Mostrando entradas con la etiqueta Terror. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Terror. Mostrar todas las entradas

viernes, 12 de noviembre de 2021

Last Night in Soho - Cuidado con lo que sueñas

Eloise sueña, sueña despierta, y sus sueños se pueden hacer realidad...y así es la protagonista de esta historia, una criatura inocente de Cornualles, a la que le dicen que Londres puede comérsela viva. Pero como personaje principal de un cuento siniestro, ella no se lo cree, piensa que la bondad existe, que Londres es su Oz, pero es en la gran ciudad donde va a descubrir la moraleja de la fabula que protagoniza.

El mundo del director Edgar Wright siempre se ha caracterizado por un universo muy personal, lleno de planos cercanos al tebeo, un ritmo trepidante, una banda sonora genial y un humor muy personal y británico, en ejercicios de escapismo realmente brillantes y originales, con los que el público más aficionado al entretenimiento puede sentirse llamado. Ya fueran adaptaciones, o material original, desde la Trilogía del Cornetto (de la que hablé aquí) hasta las reciente Baby Driver, pasando por Scott Pilgrim, todas tienen un toque suyo muy particular.

En este film, que Wrigth coescribe junto a Krysty Wilson-Cairns (1917, Penny Dreadful), su sello personal está claro, pero se aleja de sus protagonistas masculinos, para dar voz a una historia que se mueve entre el viaje de una joven hacia la madurez, y un claro homenaje al terror de los años 60 y 70, con toques hasta góticos, y algún momento de humor muy suyo.

Eloise, interpretada estupendamente por Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit), es una joven solitaria e inocente, muy diferente a las chicas de su edad, que vive en un mundo de fantasías. Cuando se va a Londres a estudiar en una escuela de moda (su gran sueño), tendrá que lidiar con un ambiente agresivo, donde no hay nadie que la ayude o quiera. Dejar a su abuela, es un duro golpe, y todo parece que se soluciona cuando encuentra un pequeño apartamento en el Soho...todo parece ideal si no fuera porque desde que pone sus pies en el barrio londinense (epicentro de la marcha de los 60), empieza a notar la presencia de Sandie (Anya Taylor-Joy), una joven que vivió en la época maravillosa con la que ella sueña, y la hará "viajar en el tiempo".

Ambas chicas son perfectas en sus roles. Aunque Anya parece estar ahora en todos lados, no es ése el motivo, creo yo, por el que sale aquí. Es que una vez más, es simplemente una actriz totalmente apta para el personaje, y es raro no sentir fascinación por Sandie, como Eloise tiene. Así pues con un par de actrices jóvenes y potentes, quizá de lo mejor de su generación con quizá Florence Pough o Hailee Steinfeld, la película acierta con un elenco formado por Matt Smith y Michael Ajao, o los inolvidables actores de la época a la que homenajea la película: Diana Rigg (icono de los 60 con su personaje de Los Vengadores) o Terence Stamp (el "coleccionista" de pesadilla de la adaptación de la novela de John Fowles).

El guion, que juega también con nuestros prejuicios previos con el elenco (no digo más para no estropear estos momentos), y con algún cameo inesperado, va adentrándonos en una trama que comienza como un cuento de hadas, hasta una historia descarnada y siniestra, fabula de la realidad que puede vivir una mujer joven cuando quiere triunfar en una ciudad grande, y en este retorcido viaje a la locura, ya no se sabe diferenciar entre lo que es fantasía y la cruda realidad. Todo es prácticamente perfecto hasta que llegas al final, donde quizá se flojea algo, porque es difícil concluir claramente cuáles son las intenciones de esta historia, donde casi todo el mundo puede ser héroe y villano a la vez.

Para los fans de la capital británica, el Londres de Last Night in Soho es cuidado y real...al menos en su versión contemporánea. En su versión de los 60 es simplemente perfecto e ideal, con ese cuidado estético que ponen los técnicos del Reino Unido cuando quieren recrear el pasado. Las tomas de la ciudad son un mundo elegante y glamuroso, donde podrías haber visto a James Bond no sólo en los carteles de cine, si no también caminar por las calles.

No quiero contar más porque realmente no quiero estropearos las sorpresas, pero es una película que merece muchísimo la pena: un terror al estilo de la época que homenajea (el cine británico de los 60, o incluso el cine de terror italiano, estadounidense o británico de los 70), con cariño y conciencia, homenajes al momento y una banda sonora simplemente perfecta.

Last Night in Soho se puede considerar como un viaje, un trayecto al pasado, una fábula sobre la maduración y acerca de crecer, y contemplar el futuro, envuelta envuelta en una película excelentemente dirigida y cuidada, con detalle y cariño.

