에바 헤세

Eva Hesse
에바 헤세
Eva Hesse in her studio in 1965. 'No Title' (1966).jpg
1965년 그녀의 스튜디오에서 헤세
태어난(1936-01-11)1936년 1월 11일
함부르크, 나치 독일
죽은1970년 5월 29일 (1970-05-29) (34세)
미국 뉴욕시, 뉴욕시.
국적미국인의
교육예일 대학교, 예일 대학교, 쿠퍼 유니언, 프랫 인스티튜트, 뉴욕 예술 학생 연맹에서 요제프 앨버스와 함께 공부했다.
로 알려져 있다.조각
움직임소수점 이후론
배우자톰 도일(1961–66; 이혼)

에바 헤세(Eva Hesse, 1936년 1월 11일 ~ 1970년 5월 29일)는 라텍스, 섬유 유리, 플라스틱과 같은 재료 분야에서 선구적인 업적으로 유명한 독일 태생의 미국 조각가였다. 그녀는 1960년대에 미니멀 아트 운동을 이끈 예술가 중 한 명이다.

인생

헤세는 1936년 1월 11일 독일 함부르크에서 관찰력 있는 유대인 가정에서 태어났다.[1][2] 1938년 12월 헤세가 두 살이었을 때, 그녀의 부모는 나치 독일에서 도망치기를 희망하면서 헤세와 그녀의 언니 헬렌 헤세 차라쉬를 네덜란드로 보냈다. 그들은 마지막 킨더트랜스포트 열차에 타고 있었다.[3][4]

거의 6개월의 이별 후, 재회한 가족은 영국으로 이주했고,[5] 1939년에 뉴욕으로 이주하여 맨해튼의 워싱턴 하이츠에 정착했다.[6][7] 1944년에 헤세의 부모는 별거했고, 그녀의 아버지는 1945년에 재혼했고 어머니는 1946년에 자살했다.[7] 1961년 헤세는 조각가 톰 도일(1928~2016년)을 만나 결혼했고, 1966년 이혼했다.[8]

1969년 10월 뇌종양 진단을 받았고, 1년 만에 세 차례 수술이 실패해 1970년 5월 29일 사망했다.[9] 그녀의 34세의 죽음은 불과 10년이라는 시간에도 불구하고 큰 영향력을 갖게 될 커리어를 끝냈다.[10]

경력

헤세는 16세에 뉴욕의 산업미술대학을 졸업하였고, 1952년에 프랫 디자인 연구소에 등록하였다. 그녀는 겨우 1년 후에 중퇴했다.[1] 헤세가 18살이었을 때, 그녀는 세븐틴 잡지에서 인턴을 했다. 이 기간 동안 그녀는 또한 예술 학생 연맹에서 수업을 들었다.[11] 1954-57년 그녀는 쿠퍼 유니언에서 공부했고 1959년 예일 대학교에서 BA를 받았다.[1] 예일대에 있는 동안 헤세는 요제프 알베르스 밑에서 공부했고 추상적 표현주의의 영향을 많이 받았다.[1][12][13]

예일 이후 헤세는 뉴욕으로 돌아와 솔 르위트, 도널드 저드, 야요이 쿠사마 등 많은 젊은 미니멀리스트 예술가들과 친구가 되었다.[14][15] 솔 르위트와의 친밀한 우정은 그녀의 생이 끝날 때까지 계속되었다.[16] 두 사람은 자주 서로에게 편지를 썼고, 1965년 르위트는 에바에게 "생각하지 말고 그냥 행동하라!"[17]고 의심하는 젊은 청년을 상담한 것으로 유명하다. 헤세와 르위트 둘 다 영향력 있는 예술가가 되기 위해 나아갔다. 그들의 우정은 작품의 예술적 발전을 자극했다.[18]

