Los nuevos buenos (tocata a varias manos)

Nada más difícil que escribir sobre que esta pasando hoy ya que para saber realmente que pasa, hay que estar "por dentro" y saber mucho.
Ademas, cuando se trata de música, hablamos de gustos y convengamos que es imposible darle el gusto a todos, es tan subjetivo y así como que a mi no me gusta algo a mi vecino ese mismo algo lo pone a bailar toda la noche.
Como para hacer un medianamente buen trabajo es necesario consultar, preguntar, averiguar y escuchar. Me acerqué a los, probablemente, mejores asesores que hoy por hoy se puede encontrar en esto de la música y son ellos, los que me van a dar una mano en este difícil post donde vamos a buscar lo que esta pasando hoy en términos de artistas y discos contemporáneos.

Para nosotros en general es bastante fácil entregar material antiguo, aunque es difícil subir algunas cosas extremadamente complicadas de encontrar o el tratar de mantener algunos links arriba, normalmente estamos hablando y publicando artistas que conocemos hace años, que hemos escuchado docenas si no hasta cientos de veces, nos conocemos cada nota de memoria y cada anécdota o cambio en las formaciones.
Hemos tenido oportunidad de compararlos con otras bandas del mismo periodo, del mismo estilo, y probablemente ya tenemos una idea de donde se encuentran con respecto a otros estilos, épocas y bandas.

Hoy tenemos viejas bandas haciendo nuevos discos, el caso de Deep Purple, que ya voy a publicar aquí en Aponcho Rock que por fin y después de varios discos lanza uno que realmente vale la pena escuchar, Led Zepellin con una presentación en décadas o Black Sabbath que por lo que a mostrado hasta ahora viene increíble.

Pero lo que realmente estamos buscando son a los nuevos artistas, los creativos que buscan la excelencia, aquellos que proponen caminos y sonidos nuevos. También a aquellos que han recogido lo mejor de la música y hoy son capaces de devolver algo de lo que han aprendido de los grandes.

Proponer una banda o artista moderno que de alguna manera recoja la antorcha de los grandes que se están yendo, sin limites de genero o estilo, proponer algo grande, a la altura. Por ejemplo, tecladistas que han ido últimamente como Rick Wright, Jon Lord y ahora Ray Manzarek no van quedando muchos, pero lo mas triste es, quien toma la antorcha? Los grandes artistas de los 60', 70' incluso de los 80's se están yendo y quien o quienes están recogiendo ese legado?
Hace solo unas semanas conversábamos este tema con Dr. Rock (Tomas Sexto) y su visión era mas bien pesimista, algo muy similar pasaba con un comentario de Hernan Rojas, el famoso ingeniero de sonido que en un post en Facebook se quejaba precisamente de lo mismo y se declaraba huérfano de tecladistas.

Esas son algunas de las preguntas que con una pequeña ayuda de mis amigos voy a tratar de responder en este post.

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Voy a comenzar esta tocata a varias manos con el aporte de Breu del blog Valvulado, el artista que propone es un viejo conocido y tiene la gracia de ser un TREMENDO disco, un poco fuera de lo que Bonamassa nos tiene acostumbrado, muestra una nueva faceta de este prolífico monstruo de la guitarra y cumple con todos los requisitos para ser parte de este post. Aquí no hay nada de blues, ni de rock and roll. We want groove es un álbum de funk y jazz fusión que seguramente le abrirá las puertas a nuevos oyentes. Si, por si te lo preguntabas, el tecladista Renato Neto es Brasilero
Un disco siempre arriba, como debe ser en estricto rigor un disco de Funk, entero bueno.

Rock Candy Funk Party (2013) We Want Groove
01. Octopus-e
02. Spaztastic
03. Ode To Gee
04. We Want Groove
05. The Best Ten Minutes of Your Life
06. Animal/Work
07. Dope On A Rope
08. Root Down (and Get It)
09. New York Song

Músicos
Joe Bonamassa: Guitarrra
Tal Bergman: Batería
Ron De Jesus: Guitarra
Mike Merrit: Bajo
Renato Neto: Teclados

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Gustavo, de Nas Ondas da Net propone este maravilloso álbum de Erik Norlander, digno representante de Rick Wakeman y Keith Emerson y como escribe Leonardo Alvarez de Leonardinsky (otro excelente blog de música);
"Un disco lleno de evocación a las leyendas clásicas del progresivo. Vemos como Neurosaur y Fanfare For Absent Friends son temas al mas puro estilo metálico y electrónico de Wakeman de algunos de sus álbumes más pesados de mediados de los noventa y comienzos del dos mil. O Sky Full of Stars, con una fuerte reminiscencia a los momentos más sublimes de Blade Runner de Vangelis. After revolotution nos evoca muchos pasajes el acento musical de el fallecido Richard Wright en Dark Side of the Moon de Pink Floyd, con énfasis más pesado orientado más hacia el metal progresivo. Así como Astrology Prelude y Garden of the Moon pareciera ser un tributo muy personal a Keith Emerson.
Un trabajo fuertemente progresivo en el estricto sentido del término, que perfectamente podría haber venido de algún álbum de finales de los setenta, claro que con los inevitables arreglos y efectos digitales propio de nuestros días, un excelente trabajo que hacen de este álbum un deleite tanto para fans del lado más clásico de Yes y ELP así como el sonido más espacial y electrónico propio de películas de ciencia ficción."

