Directores - Akira Kurosawa

AKIRA KUROSAWA (Shinagawa, Tokyo, Japón, 23 de Marzo de 1910 – Setagaya, Tokyo, Japón, 6 de Septiembre de 1998), fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Su primer largometraje fue Sugata Sanshiro (La Leyenda del Gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los Siete Samuráis, Rashōmon​, Dersú Uzalá, Yōjinbō, Ran y Los Sueños de Kurosawa. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria de las manos de George Lucas y Steven Spielberg.
Infancia y juventud
Akira fue el séptimo hijo de Isamu y Shima Kurosawa. La madre, tenía cuarenta años cuando nació Akira, y su padre Isamu, cuarenta y cinco. Akira Kurosawa creció en una casa llena de parientes, ocupada por sus padres, uno de sus hermanos mayores y tres de sus hermanas. De los hermanos restantes, uno había fallecido antes de que naciera Akira, y otros dos (uno de los hermanos y una de las hermanas) ya se habían independizado.
Su madre era una mujer abnegada a la que no le importaba sacrificarse por su marido y sus hijos. Procedía de una familia de comerciantes de Osaka.
Su padre era el director de un instituto del ejército japonés, y la propia familia Kurosawa descendía de una línea de antiguos samuráis. Fue un admirador de la cultura occidental, tanto en los programas deportivos que organizaba, como en su afición al cine, que acababa de ser introducido en Japón en aquella época. En la escuela primaria comenzó a dibujar bajo la tutela de un profesor que se interesó por su talento.
Heigo trabajó en los cines de Tokyo como benshi, o narrador de películas mudas para el público japonés. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro, el trabajo de los benshi comenzó a desaparecer, lo que llevó a Heigo a intentar organizar una huelga que fracasó. Akira también estaba implicado en las luchas de sindicatos, habiendo escrito varios artículos para un periódico, al mismo tiempo que perfeccionaba su destreza como pintor.
Cuando Akira acababa de cumplir los 20 años, su hermano Heigo se suicidó, y cuatro meses más tarde murió el mayor de sus hermanos, dejando a Akira como el único hijo varón superviviente. La hermana inmediatamente mayor de Akira, a la que él llamaba "pequeña hermana mayor", también había muerto repentinamente cuando él tenía solo diez años de edad.

Kurosawa, director de cine
Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le dio a sus películas un aspecto único.
Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones.
También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos.
Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los Siete Samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yōjinbō (El Mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru o la niebla en Kumonosu-jō (Trono de Sangre).
Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, "El Emperador"), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado.
En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a solo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del monte Fuji, solo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película.

Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) solo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.
Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los Siete Samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje.
Kurosawa también pensaba que una música "acabada" no encajaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar una escena, solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, solo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más "acabada".

Influencias
Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basada en El rey Lear, y Trono de sangre en Macbeth, mientras que Warai Yatsu Hodo Yoku Nemuru, (Los canallas duermen en paz) tiene ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella.
Kurosawa también dirigió adaptaciones de obras literarias rusas, incluyendo El Idiota de Fiodor Dostoievski o Donzoko (Los bajos fondos) de Máximo Gorki. Ikiru trata hasta cierto punto las mismas cuestiones que el cuento de León Tolstoi: La muerte de Iván Ilich. Algunos de los hilos argumentales de Barbarroja pueden encontrarse en Humillados y Ofendidos de Fiodor Dostoievski.
Tengoku To Jigoku (El infierno del odio) toma ideas de la obra King's Ransom del escritor policíaco estadounidense Ed McBain, Yōjinbō guarda similitudes con Cosecha Roja de Dashiell Hammett.
El Perro Rabioso se inspira en las novelas de detectives del belga Georges Simenon.
El germen de Los Siete Samuráis se encuentra en la tragedia clásica griega de Esquilo Los siete contra Tebas.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1943. Sugata Sanshirō (La Leyenda Del Gran Judo)
• 1944. Ichiban Utsukushiku (La Más Bella)
• 1945. Zoku Sugata Sanshirō (La Nueva Leyenda Del Gran Judo)
• 1945. Tora No O Fumu Otokotachi (Los Hombres Que Caminan Sobre La Cola Del Tigre)
• 1946. Asu O Tsukuru Hitobito (Los Que Construyen El Porvenir)
• 1946. Waga Seishun Ni Kuinashi (No Añoro Mi Juventud)
• 1947. Subarashiki Nichiyōbi (Un Domingo Maravilloso)
• 1948. Yoidore Tenshi (El Ángel Ebrio)
• 1949. Shizukanaru Kettō (Duelo Silencioso)
• 1949. Nora Inu (El Perro Rabioso)
• 1950. Shūbun (Escándalo)
• 1950. Rashōmon
• 1951. Hakuchi (El Idiota)
• 1952. Ikiru (Vivir)
• 1954. Shichinin No Samurai (Los Siete Samuráis)
• 1955. Ikimono No Kiroku (Crónica De Un Ser Vivo)
• 1957. Kumonosu-Jō (Trono De Sangre)
• 1957. Donzoko (Los Bajos Fondos)
• 1958. Kakushi Toride No San-Akunin (La Fortaleza Escondida)
• 1960. Warui Yatsu Hodo Yoku Nemuru (Los Canallas Duermen En Paz)
• 1961. Yōjinbō (El Mercenario)
• 1962. Tsubaki Sanjūrō (Sanjūrō)
• 1963. Tengoku To Jigoku (El Infierno Del Odio)
• 1965. Akahige (Barbarroja)
• 1970. Dodesuka-Den
• 1975. Dersú Uzalá (El Cazador)
• 1980. Kagemusha (La Sombra Del Guerrero)
• 1985. Ran (Caos)
• 1990. Yume (Sueños)
• 1991. Hachi-Gatsu No Kyōshikyoku (Rapsodia En Agosto)
• 1992. Madadayo

ANEXO (Documentales acerca de Kurosawa)

• 1985. AK. by Chris Marker

• 2000. Great Performances: Kurosawa by Adam Low
• 2000. A Message from Akira Kurosawa: for Beauty Movies by Hisao Kurosawa

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa
https://www.topia.com.ar/articulos/grandes-directores
http://www.vorticeonline.com/2010/03/23/akira-kurosawa-recordando-al-emperador/
https://theredlist.com/wiki-2-17-513-1407-view-directors-profile-akira-kurosawa.html
1981 - Something Like An Autobiography by Akira Kurosawa.pdf

Kurosawa by Adam Low (2000)

FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA Great Performances, es una serie de televisión estadounidense, dedicada a las artes escénicas, ha sido transmitida en señal abierta por el Servicio Público de Radiodifusión (PBS) desde 1972 hasta la actualidad. Es la serie de TV más larga existente de artes escénicas que presenta conciertos, ballet, ópera, documentales, etc. En la Temporada 39, epidosio 09 (21 de marzo de 2002), se presentó este documento videográfico sobre Akira Kurosawa. Fue estrenado en Japón en diciembre de 2000, presentado y aclamado en el Festival de Cine de Londres en noviembre de 2001. También fue exhibido en el Festival de Documentales de Tesalónica en Grecia en marzo de 2003, como parte de un homenaje a la productora de biografías Margaret Smilow. (ScH)

Kurosawa IMDB 7.5 / FilmAffinity 7.3

AÑO: 2000

DURACIÓN: 115 min

PAÍS: Estados Unidos / UK. / Japón

DIRECTOR: Adam Low

GUIÓN: Adam Low

MÚSICA: The Fratelli Brothers

FOTOGRAFÍA: Dewald Aukema

ELENCO: James Coburn, Clint Eastwood, Shinobu Hashimoto, Hiromichi Horikawa, Kon Ichikawa, Shuichi Kato, Masahiko Kumada, Hisao Kurosawa, Kazuko Kurosawa, Machiko Kyo, Tatsuya Nakadai, Teruyo Nogami, Stephen Prince, Donald Richie, Tadao Sato, Isuzu Yamada.

PRODUCTORA: 13-WNET (EEUU.) / BBC TV Arena (UK.) / NHK (Japón) en asociación con Winstar TV & Video. Producido por Margaret Smilow y Sonoko Aoyagi Bowers.

