Orange Tulip Conspiracy - homónimo (2008)

 Mira tú que están de cuea. Si son Vivaldis, vieron mi post de despedida del 2019 (AVE ATQUE VALE, muy triste) y habrán leído la lista de recomendaciones que dejé. Pirers me la pidió como playlist de Spotify, pero me excusé diciendo que soy malo pa las playlists cuando en verdad me dio paja. Tengo playlist hasta para hacer ejercicios y ya ni hago. Sorry viejo. La cosa es que en esta lista tiré una montonera de bandas de diversos estilos y también uno que otro disco, sin importar la banda detrás. Una de estas tiene relación con un favorito de la casa cuya discografía nunca terminé de subir completa (tranquis, se viene... aunque ya deben tenerlas desde hace 10 años, cuando empecé [diez años, weón, como pasa el tiempo con la pandemia culia...]): estoy hablando de los mutantes virtuosos de Estradasphere. O sea, si, hablo de ellos como la banda, pero en verdad el disco que traigo fue un lanzamiento único de una banda derivada de Estradasphere, dirigida por Jason Schimmel (Estradasphere y Secret Chiefs 3) con los varios otros músicos, pero un enfoque diferente. Este proyecto se llamó Orange Tulip Conspiracy y nos cegó en un destello áureo con un solo disco. ¿Cuantas veces he dicho que fue un album único? Tengo que empezar a revisar lo que escribo.

 

Orange Tulip Conspiracy es netamente instrumental. Ahí está la diferencia primordial con Estradasphere. Mientras que la superbanda buscaba una fusión monstruosa de estilos en cada tema, aplicándolo en cada instrumento, sumando la voz, OTC aspira a crear la banda sonora de una película invisible. No es algo que no se haya hecho antes: ya lo vimos con los mismos SC3, posteados aquí también, en su saludo a Goblin titulado Le Mani Destre Recise Degli Ultimi Uomini. Pero mientras SC3 mantenía una coherencia estilística acorde al giallo inexistente al que le hacía la música, OTC pega, suelda y crea esculturas sonoras con distintos ambientes en lo que busca ser una película sin un guión aparente. Por otra parte, OTC es practicamente una orquesta: 21 músicos de los buenos, la creme de la creme de la escena jazzística progresiva, amigos de Estradasphere, unidos por el lulz. De hecho, cada cierto tiempo los cabros de Estradasphere se reunen y sacan algún proyecto nuevo. Más o menos por el 2012, quizás un poco después, se cambiaron el nombre y se llamaron Atomic Ape, después Red Fiction. Por su parte, Tim Smolens, también de los Estradas, tiene High Castle Teleorkestra con Timba Harris y Bär McKinnon (sip, el mismo que tocaba el sax en Mr. Bungle). No, si hablamos de proyectos estos cabros tienen siempre como entretenerse. Y digo entretención, porque en verdad dudo que ganen las carretilladas de plata que sacaría Patton con sus bandas. Y ustedes cachan que no lo digo como poniéndolo en contraposición envidiosa: acá se ama a Patton. Acá se IMITABA a Patton hasta la horrible faringitis del 2011 chupaloentonces.

Retomando a la Conspiración del Tulipán Naranja... ¿qué se espera encontrar adentro? Pues ya la pequeña pista visible desde el espacio de la presencia de los Estradasphere (¿cuántas veces he dicho Estradasphere? Insistiré con mi revisión, pero no me pescaré) lo dice todo. Puta, mínimo tres géneros musicales por tema. El álbum abre con The Bourbon Theater, una pieza de jazz medio bebop, muy a la Django Reinhart, con su buena dotación de vientos y guitarra, digna de abrir una película de los años 20, muy ágil y entretenida. Cada instrumento tiene su parte, recordándonos que estamos escuchando más una orquesta que una banda convencional de rock o algún símil.

Hay piezas perfectas y hermosas. No digo que la apertura no lo sea, pero weón, Rendezvous... tienen que escucharla. Este mismo tema ya había sido lanzado en el EP de Estradasphere The Pegasus Vault, pero como NO LO HE SUBIDO aquí  lo tienen. Es una composición cargada de misterio y un dejo de nostalgia de cine negro. Las cuerdas crean un áurea oscura, que el saxofón nutre con sensualidad y melancolía, pero de pronto, a medida que las percusiones se enrevesan, llega el toque de marimba, el ritmo se aclara y un aire medio balcánico da cuerpo a la historia sonora, entonces BAM, la bataca ataca y las cuerdas generan suspenso, pero la guitarra jazzera nos trae a tierra y, puta, no seguiría describiéndolo porque las palabras no le hacen justicia. Si me lo venden diciéndome que es una película sonora y lo escucho completo sí, percibiría más un toque de collage que una cohesión, pero Rendezvous por si sola ya es una historia. Lo mismo la grandilocuente y orquestal The Dinasty, la pesada Nembutals y, la oriental y mística Fall Creek. Son todas un collage de escenas, como una película de antología. Y cada una engaña, empieza de una manera y continua diferente, tiene vida propia, un principio, un cuerpo mutante y un final engañoso. Pero si hablamos de "espera, ¿estoy escuchando el mismo tema o pasaron 3 en 50 segundos?" sería imposible no mencionar la bellísima Golden Days of the Sun. Abre jazz, continua un funk ácido preciosísimo, con un saxofón reverberante, una guitarra metiendo un groove y otra dialogando en aparente soledad con ese saxofón, hasta que viene un cambio de tiempo, de ritmo y de pronto todo cambia alrededor y la guitarra riffea, la batería vuela y el piano a la temas funketes de Taxi Driver deviene en un órgano psicodélico. Las escenas son más difusas, pero el tema sigue ganando cuerpo, crece y muta y pareciera que nunca va a terminar. Debe ser uno de los instrumentales de cuatro minutos más variopintos que he escuchado en, no sé, harto. Y que llevo más de 10 años escuchándolo y la emoción nunca se me va.