Erik Norlander (2010) The Galactic Collective

01. Arrival
02. Neurosaur
03. Fanfare For Absent Friends
04. Sky Full of Stars
05. Astrology Prelude
06. Trantor Station
07. After the Revolution
08. Garden of the Moon
09. Dreamcurrents
10. The Dark Water
11. Garden of the Moon [Versión larga]

Músicos
Erik Norlander: Teclados, sintetizadores Moog's, Órgano Hammond, Steinway B Grand Piano
Mark Matthews: Bajo
Nick LePar: Batería
John Payne: Guitarra, Bajo, Coros
Lana Lane: Coros
Perry Mitch: Guitarra
McCrite Mark: Guitarra
Redfield Ron: Guitarra
Freddy DeMarco: Guitarra

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Que pueden hacer un buen par de piernas? Te aseguro que en música, aparte de bailar, no mucho.
Ana Popovic tiene un buen par de piernas, pero lo que mejor hace es cantar, más bien componer, cantar y tocar, porque ella toca guitarra, y muy bien por lo demás.
Este aporte lo hizo "Anónimo" pero creo que sé quien está detras y respeto el que mantenga su anonimato, puede aparecer por aquí cuando quiera.
Originaria de Belgrado, lanza su carrera como solista en 1999 y este disco está todavía caliente, recién sacado del horno. No te dejes engañar por el hecho de que sea mujer, o el divertido nombre, escúchala.

Ana Popovic (2013) Can You Stand The Heat

01.  Can You Stand The Heat
02. Can't You See What You're Doing To Me
03. Mo' Better Love
04. Object Of Obsession
05. Boys' Night Out
06. Hot Southern Night feat.Lucky Peterson
07. Every Kind Of People
08. Ana's Shuffle
09. Blues For Mrs. PaulineLeave My Boy Alone
10. Leave Well Enough Alone AKA High Maintenance You
11. Tribe
12. Rain Fall Down
13. Growing Up Too Soon (Bonus Track)
14. Mo' Better Love feat. Tommy Sims (Bonus Track)

Músicos
Ana Popovic: Vocales, guitarra
John Williams: Bajo
Harold Smith: Guitarra
The Bo-Keys: Trompetas
Tony Coleman: Batería

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Ricardo, asiduo de NOdN y Som Mutante dejó una larga lista de la cual rescato este álbum.
The Rime of The Ancient Mariner I viene de un largo amor que Fabio Zuffanti tienen por el escritor Ingles Samuel Taylor Coleridge y su poema "La balada del viejo marinero" (The Rime of The Ancient Mariner), publicado en 1798.
Fabio Zuffanti ya trabajó en el poema en otros álbumes, Höstsonaten (1996) y Mirrorgames (1998). Pero esta vez se decidió a dar un tratamiento completo para el poema en dos discos, la parte 2 se dará a conocer a principios de 2013.
Disco más que recomendado para las tardes de días de invierno con bellos temas con intrincadas melodías. Voces tanto femeninas como masculinas muy bien afinadas con la música, que invitan al relajo y la introspección. Un poco de prog mezclado con música celta.

Höstsonaten (2012) The Rime Of The Ancient Mariner: Chapter One 

01. Prologue
02. Part One
03. Part Two
04. Part Three
05. Part Four

Músicos
Fabio Zuffanti: Bajo, Moog, Taurus Bass Pedals
Luca Scherani: Mellotron, Sintetizadores Mini-Moog & Korg Sigma, Organo Hammond, Grand Piano, Pianos electricos Fender Rhodes & Wurlitzer, Acordeón, Mandolina
Maurizio Di Tollo: Batería
Matteo Nahum: Guitarras
Silvia Trabucco: Violin
Joanne Roan: Flauta
Edmondo Romano: Gaita, Saxo Soprano, Percusión, Tambor Irlandes
Músicos invitados
Alessandro Corvaglia; Vocalista en Parts I & IV
Carlo Carnevali: Recitaciones y vocales en Part I
Davide Merletto; Vocalista en Part II
Marco Dogliotti: Vocalista en Part III
Simona Angilioni: Vocalista en Part IV 
Luca Scherani: Teclados
Matteo Nahum: Guitarra

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Este es mi aporte a los nuevos buenos, un disco que cuando lo comencé a escuchar, no pude dejarlo de repetir una y otra ves.
Existen músicos que hacen grandes trabajos en sus inicios y con el tiempo van decayendo y mostrando falta de creatividad o se repiten a si mismos hasta el aburrimiento. Hay otros (los menos) que a medida que pasan los años van alcanzando una madurez musical y de ideas que les permite ir creciéndo y mejorando en cada nueva obra que facturan.
Es el caso de Steven Wilson, más conocido por ser el líder de Porcupine Tree, productor y también parte principal de proyectos como Storm Corrosion, No-Man y Blackfield.
Esta vez les traigo su tercer álbum en solitario 'The Raven That Refuses to Sing (and other stories)'. Tremendo disco, con grandes temas en lo que se pueden reconocer el respeto y cariño que Wilson tiene de los grandes del Prog de los 70's. Es solo escucharlo para ir reconociendo a cada una de las influencias que va recogiendo. Un recomendadísimo disco que no te puedes perder.

Steven Wilson (2013) The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)

01. Luminol
02. Drive Home
03. The Holy Drinker
04. The Pin Drop
05. The Watchmaker
06. The Raven That Refused To Sing

CD 2 Demos
01. Luminol (demo)
02. Drive Home (demo)
03. The Holy Drinker (demo)
04. Clock Song (unused idea)
05. The Pin Drop (demo)
06. The Watchmaker (demo)
07. The Raven That Refused to Sing (demo) 

Músicos
Steven Wilson: Voz, mellotron, teclados, guitarras, bajo en tema #3
Guthrie Govan: Guitarras
Nick Beggs: Bajo, Chapman Stick en tema #3, coros
Adam Holzman: Teclados, órgano Hammond, piano, sintetizador
Marco Minnemann: Batería y percusión
Theo Travis: Flauta, saxo, clarinete
Músicos invitados
Jakko Jakszyk: Voz adicional en tema #1 y #5
Alan Parsons: Solo de guitarra en tema #3
Dave Stewart: Arreglos de cuerda, interpretados por la London Session Orchestra

Faltaron algunos discos pero los que están son merito de las personas que se tomaron un minuto para dejar su aporte, para ellos mis agradecimientos, esto no sería así sin ustedes.
Muchas gracias,
Saludos!