GÉNERO: Documental, Biográfico

Un completo repaso y análisis de las vidas y las películas de Akira Kurosawa. Esta crítica biografía del maestro japonés, quien murió en 1998, reutiliza las entrevistas de la BBC de 10 años de un programa previo de la BBC, extensas imágenes de archivo, entrevistas con viejos colegas de Kurosawa, a críticos (Tadao Sato y Donald Richie) y a famosos admiradores estadounidenses (Clint Eastwood, James Coburn), También hay escenas en sets de grabación. Adam Low utiliza bien los antecedentes de Kurosawa. Este documental cuenta con la narración de Sam Shepard e incluye fragmentos de su libro autobiográfico, leídos por Paul Scofeld (ScH).

Fuentes:
http://www.cinespot.com/amreviews/en/Kurosawa
http://www.needcoffee.com/html/dvd/kurosawa.html
http://www.bfi.org.uk/films-tv-people/4ce2b87702942
http://variety.com/2002/film/reviews/kurosawa-1200552069/
https://en.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa#Documentaries
https://japaneseculturereflectionsblog.wordpress.com/2016/02/14/kurosawa-the-documentary-2001/

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AVI-Rip RMVB Audio inglés, subtítulos en castellano (VOSE)
471 MiB en 2 partes en up-4ever

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Directores - Jacques Tati

Jacques Tatischeff (Le Pecq, Yvelines, Francia, 9 de Octubre de 1907 – París, 4 de Noviembre de 1982), mejor conocido como Jacques Tati. Fue un director, guionista y actor francés.

Juventud e inicios: HIjo de padre Ruso y madre Holandesa. Nació en el pequeño poblado de Le Pecq, situado en el departamento francés de Yvelines. Estudió Artes e Ingeniería en la academia militar Lycée de Saint Germain-en-laye. Hábil para los deportes, después de graduarse practicó varios, incluido el boxeo, el tenis y el rugby (1925-30), contemplando la posibilidad de convertirse en jugador profesional de Rugby. Fue más o menos durante ese tiempo que descubrió su talento para la comedia, divirtiendo a sus compañeros de equipo y entrenadores con sus imitaciones. A partir de 1931, Tati recorrió teatros, circos y salones musicales de toda Francia con sus rutinas cómicas, acrobacias y mímicas. Fue por ese tiempo también que acortó su apellido Tatischeff a Tati, para que cupiera sin problemas en los afiches de los teatros. Varios críticos y revistas hicieron buenas críticas de su trabajo y al poco tiempo entró al mundo del cine participando en varios cortometrajes. La segunda guerra mundial frenaría temporalmente su carrera. Fue movilizado y fue partícipe de la guerra por un corto período de tiempo entre 1939 y 1940. Entre 1940 y 1942 presentó Impressions sportives en el Cabaret Lido de Paris, donde trabajó junto a la austriaca Herta Schiel, con quien tuvo una hija, Helga Schiel, a quien Tati no reconoció. Tati huyó de la ciudad y las abandonó, decisión de la que se arrepintió toda su vida. Esta situación, porbablemente, fue su inspiración para escribir el guion de “El ilusionista”, historia que nunca filmó, pero sí fue llevada al cine en 2010 por Sylvain Chomet. Helga Schiel y su familia, quienes se sabe que en 2009 residían en Inglaterra, son los únicos descendientes vivos del nuestro director. En 1943 se refugió en el poblado de Sait-Sévère con su amigo Henri Marquet, con quien escribió el guion de "L’école des facteurs". En 1944 contrajo matrimonio con Micheline Winter con quien tuvo dos hijos. En ese tiempo participó como actor en varias películas del director Claude Autant-Lara.

Filmografía (largometrajes): En 1946, año en el que nació su hija Sophie, Tati dirigió y protagonizó el cortometraje “L'école des facteurs”, encarnando al cartero François. Este cortometraje es la antesala a su primer largometrake, “Día de Fiesta” (1949) el cual pretendía ser la primera película a color en la historia de Francia, pero la quiebra del laboratorio encargado del proceso impidió su proyección a color. Tati había filmado con dos cámaras, una con película a color y una con película en Blanco y Negro como medida de seguridad. “Día de fiesta” se estrenó en 1949 en blanco y negro. En su siguiente película “Las vacaciones del Sr. Hulot” (1953), encarna por primera vez a su personaje más querido y emblemático, el Señor Hulot, a quién también interpretó en sus siguientes tres películas. Con “Mi tio” (1958), contaba ya con reconocimiento internacional y consiguió el Oscar a mejor película extranjera. Con el éxito y la confianza ganadas produjo “Playtime” (1967), la que es considerada su obra maestra. Para esta película construyó un escenario gigantesco al cual apodaron Tativille. Esta película fracazó en taquilla, lo arruinó económicamente e hizo que tuviera que ceder los derechos de sus películas. Sin embargo, años más tarde produjo “Trafic” (1971), donde se despediría finalmente del personaje del Sr. Hulot. Su última película fue “Parade” (1974), producida para la TV. En 2001, su hija Sophie Tatischeff junto a Jérôme Deschamps y Macha Makeïeff crearon la sociedad Les Films de Mon oncle que se dedicó a recuperar los derechos de sus películas y a restaurarlas.

Influencias y Estilo: Tati admiraba a Charlie Chaplin y Buster Keaton, y aunque se inspiró en ellos, no se limitó a imitarlos. Minucioso y perfeccionista, planificaba cada detalle de sus películas. En la mayoría de ellas, el manejo del color era muy importante como medio para dirigir la atención del espectador. El sonido era fundamental para darle sentido a sus gags y en ocasiones también para dirigir la atención del espectador. En opinión de David Lynch, el sonido en las películas de Tati representaba el 50 por ciento de la comedia. Los diálogos eran escasos; eran más bien accesorios de ambientación. No habían historias bien definidas, su prioridad eran las situaciones. Eso no quiere decir que carecieran de ideas: sus películas llevaban implícitas críticas políticas, críticas al modernismo, a la tecnología y a la sociedad francesa de posguerra muy influenciada por el estilo de vida estadounidense. Casi no contrataba actores profesionales. Al final de sus películas debaja pistas para saber de qué trataría la siguiente. Jacques Tati desarrolló un estilo propio y original que influenció a otros cineastas destacados como David Lynch, Tim Burton, Wes Anderson y Rowan Atkinson, por mencionar algunos. En su tiempo fue reconocido y bien calificado por los miembros de la revista Cahiers du Cinema, ícono de la Nouvelle Vague.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1949 – “Día de Fiesta” – Jour de fête
• 1953 – “Las vacaciones del Sr. Hulot” - Les vacances de Monsieur Hulot
• 1958 – “Mi tío” – Mon oncle.
• 1967 – “Playtime”
• 1971 – “Tráfico” - Trafic
• 1974 – “Zafarrancho en el Circo” - Parade

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Tati
http://www.imdb.com/name/nm0004244/
http://www.uv.es/dep230/revista/PDF163.pdf
http://www.uv.es/dep230/revista/PDF263.pdf
"La Historia del Cine: Una Odisea" - Capítulo 7


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Directores - David Lynch

David Keith Lynch (Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946), mejor conocido como David Lynch; es un director, guionista, productor, actor, pintor, músico y fotógrafo estadounidense.

