Heavy Metal News

El power trío debutó en la Argentina con un contundente recital. Crónica y fotos.

Cuando la vieja escuela demuestra un par de cosas las fichas comienzan a caer de a poco. Es cierto, la primera visita de ZZ Top llegó con tantos años de atraso que la situación pudo haberse magnificado. Pensando que la banda, como Megadeth, como los Ramones, como los Stones, pudo haber tocado la fibra argenta unos cuantos años atrás. Pero llegaron en el 2010, un día después del festejo de los 200 años del 25 de mayo. Ver la patria rockera conmovida es francamente conmovedor.

Primero fueron las bujías sobrevolando en la pantalla, la mecánica, el taller, la grasita, ¡¡¡vienen hacia nosotros las calorías rockeras!!! "Pressure" no sólo calentó la gola de Billy Gibbons, también preparó al público anunciándole que la noche estaba cargadita: hard rock ejecutado con ojos cerrados. Un poco de blues (con segmento propio y chica-linda-presentando-traduciendo-calentando), mucho rock and roll motorizado y los famosos movimientos simétricos y sincronizados de Gibbons y Dusty Hill (con la voz en mejor estado, puede entenderse, no canta la mayoría de las canciones). Para escarbar más en la memoria emotiva (como si la sola presencia de las barbas más famosas del rock no hubieran alcanzado) los videos de la banda, aquellos filmados entre autos, rubias texanas y guitarras locas en la década del 80, acompañaban la escena. Premio especial para la guitarra roja y negra de Billy, para Jack White que la mira por TV.

Sonó "Rock Me Baby" de BB King, "Head´s in Missisippi", "Hey Joe" (para que un guitarrista demuestre cuan grosso es la medida Hendrix es infalible) y "Cheap Sunglasses" (infaltable, es parte de la religión Zi Zi). Con Frank Beard sentado en una especie de batería tuneada a lo Mack (o Scania, esto es a gusto), ZZ Top la iba rompiendo de a poco, haciendo quedar como niños sensibles a tanto rockero de vinilo, los que saben que "La Grange" y "Tush "son, fueron y serán momentos que enternecen al más duro. Porque sí, porque significan muchísimo, tanto como ver a Gibbons, Hill y Beard por fin en Buenos Aires.

Las lista de temas de ZZ Top en el Luna Park: Pressure; Bus; Jesus; Pincushion; Nationwide; Future; Rock Me Baby; Cheap; Francine; Head´s In Mississippi; Need You; Hey Joe; Brown Sugar; Party; Just Got Paid; Gimme; Sharp; Legs; Viva Las Vegas; La Grange y Tush.

Por Ariel Valeri

Fuente: www.rollingstone.com.ar

El trío, con cuarenta años de trayectoria, debutará esta noche en Buenos Aires en el Luna Park.

Que el trío de Texas no hubiera pisado aún suelo argentino era una injusticia y una deuda a la vez, una que tardó tanto tiempo en pagarse como la deuda externa. Pero los barbudos ya están aquí y se aprestan a desplegar su arsenal clásico de rock sureño y blues, ese que permanece en ZZ Top si uno cava hasta el fondo , tal como describe Billy Gibbons el sonido de la banda. Por mail y en medio del tour por América del Sur que ya los llevó por Chile y Brasil, el cantante y guitarrista nos respondió algunas preguntas con ese humor que también es marca registrada.

-Hace 40 años que están juntos y eso ya es un milagro, más allá de los milagros artísticos. ¿Hay alguna fórmula para este matrimonio de tres?

-Mientras cada uno esté con ganas de rockear y tener un buen momento, bueno, seguirá existiendo ZZ Top. ¡Esto no es nada más que una fiesta! La fórmula es insistir: los eternos mismos tres muchachos con los mismos tres acordes.

-El rock sureño es todo un sello dentro del rock y ustedes lo practicaron todo este tiempo. ¿Qué lo lleva a gozar de buena salud?

-Ante todo ZZ Top es esa pequeña vieja banda de Texas , manteniéndose a lo largo de los apóstoles del rock sureño. Es estable y sólida como un piso de roca. Y los viejos siguen diciendo: "Ustedes no pueden dejar de ser fieles al verdadero blues". ¡Y eso es un hecho! ¡ZZ Top está listo para otra ronda donde quiera que ésta nos lleve!

-Te pido una anécdota, una historia de todos estos años en la ruta.

-En nuestro tour del año pasado, en Dakota del Norte, paramos con los micros en el estacionamiento de un hotel. Afuera nos estaba esperando una tormenta muy fuerte que, afortunadamente, luego tomó otra dirección. Pero antes de que eso sucediera, y con muchísima suerte, los micros empezaron a girar en círculo como si fueran vagones tapados en los tiempos de la vieja frontera. De todas maneras, tocar melodías tristes con la armónica en el asiento trasero del bus fue como una bandera de largada para nuestro propio Le Mans, allí mismo, en el estacionamiento.