Ya, me devolví corriendo para agregar esta parte: mentí. Digo, mentí porque no es 100% instrumental. 99,1% quizás. La última canción, bautizada como Untitled en el disco (me imagino que en el CD será algún bonus track oculto, o simplemente el final si es que lo dejas corriendo un minuto pasado el silencio de Ignis Fatuus) y conocida en vivo como Lasting Impressions, es una balada en clave de honky tonk lento, como la música estereotípica del vaquero que anda a paso de tortuga en su caballo a todo sol, narrada y cantada por un visitante a un bar. Siempre he querido saber la letra de la canción, pero solo he descifrado parte de esta. Ser traductor no te hace un descifrador de letras por defecto. Sería como pedirle a un traductor gringo a español que te diga que mierda canta Alejandro Sanz. Al menos el gringo Schimmel modula.

En todo caso ignoren lo que describí. Sean ustedes los directores de la película. Conviértanla en un solo género (se nota en todo caso la influencia noir, medio Casablanca, medio Halcón Maltés, pero harto Bogart, no sé por qué) o vean que le sacan. Al fin y al cabo, en el mundo sensorial cada uno crea su mundo. Weá de ustedes.

Ah, pero escúchenlo. No lo pongan de fondo, escúchenlo. Y no me alargo más porque no sé qué.

Varios Artistas- American Splendor soundtrack (2003)

Se van los negros nubarrones (hechos de ozono en desintegración y radiación UV solar) de los días previos a navidad, llega la paz familiar del yule y el fin de las hordas de compradores irónicamente muy furiosos para una fecha de dizque unidad, fraternidad y amor. Entonces llegan las ganas de escribir nuevamente, de contar que weás he hecho, aunque les importen una verga perolaweaesmía, y decir "uye que tiempo sin venir por aguí logo, el weón virao". Fue por eso mismo, no tenía ganas de nada y las fechas no podían valerme más callampa, sin importarme los posts especiales de la fecha ni esos rituales de los que siempre me he sentido tan orgulloso y dichoso de publicar. Nunca entren a la horrible industria del retail, niños... a menos, claro que sean bots o androides o de esas razas hiperracionales de Star Trek, pero sí así fuera no entrarían, así que no.
 Puta, se va el año po. Bacán, porque fue una mierda. No es que pueda decir lo contrario de los anteriores o jurar de guata que el próximo no lo será, pero me cago que fue malo. Comenzó con artistas muertos y terminó con más artistas muertos, poca plata en mis arcas y puta, que decir del departamento de asuntos mamones... primera vez en un año que lo intento con decisión y tantas veces y enésima vez que fallo miserablemente en todo. Pero que tanto un friendzoneo más a estas alturas po, o una mina con pololo o la que simplemente no me pescó. Media weá. Tengo música [lágrimas masculinas retenidas]. Y hablando de eso, mal ahí también, porque puta que subí pocas cosas en comparación con el año pasado, cuando pensaba seriamente dejar morir en el desierto este tugurio de shitty posts y godly music. Ahora había motivación, habían aires de cambio, bríos y pujanza, últimamente más pujanza que nada, pero el cuerpo cedió, la mente la siguió y terminé chopico. Llegaron mejores días, pero cuesta reponerse, más cuando los juegos están tan buenos.

 Una valiosa enseñanza que busqué recordar mucho este año fue "la represión es la raíz de las neurosis", pero puta que me hago poco caso. Llevaba meses queriendo ver American Splendor por milésima vez pero, a parte de no encontrarla nunca, posponía la búsqueda para pasar incontables horas viendo el historial de facebook para hallar el punto en que "la cagué". Anteayer me decidí a ver la peli en youtube, sin subtítulos a lo macho pelo en chope y volví a sentir el impulso creativo en mí. El problema es que, como todo plan de vida, desapareció al otro día por olvido y volvío en recuerdo, pero sin la misma fuerza.
 Que hermosa película, American Splendor. La ví más o menos por el 2009 en la casa de un amigo en DVD, quien me dijo "cacha esta película, se la prestaron a mi viejo, está re piola y tiene pura música wena". Para quienes no la han visto, es la película biográfica basada en la vida y obra de Harvey Pekar, escritor estadounidense nacido, criado y enterrado en Cleveland, creador del comic underground American Splendor y brillantemente interpretado por Paul Giamatti. La vimos y la historia se me hizo inexplicable y vagamente familiar. Claro, conocía al artista del comic Robert Crumb, dibujante de sus primeras historias, pero aparte había un ambiente de familiaridad con la vida de Harvey. Sentí una rara empatía con Pekar, desde la primera escena en que Pekar niño va a pedir dulces con los vecinos sin disfraz, argumentando que no era un superhéroe, solo era un niño del barrio que quería dulces. Define mucho el carácter y el destino de Harvey de ahí al final. Y la verdad es que, como persona, a Harvey Pekar, cuyo trabajo desde entonces empecé a buscar por todas partes y terminé encontrando disperso en algunas tiendas de comics nacionales, lo considero una gran inspiración y motor de motivación... cuando me acuerdo, claro. Su máxima de vida era "la vida es una guerra donde sabes que no ganarás, pero no puedes rendirte sin haber luchado" y se me hace imposible no concordar con él. El universo es un lugar hostil para nosotros, seres endebles susceptibles a cada ligero cambio en lo que consideramos perpetuo, indiferente a nuestra existencia, pero es nuestro trabajo, decía Camus (más o menos), rebelarnos contra este y al menos dar la batalla, aún sabiendo que perderemos, que la roca de Sísifo volverá a rodar cerro abajo, pero ocuparnos en esa labor a la vez nos rebela contra quien nos endilgo la labor inútil. No estoy muy conforme con lo último que puse, pero es lo que siento de momento.
 Hace unos seis años que Harvey perdió la guerra, pero dio una dura batalla contra el cáncer, que le otorgó una tregua temporal hasta que le pilló débil y cansado. También se dice que fue por una sobredosis accidental de antidepresivos. Lo importante es que su legado vive y, aunque nunca fue muy popular fuera de su tiempo (70-80), fue feliz con sus reseñas de jazz, ensayos políticos y de historia.