1961년 11월 에바 헤세는 동료 조각가 톰 도일과 결혼했다. 1962년 8월, 에바 헤세와 톰 도일은 뉴욕 우드스톡에 있는 뉴욕 예술 학생 연맹에서 열린 '알란 카프로 해프닝'에 참가했다. 그곳에서 헤세는 그녀의 첫 3차원 작품인 해프닝을 위한 의상을 만들었다.[19] 1963년 에바 헤세는 뉴욕 어퍼 이스트사이드의 앨런 스톤 갤러리에서 서류상 1인칭 작품 전시회를 가졌다.[20] 1965년까지 두 사람은 도일이 독일의 산업가 겸 수집가 프리드리히 아르나르트 셰이트로부터 예술가의 거주를 추구할 수 있도록 독일로 이주했는데, 헤세가 달갑지 않은 움직임이었다.[1][21] 헤세와 도일은 그때쯤 결혼생활이 파탄났고,[22] 에센 근처 케트위그온더루르에 있는 버려진 방직공장에서 1년 정도 살고 일했다.[citation needed] 건물에는 여전히 기계 부품, 공구 및 이전 용도의 재료가 들어 있었고, 이러한 사용되지 않는 기계와 도구의 각형식은 헤세의 기계적인 그림과 그림에 영감을 주었다.[citation needed] 그녀의 첫 번째 조각품은 Ring around Arosie라는 제목의 안도감이었는데, 여기에는 천으로 덮인 코드, 전선, 석조 등이 전시되어 있다.[1] 올해 독일에서는 헤세의 경력에 전환점이 되었다. 여기서부터 그녀는 계속해서 조각품을 만들었는데, 이것이 그녀의 작품의 주요 초점이 되었다. 1965년 뉴욕으로 돌아온 그녀는 라텍스, 섬유유리, 플라스틱 등 자신의 특색이 될 파격적인 재료들을 연구하고 실험하기 시작했다.[13][23]

반복[24][25] 19, III, 1968, 섬유 유리 및 폴리에스테르 수지, 직경 19 ~ 20 1/4인치(48 ~ 51cm) x 11 ~ 12 3/4인치(27.8 ~ 32.2cm), 뉴욕 현대 미술관

방법, 재료 및 프로세스

헤세의 초기 작품(1960~65)은 주로 추상적인 그림과 그림으로 구성되었다.[1] 그녀는 그녀의 조각들로 더 잘 알려져 있고, 이것 때문에, 그녀의 그림은 종종 그녀의 후기 작품의 예비 단계로 간주된다.[26] 하지만, 그녀는 대부분의 그림을 별도의 작업 기구로 만들었다. 그녀는 "그들은 내 것이었기 때문에 친척이었지만 다른 한 사람을 완성하는 데는 친척이 아니었다"[27]고 말했다.

조각 형태의 매개체로서 헤세가 라텍스에 관심을 갖는 것은 신속성과 관련이 있었다. 예술 비평가 존 키츠는 "즉각성이 헤세가 라텍스에 매력을 느낀 주요 이유 중 하나일 수도 있다"[28]고 말했다. 라텍스를 사용한 헤세의 첫 두 작품인 스키마와 속편(1967–68)은 제조업체가 상상하지 못한 방식으로 라텍스를 사용한다. 헤세는 자신의 작품인 Untitled(로프피스)에서 산업용 라텍스를 채용해 일단 경화되면 철사를 이용해 벽과 천장에 매달았다.산업 라텍스는 캐스팅을 위한 것이었다. 헤세는 그것을 집도료처럼 처리하고, 층층이 쓱쓱쓱 닦아서, 부드러우면서도 불규칙하고, 가장자리가 데커로 된 종이처럼 너덜너덜한 표면을 쌓았다.'[28]

헤세의 작품은 흔히 격자 구조나 성단으로 함께 조직된 유사한 형태의 여러 형태를 채용한다. 그녀는 미니멀리즘, 모듈화, 그리고 파격적인 재료의 사용의 정의된 형태를 일부 유지한 채 반복적이고 노동집약적인 별난 일을 만들어냈다. 1968년의 그녀의 작품 "Feedition"은 이 개념의 이상적인 예다. 그리고 그녀의 작품에 대한 성명에서 헤세는 그녀의 "항업"이라는 제목의 작품을 "...부조리나 극단적인 감정에 대한 나의 생각이 처음으로 전해졌을 때...이 모든 것은 절대적으로 단단하고, 그 전체를 감싸고 있는 깔끔한 끈... 극단적이고 그래서 내가 좋아하고 싫어하는 거야... 그것은 내가 만든 것 중 가장 우스꽝스러운 구조로, 그것이 정말 좋은 이유라고 말했다.[29]