Sus inicios: Hijo de Edwina Sundholm y Donald Walton Lynch. Fue Boy Scout, y logró el más alto rango, un Eagle Scout. Gracias a esto pudo estar presente en la Casa Blanca junto con otros Boy Scouts en la toma de posesión del presidente John F. Kennedy, en 1961. Se interesó por la pintura y el dibujo desde muy temprana edad. En 1964 comenzó sus estudios en la School of the Museum of Fine Arts de Boston. Sin embargo, abandonó los estudios después de sólo un año, afirmando que no le inspiraba ese lugar, y decidió mudarse a Europa durante tres años junto a su amigo Jack Fisk con la esperanza de estudiar en la escuela del pintor expresionista Oskar Kokoschka, pero al llegar a Salzburgo, Austria se encontraron con que no era posible, por lo que regresó a los Estados Unidos después de pasar tan sólo 15 días de su prevista estancia de tres años en Europa. Lynch nos cuenta: “No me gustó Europa. Pensaba todo el tiempo, aquí es donde voy a pintar. Y no había ningún tipo de inspiración allí para la clase de trabajo que quería hacer. Tenía la intención de quedarme tres años. En cambio, ¡me quedé 15 días! Me acuerdo de estar acostado en un sótano en Atenas con lagartos que trepaban las paredes, y pensaba en que estaba a ¡7000 millas de McDonalds!" En Filadelfia se matriculó en la Pennsylvania Academy of Fine Arts, tras el consejo de su amigo Jack Fisk, que ya estaba inscrito. Fue ahí donde comenzó una relación con su compañera de estudios, Peggy Reavey, con la que se casó en 1967. Fue en esos tiempos cuando empezó a coquetear con el arte audiovisual. Lynch nos explica que en el año de 1967, mientras pintaba un cuadro, escuchó un viento y vió algo moverse un poco dentro del cuadro. Fue ahí donde todo comenzó. Él quería ver un cuadro con movimiento y sonido. Fue entonces cuando preparó un cortometraje para participar en el Concurso de pintura y escultura experimental que se lleva a cabo todos los años en la Academia donde estudiaba y el resultado fue su primer cortometraje, titulado “Six Men Getting Sick (Six Times)" (1967). Primero de una seguidilla de 5 cortometrajes previos a su primer largometraje. En el documental que dejo en anexo al final de este post, el autor nos da un recorrido por sus inicios y sus cortometrajes.

Filmografía (largometrajes): Aunque él es primariamente un pintor, a partir de 1970 se comienza a dedicar de lleno a la producción audiovisual. En 1971 se muda a Los Ángeles, California, para poder estudiar en el American Film Institute, institución que más adelante le daría una ayuda de 10.000 dólares con los que financiaría su primer largometraje, "Eraserhead" (1977), mismo que venía trabajando desde 1971 y que por lo escaso del presupuesto no logró publicar sino hasta 1977. A pesar de tener una distribución muy limitada en salas de cine, Eraserhead llamó la atención de mucha gente, incluido el productor Mel Brooks, quien contacta a Lynch para ofrecerle la dirección de una película biográfica sobre la vida de Joseph Merrick. En 1980 estrena “The Elephant Man”, película que logra éxito comercial y 8 nominaciones al Oscar, incluidas dos para Lynch como mejor director y mejor guion adaptado. Seguidamente acepta trabajar para el productor italiano Agostino De Laurentiis en la película de ciencia ficción “Dune" (1983) con la condición de que se comprometiera a financiar una segunda película en la que Lynch tuviera control absoluto. Pese al relativo fracaso de “Dune”, De Laurentis cumple su palabra y financia “Blue Velvet” (1986), película que fue aclamada por la crítica y que le valió a Lynch su segunda nominación al Oscar. Después de esto le fue difícil encontrar financiamiento para sus proyectos cinematográficos y empezó a trabajar en varios proyectos para la televisión. Fue entonces cuando conoció al productor Mark Frost, con quien discutió varias ideas entre las que figuraba la serie para televisión “Twin Peaks” (1990), donde dirigió un total de 6 episodios, incluidos los dos primeros, y escribió o coescribió junto a Frost, 29. Dirigió muy pocos capítulos para poder dedicar tiempo a su siguiente película, “Wild at Heart” (1990), roadmovie que fue premiada con la prestigiosa Palma de Oro del Festival de Cannes. Posteriormente, tras la cancelación de la serie "Twin Peaks", Lynch decide volver a la historia pero ya sin Mark Frost y filma una especie de precuela de la serie, titulada “Twin Peaks: Fire Walk with Me” (1992). Aunque continuó trabajando junto a Frost en otros proyectos televisivos, en 1997 regresó completamente al Cine con la cinta “Lost HIghway”. Luego trabajó, basándose en un guion ajeno, en la película “The Straight Story” (1999). Ese año se acerca nuevamente a la televisora ABC con una nueva propuesta. La televisora acepta financiar el episodio Piloto de una nueva serie que se llamaría "Mulholland Drive", pero la rechazan y ponen en pausan indefinidamente. Con el ímpetu que traía y siete millones de dólares que le proporcionó la productora francesa StudioCast, realizó “Mulholland Drive” (2001), película con la que obtendría su tercera nominación al Oscar como mejor director. Aunque la Academia finalmente lo ignoró, Cannes lo reconoció como el mejor director del año. Iniciando el Sigo XXI y con el auge de Internet, Lynch se dedicó a producir algunos materiales que fueron distribuidos a través de su sitio web, davidlynch.com. Y no fue sino hasta 2006 cuando publicó su película “Inland Empire". Lynch se ha mantenido alejado del Cine desde entonces, e incluso se habló de su retiro, aunque luego mencionó en una entrevista que trabajaba en algo. Para éste año (2017) se espera una 3ra temporada de su aclamada "Twin Peaks", entre otros proyectos.

Influencias y estilo: Stanley Kubrick, Werner Herzog, Jacques Tati, Luis Buñuel, Ingmar Bergman, Roman Polanski y Federico Fellini, son algunos de los cineastas de los que Lynch ha mencionado sentir admiración. "The Wizard of Oz" (1939), “Sunset Boulevard” (1950), “Lolita” (1962) y “Carnival of Souls” (1962) son algunas de las películas que dice, han influenciado su trabajo. Su estilo está muy influenciado por el Dadaismo y el Surrealismo. Algunos de las características recurrentes en sus películas son el mundo onírico, los ambientes industriales, las deformidades físicas, mujeres ultrajadas, los pueblos o comunidades pequeñas de Estados Unidos, entre otros. Algunos de los detalles estéticos son un sonido envolvente y perturbador, por lo regular de media y baja frecuendia, cámara lenta durante las escenas violentas, cortinas rojas, luces estroboscópicas, canciones de Roy Orbison, referencias de Francia y la cultura francesa, acercamientos a los ojos, el resaltar el sonido peculiar de la respiración y métodos de narración poco ortodoxos. Nunca explica el significado de sus películas.

Reconocimientos: Entre los varios reconocimientos recibidos, sobresalen 3 nominaciones al Oscar, el premio Cesar a la mejor película extranjera dos veces, La Palma de Oro del Festival Internacional de Cannes y El León de Oro por los logros alcanzados durante su carrera, entregado en el Festival de Venecia. El gobierno francés lo condeciró con la Legión de Honor, la distinción de más alto rango entregada a un civil, como Caballero en 2002 y como Oficial en 2007.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1977 - “Cabeza Borradora“ – Eraserhead
• 1980 - “El Hombre Elefante“ – The Elephant Man
• 1984 - “Dune”
• 1986 - “Terciopelo Azul” – Blue Velvet
• 1990 - “Corazón Salvaje“ – Wild at Heart
• 1992 - "Twin Peaks: fuego camina conmigo" - Twin Peaks: Fire Walk with Me
• 1995 - "Lumiere y Compañia" - Lumière et compagnie
• 1997 - “Carretera Perdida“ – Lost Highway
• 1999 - “Una Historia Verdadera“ – The Straight Story
• 2001 - “Mulholland Drive“
• 2006 - “Inland Empire“
• 2007 - "Cada uno con su Cine" - Chacun son cinéma

Fuentes:
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/2333/David%20Lynch
https://es.wikipedia.org/wiki/David_Lynch
https://en.wikipedia.org/wiki/David_Lynch
http://www.imdb.com/name/nm0000186/
http://www.davidlynch.es

Anexo
The Short Films of David Lynch
Desde "Six Men Getting Sick" (1966), hasta "The Cowboy and the Frenchman" (1988), David Lynch nos lleva de la mano y nos muestra sus inicios y sus primeros cortometrajes.

AÑO: 2002     DURACIÓN: 97 min.     PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
ELENCO: Richard White, Virginia Maitland, Dorothy McGinnis, Robert Chadwick, David Lynch, Catherine E. Coulson, Harry Dean Stanton, Tracey Walter, Talisa Soto.
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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The Short Films of David Lynch (2002)
Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
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David Lynch por Michel Chion. eBook.