 De todas formas ¿que hace tan grande, trascendental y digno de mencionar su trabajo? Nosotros, bloggers, deberiamos tenerlo en consideración cada vez que tiramos referencias personales sin miedo a la crítica y al "a quien chucha le importa" en la web, pues ya en los setentas osó (se arriesgó, mejor dicho) a desafiar las normas del comic, sean del CCA o Underground, escribiendo sobre personajes reales viviendo situaciones de lo más ordinarias y cotidianas. Los protagonistas de sus cómics eran sus vecinos, compañeros de trabajos, parejas y sobre todo él mismo, ilustrando sus pensamientos y filosofía personal mientras lava la loza, compra en el supermercado o estira el brazo en su cama contemplando su soledad. Trajo una obra autorreferente y autobiográfica al mercado sin que sea un personaje destacable o importante a nivel medíatico y cautivó a un público. Casi casi como lo hacemos varios. Pero lejos de nuestra área ya cachamos que también revolucionó el comic conocido hasta entonces, donde solo la novela gráfica elevaba a un nivel de mayorrrr... (chuta, no quiero decir "calidad argumental" para que no parezca que le bajo el perfil al comic tradicional, pero ya lo dije) factura, lejos del formato tradicional del superhéroe, los animales antropomórficos y los personajes grotescos hipersexualizados de la escena under. Loco, cuando les digo que tiene historias en que hace fila en el super es en serio, pero aún así estoy simplificando algo al resumirlo, pues como bien dijera Harvey "la vida común es un asunto muy complejo".

 La banda sonora de la película consiste principalmente en jazz, pero son para nada temas tomados de manera accidental. Como mencioné más arriba, Pekar era crítico de jazz... no uno de alto reconocimiento, eso fue algo que siempre le dolió, no ser tomado en serio por la prensa especializada, pero era un amante del jazz con harto conocimiento para compartir y las melodías seleccionadas tienen relevancia dentro de sus críticas (Oscar Peterson y Lester Young, Joe Maneri, Dizzie Gillespie, John Coltrane...), música incidental que suena en los comics (Ain't That Peculiar de Marvin Gaye), gustos compartidos con Bob Crumb (Jay McShann fue el artista con el cual se conocen en la película en una venta de garage; en el comic se conocen por un amigo en común que los presenta en base a sus aficiones por el comic y el jazz antiguo) y ragtime de la vieja escuela (R. Crumb and his Cheap Serenaders, banda de revival de "viejitos" del dibujante Robert Crumb). Si cada tema representara al disco al que pertenece originalmente, correspondería con cuea al 2% de su colección, pues era un coleccionista casi compulsivo, llegando a sacrificar relaciones por sus problemas de espacio y orden. Hay también un tema compuesto para la película (Time Passes Strangely), que no envidia para nada a la otra pieza de Oscar Peterson ni a Miles Davis, transmitiendo el dolor y la amargura del período de quimioterapias al que se sometió Harvey. Yo cacho que si no hubiera visto la película nunca y escuchara el soundtrack igual me arrancaría gordos lagrimones. A pesar de que su vida, excluyendo el cáncer, no es en exceso melodramática ni nada, está llena de tantos episodios tristes que calzan super bien con la música y por eso mismo es que no veo como no identificarse con él. Su largo conflicto con su soledad, sus relaciones mal llevadas por la prisa en asegurar un compromiso, su eterna estadía en un trabajo sin salida ni oportunidades después de dar tumbos por varios otros, las contemplaciones filosóficas ante cada acto diario... un avatar del hombre común luchando contra su destino, forjándolo a mano desnuda y quemándoselas con las adversidades.


Cuento corto porque hay que hacer presencia en la familia, aquí tienen el link y [si quieren pueden parar de leer acá] digo que es ahora que va a terminar el año de mierda rápido que la obra de Pekar vuelve a inspirarme. Espero esta vez, por fin, volver a tomar un lápiz y ver si algo de su proyección introspectiva renace en mí y por fin venzo a toda autocrítica y hago alguna weá productiva. Gracias por todo Harvey Pekar, master.
Por otra parte, no gracias a la muerte por la recolección de almas y a la comunión de los movimientos de traslación/rotación con mi reloj circadiano por acelerar este año. Jódanse.
Ah, y saludos a la familia que me recogió en navidad cuando venía con mi gente de vuelta de La Portada a pata y nos dejó en la cresta de la loma, pero nos ayudó a volver. En especial a la hija mayor. Ah, y gracias a ti, fiel (o infiel, novato, hater, quien sea) lector por suponer que había subido algo antes de fin de año. El mal año económico también repercutió aquí; no sé por qué ni como chucha, pero vieron que lo hizo.

Para cerrar, otra cita del vate de Cleveland (onda pa rellenar-rematar): "La vida es sobre mujeres, conciertos y ser creativos".
Keep on truckin', amicos y nos vemos en otro año cargado de desventuras y esas desdichas que con el tiempo te dan risa. Feliz año nuevo.