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Rare Earth In Concert

Apenas tres años antes Rare Earth habia publicado su primer disco, el legendario Get Ready, disco que no se hizo conocido hasta que le metieron tijera al tema, lo dejaron de tres minutos y veinte segundos, tiempo que le permitió a las radios incluirlo en sus parrillas. Eso bastó para volver locos a una generación de fans.
Segundo disco de la banda que posteo, el primero es el (lamentablemente) poco conocido sexto álbum de la banda "Ma", otro maravilloso disco que no te deberías perder.
Entre las raridades es ser la primera banda de músicos blancos en firmar con Motown, sello musical conocido por dedicarse especialmente a la música negra.
Muchos piensan que de hecho es una banda de integrantes de color, el tremendo soul de la banda se presta para el engaño.
En este disco vienen los temas mas conocidos de la banda como "Get Ready", "Hey Big Brother", "(I Know) I'm Losing You" y "Just Want To Celebrate".
Disco que si te gusta cualquier tema de la banda es mas que recomendable. Grabado en vivo con una calidad notable es un imperdible.
(Por favor) No te lo pierdas.

Rare Earth (1971) In Concert 

01 - I Just Want To Celebrate
02 - Hey Big Brother
03 - Born To Wander
04 - Get Ready
05 - What'd I Say
06 - Thoughts
07 - (I Know) I'm Losing You
08 - Nice To Be With You

Músicos
Pete Rivera: Vocalista. batería, percusión
Gil Bridges: Percusión, flauta, coros
John Persh: Bajo Ray Monette:
Guitarra Mark Olson: Teclado
Ed Guzman: Conga, Percusión








Rare Earth estaba vinculada con el sello de la Motown que tenía su mismo nombre. Una temprana versión de la banda, se formó en 1961, en la ciudad de Detroit, bajo el nombre de The Sunliners y, durante varios años, se movieron en el terreno del soul y blues. En 1967 se refundaron como Rare Earth y extendieron sus influencias al entonces naciente jazz rock (en la contraportada de su primer disco, se reivindicaban como cercanos a Blood, Sweat & Tears).

Mike Keneally Band Bakin' @ The Potato!

Si Steve Vai dice que es bueno, si Frank Zappa dice que es bueno, no vas a discutir, shut up and listen! Bueno, eso es lo que hice y adivinen que... es muy bueno!
Me encanta sentarme a escuchar música, escapar de todo lo que me rodea y sumergirme en diferentes propuestas, estilos, pesos y colores. Voy del Jazz y el Blues hasta el Rock y el Heavy. Y déjame decirte que hay mucha música entre esos extremos!
Trato de traer aquí aquello que me emociona, que me levanta los pelos. Y este disco cumple con todo eso.
El curriculum de la Mike Keneally Band o mas bien del multi intrumentista Mike Keneally es extenso y deja pocas dudas de sus capacidades como músico. guitarrista, vocalista, tecladista y percusionista, es notable los músicos con los que ha tocado, a parte de Vai y Zappa podemos incluir en la lista a Dweezil Zappa, Screamin' Jay Hawkins y claro como no, Joe Satriani entre los mas conocidos.
En palabras del mismísimo Steve Vai;
"You may know about Mike. Zappa alumni, musician extraordinaire, like really! He has a rich catalog of unique and brilliant solo work and to see him perform is to whitness inspired greatness, and really cool music". (publicado en la página oficial de SV en Facebook).
En resumen, el tipo toca... y mucho!
En esta grabación en vivo tomada del club de Los Angeles Baked Potato, Mike y la banda tocan un tremendo set en vivo de 16 temas de rock progresivo y jazz fusión.
De su extensa discografía rescatamos los 4 discos grabado con esta banda, Dog y Pup de 2004, Guitar Therapy Live de 2006 y bakin' @ the potato! (CD/DVD) de 2011, el que de alguna manera reúne lo mejor de los anteriores.
Y si es por curriculum, el de Bryan Beller. bajista de la banda, no se queda atrás.
Mucho bla-bla, bájalo si estas preparado para sorprenderte, escúchalo y coméntalo.

Mike Keneally Band (2011) Bakin' @ The Potato!

01. Kedgeree
02. Blameless (The Floating Face)
03. Life's Too Small
04. Click
05. My Dilemma
06. Chee
07. Them Dolphins Is Smart
08. 1988 Was A Million Years Ago
09. Yep, Them Dolphins Is Smart, Alright
10. Bullys (sic)
11. Pretty Enough For Girls
12. Taster
13. Tomorrow
14. Scotch
15. Chatfield Manor
16. Potato  

Músicos
Mike Keneally: Guitarra, teclados, vocalista
Bryan Beller: Bajo, coros
Rick Musallam; Guitarra, bouzouki, coros
Griff Peters: Guitarras
Joe Traver: Batería







Según la Wiki, Michael Joseph Keneally (Diciembre 20, 1961) es un guitarrista, tecladista, vocalista y compositor.
Allmusic dice: "Con su amplia gama de talentos y la capacidad de ser creativo en casi cualquier situación musical, Keneally es el genio líder rock progresivo de la era post-Zappa. Keneally es, probablemente, más conocido como guitarrista de respaldo de Frank Zappa y miembro de la banda en la gira 1988 en guitarra y teclados.
Su ascendencia a esa posición es legendaria en determinados círculos de músicos, en base al vasto y difícil repertorio de Zappa. La temporada de Keneally en la banda de Zappa fue de corta duración con la cancelación anticipada de la gira de 1988 y la muerte de Zappa en 1993.
Keneally fue a trabajar con el hijo mayor Zappa, Dweezil en sus discos en solitario.
Keneally también ha lanzado 11 álbumes de material en solitario desde 1992 y ha sido invitado o actuado como acompañante en una amplia variedad de proyectos, sobre todo como miembro de la banda de Tour de Steve Vai.
En 1998, Vai le pidió a Keneally organizar y llevar a cabo un álbum de música de Vai en el piano acústico. Grabado en 1999, el álbum fue lanzado finalmente en 2004 como "Vai: Reducción de Piano, Vol. 1.". Vai seleccionó las canciones, produjo el álbum, y lo mezcló en su propio sello, Heat.