미니멀리즘과 페미니즘

에바 헤세는 포스트 미니멀 아트 운동과 관련이 있다. 아서 단토는 미니멀리즘과 미니멀리즘을 미니멀리즘의 "미묘함과 재미", 그 "에로티즘의 명백한 냄새", 그리고 "비기계적 반복"으로 구분했다.[30]

헤세는 주로 남성 위주의 운동인 미니멀리스트 이후의 예술에서 남성 동료들과 일하고 때로는 경쟁하기도 했다.[31] 많은 페미니스트 미술사학자들은 그녀의 작품이 어떻게 뚜렷한 정치적 의제를 자제하면서 여성 문제를 성공적으로 조명하는지에 주목해 왔다. 그녀는 에델린 호닉[32](1965)에게 보낸 편지에서 "여자는 처음부터 불리하다"고 밝혔다. 그녀는 자신이 성취할 권리가 있다는 확신이 부족하다. 그녀는 자신의 업적이 가치 있다는 믿음도 부족하다.[33] 그녀는 계속해서 "환상의 힘은 필요하며 용기도 필요하다. 나는 항상 이것에 대해 곰곰이 생각한다. 결단력과 의지는 강하지만 자존감이 부족해 절대 극복하지 못하는 것 같다고 말했다.[33] 헤세는 자신의 작품이 여성스럽지만 페미니스트적 발언을 염두에 두지 않은 채 여성주의적이라고 옹호하며 철저한 페미니스트라고 부인했다. 그녀는 신디 넴세르(1970년)와의 인터뷰에서 예술에서 차별을 물리치는 방법은 예술에 의한 것이다. 탁월함에는 섹스가 없다."[34][10]

시각적 및 비판적 분석

헤세의 작품은 물질에 전달되는 의미를 완전히 변형시키는 동시에 물질에 대한 최소한의 물리적 조작을 보여주는 경우가 많다. 이러한 단순함과 복잡성은 미술사학자들 사이에서 논란을 불러일으켰다. 토론은 어떤 작품이 완성도 있고 완성된 작품으로 간주되어야 하는지, 그리고 어떤 작품이 연구, 스케치 또는 미래 작품의 모델인지에 초점을 맞추었다.[35] 헤세의 그림은 종종 후기 조각의 초안으로서 주목받았지만, 헤세 자신은 어떠한 강한 연관성도 부인했다.[27] 그녀의 작품은 종종 반형식, 즉 균일성에 대한 저항으로 묘사된다.[36] 그녀의 작품은 단순한 모양과 섬세한 선, 제한된 색상 팔레트에 미니멀리즘 요소를 구현하고 있다.[37] 배리 슈왑스키는 런던에 있는 캠든 아트 센터에서 "물건이 접히고, 사물이 쌓이고, 사물이 뒤틀리고, 사물이 감기고, 엉키고, 연결해야 할 뭉툭한 것, 얽힌 것, 연결해야 할 것이 뭉툭한 것, 콘질된 모양을 한 것, 분실되거나 버려지거나 잘못 처리된 것 같은 재료들, 살과 모양으로 만들어졌어야 할 것 같은 모양들"이라고 설명했다. 그것들은 살로 만들어졌을지 모르지만 살로 만들어졌어야만 했던 것처럼 보인다 – 여러분은 이것들, 이 물질들, 이 모양들을 볼 수 있고, 이름 모를 나노진화의 전율을 느낄 수 있다. 또는 여러분의 눈을 반응 없이 지나갈 수 있다. 아마도 여러분은 두 가지를 한꺼번에 할 수 있을 것이다."[38] 그녀의 모든 작품들, 특히 그녀의 그림은 반복과 간단한 진행에 바탕을 두고 있다.[39]

