Decibel - El Poeta Del Ruido (1980)

El rock vanguardista es testimonio de una era, un peldaño que forma parte de los fenómenos evolutivos fundamentales de la música del siglo XX. Hacia principios de la década del 70, las vanguardias seguían floreciendo y continuaban coqueteando con la música popular, coqueteo que nunca jamás terminaría, posterior al advenimiento de la psicodelia a la escena mundial. La profundización de la experimentación en el rock fue un paso coherente de la evolución de la música vanguardista, experimentación que no llevaba de por sí un sello prefijado sino que podía llegar a ser muchas cosas, desde una compleja suite, hasta el vanguardismo sonoro, la electrónica y el ruido.

Todo este vanguardismo sentó las bases de lo que ocurriría luego en la historia, siendo primero la psicodelia y luego el rock progresivo los dos momentos primarios en los que las vanguardias se acercaron al rock y por lo tanto la música popular, por ende el comienzo del rock vanguardista fue también el puntapié para todo lo que ocurriría luego en la experimentación tanto en el rock como el los tantos sub géneros y estilos populares aledaños. Este puntapié se configuró como tal debido no solo a su precursoriedad en el tiempo sino también a lo profundo de dicho encuentro y a los tantos experimentos resultantes que quedaron y dan prueba de este fenómeno, siendo también a la vez uno de los puntos clave de la evolución de la música popular, en el siglo XX.

Los poetas del ruido en México han hecho un gran trecho en estos terrenos y su producción artística suele ser recordada por muchos en el campo del rock progresivo y las vanguardias. Decibel comenzó como un trío de rock progresivo hacia finales de 1973, fundado por Walter Schmidt en bajo, Carlos Robledo en teclados y Moisés Romero en batería. Poco a poco el grupo fue creciendo y sumando por tanto mayores miras con diversidad de instrumentaciones y formaciones, aunque para su primer lanzamiento discográfico, ‘’El Poeta Del Ruido’’, de 1980, la banda ya se encontraba casi disuelta, cuyos miembros pasarías a formar otras bandas que redefinieron el género en México.

‘’El Poeta Del Ruido’’ es un trabajo grabado en 1979, una producción mítica por su creatividad, encuentro de elementos, profundidad de las composiciones, entre tantas cosas más que lo convierten en un lanzamiento pilar y muy influyente en el rock mexicano. El trabajo comienza con una enorme suite conceptual de clara influencia de rock progresivo y el Rock in Opposition, debido a su temerosa complejidad estructural que la vuelve en una pieza de obsesiones y experimentaciones. Esta composiciones denominada ‘’El Poeta Del Ruido’’ pareciera otorgar el alma al disco y fundamentarse como una apertura progresiva como pocas, un portal que da inicio a la locura, desatando un vendaval de progresiones absolutas.

Pero la proyección de este trabajo no se queda en las progresiones en rock, sino que inmediatamente después el trabajo se mete de lleno en experimentaciones electrónicas y de música concreta, elementos que no siempre son sencillos para escuchar pero que son tratados con el delirio requerido para que de ello resulte una experiencia de innovación agradable. Buena parte del disco es dedicada a este mundillo de lo concreto y electrónica, por lo que esto parece ser una parte también vital de la música del grupo y sus visiones.

Por otro lado, en el track ‘’Manati’’ el grupo pareciera meterse en el mundo metafísico o chamanico (o como se diga) de las culturas antiguas locales mexicanas, brotando de la tierra sonora un mundo de brujería y canto, ritual, sobresalto, misterio y misticismo, o por lo menos eso pareciera emularse con los elementos que se tenía a mano en el rock y con toda la diversidad instrumental anexa que manejaba el grupo. Ello combinado con la parte electrónica del grupo da cuerpo a una fusión muy enriquecedora y muy propia del grupo.