"Este libro, el más completo publicado hasta el momento sobre Lynch, cuenta con detalle la génesis de todas sus películas, no sin tener en cuenta el papel desempeñado en ellas por sus colaboradores, sean actores o técnicos. Chion realiza un minucioso análisis temático y estilístico de cada obra, sitúa a Lynch en relación con la historia del cine y, de este modo, hace emerger las múltiples caras de un realizador inclasificable: perturbador y neurótico, minucioso y obsesivo, pero también con gran capacidad de abstracción, respetuoso con la tradición, un gran investigador de la imagen y el sonido. Fabulador de la sexualidad pervertida y violento fustigador de la vida convencional, Lynch es también un romántico de nuestro tiempo y un creador de himnos al mundo y al amor."

Autor: Michel Chion.
Año: 1995
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Directores – Héctor Babenco

Héctor Eduardo Babenco (Quilmes, Gran Buenos Aires - Argentina, 7 de febrero de 1946), guionista, productor, actor y director de cine naturalizado brasileño. Nominado al Oscar y ganador del Premio Independent Spirit. murió en São Paulo el 13 de julio de 2016.

En Argentina dicen que es brasileño, en Brasil le dicen argentino. Lo cierto es que nació y vivió en Argentina hasta los 17 años, donde trabajaba como aprendiz de sastre. Se mudó a Europa con su familia y estuvo deambulando durante el final de los 60s. Entre otros oficios fue figurante de directores españoles.
Como no podía volver a argentina por causa de ser desertor del ejercito, se instaló en Brasil definitivamente en el 71, donde comenzó a trabajar en documentales. Obtuvo la nacionalidad brasilera en 1977.
Junto Al cineasta Roberto Farias, realizó El documental "O Fabuloso Fittipaldi" (1975), sobre la vida y carrera del piloto de Fórmula 1. Luego vendría su primer largometraje de ficción “El Rey de la Noche” 1975. Siendo que su siguiente film, “Lucio Flavio, pasajero de la agonía” (1977), llevó 5 millones de personas a las salas de Brasil convirtiendose en un estrondoso éxito de billetería.
Al comienzo de los 80 estaba preparando una serie de entrevistas en la FEBEM (antiguo correccional de menores de São Paulo) para hacer un documental sobre el crimen infantil, pero como fue entorpecido por las autoridades, decidió contratar niños de los barrios pobres para que se interpretasen a si mismos. En vez de diálogos formales, la producción elaboró un plan de laboratorios de actuación e improvisación. El resultado fue “Pixote, la ley del más Debil”, donde los niños revelan elementos de su propia realidad, en una producción que significó la atención de Babenco en varios festivales mundo afuera.
Su primer proyecto internacional “El Beso de la mujer Araña”, le valió una indicación al Oscar como mejor director, pero quien lo ganó esa noche fue Willian Hurt, con la excelente interpretación del gay Molina. La película catapultó también a la actriz Sonia Braga en su carrera internacional.
Con el nombre en las luminarias de todo el mundo, los estudios Universal y Tristar le ofrecieron sendos proyectos “Tallo de Hierro” 1987, y “Jugando en los campos del señor” 1991. Pero a pesar de contar con grandes estrellas no obtuvieron el retorno monetario deseado.
En los 90 el director enfrentó un Cáncer linfático al cual sobrevivió gracias a haber hecho un trasplante de medula, por eso su siguiente película “Corazón iluminado” 1993, es en un tono bastante intimo. Mientras trataba el Cáncer, también conoció al medico oncólogo y escritor Drauzio Varella, El cual le mostró una serie de relatos cortos sobre la extinta mayor penitenciaria Brasileña. De esas conversaciones salió el premiado “Carandiru” 2003.
En su ultima producción, inserta al astro mexicano Gabriel García Bernal en Buenos Aires, haciendo el melodrama medio erótico-medio romantico "El Pasado" (2007), que despertó más bostezos que alabanzas. Se dice que ahora está trabajando en el desarrollo de “La Brasilera” (por su handicap, debe estrenar en dos años).

Filmografía (largometrajes)
• 1973 – “O Fabuloso Fittipaldi” (Documental)
• 1975 – “El Rey de la Noche” – [O rei da noite] aka King of the Night
• 1977 – “Lúcio Flávio, Pasajero de la Agonía" – [Lúcio Flávio, o passageiro da agonia] aka Lucio Flacio, Passenger of Agony
• 1981 - “Pixote – La ley del más Debil” - [Pixote - A lei do mais fraco] aka Pixote - The Survival of the Weakest
• 1984 – “A Terra é Redonda Como uma Laranja”
• 1985 - “El Beso de la Mujer Araña” - [Kiss of the Spider Woman - O Beijo da mulher Aranha]
• 1987 - “Tallo de Hierro” - [Ironweed]
• 1991 – “Jugando en los campos del señor” – [Play in the Fields of the Lord]
• 1996 – “Corazón iluminado” - [Coração Iluminado] aka Foolish Heart
• 2003 - “Carandiru”
• 2007 - “El Pasado”
• 2015 – “Mi Amigo hindú” - [Meu Amigo Hindu] aka My Hindu Friend

Directores – Terry Gilliam

Terry Vance Gilliam (Medicine Lake, Minnesota, USA - 22 de Noviembre de 1940). Cartunista, Diseñista y Escritor. Actor, Guionista y Director de cine británico. Fue uno de los principales miembros del Monty Python..

Hijo de Beatrice Née Vance y James Hall Gilliam. Su padre era un vendedor ambulante antes de convertirse en carpintero. Después de pasar su infancia en Minnesota, la familia se muda en 1952 a un barrio de Los Ángeles.
Estudió en la escuela secundaria Birmingham, graduandose con altas calificaciones. Desde niño se habia interesado y desarrollado habilidades para el dibujo y el diseño. En la adolescencia fue fanático de la Revista MAD, lo cual termina influenciando en su posterior trabajo. Estudió Ciencias Políticas en el Occidental College de California, mientras continuaba desarrollando su afición como cartunista. Al graduarse envió copias de su trabajo al maestro Harvey Kurtzman en Nueva York, creador de MAD, pero que entonces dirigía la revista “Help!”. Quedó impresionado con sus diseños, y cuando surgió un cupo, Gilliam tomó el puesto y pasó los próximos tres años escribiendo, diseñando y dibujando, pero le pagaban muy poco. Así que lo dejó cuando fue llamado al servicio militar. Se incorporó a la Guardia Nacional durante unos meses y al salir, se fue a Europa a viajar como mochilero. Por algún tiempo trabajó como dibujante en París. Gilliam regresó a América, y se trasladó de vuelta a su casa en Los Angeles, tomando un empleo en una agencia de publicidad.
Corria el final de la década de los 60’a y, “Los EEUU tenían un problema sério de inconformismo". Habia protestas por derechos civiles, Activistas en contra de la guerra de Vietnan y todo tipo de problemas con Drogas. Mientras trabajaba en la agencia de publicidad, compartía domicilio con el periodista británico Roberts Glenys. Y el mundo le dio un vuelco a camino de una fiesta, donde se encontraron con una manifestación en contra del Presidente Lyndon B. Johnson. La policía arremetió contra los manifestantes y Terry llevó su parte yendo a parar a la delegacia, golpeado y sindicado. Su desencanto con los EE.UU lo llevó a abandonar California en 1967 para intentar vida en Inglaterra, abdicando de su nacionalidad (cosa que al fin consiguió completamente en 2006). Se instaló en Londres con Glenys, consiguiendo el cargo de director de arte de una revista llamada “El Londinense”.
Al poco tiempo de estar en Londres, hizo contactos para ingresar al medio Televisivo. Encontró espacio para una o dos cosas que había escrito para un programa de televisión con Michael Palin, Terry Jones y Eric Idle. Luego Gilliam se convirtió en cartunista para otro show llamado “Tenemos maneras de hacerte reír”. Barry Took, un productor británico y experto en medios, incluyó a Gilliam en un nuevo proyecto humoristico que pretendía lanzar. El primer episodio de “El Circo Volador de Monty Python” fue al aire el 5 de octubre de 1969 por la BBC, y Gilliam tenía el rol de cartunista y animador. Se paraba frente a la cámara con montones de cartones pintados para mezclarlos acompañando los efectos de acción y sonido, pero terminó siendo uno de los principales del Programa. Seguía de cerca todo el proceso de los estudios de la BBC. Trabajaba 7 días por semana noches incluidas. Fue un rápido aprendisaje donde hasta hace de escritor y actor (en particular como el cardenal Fang en el Sketch de la Inquisición española). Los Monty Python se convirtieron en una referencia del irónico humor britanico e influyó de manera masiva en el humor contemporaneo de todo el mundo. Su estilo rompió esquemas, siendo importante la crítica social y política teniendo base en lo surreal y absurdo de ciertas situaciones. En ese tiempo Gilliam conoció a su esposa, Maggie Weston, quien estaba encargada del maquillaje del elenco.