-¿Qué les atrae de las giras? Porque después de tantos años debe de ser más sencillo ver el lado negativo.

-Es algo lindo, conocer gente, salir por ahí, disfrutar de los shows y viajar con nuestro tour manager es bastante interesante. Volviendo al tema, servicios como TV, aire acondicionado, agua corriente fría y caliente no son necesariamente certezas cuando dejas tu casa.

-Será la primera vez que toquen en la Argentina. ¿Qué los lleva a "agrandar el mapa", a tocar en sitios que nunca pisaron?

-Esperamos todo este tiempo tocar en la Argentina y la decisión tardó en llegar hasta que supimos que teníamos que bajar. Estuvimos en Nueva Zelanda y Macedonia pero nunca en Buenos Aires. ¡Hasta ahora!

-El año pasado salieron de gira con Aerosmith, aunque la gira no se pudo completar por los problemas de salud que tuvo Steven Tyler. Fue un tour de la A a la Z. ¿No es cierto?

-Sí, nosotros nos hicimos cargo de la Z pero, como sabes, una parte de la A se desvaneció después de los primeros días. Estábamos muy emocionados por compartir la cuenta con esos muchachos, pero cuando Aerosmith no pudo continuar nosotros seguimos adelante solos. Alguien sugirió que llamáramos al resto del tour De la Z a la ZZ.

-Se viene el nuevo disco del trío. ¿Qué resultó de la experiencia de trabajar con el productor Rick Rubin?

-Hicimos un trabajo asesino con Rick. Todo bastante crudo y lo inclinamos hacia lo pesado con algunas afinaciones feroces y una brava vigilancia sobre el tiempo, tempo y gusto. Ahora es tiempo de trackear y mezclar. Va a quedar muy bien el disco.

-Mucho se ha hablado de Eliminator. ¿Consideran ese álbum el inicio de la era moderna de ZZ Top, el principio de un nuevo sonido?

- Eliminator empezó un período de exploración absoluta y, sin dudas, de una participación equitativa en nuestra confianza que nos hizo dar el salto cuando el sonido duro, áspero y desigual del blues comenzó a surgir. Esa es la evidencia del "equipamiento exótico", en lugar de mantener el elemento inesperado en las mezclas. Y si cavas hasta el fondo te vas a encontrar con que todavía se sigue tratando de blues.

-El hip hop se robó grandes símbolos del rock, como los autos deportivos y las mujeres hermosas. ¿Qué sería de los videos de ZZ Top sin estos atractivos?

-Imposible, son los fundamentos del rock and roll. ¡Oh si! Hip hop, be bop, ZZ Top... ¡Todo es acerca de autos y chicas!

-En 2012 los Rolling Stones cumplirán 50 años. ¿Crees que ZZ Top llegará a esa cifra?

-Bueno, nos encantaría compartir otra vez un escenario con los Stones. Lo llamaríamos cien años plus de rock and roll . Vamos a seguir rockeando por mucho tiempo así que vamos a llegar a los 50 años y más también.

PARA AGENDAR

ZZ Top. El trío norteamericano repasará su extensa trayectoria en su primera visita a Buenos Aires.

Estadio Luna Park, Corrientes y Bouchard. Hoy, a las 21. Entradas desde 120 pesos.

Por Sebastián Espósito

De la Redacción de LA NACION

Fuente: www.lanacion.com.ar

viernes, 14 de mayo de 2010

Un Bustelo casi lleno recibió el jueves a los embajadores del peso pesado argentino. Tres horas de show cardíaco y amor.

Dedos -índice, meñique y pulgar- directo a Walter Giardino, agitan la aparición del Talismán Tour en Mendoza. Y el violero más carismático del metal vernáculo devuelve el código con inclinaciones de súbdito.

"¡Olé olé olé Walteeeer!", grita la confraternidad mientras Adrián Barilari, un poco fuera de cuadro, trata de dar la bienvenida protocolar a las 1500 melenas que cabecean debajo. Y en eso se desata un ¡Te amo Guillermo!, devoción que se clava directo en el bajista al que, de pronto, imantan los miles de dedos.

Pero cuando lo hizo -micrófono mediante- Adrián sentó su posición de vocalista fértil y se plató con "El Reino Olvidado" apenas abrió el recital.

Claro que hubo fuegos especiales. Pues Rata sigue en una época de compromiso con las letras y el ideario heavy -aunque muchos opinen que en realidad es puro hard rock- tras 25 años de adrenalina.

Y si desde los '90 expresan en algún punto el auge de la épica y la euforia por la ejercitación de los cuerpos herméticos, uno de los grupos que mejor capturó ese clima popular es éste. Es cierto, no han perdido mucho de esa energía casi al borde de lo cursi que arrastran las líricas.