Cuando se destaca que no había una notación prefijada para las bandas que se inmiscuían hacia esos sinuosos terrenos de las vanguardias en el rock, se puede resaltar esto mismo en un hecho particular que es el demarcado por las bandas que tomaban elementos de sus culturas locales para reflejarlos en sus músicas, de ello revivían elementos que, aunque siempre antiquísimos y en suerte hasta milenarios, siempre mantenían una distinción con los sonidos extranjeros, sea cual fuere su origen. Eso sí, la consumación de este florecimiento de elementos autóctonos en el rock de las bandas locales se daba exclusivamente en bandas cuya visión no estuviera marcada por ningún prejuicio y ambición comercial, y por lo tanto que pudiera cobijar a los elementos nativos como un elemento más de los tantos a disposición en el rock.

Estos experimentos no siempre fueron tomados de buena manera en su época, por lo que la creatividad de este tipo de bandas dependía de su valentía y su creatividad para afrontar el devenir de los sucesos corrientes de la vida y aun así mantenerse en una senda artística casi marginal. Estas valentías son pocas veces reconocidas por el corriente del componente social pero el tiempo siempre termina dando la razón, y los trabajos vanguardistas que terminan resultando de estas experiencias, en su mayoría terminan siendo tildados como obras de culto, precursoras, innovadoras, etc.

Cod: #1791

Bobby Beausoleil And The Freedom Orchestra - Lucifer Rising (1980)

Aquí hay una historia de culto con varias aristas y personajes involucrados, historia que hay que desmenuzar de a poco para apreciar cada participante de la misma y comprender los involucrados en el tema y la influencia de cada uno sobre el proyecto final. ‘’Lucifer Rising’’ es tanto un mediometraje ocultista de culto como también la banda sonora del film propiamente dicho, que en su época fue publicada en un lanzamiento musical en vinilo en 1980.

La idea para la película tuvo lugar cuando su creador, Kenneth Anger, tuvo la revelación de crear una obra de fijaciones hacia lo oculto, película que sería la antítesis de su película anterior, ‘’Scorpio Rising’’ de 1963, incluyendo para este nuevo proyecto un sinfín de elementos a un film que, en un futuro, se volvería de culto entre conocedores del cine experimental. ‘’Lucifer Rising’’  es un film prodigio de edición y montaje donde convergen la simbología ocultista, el mundo esotérico egipcio, la iconografía pulp, el fetichismo más bizarro, el ocultismo y la magia negra, la psicodelia, el rock progresivo, Aleister Crowley (como maestro de ceremonias), Marianne Faithfull, y un tal Jimmy Page que tuvo su influencia en esta historia también. Desde su adolescencia, Anger se había enamorado del personaje de Aleister Crowley como de la religión que este personaje creó, Thelema. ‘’Lucifer Rising’’ debía basarse en la noción Thelémica de que la humanidad estaba entrando en el "Aeon of Horus", que se puede considerar como sinónimo del concepto hippie de la Era de Acuario.

Kenneth Anger es un cineasta y escritor estadounidense nacido en Santa Mónica el 3 de febrero de 1927. Su obra es experimental y de carácter polémico, creador de cortometrajes cargados de iconografía pulp, sadomasoquista, fetichista y homosexual. Anger es una de las figuras más prolíficas dentro del área experimental, ámbito en el que se destacó por tensionar las estructuras del cortometraje por medio de un montaje acelerado, rápidas transposiciones de imágenes y diferentes enfoques de cámara. Fue de gran influencia para directores como Martin Scorsese o John Waters.

A principios de 1967, Anger asistió a ‘’The Invisible Circus’’, un evento contracultural de temática erótica celebrado en ‘’Glide Memorial Church’’, evento en el que un tal Bobby Beausoleil actuaria con su banda, ‘’The Orkustra’’. Impresionado por la actuación de Beausoleil, Anger se acercó a él y le propuso interpretar el papel protagónico en su nueva película ‘’Lucifer Rising’’. Beausoleil estuvo de acuerdo con la propuesta pero con la condición de que él crearía también la banda sonora del proyecto. Beausoleil aceptó la propuesta pero su grupo ‘’The Orkustra’’ no estuvo de acuerdo con el proyecto por lo que la banda se desarmó. En respuesta a esto Beausoleil formó un nuevo grupo, ‘’The Magick Powerhouse Of Oz’’, grupo de apoyo con el que comenzaría a trabajar y grabar en música para la película. Beausoleil y Anger comenzarían a trabajar juntos en el proyecto cinematográfico durante el verano de ese año, pero la colaboración fracasó en el otoño, y, aunque Beausoleil ya había comenzado a experimentar con algunas grabaciones, la creación de la banda sonora quedó momentáneamente trunca.