John Mayer Trio Try! Live In Concert

Como conocí John Mayer, uno de los mejores guitarristas de blues moderno? Fue Eduardo, mi amigo del alma me lo presentó sentado en su departamento con todo el Home Theater conectado y a todo lo que daban esos fabulosos parlantes, si hasta parecía que el equipo completo hubiera sido creado solo para ese momento. Llegué tarde a conocer a Mayer, pero que manera de llegar! Ya tenía dos disco grabados y varias ex famosillas en su closet, en realidad tiene algo de posero que de cara choca, le encantan los autos, colecciona relojes y estrellas, algo que no se ve mucho en el mundillo del blues, comparte con EC el gusto por los ternos y tiene una cierta elegancia en el escenario.
En algún momento después del lanzamiento de su segundo álbum de 2003, Heavier Things, un disco perfectamente agradable que se expandió con un pop soñador, adulto, más maduro que su exitoso primer avance, "Your Body Is a Wonderland", decidió que no quería seguir esa dirección.
Empezó escribiendo una columna mensual para la revista Esquire, en la que dio a entender que sus gustos musicales eran mucho más amplios que lo que sus grabaciones sugieren, y luego empezó a tocar por todo el lugar, en discos de Buddy Guy, Herbie Hancock, BB King, Eric Clapton y John Scofield pesos pesados ​​todos y cada uno, sin embargo, ninguno de ellos parecía tener mucho que ver con la música de Mayer, al menos en la superficie.
Con estas colaboraciones con veteranos se dio cuenta de que tenía que empujarse más allá y decidió ampliar sus horizontes e incorporó de lo que aprendió en su propia música. Realiza una gira como power trio con Steve Jordan y Pino Palladino y graba este álbum en vivo, Try!. Aquí, Mayer es empujado por Jordan y Palladino y devuelve el favor al darles igualdad en la portada del álbum, lo cual es inusual para cualquier estrella pop / rock de su popularidad. En un importante paso para Mayer, corre un riesgo al basarse en material nuevo para este álbum, hay dos canciones más antiguas "Something's Missing" y el éxito "Daughters", ambas de Heavier Things, pero el resto se compone de covers de Jimi Hendrix y Ray Charles ("Wait Until Tomorrow" y "I Got a Woman", respectivamente) y las nuevas canciones de Mayer, más blues-rock.

John Mayer Trio (2005) Try! Live In Concert

01.- Who Did You Think I Was
02.- Good Love Is On The Way
03.- Wait Until Tomorrow
04.- Gravity
05.- Vultures
06.- Out Of My Mind
07.- Another Kind Of Green
08.- I Got A Woman
09.- Something's Missing
10.- Daughter's
11.- Try

Músicos
John Mayer:  guitarra, voz
Steve Jordan: Bajo
Pino Palladino: Batería, coros







Según la Wikipedia, John Mayer Trio es una banda de blues rock estadounidense formada en 2005 por el compositor y guitarrista John Mayer, el bajista Pino Palladino y el batería Steve Jordan. Sólo han editado un álbum en directo, Try!, en 2005. Tres de las canciones fueron compuestas por los tres miembros juntos y el disco fue producido por Mayer y Jordan. En 2005, Mayer y Jordan se comprometieron a participar en una telemaratón para la NBC, junto al bajista Willie Weeks llmado Tsunami Aid: A Concert of Hope para recaudar dinero para las víctimas del tsunami que azotó el Sureste asiático y concienciar a la gente. Sin embargo, ya cerca de la fecha, Weeks confirmó que no podría asistir, por lo que Jordan sugirió a Pino Palladino en su lugar. Cuando se juntaron los tres para tocar, según sus propias palabras, notaron una buena química, por lo que decidieron formar un trio para tocar lo que Mayer llamó, "guitarreo power-rockin' blues, en tu cara". En octubre de 2005 actuaron como teloneros en algunos de los conciertos de la gira de The Rolling Stones A Bigger Bang Tour.

Barefoot Servants (Repost)

 

A veces aparece inesperadamente una joya y no entiendes como después de años esta joya no es ampliamente reconocida y difundida. Más todavía en la era de internet. Este disco, independiente de los músicos que forman la banda. es una de esas raras joyas no reconocidas.
Vuelvo a postearlo con la esperanza de que los realmente fanáticos de la música no vuelvan a dejar pasar una ves más un tremendo, gigantesco, monstruoso pedazo del mejor blues-rock que haya podido escuchar.
En la guitarra está el extraordinario Jon Butcher y al bajo el polifacético y respetado Leland Sklar. Como convencerte de que la experiencia es casi religiosa...

 Barefoot Servants (1994) Barefoot Servants

01. Jealous Man 3:29
02. Box Of Miracles 3:42
03. Love's Made A Fool 3:32
04. It Hurts Me Too 4:40
05. Foolish Behavior 4:10
06. Drinking Again 3:09
07. Whiskey Man 0:34
08. Red Handed 3:39
09. Fire And Gasoline 3:28
10. Better Off Dead 2:42
11. Blackbird 5:15
12. Muscle Car 4:14
13. Bound For Glory 4:16
14. Railroad Line Revisited 0:21  

Músicos
Ray Brinker: Batería, percusión
Jon Butcher: Guitarra, Voces
Craig Doerge: Dulcimer, Organo Hammond
Meredith Marshall: Coros
Bill Payne: Piano
Chris Pierce: Coros
Ben Schultz: Guitarra, Mandolina, Guitarra Slide
Leland Sklar: Bajo









Jon Butcher se pasó la mayor parte de los años 90 en varios proyectos multimedia. En 1994, fundó Barefoot Servants que lanzaron su disco homónimo en el sello Epic. La banda incluye Leland Sklar (bajo), Ben Schultz (guitarra) y Ray Brinker (batería). Su segundo disco, Barefoot Servants 2 fue lanzado por los expedientes de Atom en agosto de 2005. El baterista Ray Brinker fue reemplazado por el londinense Neal Wilkinson.