예술품 보존

에바 헤세의 조각품들을 어떻게 보존할 것인가에 대한 논의가 계속되고 있다. 섬유 유리를 제외하고 그녀가 선호하는 재료의 대부분은 형편없이 노후화되었기 때문에, 그녀의 작업 대부분은 관리 위원들에게 엄청난 도전을 안겨준다. 아서 단토는 유대인 박물관의 2006년 회고전에 쓴 것으로 "변색, 막처럼 생긴 라텍스의 느슨함, 재료의 눈에 띄는 노화"를 가리킨다. 그러나 어찌된 일인지 그 일은 비극적으로 느껴지지 않는다. 대신에, 그것은 생명으로 가득 차 있고, 에로스로 가득 차 있으며, 심지어 코미디로도 가득 차 있다. 쇼의 각 작품들은 독창성과 장난감으로 진동한다."[40]

어떤 경우에는, 그녀의 작품이 표현할 수 없을 정도로 손상되기도 한다. 예를 들어, 산스 3세는 라텍스 박스들이 스스로 몸을 웅크리고 무너졌기 때문에 더 이상 대중에게 전시될 수 없다. 헤세의 절친한 친구 솔 르위트는 "그녀는 자신의 작품이 지속되기를 바랬다"고 말했다. 그녀는 분명 잠자코 앉아서 눈 앞에서 그것이 분해되도록 내버려둘 그런 태도를 가지고 있지 않았다."[28] 르위트의 반응은 헤세의 다른 많은 친구들과 동료들에 의해 지지를 받고 있다. 그러나 헤세의 물질과 과정에 대한 헌신은 이러한 작품들이 영속성을 얻으려는 그녀의 의도와 모순된다. 수집가들을 염두에 두고 이 주제를 논의할 때 그녀는 "이쯤 되면 사람들이 사고 싶을 때 조금 죄책감을 느낀다. 나는 그들이 알고 있다고 생각하지만 나는 그들에게 편지를 써서 그것이 지속되지 않을 것이라고 말하고 싶다. 나는 지속에 대한 나의 입장이 정말 무엇인지 잘 모르겠다. 내 일부는 그것이 불필요하다고 느끼고 만약 내가 고무를 사용해야 한다면 더 중요하다. 인생은 지속되지 않고, 예술은 지속되지 않는다."[41]

레거시

그녀의 예술은 종종 그녀의 삶의 많은 투쟁의 맥락에서 보여진다. 나찌 탈출, 부모의 이혼, 10살 때 어머니의 자살, 실패한 결혼, 아버지의 죽음 등이 그것이다. 뉴욕에서 초연된 에바 헤세라는 2016년 다큐멘터리가 그녀의 아픈 배경을 설명했다.[42] Marcie Begleiter가 감독한 이 영화는 헤세의 "비극적으로 예견된 삶"에 대한 이야기를 다룬다. 그것은 "예술의 역사에서 거의 유사하지 않은, 급속한 발전과 격앙된 생산성의 시기인 그 예술적 출현에 초점을 맞추고 있다."[43][44]

경험들이 헤세에게 심오한 인상을 주긴 했지만, 그녀의 예술작품의 진정한 영향은 예를 들어, 그녀의 창의적인 재료 사용, 미니멀리즘 운동에 대한 현대적 대응, 포스트모던과 포스트 미니멀리즘 예술 운동을 안내하는 그녀의 능력 등 그녀의 형식적이고 예술적인 발명이었다. 아서 단토는 "미적 반항으로 조각품을 재발명하고 불과 20년 전만 해도 재심 없이 그녀를 살해했을 패전국이라는 산업 폐허 속에서 쓸모없는 물질로 놀음으로써 정서적 혼란에 빠진다"[30]고 묘사하며 두 사람을 연결한다.