Discus

 Ya culiao, vengo llegando de vacaciones (no fueron tan largas, me demoré el subir música porque tenía paja y un impulso suicida que tiraba con la fuerza gravitacional de mil estrellas) y después de una bella experiencia psicodélica suprasensorial en bicicleta me dije "es hora de devolver a la comunidad lo que me tomó años quitarle". Dicho y hecho devolví todos los tubos de cobre de mi reserva. Junto con eso también resubiré lo que está muerto y que por fin me avisaron y de paso música que disfruté musho musho.
Siempre he dicho que es bueno desencasillarse musicalmente, que dar un paseo a pie por los sonidos del mundo, independiente del género, te refresca el aire en los pulmones y de paso te muestra el mundo multicolor afuera de las paredes mohosas de tu pieza de triste asalariado que desearía tener plata para viajar pero no puede dejar de pagar el arriendo o si no se queda botado en algún aeropuerto de Hong Kong. Por eso les insto a ponerle pausa un rato al grupo gordometalero o a la banda pretenciosa hipster que esten escuchando y paren la oreja con lo que suena en el campo de su país, en las montañas más alejadas de Nueva Guinea, en los desiertos de África o en el campo de batalla de algún país de Europa central. En mi caso, fue por desglosar a varias bandas de rock progresivo o de música experimental que terminé en distintos rincones del globo y para que den los mismos tumbos traeré una bandaza que me alegró hace años y de nuevo hace unos meses.

 Discus es un ejemplo de dos cosas: de lo difícil que era ser altamente talentoso y no vivir en la orbe américo-europea en los tiempos donde el internet era de unos pocos y también de como el sincretismo musical te abre las puertas a un mundo de posibilidades tan grande que te perderías y no encontrarían tu cadáver ni en diez años. Los escuché por primera vez en la Progarchives, porque ellos tienen una selección de audio de varias bandas, donde filtré por RIO/Avant Prog y escuché "System Manipulation", que por veto a saber qué argumento pensé que se parecía un poco a Mr. Bungle, cuando en verdad le pasa "rozando" a varios metros de distancia. De hecho, por esa fecha se los presenté a un amigo que me dijo que estaba cagao de la mente porque no sonaban igual vocalmente y un poco en lo musical, así que pensándolo con la cabeza más fría me di cuenta que en realidad era un híbrido entre la esencia del heavy metal clásico de Iron Maiden con, no sé, Mahavishnu Orchestra si hubieran nacido en Tailandia. O al menos así era en el primer disco que ellos que escuché, que cronologicamente correspondía al segundo y último. La canción me recordaba al "Goodbye Sober Day" de Mr. Bungle pero en estructura no se le parecía en nada, de hecho terminé notando que la banda era tan multifacética que no había visto más que el 1% de su poder de batalla.

 Esta alegre banda de muchachines de Indonesia nació a finales de los noventa, motivados por los gustos musicales y el talento del guitarrista de jazz Iwan Hassan y de Fadhil Indra, percusionista, tecladista y vocalista, que reclutaron a un grupo de músicos autodidactas, excluyendo a  Hassan y al de los vientos que tenían estudios de conservatorio, hasta alcanzar los ocho miembros que conformaron una banda de jazz contemporáneo que salía un poco de los estándares comerciales del sudeste asíatico, que si bien son fieles a su música tradicional, prefieren oirla con ritmos pop o de rock alternativo. En sí eran dos bandas que terminaron juntándose para unificar sus pasiones y el agente coagulante de la unión fue la vocalista Nonnie, que trajo su dulce voz y su aceptable dicción en inglés para hacer más llevadera esta fusión. En todo caso el primer trabajo de la banda, títulado 1st y lanzado en 1999, es en su mayor parte instrumental y de hecho lo he pescado super poco en comparación con el segundo porque lo encuentro un poco más "lineal", donde se destaca mucho su influencia de jazzistas como los de The Weather Report y Mahavishnu Orchestra. Para quienes disfrutamos del eclecticismo de tales bandas la weá es la raja, pero la verdad es que era la corriente de jazz de la década, quizá algo más aventurero habría estado mejor. No obstante, temazos como "Lamentation & Fantasia Gamelantronique", el tema que abre el disco, tira a la parrilla altiro un desplante de kyrie (el canto de iglesia con que comienza), rock progresivo, jazz y harto gamelán. Me gustaría, me encantaría, me fascinaría explayarme largo y tendido por una hora sobre el gamelán, pero la verdad es que, a pesar de ser un ritmo que me ha tenido atrapado por unos cuantos años, no es mucho lo que sé, pero si se los puedo recomendar sin miedo a que vengan de vuelta a tirármelo por la cabeza. Si quieren relajarse tienen gamelan degung, si quieren metal progresivo sin instrumentos eléctricos tienen el gong kebyar. ¡Hay para todos, loco! Peeero, como les decía, la canción es la mejor carta de presentación de la banda ante la comunidad prog del mundo, pero a la vez un relato musical sobre los disturbios de mayo del 98 en Indonesia. Los disturbios fueron motivados por la crisis económica que atravesaba el país, con crisis de abastecimiento de alimentos y un desempleo estratosférico, pero las revueltas contra el régimen de turno se volcaron hacia los inmigrantes chinos, convirtiendo un conflicto socioeconómico en la clásica y gastada lucha racial. No es mucho lo que sé sobre lo más peliagudo del tema, pero lo dejaré hasta ahí, porque aún así ¿entienden un poco la mezcolanza bien encajada de estilos en una sola canción? ¿Todos los puntos de vista y culturas trabajando juntos? Más adelante las piezas tienen harto que mostrar, yendo de un jazz medio lounge de "This Love", tintes de música de cámara medio avant-garde a la Flairck (¿guiño a la historia de Indonesia bajo la orbe holandesa?), hasta el sabor a pop de "Dua Cermin", cantada en indonesio para mayor efecto. Wujudkan!, que en español significa ¡Crea!, también tiene su toque medio radial, con una melodía que a mi gusto es bien alegre y alimentado con sintetizadores que a ratos huelo medio new wave, pero son la guitarra y el oboe los que delatan la raíz detrás de la tintura dizque popera. Para cerrar Contrasts entrega el plato fuerte, una pieza sólida de algunos estilos de gamelán combinados y modernizados, haciendo honor al nombre por los ligeros contrastes que notarán quienes no están acostumbrados a tal unión. La verdad es que King Crimson en los 80 se inspiró un poco en esta corriente de música folklórica para los juegos de guitarras del Discipline para adelante, pero otra cosa es escuchar al gamelán mismo hecho rock progresivo, con los metalófonos y el suling entregando lo mejor del sonido del sudeste asiático.