El fenómeno "The Monty Python" (en), transcendió el mundo televisivo siendo sus miembros también responsables por la producción de varios largometrajes, el primero de ellos “And Now For Something Completely Different” (1971), dirigido por Ian MacNaughton, donde Gilliam como todo el elenco hacen varios personajes de los Sketchs del Show. En 1975 habiendo acabado el programa en TV, Gilliam co-dirige con Terry Jones la segunda película del grupo: “Monty Python y el Sagrado Grial”. Ganando una valiosa experiencia para posteriormente escribir y dirigir en 1977 “La Bestia del Reino”, una fantasía medieval protagonizada por Michael Palin y John Cleese (de los más influentes miembros del Grupo). Volvió a co-dirigir con Terry Jones otra película de los Monty: “El Sentido de la vida” (1983), Aunque en los años 80’s, Gilliam realmente se desmarca y crea tres películas absolutamente personales, aprofundamdo en lo surreal e imaginario: “Los bandidos del Tiempo” (1981), “Brasil” (1985) y “Las Aventuras del Barón Munchausen” (1989).

El estilo Gilliam es diferenciado desde la puesta en escena. Su fotografía se vuelca a crear una atmósfera surrealista y un mundo fuera de equilibrio. Usa con frecuencia inusuales tiros de cámara desde el suelo, o grandes ángulos zenitales. Crea un mundo alucinante trabajando la casi totalidad de las tomas con rectilíneas lentes de Gran Angular; Va desde los 28 mm de distancia focal, hasta el “Ojo de pescado” -8 mm, como la lente Zeiss empleada en “El imaginario del Doctor Parnassus”- con el fin de lograr un tipo de distorsión extrema de la perspectiva, consiguiendo enfoques profundos con la riqueza de detalles que dan los grandes angulares. Sus guiones transitan por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo como “Los héroes del tiempo” y “Doce Monos”, o, la realidad confundida por los sueños, la fantasía y la imaginación como “Brazil”, “Las Aventuras del Barón Munchausen”, “El Rey Pescador”, “Miedo y Asco en Las Vegas”, “El Imaginario del Doctor Parnassus” y “Un Mundø Conectado”. Sus historias van siempre aderezados con mucho humor e ironía, Y siempre las autoridades son una mierda.

Digno de un estilo muy particular, ha tenido una carrera elogiada por la crítica, pero no todo ha sido un mar de rosas. Luego de gastarse un presupuesto de 46 millones de dólares para la época, “Las Aventuras del Barón Munchausen” se constituyó en un fracazo de billeteria, aumentando aún más la quiebra de Columbia. Y a pesar de anotarse dos exitos en los 90’s (“El Rey Pescador” y “Doce Monos”), tuvo todo tipo de problemas y no pudo llevar a cabo “Los héroes del tiempo 2” y una versión de un cuento de Charles Dickens, ni su tan soñada adaptación de uno de los cuentos de Alan Moore. En 1999 iniciaba el rodaje de “El hombre que mató a Don Quijote”, y tuvo que ser cancelada por otro resto de problemas (al fin la película fue concluida casi 15 años después con probable estreno para 2016). Más recientemente y durante el rodaje de “El imaginario del Doctor Parnassus”, muere el actor principal, Heath Ledger, pero la película concluyó gracias a que todo es válido en el cine de Gilliam. Un director que hace meritos para haberse llevado grandes premios, pero que su estanteria aún permanece vacia... Apenas ha recibido unos cuantos reconocimientos por su trayectoria. (Bruz)
PD: Acomodense que vale la pena, ojalá se animan y también comentan.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes en el Blog)
• 1975 - “ Los Caballeros de la Mesa Cuadrada” - Monty Python and the Holy Grial
• 1977 - “La Bestia del Reino” - Jabberwocky
• 1981 - “Los Ladrones del Tiempo” - Time Bandits
• 1983 - “El Sentido de la Vida” - Monty Python's The Meaning of Life
• 1985 - “Brasil” - Brazil
• 1989 - “Las Aventuras del Barón Munchausen” - The Adventures of Baron Munchausen
• 1991 - “Pescador de Ilusiones” - The Fisher King
• 1995 - “Doce Monos” - Twelve Monkeys
• 1998 - “Pánico y Locura en Las Vegas” - Fear and Loathing in Las Vegas
• 2005 - “Los Hermanos Grimm” - The Brothers Grimm
• 2005 - “Tideland”
• 2009 - ”El Imaginario del Dr Parnassus” - The Imaginarium of Dr Parnassus
• 2013 - “Un Mundø Conectado” - The Zero Theorem
• 2016 - “El Hombre Que Mató a Don Quijote” - The Man Who Killed Don Quixote

Filmografía Alain Resnais

Alain Resnais (3 Junio 1922, Vannes, Morbihan - Francia) Productor, Guionista, Editor y Director de Cine Francés. Uno de los principales iniciadores de la "Nouvelle Vague". Ganador del Globo de Oro, del BAFTA y del Oso de Plata. Murio el 1 de Marzo de 2014 en Paris - Francia, a la edad de 91 años.

Viendo el Twitter durante la gala del Oscar DE 2015, nos sorprendió el anuncio de la muerte de Alain Resnais, gran cineasta Frances que junto a Godard, Truffaut, Rohmer y compañía, iniciaron una corriente de técnicas de filmación e historias diferenciadas que a la postre fue llamada de "Nouvelle Vague".
Comenzó su carrera como montador de otros directores y haciendo cortometrajes documentales. En el año 48 realiza un corto sobre "Van Gogh" que le valió varias menciones a premios. En 1953 filma junto a su amigo Chris Marker otro genial documental. Su primer largometraje "Hiroshima Mom Amour" (1959) es junto con "Los 400 Golpes" de Truffaut y "El bello Sergio" de Chabrol, los señalados como inicio de la época dorada de la "Nueva Ola del cine francés".
A lo largo de una carrera de casi 70 años de cine, Resnais supo adaptarse y adecuarse al tiempo y a las corrientes del cine, presentando algunas obras que estaban incluso adelante en su tiempo.
Resnais muere dejanto una extensa y esquisita obra, de la cual Cinematecaweb siente la necesidad de reapresentarla en su memoria (ya le habíamos presentado un homenaje junto al Primer FestiFrancia.
Ave ciudadano del cine. Merci Alain!!. (Bruz)

FILMOGRAFÍA ALAIN RESNAIS (En Negrita - Largometrajes Publicados)

• 1959: “Hiroshima mon amour” - (Hiroshima mon amour)
• 1961: “El año pasado en Marienbad” - (L'année dernière à Marienbad)
• 1963: “Muriel” - (Muriel ou le temps d'un retour)
• 1966: “La guerra ha terminado” - (La guerre est finie)
• 1967: “Lejos de Vietnam” - (Loin du Vietnam) Documental Multidirector
• 1968: “Cinétracts” - Documental Multidirector
• 1968: “Te amo, te amo” - (Je t'aime, je t'aime)
• 1973: “El año 01 de Jacques Doillon” - (L'an 01)
• 1974: “Stavisky” - (Stavisky)
• 1977: “Providence” - (Providence)
• 1980: “Mi tío de América” - (Mon oncle d'Amérique)
• 1983: “La vida es una novela” - (La vie est un roman)
• 1984: “El amor ha muerto” – (L'amour à mort)
• 1986: “Mélo”
• 1989: “Quiero volver a casa” – (I Want to go home)
• 1993: “Smoking”
• 1993: “No smoking”
• 1997: “Yo conozco esa Canción” - (On connaît la chanson)
• 2003: “En la boca no” - (Pas sur la bouche)
• 2007: “Asuntos privados en lugares públicos” - (Coeurs)
• 2009: “Las malas hierbas” - (Les herbes folles)
• 2012: “Vous n'avez encore rien vu”
• 2014: “Amar, beber y cantar” - (Aimer, boire et chanter)