En 1968 Kenneth Anger se estableció en Inglaterra, donde siguió trabajando en sus visiones de su ‘’Lucifer Rising’’. También se hizo amigo de Mick Jagger y Keith Richards, y trató de convencer a Mick de que fuera su nuevo Lucifer, para la película. Jagger rechazó el papel, pero grabó algo de música para la película. 

Un coleccionista y fanático de Aleister Crowley, Jimmy Page, compró, cuando su fortuna se lo permitió, la mansión de Boleskine House en 1970. Crowley fue dueño de esta mansión por poco más de una década, y la adquirió porque creía que la ubicación era ideal para llevar a cabo una serie de rituales de magia sagrada de acuerdo a ‘’The Book of Abramelin’’, un libro de magia y kabbalah. Un par de años más tarde Page conoció a Anger en una subasta de artículos de recuerdo de Crowley y lo invitó a las antiguas excavaciones del ocultista. Algunos informes afirman que Page necesitaba ayuda de Anger para deshacerse de un fantasma; independientemente de eso, los dos se unieron en su interés por Crowley y se convirtieron en frecuentes amigos.

Anger comienza a visitar asiduamente la casa de Page en Sussex (que perteneciera al actor Richard Harris), convenciendo al guitarrista para que le componga y grabe la banda sonora de su ‘’Lucifer Rising’’. Page completó aproximadamente 24 minutos de música probablemente hacia fines de 1973. Las grabaciones de Page creadas para Lucifer Rising se convirtieron desde entonces en un material de culto, especialmente para fanáticos y coleccionistas de Led Zeppelin, aunque el producto terminado jamás llegó; ante la demora del guitarrista en presentar una banda sonora, Anger decidió sustituirlo por alguien más, y seguir adelante con la producción de su película.

Después de enterarse de la salida de Jimmy Page de la producción de la banda sonora, el preso estatal Bobby Beausoleil le escribió a Anger desde la prisión de Tracy (también conocida como Institución Vocacional Deuel) en el condado de San Joaquín, California. Beausoleil sugirió que debería componer la banda sonora de Lucifer Rising, como los dos habían acordado originalmente unos años atrás. Le dijo a Anger que creía que podría obtener la aprobación de la administración penitenciaria para grabar sus composiciones dentro de la institución. Anger aportó unos modestos 3.000 dólares para la compra de equipos de grabación.

Robert "Bobby" Kenneth Beausoleil se convirtió en el creador oficial de la banda sonora de la película ‘’Lucifer Rising’’, uno de los hechos por los cuales es recordado. Beausoleil fue en su momento un músico muy creativo, autodidacta y  de cierta influencia en el área de San Francisco, ciudad a la que arribó cerca de mediados de la década de los 60 con el afán de crear su propia música. Es así es que crea por entonces su banda The Orkustra, compuesta por músicos de distinto calibre que se sumaron para crear una especia de pequeña orquesta hippie de música libre con influencias clásicas, tanto también de rock, blues, jazz y música hindú, y que alguna vez llegó a tocar junto a Grateful Dead. Una de las particularidades de las grabaciones que dejó The Orkustra es lo que ocurre con su pieza ‘’Bombay Calling’’, un tema con una melodía muy conocida, compuesta por la banda y que al parecer el mismo violinista  del grupo David Laflamme la llevó consigo a su próximo proyecto, la banda ‘’It's A Beautiful Day’’, banda con la reformarían ‘’Bombay Calling’’, publicándola en el disco homónimo de la banda, ‘’It's A Beautiful Day’’, de 1969. Luego, la banda Deep Purple tomaría prestada la melodía de ese tema para replicarla en su composición ‘’Child In Time’’. Beausoleil también tocó por poco tiempo la guitarra rítmica con el grupo que luego se convertiría en la famosa banda ‘’Love’’, pioneros del rock psicodélico.