 Ah, en fin. Aún así me costó caer en el primer disco, siempre fui más cercano al segundo porque también tiene la primera canción de ellos que escuché. Como les dije hace unos minutos, horas o lo que sea, tasé "System Manipulation" en Progarchives y como entonces era fanboy de Patton me era imposible no hacer un paralelo entre la introducción con kecak de la canción con aquella otra del California, pero era más que obvio que estaba tratando con una banda diferente, con una canción que en el mismo bolsillo metía gamelán, kecak (un estilo de baile y teatro más que musical, que incluye el reconocible "canto del mono"), jazz y heavy metal en la voz de quien creo es Hassan, quien denuncia al poder como fuente de corrupción del hombre y quien lo guía a su perdición, mientras Nonni nos pide que no dejemos que la ira consuma nuestras vidas y libremos nuestra mente de las preocupaciones diarias. Así abre ...Tot Licht!
 El segundo disco vio la luz en 2004, en tiempos en que la banda ensayaba cada semana pero con suerte había tenido menos de diez presentaciones en vivo, más que nada por la escasa tribuna que una banda de rock progresivo tenía en la escena musical local, por más folklore que le metieran. Lo cuático es que un año después nace el Festival Internacional de Jazz de Jakarta. lel. Aún contra todo panorama poco auspicioso sacaron disco nuevo y el nombre que pareciera significar "luz muerta" en alemán (en serio, pasé años creyendo eso) viene del libro Door Duisternis tot Licht, id est "Desde la oscuridad a la luz", escrito en holandés por la autora javanesa R. A. Kartini, a quien de hecho hacen referencia en la canción "Verso Kartini: Door Duisternis tot Licht", una suite de 12 minutos llena de fuerza y esos cambios de tiempo y ritmo a los que ya deberiamos estar acostumbrados. Kartini es considerada una heroina en esos lares por su lucha a favor de los derechos de la mujer y el derecho a obtener educación, lo que nos pinta claro que la banda no queda en buena música y hasta el momento ha incluido varios mensajes sobre la sociedad, la esperanza y la unión. Ahora, no sé si en verdad "breathe", la segunda canción del disco, habla solo sobre respirar o va más allá, la verdad es que la voz rugiente de quien creo que era Kiki Caloh le quita algo de seriedad y "soportabilidad" al tema, pero Nonnie siempre esta ahí para salvarla. Además el de la voz aguda encuentro que tiene buen tono y aporta el toque de heavy metal clásico a la pieza. Por otra parte musicalmente no es malo, es solo la elección de voz que la caga, pero si tienes paciencia no es algo que te mate el ambiente. Si pasan entonces tírense altiro a P.E.S.A.N., una canción hermosísima con rasgos de algún estilo folklorico guiado por las guitarras y la flauta que reconozco pero no me atrevo a mencionar para no cagarla, con letras en indonesio. Misma vibra suave creada por Misfortune Lunatic, el bonus track de la versión que subo, con notables influencias del gamelán sundanés pero que, a falta de suling mete oboe y añadiendole sintentizador a las percusiones metálicas, crea la atmósfera nocturna y costera de este estilo, dando paso casi a la mitad de la canción a una explosión de rock decorado con un dueto femenino-masculino y una improvisación más propia del jazz cuando este estallido pierde momentum, para ganarlo nuevamente pero en la línea libre del ritmo occidental.
Pero puta, me tire super rápido al final saltándome mi piece de resistance favorita "Anne", la suite de 20 minutos que, de una forma u otra, hará que metas gamelán a tu vida. La escala florida del gamelán abre en versión teclas, narrando la historia de una niña que mira las calles encerrada en su ático hasta que la puerta es derribada. La primera vez que la escuché y que pude captar algo de ese inglés comprensible pero aún así extranjero de Nonnie supe que seguía un poco la línea del disco, hablando sobre la guerra y el deseo de seguir viviendo, pero bastó una comparación de fragmentos para darme cuenta que no es más que ¡la historia de Ana Frank interpretada en música sudasiática progresiva! Más kecak, más martillos metálicos golpeando metal a velocidades desafiantes, guitarras voladoras más las viejas baterías y un bajo que saltan del jazz al heavy metal, una combinación constante, sonante y varias veces cohesiva de tiempos, como si una alta acumulación de cronotones marcara las notas de su partitura... Nunca noto los casi veinte minutos hasta que la voz femenina y el teclado abren un ambiente épico donde la protagonista muere o canta desde el más allá, deseando armonía en el mundo y el fin de los conflictos. Puedo escucharlo a oscuras y veo el espectáculo de luces y humo que evoca la posible presentación en vivo de este temazo. No sé como pude vivir tantos años sin esta canción, sin esta banda, sin ponerla a todo puerco en un equipo de música cuyos parlantes sean turbinas de avión. Si, todo muy hermoso.