Y no hay perdido el gancho del mega show de metal: tres horas de show exhaustivo, tremenda iluminación que -convengamos- insistía sobre la figura heroica de Giardino cada vez que se despachaba un riff.

Lo cierto es que en todo momento, Rata todavía concilia -en temas como "Ángel" o el hitazo "Mujer Amante"- un gusto estético con temple aparte. O, a su manera, mística: el sello del Talismán detrás del escenario, como una gigantesca runa latina y la batería escultural pudiéndose el tempo de "Sólo para amarte".

Claro: el tracklist sumaba 20 temas, con ubicaciones claves para "El guerrero" o "Leyenda".
Su fortaleza: un nene de 7 años poseído por la guitarra etérea de Walter, mientras una chica emotematizaba cual fana.

"El rock es bastante careta", desliza en voz alta un amigo del metal; ahí tenemos a varios rulos deslizando lo mismo, en complicidad con Guillermo. Lo cual no está mal. Al menos, cuando la idea sintoniza con un espectáculo visualmente impecable que va con la nueva cosmovisión de Giardino: "volver a la adolescencia".

Y una muestra de esa despreocupación le da al entrañable vivo de Rata el latido y el músculo de sus principios. Dicción agudísima y largas notas sostenidas por una guitarra extra large para uno de los grupos con más vitalidad del país.

Casi sexy de tanta onda con su público, Rata performateó toda la noche, estiró el micrófono a los fieles y soltó cuerdas endiabladas entre estampas doradas, azules y rojizas. Y, de esta manera, les puso acento a las afirmaciones: sí, se puede ser metalero y llenar un Bustelo. Y encantar a más de tres generaciones con la misma pócima que te hace gozar.

Por Mariana Guzzante

Fuente: www.losandes.com.ar

“En el nuevo show de Rata Blanca van a ver algo diferente y que no tiene que ver con la realidad diaria de la banda. Así que no se lo pierdan porque va a estar bueno, nosotros la pensamos pasar barbaro”, invita Giardino.

Los días 18, 19 y 21 de mayo Rata Blanca se presentará en La Trastienda en un show que promete conmover a los fieles seguidores de la banda de rock pesado más importante de América Latina. La particularidad será escuchar en inglés y de la voz del escocés Doogie White los temas de “The Forgotten Kingdom” acompañados por los exquisitos acordes de la guitarra de Giardino.

La banda iniciada en 1986 y que al llegar a escena un año después ya había roto y superado las expectativas de quienes no creían en ellos, se presentará en un escenario chico. Walter Giardino confesó a Infobae.com en la sala de ensayo de Rata Blanca que “uno sueña con tocar en grandes escenarios pero después se extrañan los que no son tan grandes”.

El reconocido compositor argentino contó que esta presentación con White es un “divertimento” y en el cual la piensan pasar “bárbaro”. Dueños de una complicidad escénica impactante los Rata invitan a un concierto prometedor para todo aquel que guste de Rainbow, Deep Purple y Temple ya que se darán el gusto de interpretar algunos de sus temas.

Giardino aclara que esta nueva presentación de la banda con White “no separa ni deferencia absolutamente nada, la formación de Rata sigue siendo la misma. Esto es algo que tiene que ver con lo que no puede hacer Rata dentro del territorio latino y es lo que Europa demanda”, y agregó que “es algo que yo quería hacer y se hizo, se dio la oportunidad, Doogie estaba libre y Adrián no estaba interesado en hacer ese trabajo en inglés”.

Para quienes tienen los oídos acostumbrados a la formación oficial de la banda, el compositor cuenta que la idea de este trabajo “es salir un poco de lo que es Rata, es un gusto personal. Los que me conocen desde chico saben lo importante que es para mí tocar algo de Rainbow o Deep Purple. La idea es que se disfrute algo diferente, acá no hay comparativas, no se trata de eso”, aseguró el mentor de Rata Blanca.

Los musos de “cuando hoy es ayer”

Los fans de Rata Blanca son el orgullo de la banda. “Estamos muy felices por la calidad de nuestros fans- dice satisfecho Giardino- pueden ser de todos los estratos sociales pero van a escuchar a la banda. No van a buscar una excusa para meterse cosas adentro o robar o lastimar a alguien, les gusta el rock”.

Lo cierto es que Rata tiene un mensaje concreto “respecto a la conciencia, al espíritu, al Planeta”, manifiesta Giardino y cuenta que “recibo cartas emotivas en las que los chicos me dicen que aprenden a soltar lo que tienen adentro, a luchar por ellos mismos, que aprenden a ser” y sostiene que los jóvenes “son los que van a cambiar el mundo a través de sus acciones que a veces pueden parecer desubicadas pero que dicen que están contra el mundo”.