Otro de los sucesos que marcaron la fama de Bobby Beausoleil es que este mismo perteneció a la familia Manson, conociéndolos por razones varias según la versión del interlocutor de turno, siendo parte de ellos y llegando a cometer un crimen por orden del mismo Charles Manson. También por razones varias y versiones que varían según el actor, Beausoleil estuvo involucrado en el homicidio de Gary Hinman, tras un par de días de haberlo tenido secuestrado y torturado. El 8 de agosto de 1969, Beausoleil fue detenido y la policía no tardó en relacionarlo con el asesinato de Hinman. Condenado a muerte, su pena fue finalmente confirmada por la cadena perpetua.

Es así entonces como, ya hacia finales de la década de los 70, Bobby Beausoleil, desde la prisión estatal de Tracy, retoma la responsabilidad de crear la música y comienza a trabajar en lo que se convertiría en la banda sonora de ‘’Lucifer Rising’’. Para ello crea el grupo ‘’The Freedom Orchestra’’, banda compuesta íntegramente por convictos allegados a Beausoleil en la misma prisión. El grupo incluía también a otro asociado de Manson y que también cumplía cadena perpetua por asesinato, Steve Grogan en la guitarra, después de que Beausoleil convenciera a Grogan de que comenzara a tocar de nuevo. Beausoleil consiguió el patrocinio de Minerva Bertholf, maestra de la prisión, para facilitar la compra de equipos de grabación. El permiso para proceder con el proyecto fue otorgado por el Alcaide. Beausoleil grabó el álbum en la prisión utilizando instrumentos construidos en el taller de artesanía de la prisión. Anger estaba entusiasmado con el proyecto y ocasionalmente visitaba la prisión de Tracy para discutir el proyecto con Beausoleil.

‘’Lucifer Rising’’ se convierte en un álbum creado y grabado íntegramente en prisión, que funciona de manera perfecta como banda sonora para la edición de la película, pero que a su vez funciona de manera independiente como un trabajo oscuro puramente conceptual y simbólico, una obra digna de ser escuchada y explorada poco a poco, ya que su propuesta es compleja dentro de lo experimental, en ambientes de plena oscuridad con música compuesta con visiones acordadas con Anger, por lo que lo perverso se planta de a poco pero firmemente y hasta el final de la obra.

Proponen varias facetas desde lo ambiental, por lo menos al principio de la obra, con instrumentos creados por el mismo Beausoleil, quien sabia de electrónica y de circuitos y no solo se las arregló para crear guitarras sino que también alguna suerte de teclados o sintetizadores que serían los que finalmente ayudarían a emerger hacia la luz a este trabajo sonoro de oscuras pretensiones, muy ambicioso y más teniente en cuenta el lugar y las condiciones desde donde se creó, y con una música que tiene sus propias miras hacia el ocultismo, la experimentación, la música ambiental, la electrónica, el rock, alguna suerte de psicodelia oscura, y por supuesto un hilo conductor conceptual que une a todo en una sola cosa: el camino de lucifer, desde su caída hasta el emerger. Beausoleil terminó construyendo él mismo gran parte del equipo y muchos de los instrumentos, e ideó algunos sonidos extraordinarios que combinaban guitarra procesada, EBow, teclados y pedales de efectos.

En lo estrictamente musical, esto parece un álbum de rock progresivo o rock espacial, proveniente del under de algún supuesto país lejano y salido de las oscuras cavernas de la mente de algún creador furtivo, y de alguna manera lo es, aquí hay rock, con pasajes complejos y atascos de exploración, por lo que la conexión con lo progresivo no se hace esperar. La película ‘’Lucifer Rising’’ fue filmada entre 1966 y 1972, pero no fue estrenada abiertamente al público sino hasta 1980. Por su parte, la banda sonora de ‘’Lucifer Rising’’ fue publicada también en ese mismo año de 1980, ‘’Lethal Records’’ lanzó la banda sonora de 44 minutos en un vinilo, a los cuales vendió en su mayoría de copias iniciales en las proyecciones de su película.