헤세는 1960년대 가장 단순한 예술적 제스처뿐만 아니라 유기적 자연계의 유동적인 윤곽을 실험한 최초의 예술가 중 한 명이었다. 어떤 관찰자들은 이러한 특성에서 여성 신체에 대한 원예-페미니스트적 언급을 보고, 또 어떤 관찰자들은 헤세의 나른한 형태의 위트, 변덕, 그리고 무심코 발견되거나 "매일" 소재가 있는 자발적 발명의식을 발견한다.[45] 그녀를 일차적인 영향력으로 주목해 온 저명한 예술가들로는 일본 예술가 수미[46] 에이지가 있다.

전시회

1961년 헤세의 구아체 그림은 브루클린 박물관의 제21회 국제 수채화 비엔날레에 전시되었다. 동시에 그녀는 John Heller Gallery 전시 Drawings에서 자신의 그림을 보여주었다. 세 명의 젊은 미국인.[26] 1962년 8월, 그녀와 톰 도일은 뉴욕 우드스톡에 있는 뉴욕 예술 학생 연맹에서 열린 앨런 카프로 해프닝에 참가했다. 1963년 헤세는 뉴욕 어퍼 이스트 사이드의 앨런 스톤 갤러리에서 서류상 1인칭 작품 전시회를 가졌다.[20] 그녀의 첫 단독 조각 쇼는 1965년 뒤셀도르프 쿤스트베린 퓌르 디 라인란데와 웨스트팔렌에서 열렸다.[9] 1968년 11월, 그녀는 뉴욕의 피쉬바흐 갤러리에서 그녀의 대형 조각품을 전시했다. 이 전시회는 체인 폴리머스라는 제목이 붙었고 미국에서 그녀의 일생 동안 유일한 개인 조각 전시회였다.[47] 이 전시회는 당시 그녀의 명성을 확보하면서 헤세의 경력에 중추적인 역할을 했다.[47] 그녀의 큰 작품은 1969년 휘트니 박물관에서 전시된 "Anti-Elusional: 프로세스/자료".[48]

미국과 유럽에서 수십 개의 주요 사후 전시회가 열렸다. 초기 작품은 구겐하임 미술관(1972년)에 있었고,[49] 1979년에는 에바 헤세 회고전의 세 번 반복이 에바 헤세: 조각이라는 제목으로 열렸다. 이 전시회는 1979년 5월 4일부터 6월 17일까지 런던의 화이트채플 아트 갤러리에서, 1979년 6월 30일부터 8월 5일까지 오터로의 크롤러-뮬러, 1979년 8월 17일부터 9월 23일까지 하노버의 케스트너-게셀샤프트에서 열렸다. 이번 전시회에 출품된 작품 중 하나는 폴리에틸렌으로 속을 채운 라텍스 4장이다.[50] 1982년, 엘렌 H. 존슨은 헤세의 그림에 전적으로 전념하는 첫 번째 회고전을 조직하였는데, 이 회고전은 뉴욕대학의 그레이 아트 갤러리, 오벌린대학의 앨런 메모리얼 미술관, 시카고대학의 르네상스 소사이어티, 휴스턴의 현대 미술관, 볼티모어 미술관 등을 순회하였다. 1992년과 1993년에는 뉴헤이븐, 발렌시아, 파리에서 회고전이 열렸다.[51]

2002년 주요 전시회(샌프란시스코 현대미술관, 테이트 모던 미술관, 비즈바덴 미술관 공동 기획)[12][52]와 2006년 뉴욕 더 드로잉 센터와 뉴욕 유대인 박물관에서 동시 전시회를 여는 등 2000년대 초부터 수많은 주요 전시회가 조직되어 왔다.[53][48] 유럽에서는 헤세가 최근 바르셀로나에 있는 Fundacio Antoni Taufi(2010년)와 에든버러에 있는 Fruit Market Gallery(2009년 8~10월)에서 전시회를 가졌다.[54] 앨런 메모리얼 미술관 소장품에서 나온 그녀의 그림 전시회는 2019~20년 비에스바덴 박물관, 비엔나의 무목 박물관, 하우저 & 위스 뉴욕 미술관, 앨런 메모리얼 미술관 등을 순회한다.