“Haz tu jugada”

Lo característico de esta banda es la búsqueda continua de razón que le otorga a sus seguidores. Canciones como “haz tu jugada” (del disco La leyenda del hada y el mago) invita a vencer obstáculos, a lograr la libertad promoviendo la bondad de los ideales. Invita a soñar y a jamás bajar los brazos ante las adversidades. Canción que fue un himno de la generación de los 90 y que hoy hace temblar cada teatro donde Rata se presenta. Y es justamente como lo define Giardino en sus letras “se mezcla el espíritu del rock rebelde pero con un sentido positivo e inteligente”.

Con el estandarte de positivismo explica que “hay dos formas de ver las cosas: podés quedarte con lo malo o podés tratar de generar lo bueno”, reflexiona el guitarrista, “el heavy metal es una crítica constante a lo que está mal pero la gente necesita salidas, no que les recuerde todo el tiempo lo que ya sabe. Sabemos que están mal las cosas pero ¿cuándo paramos? Vamos a cambiar la película de una vez por toda y Rata quiere incentivar eso”, se compromete Giardino.

Componer música en los años de la dictadura y en los inicios de la democracia
Siendo adolescente Giardino vivió los gobiernos militares en Argentina y con el inicio de la democracia la banda tuvo un poco más de aire aunque el metal no era lo mejor visto. “Yo toqué para las Madres de Plaza de Mayo en el 82 con una banda underground que se llamaba Punto Rojo y en la que realmente nos jugamos la vida pero por la libertad. Peleamos por el derecho a ser libres”, recueda y señala que “cuando vino la democracia, apareció la posibilidad de tener un poco más de aire, las cosas no estaban fáciles, nadie creía en el metal ni en el rock pesado. Nadie pensaba que se podían hacer las cosas bien y contra todo pronóstico Rata demostró que si se podían hacer las cosas bien que si existía el metal, que se podía hacer un concierto sin heridos ni destrozos, fue todo un proceso y un aprendizaje”, destaca.

Un regalo de Reyes y un sueño cumplido.

Será por la ley de causalidad que un 6 de enero un niño del Bajo Flores desenvolvió su regalo y allí encontró una guitarra, plasmado en el cielo estaría que sus instintos de músico nazcan ese día para nunca más parar.

Años más tarde, ese niño ya adolescente de 15 años tocaba canciones de Deep Purple: “cuando tenía esos discos en mis manos, los veía, entre ellos a Glenn Hughes (ex bajista de Deep Purple y vocalista de Black Sabbath) en la tapa y después terminé tocando con él en Buenos Aires y en diferentes ciudades. Estaba tocando con él y alucinaba, hablaba conmigo y me decía “¿vos te acordás de eso?”, rememora en un instante en que el tiempo se detuvo y volvieron esos momentos en que el presente era algo “inimaginado”. “A doce mil kilómetros había un tipo que era el amo del mundo y si venia alguien y me decía `vos vas a tocar con este en Buenos Aires´ yo le decía `vos estás loco´”.

Consejos a los adolescentes: “su ley no es ya tu verdad”

“Lo que le queremos decir a los chicos es que vayan al frente, que sueñen y que esa visión que tienen de ellos mismos arriba de un escenario, arriba de un auto de carreras, arriba de lo que quieran, que crean en ellos. Es verdad que se puede”, alienta Giardino.

“Hay chicos que no tienen en claro el sacrificio y si te molesta tanto el sacrificio es porque no querés tanto lo que haces. Sigue siendo duro el sacrifico de estar en esta banda. Es como cuando amas a alguien como a un hijo al que le bancas cualquier cosa porque lo queres. Cuando amas tanto lo que haces, das más”, asegura el dueño de un talento indiscutido.

“Cuando la inspiración baja hay que saber percibir”

“La inspiración en sí misma es un estado que cuando entras y lo mantenes, sabes que tenes un buen disco por delante”, revela Giardino y cuenta que “cuando hay que pensar mucho no sirve, he suspendido grabaciones de disco por ese motivo” y recuerda que a “El Reino Olvidado lo empezamos a grabar en septiembre o noviembre y había menos ambiente!!.. les dije `bueno chicos ¡feliz navidad, feliz año nuevo… nos vemos el año que viene!…´ y al otro año empezamos a grabar en febrero y fue tremendo como salió todo”, concluyó mientras los demás músicos de la banda comenzaban a llegar a la sala de ensayo donde darían los últimos detalles al nuevo y ansiado show.

El 18 de mayo los Rata pisarán el escenario de La Trastienda, mucho más pequeño del que están acostumbrados, pero desde allí cada uno podrá descubrir el aura de cada alma que encendidas de fervor salten y coreen todos los tema, olvidando aquello que hasta antes de entrar parecía imposible y dejando que se abran las puertas de aquel reino olvidado que habita en cada corazón. La cita está hecha y promete ser uno de esos momentos mágicos donde la tierna locura le de la mano a lo increíble y juntas se trasmuten en un nuevo tatuaje pero en el alma.