Directores-Woody Allen

Allan Stewart Königsberg. (Brooklin, Nueva York, 1 de Diciembre de 1935), actor, director, escritor, guionista y músico. Comenzó a escribir antes de aprender a leer. Desde niño, era capaz de crear historias y escribirlas en su propio estilo.
Se conoce como Woody Allen desde la edad de 16 años cuando empezó a escribir chistes para columnistas de prensa, tiempo después trabajó 4 años en clubes nocturnos como humorista y es allí donde le proponen participar como actor y guionista en “What's New, Pussycat?” al siguiente año, 1966, empieza a dirigir. Su primera película es realmente Take the Money and Run aunque fue con What's up, Tiger Lilly? donde aparece por primera vez su nombre en los créditos como director, pero allí él solo adaptó los diálogos de una mala película japonesa. En el 77 Annie Hall gana 4 premios Oscar (mejor película, mejor guion, mejor director y mejor actriz), ceremonia a la que no acudió ya que estaba en su otra pasión: El Jazz.
Se consagra como director con Manhattan incorporando la ciudad como personaje, para muchos su mejor trabajo, donde muestra el amor hacia la ciudad de Nueva York. Siendo esto de destacar dentro de su filmografía; sólo un par de veces ha mostrado otras ciudades estadounidenses, en Annie Hall filmó un pasaje en Los Angeles para dar constancia de su desagrado por California -ratificándolo en Hollywood Ending - y en 1969 situó parte de la trama de Take the money and run en San Francisco y 44 años después retorna a esa ciudad con “Blue Jasmine”.

Para el año 2004 solo rodaba en NY pero con Match Point en 2005 muestra su gusto por Londres donde hace cuatro películas. De ahí siguieron producciones en Barcelona, Paris y Roma, sus películas podrían transcurrir en cualquier ciudad, siempre que sea sofisticada como NY, pero no podría hacer una película en Sudán o el Amazonas. Aunque en Nueva York el cineasta es un residente destacado en Londres no es más que un turista; esto queda claro en la manera en la que se acerca a cada ciudad: a Nueva York es capaz de mirarla en perspectiva, como en la secuencia inicial de Manhattan ; mientras que Londres es el de las revistas y las guías turísticas, lo que se repite con las demás ciudades. Cabe anotar que es por falta de financiación y los altos presupuestos que implica grabar en NY que tuvo que salir hacia Europa.

Tiene su estilo característico; una mezcla entre drama y comedia, sus enfoques son muy humanos, toca temas como la dualidad, la contradicción, el psicoanálisis, la pareja, la religión y la mujer, todo enmarcado dentro de cierta clase social intelectual neoyorkina, lo que a veces puede llegar a ser hostigante, sin embargo en Broadway Danny Rose se nota un aprecio hacia los artistas de clubes nocturnos que no hacen parte de ese círculo social, también la mayoría son elaboradas con rasgos autobiográficos, con personajes que interpretan su sensibilidad, no solo revelando sus conflictos internos sino también develando los motivos ulteriores de muchos lo que puede llegar a chocar a tantos y él es consciente de eso y lo muestra en varias de sus producciones.

Otra de sus características es la constante producción de películas, casi una por año, aunque en algunas hay repetición en ciertos aspectos del guion como Crimes and Misdemeanors con Match Point o Interiors con Hanna and her sisters y Zelig con Take the money and run, por mencionar algunos.

No es un secreto su admiración por Ingmar Bergman, es notorio la influencia del director sueco en sus dramas como en Another woman, September o Interiors y elementos muy similares en Deconstructing Harry . Tampoco oculta su simpatía por la cultura francesa o su personalidad nerviosa o su gusto por la mujer intelectual, sus comentarios clasistas o excluyentes por la capacidad de raciocinio y el amor a su hermana Letty.

Sobra hacer referencia del uso de magistrales bandas sonoras y su constante presencia en los Premios Oscar -Ganador de 3 como Guionista y 1 como Director- 8 Premios BAFTA -6 como Guionista y 2 como Director- y 2 Globos de Oro como Guionista.
Para terminar cabe mencionar en lo que algunas de las actrices y actores que han trabajado con él han coincidido: "Es muy cariñoso y respetuoso con los sistemas de trabajo de cada actor y maneja a la perfección la inseguridad de cada uno de ellos". Cuando se le plantean "versiones diferentes de alguna escena", accede a rodarlas, pero sin obtener nada concreto porque al final es él quien tiene un absoluto control sobre lo que quiere.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)

• 1965 - ¿Qué hay de Nuevo, Pussycat?"– What's new, Pussycat?
• 1966 - “ Lily, la Tigresa “ – What's up, Tiger Lily?
• 1969 - “ Toma el dinero y corre / Robó, huyó y lo pescaron “ – Take the money and run
• 1971 - "Hombre en crisis" - Men of crisis: The Harvey Wellinger story
• 1971 - “ Bananas/La locura está de moda” – Bananas
• 1972 - “ Sueños de un Seductor” – play it again, Sam
• 1972 - “ Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar ” – Everything you always wanted to know about sex (But were afraid to ask)
• 1973 - “ El dormilón” – Sleeper
• 1975 - “ La última noche de Boris Grushenko / Amor y muerte” – Love and death
• 1976 - “ La Tapadera” – The Front
• 1977 - “ Annie Hall / Dos extraños amantes” – Annie Hall
• 1978 - “ Interiores” – Interiors
• 1979 - “ Manhattan” – Manhattan
• 1980 - “ Recuerdos / Recuerdos de una estrella” – Stardust memories
• 1982 - “ comedia sexual de una noche de verano” – A midsummer night's sex comedy
• 1983 - “ Zelig” – Zelig
• 1984 - “ Broadway Danny Rose” – Broadway Danny Rose
• 1985 - “ La rosa púrpura de El Cairo” – The purple rose of Cairo
• 1986 - “ Hannah y sus hermanas” – Hannah and her sisters
• 1987 - “ Días de radio” – Radio days
• 1987 - “ Septiembre” – September
• 1988 - “ Otra mujer / La otra mujer” – Another Woman
• 1989 - “ Edipo reprimido, episodio de Historias de NY” – Oedipus wrecks, NY Stories episode
• 1989 - “ Delitos y faltas / Crímenes y pecados” – Crimes and Misdemeanors
• 1990 - “ Alice” – Alice
• 1992 - “ Sombras y Niebla” – Shadows and fog
• 1992 - “ Maridos y mujeres / Maridos y esposas” – Husbands and Wives
• 1993 - “ Misterioso asesinato en Manhattan” – Manhattan murder mystery
• 1994 - “ Balas sobre Broadway” – Bullets over Broadway
• 1994 - “ Los USA en zona rusa” – Don't drink the water
• 1995 - “ Poderosa Afrodita” – Mighty Aphrodite
• 1996 - “ Todos dicen I Love You / Todos dicen que te amo ” – Everyone says I love you
• 1997 - “ Desmontando a Harry” – Deconstructing Harry
• 1998 - “ El precio del éxito” – Celebrity
• 1999 - “ Acordes y desacuerdos / Dulce y melancólico” – Sweet and lowdown
• 2000 - “ Granujas de medio pelo” – Small time crooks
• 2001 - “ La maldición del escorpión de jade” – The curse of the jade scorpion
• 2002 - “ Un final made in Hollywood / El ciego” – Hollywood Ending
• 2003- “ Todo lo demás / Muero por ti” – Anything else
• 2004 - “ Melinda & Melinda” – Melinda & Melinda
• 2005 - “ Match point” – Match point
• 2006 - “ Amor y muerte” – Scoop
• 2007 - “ El sueño de Cassandra / Los inquebrantables” – Cassandra's dream
• 2008 - “ Vicky Cristina Barcelona” – Vicky Cristina Barcelona
• 2009- “ Si la cosa funciona” – Whatever works
• 2010- “ Conocerás al hombre de tus sueños” – You will meet a tall dark stranger
• 2011- “ Medianoche en París” – Midnight in Paris
• 2012- “ A Roma con amor” – To Rome with love
• 2013 - “Jazmín Azul” – Blue Jasmine

Anexo
Woody Allen: El documental - Capítulo 1

La intención de toda esta filmo no es hacer de WA un ídolo, es verlo como una persona trabajadora que nos brinda su talento con creatividad y humor. Una buena presentación es este documental.