 El tiempo no perdona y aunque en su tierra la banda ganó reconocimiento y algunos en occidente los recordamos con cariño, el grupo terminó disolviéndose. El año pasado se reformaron para tocar un tema llamado "The Machine" en un disco de estudio de varios artistas de la península, pero hasta el momento no lo he escuchado. Sé que de vez en cuando tocaban en algunos festivales de rock progresivo, con algunos cambios en la alineación. Pero mientras más me adentraba en el presente de la banda, más me entristecía. Según Wikipedia Nonnie murió. No encuentro una fuente, pero si recuerdo haber leído en alguna página de noticias de jazz que un miembro de la banda hacía referencia a su muerte. Ya por el 2010 Anto Praboe, oboista, la acompañó y en diciembre del año pasado Kiki Caloh, bajista, se unió al Gran Concierto en el cielo víctima de una enfermedad que no recuerdo haber visto anunciada. Me duele porque eran buenos músicos y hasta donde sé también eran jóvenes y siempre es fome perder talento tan ignorado. Al menos su legado vivirá y espero que quienes lo disfruten también guarden sus nombres.


1999- 1st

2003- ...Tot Licht!

Chao, nos vemos pa la otra y gracias a todos los que postearon mientras estaba de vagaciones, que fueron hartos y no sé que chucha.

Fé de erratas: Nonnie no murió, no sé quien difundió ese error, pero viendo unos videos en vivo en youtube un tipo cayó en el mismo error y le corrigieron. Hablando de videos, hay dos presentaciones del 2012, recien vi  una de la TV indonesia y weón que bacanería. Claro, problemas de audio de por medio, algunas pifias, pero buenas ejecuciones igual.

Alain Goraguer- La Planète Sauvage (1973)

 Hay algo que no recuerdo haber hecho y es crear un post a pedido. Es la misma razón por la que nunca estudié diseño gráfico o alguna profesión en que tuviera que realizar trabajo creativo a pedido: no me nace si me lo piden u ordenan. Puedo hacerlo pero sin ganas, y me carga hacer las cosas sin ganas. De todas maneras este disco lo tenía en pendiente desde hace años, porque puta que lo amo.
 Tiene que haber sido más o menos por el año 2000-2001 cuando, en una de mis tantas vacaciones en la casa de mi tía en el valle de Elqui, buscaba que leer y me quedé con un diccionario enciclopédico porque era eso o quemarme en el sol. Entre búsqueda de términos, copia de alfabetos extranjeros en un cuaderno (donde aprendí algo del abecedario griego y cirílico) y biografías de gente olvidada vi un dibujo medio raro con la leyenda "El planeta fantástico. Roland Topor, René Laloux (1973)" en la sección de animación. Una vez que tuve internerd anoté el nombre para googlearlo a la vuelta y supe que era una película con un estilo de animación y de dibujo tan raro que necesitaba bajarla. La vi, me gustó y tras verla dos veces más terminé enamorado de su banda sonora. Pasó un buen tiempo hasta que supe que ese soundtrack salió a la venta por la misma fecha y mucho más para saber lo trascendente que era Alain Goraguer: compositor de las piezas que tocaban las orquestas que acompañaron a Serge Gainsbourg en sus inicios, trabajó con la (entonces) bellísima France Gall en su tema más conocido "Poupée de cire, poupée de son" y también con Nana Moskuori y Salvatore Adamo. Eso en cuanto a intérpretes más conocidos, porque Goraguer también se desenvolvía en la escena jazzística francesa, donde también compartió con el actor y músico Boris Vian, quien para algunos nos puede sonar como un desconocido hasta que tire la siguiente referencia: ¿Ubican la canción "Lobo-hombre en París" del grupo español La Vía? Pues es la versión musical de su relato "El Lobo Hombre". Seeeeh, sabía que lo conocerían.
 El soundtrack es un juego entre una melodía que se repite en diferentes tiempos (TAraRAra tara-rara tara-rara tam-tammm) y con diferentes ritmos, interpretados por una guitarra alimentada con wahs que "funkyza" el ritmo de jazz que lleva la batería, clavicordio, al parecer metalófonos, sintetizador, flauta y una voz femenina suspirante que te invita a escuchar más la música... aunque no es que cada nota no lo haga, es un disco muy relajante y solo aumenta su tiempo cuando las escenas de persecución, muerte, pelea o sumisión así lo requieren. En Progarchives alguien hizo notar que la melodía sobre la cual se construye cada pieza es muy similar en estructura e instrumentación a los primeros segundos de L'Enfant Assassin des Mouche y sí, suena similar, pero parece responder a la corriente contemporánea de jazz francés en la cual el navegaba. No sé, he escuchado más discos electrónicos franceses de esa época o de las ramas más experimentales del jazz local que jazz como tal, no podría decir si en verdad va más allá de coincidencia o quizá uno sea guiño del otro. Como sea, es muy buen jazz, con algo de groove y toques progresivos electrónicos apropiados para la temática de la película, que si no han visto les adelanto que es una bellísima pieza animada de ciencia ficción, ambientada en un futuro en que unos extraterrestres gigantes llamados Draags capturan humanos y los llevan a su psicodélico planeta como mascotas, pero algunos de estos se liberan y se convierten en plaga. Cada dos años los draags realizan "deshumanizaciones" (he ahí el nombre del tema inicial) donde los eliminan como la peste que son. Unos niños draags juegan con una madre humana (oms en la película) y su hijo bebé, pero esta termina muerta y Tiwa, una niña draag, adopta al bebé y lo nombra Terr. Éste crece con la familia como mascota y a la vez aprende sobre el conocimiento Draag por accidente con Tiwa, entonces escapa yyyyy vean la película que es altamente recomendable, tanto por lo extraño para los ojos que es la animación como por la historia, que conlleva un mensaje de unión detrás de toda la destrucción entre oms y draags. Les dejaría el link para verla pero... puta wn, tienen internet. Antes de irme les recomiendo cien percentum "Strip Tease", el tema más sensualón del disco y el único con saxofón. Es corto, debería durar mucho más, pero cada segundo encanta.
Como sea, véanla primero y si la vieron aquí tienen esta reliquia de una era donde la gente se atrevió a experimentar.
Y listo po Cami, ahí está el disco y sorry por lo de ayer. Intentaré compensarlo con creces si eventualmente se te quitan los monos, te das cuenta como yo que nada se consigue con guardar rencor y así salimos un rato a webear por donde sea.