Fuente: www.nqntr.com.ar

"AC/DC Iron Man2" El rock de los australianos conjuga, con algunos hits, con la banda de sonido del filme.

Aunque Iron Man, de Black Sabbath, fue tema principal de la adaptación de Iron Man al cine, no por título obvio parecía la mejor opción para musicalizar las aventuras de Tony Stark. El rock bultero de AC/DC, entonces, conjuga con la creación de Robert Downey Jr. para Iron Man 2. Gallito, balístico y directo, es lo mismo adjetivar al héroe o a lo que hacen los australianos.

La primera pregunta que surge es a quién le conviene este disco, si a la banda o a la película. Uno no necesita del otro. La portada no dice "banda sonora" o la más abarcativa "música incluida en", sino que se lee AC/DC Iron Man 2. ¿Cuál es el título? El álbum es, en definitiva, un grandes éxitos de AC/DC, pero aunque ya hubo otros similares y despegados de una película, la tapa, los clips y cualquier aspecto promocional conlleva las imágenes de Iron Man 2 en algo que rebalsa la publicidad no tradicional. ¿O en realidad es al revés y AC/DC suena gracias a Iron Man 2? David Fricke de Rolling Stone escribe las liner notes de la edición de lujo y apenas dice: "Este álbum es la compañía fuerte y dura de una película sobre un superhéroe de la Marvel que se encarga de lo suyo con mano dura, acero y una furia justa".

Prince fue contratado para aportar canciones en Batman, de Tim Burton, de 1989. Pero en ese caso, Prince escribió material original para la película. Si LCD Soundsystem, Beck y Daft Punk se avecinan como los próximos artífices de bandas sonoras monopolizadas, lo de AC/DC no tiene nada que ver con trabajar para la película.

Todo es material de archivo. Jon Favreu, director de Iron Man 2, dice que su amor por la banda influyó a la hora de pensar el filme. Con ánimos de encontrar algo extra a los greatests hits, entonces, mejor hacerse de la edición cd+dvd. En el cd no faltan Shoot To Thrill, Thunderstruck, Let There Be Rock y Highway To Hell, entre otras. Faltan algunos éxitos, sí, pero también relucen algunos tracks como Evil Walks, Guns For Hire o Cold Hearted Man, rescatados del olvido o del estómago de discos menospreciados.

Pero si el plus es necesario, para eso está el dvd. Ahí se muestra el video de Shoot To Thrill, que combina segmentos de la película con imágenes de los conciertos que la banda dio en el estadio de River Plate en diciembre de 2009, un documental con el "cómo se hizo" el video con elogios al público argentino y la performance de Highway To Hell también registrada en el Monumental. Además, videos de fines de los setenta -cuando Bon Scott aún estaba vivo- y más hits grabados en vivo aquí y allá.

Por: Guillermo Zaccagnini

Fuente: www.clarin.com

El mítico guitarrista. Ex Guns N´ Roses y Velvet Revolver saca su primer disco solista, en el que convocó a cantantes como Iggy Pop, Ozzy Osbourne, Fergie y en el que tocan varios Guns.

En 2008, el ex Guns N' Roses Slash ya barajaba ideas para un álbum solista. Velvet Revolver se había separado por las continuas recaídas de Scott Weiland y el guitarrista sencillamente no podía forzarse a sí mismo a pasar por el penoso proceso de buscar otro cantante. Entonces no lo hizo. Empezó más bien a escribir por escribir, como un desahogo. Y unas 20 canciones más tarde, tenía demos listos para grabar. Slash empezó a contactar a varios cantantes con los que había querido trabajar a lo largo de los años, como Ozzy Osbourne, Iggy Pop, Myles Kennedy, Fergie y muchos otros. Les mandó tracks con la música, ellos escribieron letras y melodías y el ex guitarrista de Guns N' Roses finalmente los llevó al estudio uno por uno para grabar las canciones.

El disco Slash, que sale en la Argentina el 10 de abril, recorre todos los estilos, desde metal hasta baladas con influencias de Led Zeppelin y rock a la americana.

Este proyecto solista debió llevar un tiempo largo de elaboración.

Lo que pasó es que escribí ese libro (Slash) y en uno de los pasajes yo decía algo sobre "El próximo disco que me gustaría hacer es uno en el que pueda hacer que muchos con los que trabajé vengan a cantar y no como siempre que yo vaya a tocar y grabar para otros".

¿No querías hacer otro disco a la manera de tu banda post- Guns, Snakepit?

No quería formar otra banda. Snakepit fue una banda; todos escribíamos, todos hacíamos aportes iguales, pese a llevar mi nombre. Estoy tan acostumbrado a estar en una banda que en realidad nunca había intentado otra cosa. Lo que pasó es que cuando terminamos la gira, Scott fue despedido en cuanto salimos del escenario en Amsterdam. Por eso en cuanto volví a casa empecé a compilar material y a pensar en un disco solista.