Johnny Winter Captured Live

Mi primer disco (LP) del mas albino de los bluseros, Johnny Winter es uno de los primeros blancos aceptados ampliamente por la comunidad Blusera en una época en que era común hacer diferencias entre unos y otros. Absolutamente imperdible es Sweet Papa John, un temón que hace que cierres los ojos y te deja sin aliento. Uno de los músicos invitados a tocar en Woodstock que paso casi desapercibido para los que apenas vieron (y escucharon) solo la película donde también quedaron fuera otros grandes como Janis Joplin, Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival o Jeferson Airplane entre otros. Además Winter fue productor de algunos álbumes de Muddy Waters con quien consiguiera un par de Premios Grammy. Esta grabación es corta, a pesar de los casi 23 minutos de los dos últimos temas y tiene una razón, el recital empezó con la Climax Blues Band, después The Edgar Winter Band con (nada menos que) Rick Derringer ahí la Johnny Winter band, finalmente terminan el espectáculo con las dos, Johnny y Edgar Winters bands juntas.
Hay discos mucho mas largos, hasta por ahí incluso mejores de Johnny Winter -Scorchin' Blues o Walking By Myself son notables y pronto los tendremos por aquí- pero este es el que escucho con cariño, disfrútalo, ojalá tanto como yo.



Johnny Winter (1976) Captured Live

01. Bony Moronie 9:50
02. Roll With Me 4:49
03. Rock & Roll People 5:37
04. It's All Over Now 5:47
05. Highway 61 Revisited 10:38
06. Sweet Papa John 12:19

Músicos
Johnny Winter: Guitarra, Voz, Armónica
Randy Jo Hobbs: Bajo, coros
Richard Hughes: Batería
Floyd Radford: Guitarra









Según la Wikipedia, John Dawson "Johnny" Winter (Beaumont, 23 de febrero de 1944), guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos. Desde muy temprano Winter mostraba una fuerte atracción a la música; a la edad de 4 años en su ciudad natal se mostraba tocando el clarinete, hasta la edad de 8 cuando fue forzado a dejarlo por órdenes de su ortodoncista debido a un problema de maloclusión producido por el instrumento. Fue entonces cuando empezó a aprender a tocar el ukelele de su padre pero, a pesar del talento que mostraba con el instrumento, fue su mismo padre quien le motivo a dejarlo y cambiarlo por la guitarra a la edad de 11 años. En ese entonces Winter se aficiono a un programa de radio denominado "The Big Bopper of "Chantilly Lace" que daba un recorrido por el mundo del Blues, presentado por un dj local llamado J.P. Richardson.
A sus 14 y ya empapado de Blues con una larga colección de discos que había ido recopilando, forma "Johnny and the Jammers" su primera banda junto a su hermano Edgar. Pasó su temprana juventud grabando temas para disqueras de proyección regional y presentándose en los bares buscando ser escuchado y obtener una reputación dentro del mundo del blues, debido a su colaboración usual con bluemen locales como Clarence Garlow o Calvin Johnson.2 Incluso llego a tocar, en 1962, ante B.B. King con la guitarra de éste en una visita a un famoso local de Beaumont.

Black Country Communion 2

Black Country Communion, el supergrupo ya bien conocido por nosotros, que incluye el talento del bajista y vocalista Glenn Hughes, el guitarrista de blues rock y vocalista Joe Bonamassa, Jason Bonham, en batería y el tecladista Derek Sherinian, publicó su segundo álbum, titulado simplemente "2". Puedes encontrar el primer álbum aquí mismo.



Black Country Communion (2011) 2

01. The Outsider 04:23
02. Man In The Middle 04:36
03. The Battle For Hadrian's Wall 05:11
04. Save Me 07:43
05. Smokestack Woman 05:10
06. Faithless 05:11
07. An Ordinary Son 07:59
08. I Can See Your Spirit 04:12
09. Little Secret 06:59
10. Crossfire 06:03
11. Cold 06:55

Músicos
Glenn Hughes: Voces, Bajo- lead vocals, bass
Joe Bonamassa: Guitarras, coros y voces
Jason Bonham: Batería, percusión
Derek Sherinian: Teclados

Green Bullfrog

Green Bullfrog fue el resultado de la idea del productor Derek Lawrence que decidió formar un "supergrupo" con los músicos con los que había trabajado en los años 60.
Como cada miembro tenía un contrato con registro diferente, la solución fue usar seudónimos. Mira a las bestias y los apodos de cada uno:

Ritchie Blackmore, de Deep Purple (guitarra) = Boots
Albert Lee (guitarra) = Pinta
Matthew Fisher, de Procol Harum (teclados) = Sorry
Ian Paice, de Deep Purple (batería) = Speedy
Tony Ashton, que posteriormente formó Ashton, Lord & Paice (teclados, vocal) = Bevy
Big Jim Sullivan (bajo) = Boss
Rod Alexander = Vicar
Chas Hodges = Sleepy
Earl Jordan = Jordan

Las sesiones de grabación de este álbum se produjeron en 1970 y, a pesar de los rumores de que Jeff Beck, Jon Lord y Roger Glover tambien participaron (Glover es citado hasta en la portada de una reedición del álbum), en realidad no lo hicieron.
El resultado es una Jam de grandes, sin concesiones, con composiciones y regrabaciones de viejos blues y rock and roll. Una reunión de amigos de verdad haciendo música...
El lanzamiento original del LP en 1971, no tuvo gran impacto, tal vez por el anonimato de los músicos. Toda esta historia no se sabría si Ritchie Blackmore no lo hubiese revelado en una entrevista a la revista Guitar Player en 1976.
Finalmente, en 1980, cuando fue reeditado con el título de "The Green Bullfrog Sessions" con tres canciones más, el álbum tampoco llamó la atención, quién sabe por qué.
La versión aquí es el álbum original con 8 temas rescatados directamente del vinilo. Gracias al posteador original, Fireball.