Hey Arnold! OST part 2

¡Así es! Hey Arnold Part deux! recargada, con más temas, más nostalgia... y esta vez es personal. El post anterior tuvo un éxito que no veía desde que subí un disco de Diablo Swing Orchestra que por misteriosas razones tuvo 70 descargas de un día para otro, así que buscando por ahí encontré algunos temas hasta completar ¡UNA HORA DE MÚSICA INCIDENTAL! Puro soundtrack fresquito y de calidad razonable, considerando la forma en que la conseguí, excepto quizá uno que lo saqué prácticamente de una escena (la canción del maquinista loco).
Como olvidar el hermoso sonido jazzístico de Jim Lang, tan urbano, tan melancólico... apenas uno lo oía por primera vez ya traía recuerdos, ahora trae muchos más, decorados con imágenes de aquellos locos 90: los disturbios en Los Angeles cuando muchos de nosotros no sabíamos ni que había más allá de la calle más lejana, las cosas a $100, las nuevas fases del rock, Faith No More en Viña, la primera Guerra del Golfo, películas buenas pasada medianoche, la clonación, veranos templados, los malditos primeros días en la escuela, internet lenta, la edad de oro del Super Nintendo... en fin, tengo para miles de líneas de recuerdos e historia que no recuerdo pero que fue importante.
Dentro de esta nueva compilación (hecha con mis propias manos y mouse) encontramos los clásicos que no se incluyeron en la primera parte, como el blues del tren fantasma que cantaba Gerald y ambientaba la armónica de Arnold, la música de fondo de las escenas "románticas" entre Helga y Arnold, los finales especiales de algunos capítulos, como el del día del queso y el mismo del tren fantasma (donde cantaba el maquinista fantasma), temas del capítulo en que Phil le cuenta a Arnold la historia de sus padres (en un capítulo muy triste, por cierto), el fashion emergency de Helga, el día en que Abner se perdió y mucha más música de fondo de momentos random.

Sin más preambulo y sin más info que dar (porque está en la primera parte y porque tengo sueño) Hey Arnold, The Soundtrack (Part 2). (vale por no avisar que la había pegado mal ¬¬)

Want the first part?

Solo aquí en Sabado Gigan... Cagando en los yuyos IN-TER-NA-CIO-NAL!

Hey Arnold! OST

Se que iba a hacer una saga de horror music, pero hace poco encontre una verdadera reliquia, tanto en su rareza como en su valor nostálgico, con la que no esperaba toparme. La gente que vivió en los 90 sabrá apreciar este "compilado". ¿Quién no pasó gran parte de su infancia viendo animación de calidad, tanto en la entrega de valores como en arte? Aaaah, los noventas... el grunge se popularizaba poco a poco y a la vez moría, los veranos eran cada vez más ricos e ir a la playa era el panorama de cada día... hasta que llegaban las clases. Entonces la vida se dividía entre ver tele y hacer las tareas, que en ese tiempo se hacían copiando y pegando desde un libro y a mano. El anime ya tomaba fuerza entre los niños de la época, y debo decir que también caí por un tiempo, pero justo cuando todo se veía perdido entre una marea de violencia y guiones repetitivos apareció una luz al horizonte, porque fue por la segunda mitad de esta década cuando un personaje nuevo aparecía en las pantallas de nickelodeon, aunque para muchos de nosotros vio la luz en el entonces llamado Megavisión (o creo que ya se llamaba Mega). Era algo que se alejaba de la típica historia de "era un niño normal, hasta que..." o todas esas tramas trilladas; esta trataba sobre un niño normal, que vivía una vida normal en una ciudad normal. Nada de weas estrafalarias. Bueno, eso si obviamos su cabeza de balón.

Hey Arnold! (o simplemente "Arnol" en la versión shilena-infantil) nació en 1996 de la mano de Craig Bartlett, quién había creado antes en su momento escribió guiones para Rugrats (Gracias por hacerme notar el error, kagomesashi n_n) o Aventuras en pañales según el español latino, otro clásico de la infancia. Entonces ya existia un concepto similar que también era de Nickelodeon, y si no lo recuerdan talvez el nombre de "Hombre codorniz" les diga algo.... ¿no? ¿y Doug Narinas? Claro que eso no evitó que Hey Arnold se hiciera de una fanaticada. Cuando veo los monos antiguos me imagino que en unos 20 años más seremos como esa generación actual de adultos que escuchan música ochentera y ven recuentos del "Festival de la una" con nostalgia, recordando una época en que la animación si dejaba enseñanzas y era sana. Claro que pensandolo mejor... los que vivimos en los noventa si que veíamos cosas más sanas y valóricas, porque en realidad lo ochentero era muy deprimente y trágico, sobre todo para un país (y continente) que no estaba en su mejor momento. Porque no pueden negarme que Remi o Marco no era cortavenas. En cambio Hey Arnold tenía todo el sabor de los noventa y de una generación más despierta, metida más de lleno en la incipiente y mala tecnología, llena de problemas que los niños de los 60 o 70 no habrían tenido. Lo bueno era que Arnold siempre tenía la respuesta para todo lo que tuviera solución.
Después de irme un poco por las ramas quiero volver a lo que voy, porque como traductor y editor tengo poco tiempo, además esta silla está a horas de dejarme estéril. Encontré el soundtrack de Hey Arnold por accidente, porque ya había perdido la fe en su existencia, pero al parecer no está completo. Falta uno que otro tema de fondo, pero yo creo que una búsqueda posterior (y más completa) ayudará. Dentro de esta suerte de ST están las canciones de la ópera (de aquel capítulo en que iban a la ópera y Helga y Arnold tenían una suerte de "sueño erótico" al ritmo de Carmen de Bizet y La Valquiria de Wagner); el musical "Eugene Eugene", con Eugene como Eugene; las canciones de Dino Spumoni; una canción que cantó la abuela de Arnold en el episodio de la lista de un sábado (o domingo) perfecto; la que cantaba el tipo del que estaba enamorado Phoebe y que resultó ser un pseudoartista como tantos; la canción que puso Arnold cuando se hizo el loco para no pelear con Harold y el intro, ending y música de fondo de Jim Lang, el genio tras los ritmos de jazz-funk que daban el toque urbano a la serie. Si son amantes de la nostalgia, de Hey Arnold, del acid jazz, la animación de los noventa o de la música en general esta es su oportunidad. Además ¡sirven como un perfecto ringtone!