¿Escribiste las canciones conscientemente en estilos distintos?

Hay un track metal, un track parecido al sonido de los Rolling Stones, una canción de rock pesado y algún otro material. Necesitaba esta salida para poder expresarme musicalmente como sé que no puedo hacerlo en otras bandas. La energía era muy suelta e informal, con lo cual conseguí interpretaciones fantásticas.

Otro elemento que parece resaltar son todas las texturas del álbum. Podés sacar las voces y esas pistas se sostienen solas. ¿Estabas tratando de crear arreglos más grandes y un rol más amplio para la guitarra?

Creo que lo principal es el proceso de escribir en situación de grupo para mí y tal vez por eso he estado trabajando con los mismos tipos, pero descubrí que no puedo comunicarme en una situación de banda. En la medida que me gustaría escuchar un sonido de determinada manera. Para mí, era sólo la libertad de hacer algo por una vez como yo creo que debería ser.

¿Tocaste realmente con otro ex Guns N' Roses, Izzy?

No, Izzy vino después porque yo armé el track y después lo hice venir y puse la guitarra de él encima. Es algo que me pareció que sería perfecto para Izzy. El y yo tenemos una química única a nivel sonido. Como estar oyendo un combo que no tenés con ningún otro guitarrista.

Ozzy Osbourne grabó esto en el estudio de su casa. ¿Estabas ahí cuando grabó la voz?

Sí. Fue fantástico. Conozco a Ozzy desde hace tiempo; nos conocimos a fines de los 80.

Es uno de los íconos con los que crecí y tuve experiencias decisivas escuchando a Black Sabbath y escuchando a Ozzy cuando yo crecía. Es como música de fondo para mi vida. De todas maneras, estar sentado ahí al lado de Ozzy trabajando en una de mis canciones y él cantando en el micrófono, fue genial.

Fergie aporta una interpretación increíble en "Beautiful Dangerous". Es un sonido tan distinto, un track mucho más movido que lo que normalmente hace con Black Eyed Peas.

La historia de Fergie es buenísima: no recuerdo dónde nos conocimos, pero aparentemente ella me dice que fue en el Whisky Bar del Sunset Marquis. Tiene que haber sido realmente joven a mediados de los 90 cuando yo vivía en ese bar. Pero después, cuando se unió a Black Eyed Peas, le presté atención porque pensé que era puertorriqueña. Luego me invitaron a tocar con ellos en un evento a beneficio. Y noté que en el medio, la parte que yo iba a hacer, estaba ese popurrí que hace Fergie. Donde canta Black Dog, Live and Let Die y Barracuda y yo pensé: "Esta chica tiene una voz de rock n roll increíble".

¿Plantaste las semillas para trabajar con ella?

Escribí la música para esta canción que originalmente se llamaba The Stripper Song para la película. Entonces automáticamente pensé en ella cuando lo hacía. Fui un día a la casa, la toqué, ella se la quedó y más o menos a los tres días volvió con la letra. Yo pensé: "Es fantástico". Y lo es. Es muy dinámico y tiene algunas palabras como pagano y todo lo que dice. Pero es muy sexy.

Vos decís que los fans de raíz de Guns y Velvet Revolver no quieren verte hacer otra cosa que hard rock. ¿Pensaste cómo podría ser aceptado -o no- por tu público este disco con todos estos estilos distintos?

No lo pensé. La única vez que oí algo fue "Oh, guau" fue cuando hice Paradise City con Fergie.

"Promise" es el track de Chris Cornell. ¿Eras fan de Soundgarden?

Sí. A decir verdad en los 90 estaban Alice in Chains, Soundgarden, Nirvana y Pearl Jam. Alice in Chains y Soundgarden eran mis dos favoritos. Con esa canción en particular que le mandé a él no sabía qué esperar; tenía muchas ganas de oírla. Y cuando la mandó, pensé: "Guay". Es muy Chris Cornell, pero a la vez no es el mismo Chris Cornell que está en Audioslave. Tiene una especie de energía casi soul.

"By the Sword" tiene guitarras acústicas y una línea de guitarra/voz con Andrew Stockdale. ¿Tiene un aire Zeppelin?

Sí, sí, es imbatible. Pero es el homenaje más cool a Zeppelin que pude hacer. Y hay cuerdas auténticas en Gotten. Lo que hice fue escribir las partes de las cuerdas en un teclado que grabé en un demo.

Tener a Lemmy de Motörhead en el estudio haciendo "Doctor Alibi" seguro que fue muy piola.

Ese fue otro gran momento; que Lemmy viniera. Porque Lemmy era uno de esos tipos a los que admiraba y sigo admirando. Cuando era chico, era uno de esos fans de Lemmy que hacían una reverencia en su presencia. Y cuando nos hicimos amigos y él siempre me tomó bajo su ala fue muy amable y siempre ha sido genial. Lemmy es uno de esos tipos que tienen una actitud realmente seria cuando quieren. Es un tipo muy simpático en general. Siempre pensé que intimidaba un poco, pero conmigo siempre fue muy bueno. En el estudio, teníamos una botella de Jack Daniels y un par de bolsas de papas fritas y recordé los tiempos en que iba a tocar para grabar.