Cod: #1724

Stenio Mendes - Stenio Mendes (MPBC) (1980)

‘’Música Popular Brasileña Contemporánea’’ fue una serie de discos brasileros con los que, en su época, se buscó dar lugar y cuerpo a nuevos compositores, presentando estilos nuevos, de vanguardia o experimentales, pero que en fin se salían de la MPB clásica, para adentrarse en inventos, fusiones, experimentos, creaciones propias de cada autos, etc. Para ello se convocó a instrumentistas, compositores y arreglistas profesionales, deseosos de encontrar su espacio para poder manifestar sus creaciones, que generalmente no lo encuentran en lo popular ni en el público masivo, un espacio que a la vez no interfiriera  en sus desarrollos artísticos sino todo lo contrario, brindándoles el apoyo para que puedan manifestar todo su potencial.

Stenio Mendes es otro de esos artistas que participaron de esta serie de discos, y, como no podría ser de otra manera de acuerdo a lo propuesto, la música es más que experimental, creada bajo visiones cosmogónicas propias del compositor que parece emprender un viaje por las culturas del mundo, uniéndolas en una sola expresión, que desde ya tienen un sello instrumental brasilero pero que demuestra tener una amplitud notable en su concepción.

La música del disco es acústica y está ejecuta principalmente por Stenio Mendes en su Craviola, instrumento acústico de cuerda similar a una guitarra, en la que aplica una técnica bien lograda en ritmos y ejecuciones frenéticas, especializada además en armonías y disonancias que le dan amplitud al sonido y logran el campo perfecto para que los demás instrumentos de sumen al viaje por las culturas de la tierra. Todo el disco está protagonizado por la craviola, apareciendo en las diversas pistas distintos instrumentos y agregados, como voces, percusiones, cantos, guitarras, agregados instrumentales, etc. 

Es un viaje que encarna las culturas de la tierra y su interacción entre sí, entre las diversas etnias del mundo, a lo largo de los milenios de vida del humano en el planeta. Para retratar este concepto véase el destacado ‘’A Barca Dos Homens’’, una pieza también protagonizada por la craviola pero en la que aparecen percusiones afro combinadas con tablas hindúes, para luego surgir momentos con estilo flamencos entre guitarras y cantos, una amplitud única en su tipo por la fusión y el fulgor que ya de por sí posee la música. Un album unico en su tipo.

En la contraportada del vinilo original aparecen algunas palabras del mismísimo Stenio Mendes, para aclarar algunas cuestiones y dejar detalles interesantes sobre la grabación y concepción de cada una de las piezas del disco:

‘’El clima constante de respeto y amistad hizo posibles varios momentos inspiradores durante la grabando este disco. Tomando un giro inesperado, se vuelve más flagrante en el tema ‘’Taquará’’, donde aparece en el mismo tono la craviola, la mas pura expresion de la mente que se libera: los indios Xingu, sus hijos, sus ritos…

Al arte en sus propias intenciones jugando con tiempo y espacio, trae al tema ‘’Espada de Ángel’’, siete años después de su composición, una extraño perspectiva. Lo que más me fascina de este estilo de música instrumental es la posibilidad de que cada uno imagine a su manera, retratando tus emociones, introduciendo nuevas dimensiones; es el caso del tema ‘’Sonata perdida’’.

El abanderado de todo este trabajo ‘’Invasión de los Monjes’’, cuenta con la presencia amiga de Zé Eduardo a la tabla y Bira a la percusión, así como en ‘’Taquará’’ y ‘’Barco de hombres’’. Fue en la canción ‘’Linhas Tortas’’ que tuve la participación muy especial de Ruth Nogueira, mi madre, como soprano, aportando su toque.