Green Bullfrog (1971)

01. Bullfrog (Derek Lawrence)
02. Walk a Mile in My Shoes (Joe South)
03. My Baby Left Me (Arthur Crudup)
04. Makin' Time (Eddie Phillips, Kenny Pickett)
05. Lawdy Miss Clawdy (Lloyd Price)
06. I'm a Free Man (Klingman)
07. Lovin' You is Good for me Baby (Lawrence/Corlett/Hutton)
08. I Want You (White)

Músicos
Tony Ashton: Teclados
Ritchie Blackmore: Guitarra
Big Jim Sullivan: Guitarra
Earl Jordan: Vocales
Albert Lee: Guitarra
Chas Hodges: Bajo
Matthew Fisher: Teclados
Ian Paice: Batería
Rod Alexander: Teclados







Tallada con firmeza en el molde de las jam sessions con superestrellas de rock a finales de los 60 / principios de los 70, el productor Derek Lawrence tuvo la idea de construir Green Bullfrog alrededor de su antiguo colaborador ocasional de sesión, Ritchie Blackmore. También figuran el talento de Tony Ashton ("Bevy"), Big Jim Sullivan ("Boss"), Earl Jordan ("Jordan"), Albert Lee ("Pinta"), Charles "Chas" Hodges ("Sleepy"), Matthew Fisher ("Sorry"), Rod Alexander ("Vicar"), y el compañero de Deep Purple, Ian Paice ("Speedy").
Contrariamente a los rumores y las consecuencias de la reedición etiqueta ECy la calle, sin embargo, ni Roger Glover, Jon Lord participaron.
Con un cartel estelar, la musicalidad es impecable o, al menos, lo que puede esperarse de una grabación de estudio en una Jam de un día. Un par de números escritos por Lawrence solo uno puede ser considerada "original", el resto del álbum se compone de blues-rock, covers de rock diversas, marcada por la versión en bruto de Creation's "Makin' Time."
Con Blackmore, Sullivan y Lee participando en el proyecto, es naturalmente, un evento de guitarristas pesados​​, y no hay duda alguna, la canción principal de siete minutos es un viaje especial la fuerza.

Black Country Communion Black Country

Black Country Communion es una Super Banda formada por Glenn Hughes en voces y bajo, Joe Bonamassa en las voces y guitarra, Derek Sherinian en los teclados y Jason Bonham a la batería. La história comienza en 2009 cuando Glenn Hughes y Joe Bonamassa tocan juntos en el evento Guitar Centre King's of Blues. El produtor Kevin Shirley (Iron Maiden, Dream Theater, Aerosmith, Black Crowes) ya había trabajando con Joe, sugirió que la dupla hiciera un álbum de estúdio. El siguiente paso fue convidar Jason Bonham y, por fin a Derek (ex- Dream Theater) para completar a el escuadrón. El álbum "Black Country" se lanzó oficialmente, el día 20/09/2010 en Europa y un día después, en EUA. La producción quedo, obviamente, a cargo de Kevin Shirley.
El disco tiene 12 temas, siendo 11 inéditas u una un cover de "Medusa", gravada originalmente por Trapeze, la ex-banda de Glenn Hughes.
Como todas las bandas nuevas hay que escucharlas.














Black Country Communion (2010) Black Country

01. Black Country
02. One Last Soul
03. The Great Divide
04. Down Again
05. Beggarman
06. Song Of Yesterday
07. No Time
08. Medusa
09. The Revolution In Me
10. Stand (At The Burning Tree)
11. Sista Jane
12. Too Late For The Sun

Músicos
Glenn Hughes; Bajo
Joe Bonamassa: Voces y guitarras
Derek Sherinian: Teclados
Jason Bonham: Batería








Página oficial de la banda

Joe Bonamassa Dust Bowl

Joe Bonamassa considera Dust Bowl como su mejor disco hasta la fecha, el potente guitarrista nos presenta su mas nuevo lanzamiento con invitados de lujo como Hughes que estan a la altura de este llamado. Se los dejo, bájalo mientras dure.



Joe Bonamassa (2011) Dust Bowl

01. Slow Train 06:49
02. Dust Bowl 04:33
03. Tennessee Plates (with John Hiatt) 04:18
04. The Meaning Of The Blues 05:44
05. Black Lung Heartache 04:14
06. You Better Watch Yourself 03:30
07. The Last Matador Of Bayonne 05:23
08. Heartbreaker (with Glenn Hughes) 05:49
09. No Love On The Street 06:32
10. The Whale That Swallowed Jonah 04:46
11. Sweet Rowena (with Vince Gill) 04:34
12. Prisoner 06:48

Músicos
Joe Bonamassa: Guitarra, Vocales
Carmine Rojas: Bajo
Tal Bergman: Batería
Rick Melick: Teclados









Mas información de J. Bonamassa en la Wikipedia.

Joe Bonamassa A New Day Yesterday

No estaba seguro, era posible? Bastó una búsqueda para convencerme de lo que puede ser casi un pecado, nunca puse nada de Joe Bonamassa!
Hora de ponerme al día con este guitarrista que muchos no conocen y se los pongo de esta manera, se lo están perdiendo.
Con una especial técnica que le permite pasearse por sonidos influenciados por lo mejor del blues y del rock clásico, pero siempre mantener su identidad y sonido propio, este álbum es una excelente manera de ir conociendo el sonido Bonamassa y escuchar excelentes blues de los 60's y 70's con algunos covers no-ta-bles.
Este blusero fanático de las guitarras y amplificadores de las cuales ya posee mas de 215 muestra en este su primer disco solo sus capacidad de emocionar con su guitarra. El disco lleva el nombre de un cover (y uno de los temas de este álbum) de Jethro Tull. En el año 2002 sacaría un disco con el mismo nombre completamente en vivo.