Descargalo, cabeza de balon!/ Download, you footballhead!

Segunda parte? seguro! (Sí, en la segunda parte está el tema de Buddy Love).

Bernard Herrman- Taxi Driver OST (1976)

No hay cumpleaños en que no me haya pasado esto. No se porqué una depresión pasajera me ataca y se va rápido, tirando flechas en su partida como arquero parto. Además siempre hay una prueba o un trabajo que presentar en esta fecha, no se porqué, tengo mis sospechas... pero el segmento de Conspiraciones será para después. Como sea, me da esa cosa y las ganas de celebrar desaparecen. De hecho llevaba años sin celebrar un cumpleaños, pero hoy me salí de ese esquema e intenté romper la maldición. Desconozco si funcionó, pero lo que si se es que de pronto recordé Taxi Driver. Si, no tiene relación con esto, pero me vino a la mente XD aunque los que la vieron puede que encuentren un lazo.
Esta obra maestra de la depresión y la alienación personal salió a la luz en 1976 gracias a la mente de Martin Scorsese, quien más tarde haría otros clásicos de la violencia como Los Buenos Muchachos (Goodfellas), Casino, Cabo de Miedo ( Cape of Fear) y Pandillas de Nueva York (Gangs of New York). Scorsese hizo un estupendo trabajo; se puede sentir, casi palpar y oler esa nube de pesadumbre que inunda el Nueva York posterior a la guerra de Vietnam, el odio, la lucha racial y el sentimiento de angustia traspasan la pantalla si uno es capaz de sumergirse en la película, de empatizar con Travis Bickle, su protagonista y anti-heroe.
No soy como esa gente enferma que ve una película e inmediatamente dice "omg! se parece a mi vida! que bakan!" o "que pro, quiero ser como él", pero desde el primer momento en que la vi me sentí terroríficamente identificado, como tocado por el dedo catártico de algún ángel caído y burlesco. Esa vida nocturna solitaria, las caminatas sin rumbo por las calles pobladas de gente indiferente, la lucha interna por mantener encerrada a esa parte violenta de uno, su poca cercanía con las mujeres, su amor a primera vista por una persona que ve en la calle... sobre todo eso. Betsy con su vestido blanco... Ellos... no pueden... tocarla. Sin duda una de las líneas que más me tocó. La chica desconocida con lentes... I... cannot... touch... her.
Ya, basta de autoreferencias y pasemos a lo musical. Porque la banda sonora de Taxi Driver también se lleva las palmas en esta obra. La música se basa en dos leitmotifs, por ejemplo; las lacras sociales que deambulan por las calles, ensuciandolas con su pestilencia y su presencia, quedan representadas por una batería jazzera lenta, casi como si trotara o cojeara, y bronces que dan una atmosfera de pesadumbre, como ya dije, que ambienta perfectamente las noches de prostitutas y ladrones de NY. A Travis lo acompaña una pieza hermosa, un saxofón tocando una melodía inolvidable, suave, pero melancólica. Nada podría representar de mejor manera la existencia tranquila y casi muda de Travis que esa pequeña pieza de Jazz. El Soundtrack completo consta de variaciones de los leitmotifs que representan cada momento de la película, el que viene indicado en el nombre del tema. Por eso algunos parecen estar repetidos. Al final vienen unos temas que, por alguna razón que desconozco, no están incluidos en la película, pero no porque sean malos, creo. Son una buena mezcla de jazz con algo de funk que tambien llevan ese aire melancólico que los temas "legales" tienen.

Por razones que desconozco, Winrar no me deja descomprimir las canciones con títulos muy largos, así que les reduje los nombres para que no hayan problemas, y una vez descomprimidos pueden pegarle los nombres y ya. Así que incluiré la lista, gentileza de Wikipedia:
1. Main Title
2. Thank God for the Rain
3. Cleaning the Cab
4. I Still Can't Sleep/They Cannot Touch Her (Betsy's Theme)
5. Phone Call/I Realise how much She is Like the Others/A Strange Customer/Watching Palantine on TV/You're Gonna Die in Hell/Betsy's Theme/Hitting the Girl
6. The .44 Magnum is a Monster
7. Getting into Shape/Listen you Screwheads/Gun Play/Dear Father & Mother/The Card/Soap Opera
8. Sport and Iris
9. The $20 Bill/Target Practice
10. Assassination Attempt/After the Carnage
11. A Reluctant Hero/Betsy/End Credits
12. Diary of a Taxi Driver
13. God's Lonely Man
14. Theme from Taxi Driver
15. I Work the Whole City
16. Betsy in a White Dress
17. The Days do not End
18. Theme from Taxi Driver (reprise)

y el link, obviamente, inserto aquí:
Download!