컬렉션

그녀의 작품들 중 20여 점이 뉴욕에 있는 현대 미술 박물관에 전시되어 있다.[55] 헤세의 미국 외 작품 중 가장 큰 소장품은 1990년 '20세기의 여성 작가들' 전시 이후 적극적으로 작품을 인수하기 시작한 비즈바덴 박물관에 있다.[56] 헤세가 그린 그림의 가장 큰 소장품 중 하나는 오벌린 대학의 앨런 메모리얼 미술 박물관에 있는데, 이 미술관은 1977년 작가 여동생 헬렌 헤세 샤라쉬가 이 박물관에 기증한 에바 헤세 아카이브도 관리하고 있다. 다른 공공 소장품으로는 시카고 미술관, 허쉬혼 미술관과 조각 정원, 호주 국립 미술관, 넬슨-앳킨스 미술관, 샌프란시스코 현대 미술관, 솔로몬 R 등이 있다. 구겐하임 미술관, 테이트 미술관, 유대인 미술관, 휘트니 미술관.[57]

선택한 작품 목록

  • 제목 없는. 1963–64. 캔버스에 기름이 묻었다. 59 × 39 1/4인치. 유대인 박물관(맨해튼).[58]
  • 아로시 주변을 맴돌다. 1965. 펜슬, 아세톤, 바니시, 에나멜 페인트, 잉크, 천이 전선을 파피에-모세트와 석조석에 덮었다. 26 3/8 x 16 1/2 x 4 1/2인치 뉴욕 현대미술관.[59]
  • 라오콘. 1965-66. 아크릴, 천으로 덮인 코드, 철사, 플라스틱 배관관 위에 파피에-모제. 130 x 23 1/4 x 23 1/4인치 오버린의 [60]앨런 메모리얼 미술관
  • 제목 없음 또는 아직 없음. 그물. 1966. 폴리에틸렌, 종이, 납 무게, 코드 71 x 15 1/2 x 8 1/4인치 샌프란시스코의 현대 [61]미술관
  • 전화 끊기 1966. 목재 위 천에 아크릴, 강철 튜브 위 코드에 아크릴. 72 × 84 × 78 인치. 시카고 [62]예술 연구소
  • 부록. 1967년, 파피에-마체, 나무와 끈을 칠했다. 치수 변수. 테이트 컬렉션.[63]
  • Repetition 1939호 섬유유리와 폴리에스테르 수지. 19단위, 치수 변수. 뉴욕 현대미술관.[64]
  • 산스2로68번길 섬유유리와 폴리에스테르 수지. 38인치 x 86인치 x 6 1/8인치 다섯 부분으로 나뉜다: 샌프란시스코 현대 미술관;[65] 글렌스톤 미술관; 휘트니 미술관, 비즈바덴 박물관, 스위스 다로스 컬렉션.
  • 조건부. 1969. 치즈보, 라텍스, 섬유 유리. 8단위, 치수 변수. 호주 국립 미술관 캔버라.[66]
  • 등록 II. 1969. 아연도금강과 비닐. 30 3/4 × 30 3/4 × 30 3/4 인치. 디트로이트 예술 [67]대학
  • 1969년 직후. 섬유유리 5 × 18 × 4 ft. 밀워키 미술관.[68]
  • 확장. 1969. 섬유유리, 폴리에스테르 수지, 라텍스, 치즈보. 122인치 x 300인치. 뉴욕의 구겐하임 박물관.[69]
  • 제목 없음. 1969-70. 라텍스, 로프, 끈, 철사. 치수 변수. 휘트니 [70]미술관

