me lo permitís mejor película- que esta primera, pero fueron una serie de circunstancias las que me llevaron a reseñar Johnny Suede y no aquella. A saber: esta fue la película que digamos me inició en el cine independiente, una rareza cool. Una fábula musical (canciones de Link Wray) llena de referencias al rock and roll (al protagonista se le aparece el fantasma de Elvis, interpretado por el crooner maldito Nick Cave en su primera aparición en el cine) tratada con cariño y se puede decir que con cierta obsesión. Que fuese el primer papel como protagonista de Brad Pitt importa menos que el fenomenal descubrimiento de la actriz y musa del cine independiente Catherine Kenner. Porque la aparición de rostros actorales nuevos es otro añadido que hay que agradecer al cine independiente de los años 90. Gente como la citada Catherine Kenner, Steve Buscemi, Sam Rodwell, Lisa Blound o el relevante John Turturro, actorazo al que vemos en el tercer filme de DiCillo dar una clase magistral de interpretación, secundado por un joven Sam Rodwell a la misma altura que aquél.

-El título en cuestión es BOX OF MOONLIGHT (CAJA DE LUZ DE LUNA, 1996) loable intento de facturar buen cine reivindicativo. El punto álgido en la filmografía del guionista y director neoyorquino que quedará como uno de los títulos de referencia del cine de los años 90. Turturro es Al Fountain, un tipo que lleva una vida monótona e insustancial, casi al borde de la crisis. Su trabajo de metódico ingeniero le lleva a un remoto pueblucho para supervisar la construcción de una fábrica de limpiaparabrisas. Entre visiones y alucinaciones decide darse una oportunidad a si mísmo, ayudado por la relación que establece con un joven asilvestrado (Rodwell), de espíritu libre, que conoce en medio del maravilloso paisaje de los bosques y lagos de Tennessee, tan bien retratados en el filme.

-No todo el cine independiente merece la pena (como tampoco todo el cine coreano actual, por poner un ejemplo, es de la misma calidad ni todo el cine comercial es basura... aunque lo parezca) pero si os apetece darle una oportunidad a este "otro cine", los que todavía dudéis tenéis en estos dos títulos de Tom DiCillo la ocasión para iniciarse en la discusión de que los americanos ya no tienen nada que contarnos... cinematográficamente hablando claro está.

-LECTURAS CHABACANAS PARA SOBRELLEVAR EL VERANO

Te has dado de cuenta de que si te mata la crisis, el vírus ese de la gripe, tu futuro suegro o la palmas con un corte de digestión... te habrás ído sin leer un libro. Ya no hablo de plantar un pino (sabemos que puedes), hablo de rellenar el tiempo perdido ejercitando la lectura (si no supiéramos leer nos quejaríamos por no poder hacerlo, eso seguro). Si no tienes la suerte de que tu papá te lea, aquí tienes unas cuantas lecturas chabacanas para perdérle el miedo tú mismo.

-"NOSFERATU. Un fim erótico-ocultista-espiritista-metafísico" (Luciano Berriatúa). El título lo deja bien claro. Estamos ante un repaso monumental a la obra maestra de Friedrich Wilhelm Murnau, destripando las calamidades, procésos y vicisitudes que sufrió esta obra crucial del cine, hechos suficientes como para hacerla desaparecer para siempre. Mención especial para sus ilustraciones -más de 400 fotos y dibujos- que nos sumergen en el mundo del ocultismo y sus simbolísmos, impregnados prácticamente en cada secuencia que inspiró Nosferatu.

De "regalo" acompañan dos DVD's, uno con la famosa péli de los años veinte y el segundo con un documental sobre Murnau y su trabajo.

-¿Te suena Marx?...¿y Rimbaud?. Bueno, seguro que de comunismo y romanticismo has oído hablar. No estamos ante un libro de arte y ensayo, estámos ante una guía, un mapa para interpretar el futuro con las pistas que nos dejó el pasado. Para revolucionarios.

HISTORIA DE UN INCÉNDIO. Arte y revolución en los tiempos salvajes. De la Comuna de París al advenimiento del Punk (Servando Rocha.- La Filguera, 2006)

-¡Peligro!: un libro sobre drogas. O séa, de lectura obligada para todos los aficionados, toxicómanos o no, así es el estupendo "EL SIGLO DE LA HEROÍNA" (Ed. Melusina). Una joya escrita por dos "expertos" ingleses, repleta de información útil, entretenida y educativa. Para los amantes al caballo en la literatura, y de la literatura a caballo.

-Vamos con un cómic. BIG BABY del genial Charles Burns (Agujero Negro, Burn Again...). Todo lo que ilustra roza la perfección, lo maestro. Si te gusta Daniel Clowes (ver), Crumb o tipos de similar calaña, te gustará Burns, sin duda. Añádele películas y tebeos de terror de serie B, la novela negra y la estética de los 50, monstruos y pesadíllas de la carne... y ya tendrás un universo personal y paranóico, listo para devorar. Zambúllete en la oscuridad e imaginación de Tony, el niño grande salído de la mente surreal del génio de Philadelphia.