AÑO: 2011     DURACIÓN: 113 min.     PAÍS: USA.
DIRECTOR: Robert B. Weide
GUION: Robert B. Weide
ELENCO: Documentary, Woody Allen, Letty Aronson, Antonio Banderas, Marshall Brickman, Josh Brolin, Dick Cavett, Penélope Cruz, John Cusack, Larry David, Seth Green, Mariel Hemingway, Annette Insdorf, Charles H. Joffe, Scarlett Johansson, Julie Kavner
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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Woody Allen: El documental (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
435Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Woody Allen: El documental - Capítulo 2

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Woody Allen: El documental (2011) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
341 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Anexo
Meetin' WA

Realizado por Jean-Luc Godard en 1986 a Woody Allen, lo curioso es que antes de la masificación del internet, este documento fílmico lo conocian menos de 100 personas.

AÑO: 1986     DURACIÓN: 26 min.     PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUION: Woody Allen
ELENCO: Documentary, Jean-Luc Godard, Woody Allen.
FICHA COMPLETA EN FILMAFFINITY

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Meetin' WA (1986) / Audio Original - Subtítulos en Español y Francés / DVDrip > rmvb
140 Mb en 1 Parte / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Directores – Peter Weir

Peter Weir (Sydney, New South Wales, Australia - 21 de agosto de 1944). Guionista y Director de Cine. Ganador del Globo de Oro y 2 veces del BAFTA, 8 veces candidato al Oscar.

Hijo de Lindsay Weir, un agente de bienes raíces, y de Doña Peggy Barnsley. Asistió a una escuela privada y muy conservadora, antes de ingresar a la Universidad de Sydney para estudiar derecho penal. Pero el joven Peter no se interesó en ser abogado y abandonó los estudios tempranamente para trabajar junto a su padre. A los 21 años, había ahorrado suficiente dinero y se marcha a Inglaterra en un largo viaje que incluye el resto de europa, donde incluso conoce a su futura esposa, la diseñadora de producción Wendy Stites, con quien se casa en 1966.
A su regreso a Australia, Weir comienza a trabajar como tramoyista en programas de la televisora ATN-7. También comienza a hacer sus propios proyectos de películas, realizando varios cortometrajes entre 67 y 69. Al año siguiente, deja la estación de televisión para tomar un trabajo como asistente de cámara y diseñador de producción en The Commonwealth Film Unit - más tarde llamada Film Australia - donde se inicia en la realización de documentales, incluyendo el segmento de 30 minutos "Michael" para "Three to Go" (1970), que le valió un Premio del Australian Film Institute. Luego dejaría la UFC para crear de forma independiente.
En el año 1971 debuta como director cinematográfico realizando el mediometraje “Homesdale” (1971), pero tardará hasta 1974 para su Ópera Prima “Los Carros que se comieron Paris”, comedia de humor negro que llamó la atención de la crítica y colocó a Weir como uno de los jóvenes directores de la “Nueva Ola” del Cine Australiano. En 1975 realiza uno de sus mejores films, “Picnic at Hanging Rock”, misterioso drama con rasgos de surrealismo basados en hechos reales y adaptada de la novela de Joan Lindsay. Le sigue “La Última Ola” (1977), thriller protagonizado por Richard Chamberlain, donde contrapone la cultura aborigen a la occidental, corroborando su aptitud para crear y desarrollar intensas y enigmáticas historias. En 1979 estrena el telefilm “The Plumber”, pero Weir retoma la pantalla grande con “Gallipolli” (1981), película antibélica protagonizada por el joven Mel Gibson, con la cual logra el premio de Mejor Director de la Academia Australiana de Cine. Con el mismo Gibson junto a Sigourney Weaver realiza “El año en que vivimos en Peligro” (1982), mezcla entre drama político e historia romántica ambientada en la Indonesia de Sukarno, alcanzando las salas del mundo entero e internacionalizando el trabajo de Weir.
El Cine de Peter Weir brilla por su apurada fotografía, sobretodo con muchas tomas de exteriores. Es considerado como un gran paisajista mostrando escenarios naturales muy variados, que van desde los desiertos y estepas hasta Mares, Selvas y Montañas. Utiliza el recurso del paisaje para mostrar que tan pequeño es el hombre que se contrapone. Weir también es reconocido como gran director de actores, y conseguimos a los largo de su filmografía algunos consagrados o que se consagrarán más tarde. Siempre habla sobre la lucha de individuos contra su naturaleza y sus circunstancias. Cuando las historias no son originales, realiza adaptaciones muy fieles al material original. Há conseguido como pocos hacer un cine de autor para el gran público, teniendo en su palmarés varios exitos de billetería y películas más que notorias. Nominado 4 veces a los Oscares, hace tiempo que se hace merecedor de mucho más que eso.
Después del duplo éxito con Gibson, Weir dio el salto a Hollywood con “Testigo en Peligro” (1985), thriller romántico con Harrison Ford y Kelly McGillis en el que vuelve a contraponer situaciones y personajes de distinta índole cultural. Este trabajo le vale sus primeras nominaciones a los Globos de Oro y al Oscar. De nuevo con Harrison Ford realiza “La costa de los mosquitos” (1986), película basada en una novela de Paul Theroux, donde critica los valores de la sociedad moderna. Siguió su trabajo en Hollywood con “La Sociedad de los Poetas Muertos” (1989), apoyandose en una de las mejores interpretaciones de Robin Williams, donde un profesor da lecciones de humanismo y vida a un grupo de alumnos en una preparatoria extemadamente tradicional. Weir volvió de nuevo a ser nominado, tanto a los Globos de Oro como al Oscar, pero otra vez se quedó sin nada..
“Matrimonio de conveniencia” (1990), significa una mudanza completa de estilo e incursiona en la comedia romántica. Protagonizada por Gerard Depardieu y Andie MacDowell (dos de los actores que estaban en su momento), le valió una nominación al Oscar al mejor guión original. También logró un Globo de Oro como mejor película de comedia. Sigue con “Sin miedo a la vida” (1993), interesantísimo drama psicológico protagonizado por Jeff Bridges. Tras una pausa de cinco años, Peter Weir retorna con “El show de Truman” (1998), una notable comedia satírica escrita por Andrew Niccol y protagonizada por Jim Carrey y Laura Linney. Weir recibió otras nominaciones como mejor director al Oscar y al Globo de Oro, perdiendo con Spielberg. Hubo que esperar otro lustro para que Weir volviera a presentar su nueva película, “Master and Commander” (2003), film de aventuras marítimas protagonizado por Russell Crowe y Paul Bettany que adaptaba de manera magnífica una novela de Patrick O’Brian. “Master and Commander” fue nominada como mejor película y Peter Weir como mejor director al Globo de Oro y a los premios Oscar y de nuevo nada pa’l pote. Su último film, "Camino a la Libertad" (2010) narra la historia real de un grupo de soldados que escapan de un gulag soviético en la Segunda Guerra Mundial, pasando hasta un poco desapercibida.
La filmografía de Weir es impresionante por su contenido y fotografía. Es uno de mis directores preferidos y creo que no ha sido valorado por todo lo que ha hecho. Aprovechen, veanlas y emitan Uds también su opinión.

Recomendamos leer en Cineuá: Monografía Peter Weir de Nicolás Ruiz.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1974 - “Los Carros que se comieron París” - The Cars That Ate Paris
• 1975 - “Picnic en Hanging Rock” - Picnic at Hanging Rock
• 1977 - “La Última Ola” - The Last Wave
• 1979 - “El Plomero” - The Plumber (TV Movie)
• 1981 - “Gallipoli”
• 1982 - “El año que vivimos en peligro” - The Year of Living Dangerously
• 1985 - “Testigo en peligro” - Witness
• 1986 - “La Costa Mosquito” - The Mosquito Coast
• 1989 - “La Sociedad de los Poetas Muertos” - Dead Poets Society
• 1990 - “Matrimonio de conveniencia” - Green Card
• 1993 - “Sin Miedo a la Vida” - Fearless
• 1998 - ”El Show de Truman” - The Truman Show
• 2003 - “Capitan de Mar y Guerra” - Master and Commander: The Far Side of the World
• 2010 - “Camino a la libertad” - The Way Back

Directores - Wes Anderson

Wesley Wales Anderson aka. Wes Anderson (Houston, Texas. 1 de Mayo de 1969), Director, productor y guionista de Cine. Uno de los cineastas más queridos de Estados Unidos.