Tenés "Watch This", el track instrumental con el ex Nirvana Dave Grohl.

Yo no soy un tipo instrumental. Me gusta escribir canciones o sea que si iba a hacer algo instrumental, no lo estaba trabajando. Y no lo fue hasta el final de todo, donde hice ese riff y fui a ver a Dave Grohl para cantarlo y no tenía ningún arreglo. Y él no necesariamente quería cantar; quiso tocar la batería. Y yo no tenía pensado a nadie más y había hecho todo el resto. Y pensé: "¿Y si fuera instrumental?" Y Grohl tocó la batería y yo llamé a Duff y ahí nos pusimos.

Y está "Were All Gonna Die". Con Iggy Pop, ¿en qué canción trabajaron primero?

La primera canción que grabé y vino Iggy y marcamos el ritmo para todo el disco. Fue fantástico. Me dijo: "¿Podés alquilarme un auto?", así que le conseguí un Mustang convertible y vino al estudio y a su modo inimitable lo hizo. Y dijo: "Este disco va a ser divertido".

Ahora que el disco está y pasaste dos años trabajando en tu visión, ¿es lo que pensabas que sería?

Ni siquiera sabía lo que estaba haciendo. No tenía idea de cómo sería. Me sorprendió en realidad cuánto salió espontáneamente o conscientemente; cómo surgieron las ideas. Unía ideas musicales y estaba muy concentrado, pero no sabía al final en qué acabaría.

Por: Steven Rosen

Traducción de Cristina Sardoy

Fuente: www.clarin.com

LOS ANGELES (Reuters) - Guns N' Roses tocará tres shows privados en Brasil y Argentina durante la gira actual de la banda por Sudamérica, dijo su organizador el lunes.

Los shows están programados el jueves en unos sitios no revelados en Sao Paulo y el 20 de marzo en Buenos Aires. También hay planes para un espectáculo en Río De Janeiro.

El organizador, Jamison Ernest, dijo que cada concierto será para unas 150 personas. El organizador se negó a revelar mucha información para evitar así turbas de gente no invitada.

Ernest dirigirá el show de Sao Paulo junto a la modelo brasileña Ana Beatriz Barros.

La gira de 11 fechas, la primera del conjunto en el continente desde sus tiempos de gloria en 1992, comienza el domingo en Brasilia. Las fechas van hasta el 1 de abril en Quito, Ecuador. La banda tocará también en Uruguay, Chile, Perú, Venezuela y Colombia.

Ernest, amigo del vocalista de Guns N' Roses, Axl Rose, dirige también una compañía de ropa y tiene una banda, ambas llamadas Yellow Fever.

Anteriormente, Guns N' Roses ha tocado tres shows secretos, dos en Nueva York y uno en Londres.

Rose es el último miembro que queda de la banda, cuya popularidad llegó al máximo durante fines de la década de 1980 y comienzos de la de 1990. Los otros miembros fueron despedidos o bien renunciaron.

A pesar de que su álbum del 2008 "Chinese Democracy", su primer lanzamiento en 17 años, fue un rotundo fracaso, la banda permanece con una fuerte atracción de conciertos.

Rose y su nueva camada de compañeros estuvieron por última vez en Brasil para tocar en el 2001 en el festival "Rock in Río".

(Reporte de Dean Goodman; Editado en español por Juan José Lagorio)

Fuente: http://ar.entertainment.yahoo.com/

Comunicado de prensa:

Adrián Barilari es, desde luego, conocido por ser el cantante emblemático de Rata Blanca, pero su carrera solista ha cobrado vigor en los últimos años y ahora llega a su pico de intensidad con este tercer disco que no sólo puede descargarse gratuitamente sino que además lo muestra en su faceta más poderosa y agresiva como vocalista y compositor.

Acompañado en lo instrumental por un power trío de excepcional eficacia integrado por Julián Barrett (guitarra), Piter Barrett (bajo) y Nicolás Polo (batería), Barilari se aventura en un concepto sensiblemente más moderno y oscuro, con sonido demoledor, letras más comprometidas y su voz al tope de las posibilidades, a punto tal que promete sorprender a fanáticos y despistados por igual.

En efecto, quienes se encontraban familiarizados con "Barilari" (2003), "Canciones Doradas" (2007) o incluso el proyecto Alianza que llevó adelante en los '90s junto con Hugo Bistolfi, no darán crédito a sus oídos cuando escuchen este nuevo material producido en los reconocidos estudios de La Nave De Oseberg y disponible a través de DONTPAYMUSIC.COM junto al video promocional y el arte gráfico completo para que cada usuario arme su propio CD con la mejor calidad de audio.