참고 문헌 목록

  • Art Talk: Conversations with Barbara Hepworth, Sonia Delaunay, Louise Nevelson, Lee Krasner, Alice Neel, Grace Hartigan, Marisol, Eva Hesse, Lila Katzen, Eleanor Antin, Audrey Flack, Nancy Grossman. 1975 New York; Charles Scribner's Sons. 201-224pps. 재인쇄 아트 토크: 대화: 15명의 여성 예술가들과 대화. 1995년 IconEditions, An Impint of HarperCollins Publishers. 173-199pps.
  • 코비, 바네사 에바 헤세: 그리움, 소속, 변위 (I.B. Tauris, 2010) 250쪽; 1960-61년의 도면에 초점을 맞춘다.
  • 1976년 에바 헤세; 뉴욕 대학 출판부 / 1992년 다 카포 출판부, 주식회사. 루시 R. 리파드. 일러스. 무역신문 251p.
  • 에바 헤세 조각상 1992년 팀켄 출판사, 주식회사 빌 바레트 일러스. 무역신문. 274p.
  • 에바 헤세 그림, 1960–1964. 1992년 로버트 밀러 갤러리. 맥스 코즐로프 John Cheim과 Nathan Kernan이 편집했다. 일러스. 트레이드 천. 58펜스.
  • 에바 헤세: 1992년 회고전. 헬렌 A가 편집했다. 쿠퍼 뉴 헤이븐: 예일 대학 출판부.
  • 네 명의 예술가: 로버트 라이먼, 에바 헤세, 브루스 나우만, 수잔 로덴버그. 마이클 블랙우드 프로덕션, 주식회사 컬러 VHS 45분.
  • 부쉬, 줄리아 M, 조각 10년: 1960년대 (예술동맹 출판사: 필라델피아; 연합대학 출판사: 런던, 1974년) ISBN0-87982-007-1
  • 오하이오 주 오벌린 대학의 에바 헤세 기록 보관소
  • "It's All Yours" 세븐틴 (1954년 9월) : 140-141, 161
  • Wilson, William S, "Eva Hesse: 환상의 문턱에서"에서 :Catherine de Zegher가 편집한 Visible 내부, MIT Press, 1996.
  • 드 제게르, 캐서린(에드), 에바 헤세 드로잉. 뉴욕/뉴헤이븐: 더 드로잉 센터/예일 대학 출판부, 2005. (벤자민 H.D의 에세이 포함) 부클로, 브리오니 페르, 미뇽 닉슨, 브라차 에팅거). ISBN 0-300-11618-7
  • 바네사 코비(에드)와 함께한 그리젤다 폴록, 에바 헤세와의 만남. 런던과 뮌헨: 프레스텔, 2006.
  • Eva Hese(2006) 제1권 및 제2권: 그림과 조각. 아네트 스펀의 에세이와 함께 제1권 (그림) 저르크 도우르의 에세이를 곁들인 제2권 (Sculptures) ISBN 0-300-10441-3
  • Milne, Drew (2008). "Eva Hesse". Art without Art: Selected Writing from the World of Blunt Edge. Edited by Marcus Reichert. London: Ziggurat Books. pp. 55–60. ISBN 9780954665661.
  • 베로니카 로버츠(편집자), 루시 R. 리퍼드(논객), 커스틴 스웬슨 "컨버깅 라인: 에바 헤세와 솔 르위트". 예일 대학 출판부, 2014. ISBN 978-0300204827
  • Briony Fer, Eva Hese: Studiowork.

메모들

  1. ^ a b c d e f g Encyclopedia of World Biography (2nd ed.). Detroit: Gale. 2004. pp. 365–367.
  2. ^ SFMOMA는 2002년 함부르크, Danto 2006년, 가족이 유대인을 관찰하는 것에 대한 노트 32를 전시한다.
  3. ^ Sutton, Benjamin (16 May 2015). "Finally, a Documentary About Eva Hesse's Life and Work". hyperallergic. hyperallergic. Archived from the original on 2020-04-15. Retrieved 26 March 2018.
  4. ^ 바네사 코비
  5. ^ 리파드 1992, 페이지 6 그리고 연대기: 아티스트의 삶, 218페이지.
  6. ^ 단토 2006년 페이지 32.
  7. ^ a b 리파드 1992 페이지 6.
  8. ^ Encyclopedia of World Biography Vol. 7 (2nd ed.). Detroit: Gale. 2004. pp. 365–367.
  9. ^ a b 에바 헤세는 2013-10-29년 웨이백 머신 솔로몬 R에 보관했다. 뉴욕의 구겐하임 박물관.
  10. ^ a b "Eva Hesse Documentary". Eva Hesse Documentary. Retrieved 12 August 2017.
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참조

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외부 링크