Hijo de Melver y Texas Anderson. Creció con sus hermanos, Eric y Mel, en Houston. Sus padres se divorciaron cuando tenía ocho años, lo que él mismo describe como “El evento más crucial en mi crecimiento y el de mis hermanos”. La desintegración de su familia le serviría mucho después de inspiración para escribir la historia de “The Royal Tenenbaums” (2001). Al igual que muchos futuros cineastas de su época, de pequeño filmó películas con una cámara Super-8, las que eran protagonizadas por él y sus hermanos. Asistió al Westchester High School y a la escuela privada St. John´s, en Houston. Fue en esta última donde escribió y dirigió varias de sus obras de teatro, en el hoy demolido Hoodwink Theatre. Después de graduarse en la escuela St. John’s, ingresó a la Universidad de Texas, en Austin, para estudiar Filosofía. En esta conoció a Owen Wilson, quien es su gran colaborador, escribiendo y actuando en la mayoría de sus películas hasta la fecha. Ambos se conocieron en el curso de dramaturgia y luego compartieron habitación en la Universidad. En ese tiempo, co-escribieron el guion del que ellos describieron cómo “…un largometraje serio”, al cual llamarían “Bottle Rocket”. En 1991 Anderson obtuvo la Licenciatura en Filosofía. En 1994 filmaron el cortometraje “Bottle Rocket”, donde actúan, Owen Wilson y su hermano Luke, y que sería la antesala a su primer largometraje. Ambos llamaron la atención del productor James L. Brooks, y con su ayuda, lograron introducir su cortometraje en el festival de Sundance, además de ser él quien produciría la versión larga de este corto. Estéticamente hablando, sus películas comparten muchas similitudes. Usa una muy cuidada y metódica cinematografía llena de colores, en donde casi siempre sobresalen los tonos dorados y rojos. Se caracteriza también por combinar humor seco con personajes “simpáticos y conflictuados” en situaciones conmovedoras, por lo regular en una mezcla de ricos con gente de la clase trabajadora. Generalmente utiliza tomas lentas y música Folk y Rock. Wes es conocido igualmente por involucrarse en todos los aspectos de sus películas, además de dirigirlas. Se caracteriza también por utilizar casi siempre a las mismas personas en su equipo, entre los que está su hermano Eric (quien diseña sus sets de filmación), y utilizar a los mismos actores en distintos proyectos. Ha reconocido que los directores franceses Francois Truffaut y Louis Malle han influenciado sus tragicómicas y nada convencionales producciones. Asimismo ha nombrado a la película “El graduado” de Mike Nichols como parte de sus musas. Sus películas toman también inspiración en comics como Peanuts de Charles Schultz. Su trabajo está bastante influenciado por obras de la literatura americana de F. Scott Fitzgerald y J.D. Salinger. Su estilo es muy marcado y se repite casi siempre. Sobre esto opina: “Quiero tratar de no repetirme. Pero al parecer lo hago continuamente en mis películas. No es algo que me esfuerce por hacer. Yo sólo quiero hacer películas que sean personales, pero interesantes para una audiencia. Siento que recibo críticas por colocar el estilo encima de la sustancia, y por los detalles que se atraviesan en el camino de los personajes. Pero cada decisión que tomo es la manera de sacar adelante a esos personajes".

Su Ópera Prima, “Bottle Rocket” (1996), protagonizada también por los hermanos Wilson, está basada en la historia escrita junto a Owen Wilson y el cortometraje del mismo nombre, filmado en 1994. Su siguiente trabajo, “Rushmore” (1998) es una comedia muy a su estilo, que cuenta la historia de un alumno que se enamora de su maestra. Este sería el inicio de su larga relación profesional con Jason Schwartzman, quien protagoniza esta cinta. Esta sería también la primera de sus películas en la que participa Bill Murray, lo que ayudaría a Anderson a popularizarse, y a la vez, popularizar a Bill Murray como actor de Cine Independiente. Recibió una nominación al Globo de Oro como Mejor Actor de Reparto por su actuación en esta película y desde entonces, Murray ha aparecido en todas las películas de Anderson. En el año 2000, Martin Scorsese, declarado fan de Wes, alabó a “Bottle Rocket” y “Rushmore” y lo eligió como el nuevo 'Martin Scorsese' en un artículo sobre Anderson de la revista Esquire. Su siguiente producción “The Royal Tenenbaums” (2001), protagonizada por Gene Hackman, Gwyneth Paltrow, Anjelica Houston y Ben Stiller, entre otros, representaría su mayor éxito hasta ese momento. Recaudó más de US$50 millones en taquilla y fue nominada al Oscar al mejor guion. En 2004 publica, “The Life Aquatic with Steve Zissou”, comedia oceanográfica estelarizada por Bill Murray y que fue dedicada a Jacques Cousteau. Esta es uno de los ejemplos más claros de su estilo, aunque no fue muy bien acogida por la crítica y no tuvo el rendimiento en taquilla de su predecesora. En 2005, produjo “Una historia de Brooklyn” dirigida por Noah Baumbach , con quien escribió ”Life Aquatic". En 2006, dirigió el comercial “My Life, My Card” para la firma American Express. En 2007, realizó una seria de seis comerciales para la firma AT&T. En 2007 produjo también el cortometraje "Hotel Chevalier", que cuenta con la participación de Natalie Portman, y que sirve de preámbulo para su siguiente largometraje. Ese mismo año lanza “The Darjeeling Limited” (2007), protagonizada por Owen Wilson, Shwartzman y el ganador del Oscar, Adrien Brody. Esta cinta se desarrolla con un tono un poco más dramático. Fue co-escrita por Anderson, Schwartzman y Roman Coppola. Tuvo una acogida por la crítica similar a su anterior producción. Wes confesó que fue a India a filmar esta cinta, en parte como tributo al legendario cineasta indio, Satyajit Ray, de quien dice, ha tomado inspiración de distintas maneras para sus películas. "The Darjeeling Limited" está dedicada a él. En 2009 realizó una adaptación del libro “Fantastic Mr. Fox” de Roald Dahl, que fue realizada con la técnica de animación Stop-Motion. Su rendimiento en taquilla apenas alcanzó para recuperar los costos de producción, pero fue aclamada por la crítica y nominada al Oscar como Mejor Largometraje Animado. Después de esta, realizó el que es probablemente su mejor trabajo: “Moonrise Kindom” (2012), co-escrita por Anderson y Roman Coppola. Cuenta con la participación de Edward Norton, Bruce Willis, Tilda Swinton y Harvey Kaitel, entre otros. "Moonrise Kingdom" fue la película de apertura del Festival Internacional de Cannes 2012, y fue nominada a la Palma de Oro. También fue nominada al Oscar y al BAFTA por mejor guion y al Globo de Oro como mejor comedia. En la actualidad, trabaja en su siguiente largometraje, titulado, “The Grand Budapest Hotel”. Programado para 2014 y protagonizado por Ralph Fiennes, Jude Law y Saoirse Ronan, junto a sus fieles colaboradores, Bill Murray, Owen Wilson y Jason Schwartzman.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes y cortometrajes publicados en el Blog)
• 1994 - “Bottle Rocket“ [Cortometraje].
• 1996 - “Ladrón que Roba a Ladrón“ – Bottle Rocket aka. Robo Imperfecto.
• 1998 - “Academia Rushmore“ – Rushmore.
• 2001 - “Los Tenenbaums: Una Familia de Genios” – The Royal Tenenbaums.
• 2004 - “Vida Acuática con Steve Zissou” – The Life Aquatic with Steve Zissou.
• 2007 - “Hotel Chevalier“ [Cortometraje].
• 2007 - “Viaje a Darjeeling“ – The Darjeeling Limited.
• 2009 - “El Fantástico Sr. Zorro“ – Fantastic Mr. Fox.
• 2012 - “Un Reino Bajo la Luna“ - Moonrise Kingdom.
• 2014 - “El Gran Hotel Budapest“ - The Grand Budapest Hotel.