Joe Bonamassa (2000) A New Day Yesterday

01. Cradle Rock (Rory Gallagher Cover)
02. Walk In My Shadows (Free Cover)
03. A New Day Yesterday (Jethro Tull Cover)
04. I Know Where I Belong
05. Miss You, Hate You [Rock Radio Remix]
06. Nuthin' I Wouldn't Do (For A Woman Like You)
07. Colour And Shape
08. Headaches To Heartbreaks
09. Trouble Waiting
10. If Heartaches Were Nickels (feat. Gregg Allman and Leslie West)
11. Current Situation
12. Don't Burn Down That Bridge
13. Miss You, Hate You

Músicos
Joe Bonamassa: Voz, guitarra
Rick Derringer: Coros, guitarra
Leslie West: Coros, guitarra
Gregg Allman: Coros, órgano
Jeannie Burns, Annie Burns: Coros
Len Bonamassa: Guitarra
Dave Borde: Teclados
Creamo Liss: Bajo
Tony Cintron: Batería

Joe Bonamassa es un guitarrista y cantante de blues y rock de Estados Unidos, nació en Utica, condado de Nueva York.
Actualmente forma parte del grupo Black Country Communion junto con Glenn Hughes, Derek Sherinian y Jason Bonham.
Fan del rock británico y del blues moderno, Joe Bonamassa comenzó tocando la guitarra a la edad de cuatro años, a los ocho fue elogiado por BB King.
Lanzó un álbum con la banda Bloodline ("Bloodline", 1994), que formaban parte de Erin Davis (hijo de Miles Davis), Waylon Krieger (el hijo de Robby Krieger) y Berry Oakley Jr., y se disolvió poco después.
El primer disco en solitario (A New Day Yesterday, 2000) es un testimonio de amor por el rock de los años 60 y 70. Joe comienza con el blues-rock Cradle Rock, un clásico del guitarrista irlandés Rory Gallagher, y Walk in My Shadows de los britanicos Free. La pista del título se toma de un temazo del segundo álbum de Jethro Tull, Stand Up de 1969. En If Heartaches Were Nickels, Bonamassa invita a dos iconos de la guitarra Gregg Allman (Allman Brothers) y Leslie West, fundador mitológico del grupo de Mountain. El sonido 70ro se debe al productor Tom Doud, quien trabajó con Derek & The Dominos y The Allman Brothers. Don't Burn Down That Bridge es una reverencia a Cream (léase Eric Clapton), el timbre de la guitarra clásica es idéntico a que aparece en el tema Sunshine Of Your Love. El guitarrista demuestra que es también un compositor competente en el rock Nuthin´ I Wouldn´t Do y en el blues Trouble Waiting. En el disco también se incluye la participación del guitarrista Rick Derringer, otro referente importante en su formación.

La Banda del Capitán Corneta Perros Dias

La primera ves que los escuché no podía creer que la banda era de músicos locales, tan jóvenes y tocaban tan bien. El afiato, los arreglos, la actitud, de estos músicos Chilenos, parecía de una banda de eximios músicos de gira hace años, en las guitarras dos hermanos con estilos tan diferentes como el agua y el aceite, así y todo el complemento era notable. Nada de lo que he escuchado se parece a lo que La banda del Capitán Corneta proponía, se mueven entre el Rock y el blues como pez en el agua. Lamentablemente nunca pudieron plasmar el power, la onda, el carácter y la maravillosa magia que eran capaces de hacer explotar en sus presentaciones en vivo, este álbum, a pesar de ser excelente en toda la línea, no alcanza a mostrar todo lo que eran capaces. Se los dejo para que se hagan una idea. Recomendabilísimo!














La Banda del Capitán Corneta (1994) Perros Dias

01 El Olor
02 Malas caritas
03 Wah-wah blues
04 Vida de perros
05 Canción para Lucas
06 El tiempo pasa
07 Armonías de un faraón
08 Elena
09 Sarna
10 Duros días
11 Norte Sur
12 Criacuervos
13 Huerfanita

Músicos
Pancho Rojas (voz y harmónica)
Cristóbal Rojas (batería)
Pedro Rodríguez (guitarras)
Mauricio Rodríguez (guitarras)
Juan Caballero (bajo)