Si de poder se trata, algunos dirán que este disco es un abuso.

De regreso en Buenos Aires, el cantante de Mötley Crüe adelanta cómo viene su tercer disco solista y una autobiografía tan picante como "The Dirt".

Pocas veces una banda de rock soportó un diluvio semejante como en la noche del 11 de octubre del 2008, cuando por primera vez (y única) Mötley Crüe pisó suelo argentino.

"Fue una bendición. Ver a más de 20.000 fans cantando y saltando en la lluvia fue increíble. No importaba nada, ni los problemas con los micrófonos ni nuestra seguridad", recuerda Vince Neil, su cantante, que hoy se presenta por segunda vez como solista en el Teatro de Flores, a partir de las 19 horas. Un poco más allá del clásico dogma de todo músico acerca de su público (que sea donde sea, "siempre son los mejores"), el platinado cantante aseguró al Sí! que, tras 29 años de rockear y rockear, la parada en Buenos Aires fue una de las mejores. Por eso, la banda tiene pensado volver para el 2011 o el 2012, cuando realicen una gira mundial por los treinta años de Mötley Crüe: en 1981 editaron Too Fast For Love, su primer álbum. Vince Neil aterriza otra vez por Baires y la novedad es que además de cantar los grandes éxitos de Mötley (y de su carrera solista) presentará su tercer disco propio, Tattoos & Tequila, que saldrá a la venta para abril o mayo. La banda se completa con Dana Strum, en bajo, Jeff Blando en guitarra (ambos de Slaughter) y Zoltan Chaney, en batería, quienes participaron en este último trabajo.

-Tus dos primeros discos, "Exposed" y "Carved in Stone", son diferentes. El primero es puro hard rock y en el segundo mezclaste rock, pop e industrial. ¿Cómo viene el tercero?

-Es un disco de rock puro, que sigue el rumbo de Exposed. Aún no tenemos definido cuántas canciones tendrá, pero lo cierto es que todos los temas tienen que ver con mis raíces rockeras (NdeR: incluye dos covers, Who'll Stop the Rain, de Creedence Clearwater Revival, y No Feelings, de los Sex Pistols).

Quienes se imaginen que el nombre del disco tiene que ver con los vicios de Mr. Neil, tienen toda la razón del mundo; aunque hay un poco más al respecto. Vince Neil tiene dos tiendas de tatuajes en los Estados Unidos (sí, con strippers incluidas) y una compañía de tequila premium llamada Tres Ríos. Lo interesante es que el costado empresarial de este tatuado californiano de 49 años no termina ahí. Además tiene un restorán llamado Dr. Feelgood (en honor al disco más exitoso y vendido de los Crüe) y una compañía de jets que realiza vuelos charter al Caribe. ¡Ah! Y al mejor estilo Ozzy Osbourne o Gene Simmons, tuvo su propio reality show llamado Reconstruyendo a Vince Neil, donde se lo pudo ver haciendo dietas ridículas, yendo a rehabilitaciones de todo tipo y sometiéndose a cirugías plásticas, entre otros menesteres.

Pero no todo es color de rosa en la vida de este rockero millonario. Además de todos los excesos y los escándalos en los que estuvo metido, Vince Neil tiene dos sellos marcados a fuego. Uno, el trágico accidente de automóvil en 1984, donde falleció su acompañante y baterista de los Hanoi Rocks, Nicholas "Razzle" Dingley, y el otro, la muerte de su hija Skylar (de 3 años) de cáncer, en 1995. A raíz de esto, el músico creó la fundación Skylar Neil Foundation (www.skylarneil.org), que recauda para investigaciones que intentan hallar curas para el cáncer, el sida y otras enfermedades.

-En tu vida pasó de todo, estás para escribir un libro...

-¡Sí! (risas), de hecho lo acabo de terminar y sale a la venta a principios de septiembre.

Se llamará Tattoos & Tequilas, igual que el disco.

-El libro "The Dirt", la autobiografía de Mötley Crüe, ya contaba historias y vivencias de ustedes cuatro. ¿Qué más aporta tu libro?

-Además de sumar historias, es un libro mío, sobre mi propia vida. Todos en la banda (Nikki Sixx , Tommy Lee y Mick Mars) han escrito el suyo. Así que decidí que era hora de hacerlo.

-¿Qué planes tienen con Mötley Crüe?

-Por el momento, estamos de vacaciones. Cada uno atiende sus propios asuntos. El año que viene cumpliremos treinta años y armaremos una gira mundial.

-Entonces, ¿vuelven?

-Estoy seguro

De regreso a Buenos Aires, el cantante de Mötley Crüe adelanta cómo viene su tercer disco solista y una autobiografía tan picante como "The Dirt".

Por: Hernán Oliveri

Fuente: www.si.clarin.com