‘’ Barca dos Homens’’ va en busca de un sentido capaz de unir a todos los pueblos, visión redonda y azul, navegando en este mar inmenso de estrellas. Presencia muy fuerte de mi padre, João Mendes Nogueira, mareado en la concepción artística con instrumentos de efectos, desde sus arcos hasta guitarra, con un sonido similar al del violonchelo, reza sobre la armónica, más evidente en el tema ‘’Rosario’’, que dedico a su gloriosa vida artística.’’, 

Cod: #1691

Anatoly Vapirov - Mysteria (1980)

Nobleza obliga, algunos párrafos para esta reseña fueron tomados literal y directo de este artículo, Redescubriendo... ANATOLY VAPIROV, de la página freeformfreejazz.org

El free jazz comenzó a florecer en la entonces Unión Soviética en la década de 1970. Músicos que venían incursionando en el universo jazzístico desde mediados de la década anterior, como Vladimir Tarasov y Vyacheslav Ganelin –que formarían el mítico y pionero GTCh o Ganelin Trio– estaría en la base del desarrollo de esta música en el país comunista. En la primera ola del New Jazz soviético también estuvo el saxofonista Anatoly Vapirov. Como muchos de sus compañeros generacionales, Vapirov (nacido en 1947 en Berdiansk, Ucrania) fue principalmente un estudiante de música clásica. En 1971 se licenció como clarinetista en el Conservatorio de Leningrado, donde continuó sus estudios y, cinco años más tarde, recibió el título de Maestro en el que sería su principal instrumento, el saxofón. En el mismo conservatorio, trabajó como profesor de jazz y música clásica, entre el 76 y el 81. Paralelamente a su vida académica, Vapirov se involucró en diferentes proyectos musicales underground, en un matrimonio cada vez más intenso con la vanguardia.

El saxofonista creó el “Cuarteto de Jazz Vapirov” en 1976, tiempo durante el cual grabó sus dos primeros trabajos en el sello oficial soviético, Melodia. En esta primera etapa, cuando también comenzaba a comandar su big band, destaca “Mysteria”, grabada en 1977 y editada en 1980. Durante este período, la música de Vapirov (al menos la poca que nos llegaba) llevaba elementos de fusión, en medio de un soplo que ya apuntaba al universo libre, como podemos ver en “Mysteria”. 

“Mysteria” es un misterioso trabajo del under soviético, un trabajo que guarda en sus entrañas una mística que se disuelve en el aire y se funde con los paisajes que el mismo sonido replica a lo largo de las dos extensas sesiones, de alrededor de veinte minutos cada una, que componen el trabajo en su totalidad. Aquí Vapirov en el líder absoluto, especialmente en la primer pieza del álbum, la cual ocupaba todo el lado primero del vinilo original y que lo tiene representado con un solo de saxo que se desparrama a lo largo de gran parte de la suite. Por momentos más jazzero rockero, por momentos pasando por libertades más del free jazz, la ejecusion de Vapirov es intensa, reflejando su técnica y maestria academica, y repreentando una suerte de concepto que el álbum demuestra en su estructura, formas, armoninas, fusiones y su sonido total.

La música es de un estilo experimental siempre encaminada dentro del jazz rock con armonías en guitarra eléctrica limpia y los parafraseos de Vapirov que se replican en exceso. El sonido transita a lo largo de muchos momentos, con estructuras de jazz de sesión donde por momentos, entre medio, la banda se silencia para dar lugar al solo libre del líder creador. El primer track del disco está situado en esa tendencia mencionada, de jazz rock libre de sesión. La segunda pieza, aunque también es un atasco de sesión, está vez aparece algo más de ritmo, acercándose al funky, y siguiendo por esa línea de improvisaciones y solos desparramados a lo largo de extensas sesiones libres. Para la segunda cara es una guitarra eléctrica que, en ritmos agiles y armonías sueltas, sabe desplegar su magia de solos, ligados, yeites y demás técnicas que demuestra poseer el guitarrista en su monologo a lo largo de varios minutos.

Otra curiosidad de este disco es la participación de un coro, lo que remite a cierto espiritualismo eslavo. Una intervención coral que aparece eventualmente que determinadas partes, como al comienzo del disco, o en medio de la segunda parte de este mismo, dotando al sonido de esa dosis de mágica coral, con irrupciones vocales conmovedoras, que dan un toque sutil al sonido, salvándolo de la monotonía de la improvisaciones excesiva, dotando magia y misticismo en una aproximación al estilo espiritual, y presentado una faceta mística coral que se encuentra por ejemplo con momentos funky, un encuentro de elemente disimiles muy interesante. Este elemento es destacable también en ciertos trabajos futuros del artista.