Si en el inicio de la década sin Pinochet en el poder la música pop encontró en Lucybell a uno de sus emblemas y el rock'n'roll tuvo a Los Tres como el ícono de esos diez años, en cierto underground musical aparecería entonces una de las agrupaciones más representativas de aquella época.
La Banda del Capitán Corneta, un quinteto blues-rockero transitó por el enclave de Ñuñoa y tras cinco años alcanzó la categoría de "banda de culto", con una vida intensa en creación musical, estridencia eléctrica y desencuentros entre sus integrantes.
Los inicios se remontan a 1990. Los veinteañeros hermanos Pancho Rojas (cantante sin mayor experiencia) y Cristóbal Rojas (baterista del grupo La Red, de Vladimir Groppas) conocieron fortuitamente al guitarrista Pedro Rodríguez, quien llegaba de una temporada de estudios en Alemania. Desde muy joven había sido jazzista, tocando junto a próceres que remontaban sus comienzos incluso a los años 30. Pero por entonces había escuchado mucho blues primitivo y tenía un nuevo proyecto en esta línea en carpeta. Los hermanos Rojas llegaban al mismo punto desde otra posición. Entonces se unieron al bajista Eduardo Lalo Manzi para comenzar informalmente con un trabajo de taller. Este no era otra cosa que calientes y etílicas paridas de garage.
Muy pronto los músicos se percataron de un aspecto fundamental. Para que el conjunto lograra la potencia arrolladora que tenían en mente, se necesitaba una segunda guitarra eléctrica. La encontraron en la escuela del jazzista Roberto Lecaros. En el invierno de 1991, los Corneta como quinteto subían al escenario de La Batuta para jamear, sin siquiera ser invitados. El quinto elemento era un adolescente guitarrista. Un diamante en bruto llamado Mauricio Rodríguez. Con 16 años deslumbraba hasta los músicos más experimentados, incluido el mismo Pedro Rodríguez.
Aquella noche de jam-rock no sólo apareció por La Batuta Álvaro Henríquez, sino que también el conjunto conocería al bajista eléctrico Juan Caballero (nota mía; yo también estaba ahí esa noche). Era un músico que entonces merodeaba el circuito de Bellavista, tocaba en algunas bandas de música tropical y frecuentaba los escenarios del pop (estaba vinculado a Joe Vasconcellos). La famosa jornada terminó con una batalla de guitarras bluseras entre Henríquez y Pedro Rodríguez, mientras Juan Caballero demostraba la versatilidad y el swing en el bajo que pronto le costaría el puesto Manzi.
Para fines de 1991, La Banda del Capitán Corneta estaba constituida y con planes de ponerse en boca del público alternativo. El nombre del conjunto era ya una incitación al desbande. Doble sentido fálico y de insolente ironía a los rangos militares. Inspirados en los Beatles y su Sgt. Pepper’s lonely hearts club band, estos músicos chilenos no vestían uniformes coléricos pero sí tocaban siempre con un escudo marcial como telón de fondo, donde en lugar de bayonetas se presentaban como armas dos ridículas cornetas de regimiento cruzadas.
En su segundo año de acción, la banda había salido absolutamente del anonimato. Iban desde los escenarios del rock noventero hacia los del nuevo jazz con toda soltura, dado el origen de sus principales músicos. Pancho Rojas era lo más cercano a un frontman del rock and roll, escribía letras consistentes, tocaba la armónica y generaba gran magnetismo entre el público. Cristóbal Rojas era la vena más sólida y se establecía como el gran baterista del rock que luego fue, mientras que la dupla de guitarras eléctricas llegó a funcionar tan ensambladamente como los tándems jazzísticos de trompeta y saxofón. Entre los Rodríguez siempre existió la conexión de miradas y groove adjunto en cada parida. Mientras uno practicaba solos incendiarios, el otro desarrollaba el soporte con conocimiento real de cada idea propuesta. Si algo diferenció a La Banda del Capitán Corneta de otras agrupaciones del ámbito pop, era que estos músicos improvisaban. Y a gran nivel.
Pero el choque de personalidades y propósitos entre Pancho Rojas y Pedro Rodríguez comenzaba a transformarse en una bola de nieve. A eso había que sumar los permanentes problemas de disciplina de Caballero, que ya lo habían sacado de la banda. El grupo se había quedado sin uno de sus mejores elementos. El reemplazante en las cuatro cuerdas fue Nelson Arriagada, quien también tocaba para el grupo La Red y tenía una disciplina tal (era cellista clásico), que tardó muy poco en convertirse en el director musical, barómetro y catalizador de los ánimos no sólo entre las dos cabezas más visibles del conjunto, sino entre todos sus miembros.
Rojas gustaba del rock duro tipo Faith no More (estaba muy atraído por una figura como Mike Patton), mientras que Rodríguez seguía atado a las raíces bluseras (entonces no escuchaba más que a Jimi Hendrix). Las performances de los Corneta eran consideradas por un abierto llamado al apareamiento de los asistentes. Las jornadas de blues-rock podían ser musicalmente orgiásticas desde el escenario y traspasarse a la audiencia. Un sello que acompañó los mejores momentos de la banda.
En 1993 Arriagada dejó el grupo para comenzar una larga residencia en Alemania y convertirse más tarde en contrabajista de jazz. Entonces volvieron a recurrir a Caballero como bajista. Hasta el final de su vida, el quinteto se mantuvo resistiendo la ruptura a pesar del choque de concepto entre Rojas y Rodríguez. Pero hacia afuera, La Banda del Capitán Corneta ardía. Los cazatalentos de los sellos llegaron a ofrecer cuatro contratos al grupo y un futuro esplendor. Finalmente firmaron con Alerce y editaron su debut y despedida bajo el título de Perros días (1994).
La gira de presentación del álbum (el que incluye un corto comix) ni siquiera alcanzó a terminar su primera etapa. La tensión colectiva iba en alza y hacia fines de ese año resultaba inmanejable. Caballero dejó definitivamente el proyecto y para el lanzamiento de Perros días, los Corneta reclutaron a Miguel Pérez (también bajista de La Red). Tres noches seguidas en La Piedra Feliz de Valparaíso y un posterior frustrado (aunque se dice que boicoteado) show al amanecer en Ritoque en enero de 1995 terminaron con las aspiraciones de uno de los grupos más importantes de toda la década. Los hermanos Pancho y Cristóbal Rojas, más Miguel Pérez, siguieron en el rock encabezando el grupo Mandrácula. Pedro Rodríguez partió a Nueva York para estudiar jazz (luego regresó a los grupos Nexus, Marx Trío y Los Titulares) y Mauricio Rodríguez siguió como guitarrista de jazz al mando del Almendra Trío.
Doce años más tarde, la banda se reuniría para realizar dos conciertos espontáneos en los dos espacios recurrentes para sus actuaciones ñuñoínas: el Club de Jazz de Ñuñoa y La Batuta en Plaza Ñuñoa. La Banda del Capitán Corneta se rearticuló en enero de 2007 con el último quinteto activo y congregó a un no menor contingente de fanáticos, entonces bien entrados en la treintena de edad.