Como todo artista o banda que manifestó su vida creativa en el mundo soviético, se vió envuelto en represiones y sensuras, peor aun por estár en el momento de guerra fría. Acusado de ‘’empresa privada’’, con una sentencia de dos años de prisión y, tiempo después de recuperar su libertad, decidió en 1987 que lo mejor que podía hacer era emigrar a Bulgaria, donde todavía vive hoy. Vapirov, un ciudadano soviético nacido en Ucrania, se convertiría en un símbolo del nuevo jazz en Bulgaria. Allí crearía su sello discográfico, AVA Records, mediante el cual ha lanzado la mayor parte de su producción desde los años 90. También estaría involucrado en la creación del “Festival Internacional de Jazz de Verano de Varna”, siendo su director artístico desde 1992. Vapirov está activo a día de hoy, más de cuatro décadas de historia musical, y cuenta con unas decenas de títulos en su discografía.

Cod: #1676

Grupo Encuentro - Fabulas Del Cielo (1980)

Recientemente me he hecho con un casette de esta muy buena banda argentina y me vi en la obligación moral y con las ganas de, teniendo este blog, compartir el ripero del mismo, así que aquí lo comparto, sin antes dejar de aclarar que se trata de sonido casette, con todas la limitaciones que ello pueda tener, pero aun así se pueden apreciar muy bien lo temas, los cuales van en formato FLAC. Lo comparto sumado a la escueta y reducida información que logré encontrar en internet, pero igualmente espero que se disfrute!

Lo que tenemos aquí es el primer trabajo lanzado por esta muy buena banda argentina de jazz fusión, los cordobeses de ‘’Grupo Encuentro’’. Este grupo de fusión nació en Córdoba, en 1978, y logró cierto éxito con el tema "Las pausas de la memoria", proveniente de su primer disco. 

El grupo estaba integrado por Bebe Caniza en batería, Juan Carlos Ingaramo en teclados, Lito Loyola en bajo, Mingui Ingaramo en guitarra, Pelusa Navarro en teclados y voz, y  Pichón Bustos en saxo.

En 1980 lanzan su primer trabajo, ‘’Fabulas del cielo’’, considerado como uno de los primeros trabajos de jazz fusión provenientes del interior del país. Se trata de una obra esplendida de jazz fusión, con un estilo ciertamente ochentoso y a la vez con reminiscencias anteriores, una presencia melódica del saxo que recuerda a sonidos de ‘’Fausto Papetti’’; una concepción de las estructuras, armonías y melodías que recuerda bastante a ‘’Klaus Doldinger & Passport ‘’.

Recrean una atmosfera íntima y delicada, con buena dinámica y sutiles toques funky y algo de disco, un sonido delicado y fino que, en general, recuerda bastante al sonido de ‘’Spinetta Jade’’, por su orientación jazzera, su estilismo delicado y sus esmeradas aplicaciones en sintetizador.

Se presentan una serie de temas muy agradables al odio, cambiantes pese a su no extensa duración aunque a la vez envueltos siempre por una estética a fin, tranquila, reflexiva y romántica. En su mayoría se trata de piezas instrumentales, y en los pocos pasajes donde se distinguen las voces, y por ende las letras, se puede apreciar que en los escritos también ofrecen cierta delicadeza poética. 

En 1983 vería la luz el segundo trabajo de la banda, titulado ‘’Nuestro hogar’’, pero esto ocurriría una vez que la banda se desintegro. En 1982 el grupo se desarma, y algunos de sus integrantes pasan a formar ‘’Músicos del Centro’’, grupo que escribe un capítulo importante en la historia de la música de Córdoba, y que se proyectan a nivel nacional a través de sus trabajos, principalmente junto a Litto Nebbia, y posteriormente con Fats Fernandez, Fito Páez y Mono Fontana, entre otros.

‘’Los Músicos del Centro’’ logran lanzar 5 álbumes, antes de separarse a finales de los ochentas, emigrando los músicos hacia distintos caminos dentro de la industria musical.

Cod: #1147