Carmen

viernes, 24 de septiembre de 2021

Eloy de la Iglesia versionando a Henry James

Hace poco un amigo me regaló “lejos de aquí”, la biografía que cuenta la relación autodestructiva del actor José Luis Manzano y del director Eloy de la Iglesia. El autor va narrando la historia de sexo, dependencia y excesos de ambos mientras va  explicando los procesos creativos del director zarautztarra junto a sus fieles guionistas. Después de tanto éxito con pelis como “la semana del asesino”, “el pico”, “el pico II” o “colegas”, a de la Iglesia le apeteció versionar una de las historias más famosas del autor Henry James.

Las muñecas antiguas son inquietantes, sobre todo las que llevan lombrices en el ojo vacío

Henry James escribió este breve relato de terror sobrenatural hacia 1898 en el que una institutriz británica era contratada por un señor, tan rico como desaprensivo, el cual le encargaba la educación de dos sobrinos que se criaban en una mansión en la campiña inglesa con el único requisito de que no le importunara jamás sobre nada de estos dos jóvenes que estaban bajo su  despreocupada tutela. La relación de la protagonista, que en el libro no tiene nombre,  el niño, la niña y la criada es la esencia de esta novela de James que se ha llevado al cine en incontables ocasiones. De la Iglesia no se pudo resistir a hacer su propia versión.

Cartel con letras características vascas

Pedro Mari Sánchez es Roberto (Aquí el personaje sí tiene nombre) un exseminarista apocado y un pelín intransigente que gusta de flagelarse para la contrición de sus pecados, aunque sólo sean de pensamiento.  Roberto es contratado por el  conde de Etxeberria , interpretado por Luis Iriondo, actor de apariencia aristocrática que, además, es el compositor de la música de esta cinta y de otras de Eloy de la Iglesia como “el pico”. El señor conde sólo le marca una condición: Que jamás le moleste con nada relacionado con sus sobrinos.

Luis Iriondo, actor y músico. Tan pronto te hace de Lluis Companys como de aristócrata de Neguri

Roberto llega a una mansión en la verde costa guipuzcoana dispuesto a ser un diligente educador de dos niños: Flora y Mikel. Flora es una niña de unos diez años todo bucles dorados y vestiditos con encajes que vive junto a la única persona de servicio que hay en la casa, Antonia, interpretada por la veterana  Queta Claver. Mikel es un preadolescente al que expulsan del colegio de curas donde estudiaba. La relación de los cuatro personajes y algunos elementos sobrenaturales tensa la historia. Hasta aquí os cuento.

Queta Claver es la ama de llaves y los niños de la casa esperando a "los otros".

Viendo la peli se puede disfrutar del encanto de la playa de Itzurun (Zumaia) con sus flyschs y del decorado de la mansión decimonónica conde moran los personajes de la historia basada en la novela de Henry James.

Modelitos decimonónicos

Como no puede ser de otra manera en la filmografía de Eloy de la Iglesia, la peli es una historia que no pasaría el test de Bedchel. Si no me equivoco, y puede que lo haga, la única peli del zarautztarra en el que hay personajes femeninos de peso que no están de satélite de un varón es la que hizo a continuación de esta peli gótica-kitsch que hoy traemos. La peli posterior no es otra que  “la estanquera de Vallecas”.  En esta versión del texto de James hasta la institutriz ha cambiado de sexo, pasando a ser un joven  y  pusilánime exseminarista.

Pedro Mari temiendo encontrarse con Nicole Kidman

De la Iglesia y Sánchez tuvieron una relación laboral de lo más áspera. Sánchez no entendía por qué su personaje debía ser homosexual, aunque fuera reprimido, cosa que se deja insinuar de una manera muy fugaz en la peli, pero ya sabemos que de la Iglesia no concebía las historias de sus cintas sin ese toque tan personal, sobre todo en una época, ya a mediados de los 80, donde el franquismo es el que se ha metido en el armario y la visibilidad gay comienza a tratarse con naturalidad.  Tentado estuvo de la Iglesia a prescindir del afamado actor teatral cosa que no hizo porque ya se llevaba gran parte del rodaje hecho y el cambio a esas alturas era tirar un dinero que no se tenía con tanta facilidad a pesar de las subvenciones.

El toque Eloyano y la erótica del cuerpo joven

Esta no es una de las pelis más famosas de Eloy de la Iglesia y no funcionó en taquilla a pesar de las buenas críticas recibidas, pero, ya se sabe, la gente veía en las pelis de de la Iglesia lumpen, navajazos, atracos y jeringuillas, y un dramón de terror sobrenatural ambientado en una costa guipuzcoana del final del siglo decimonónico no se ganó al público. 

Juli Gan.


viernes, 26 de enero de 2018

I've written a letter to daddy...


El drama y el sadomasoquismo intiman y conviven a la perfección en esta historia con tintes góticos de terror. What ever happened to Baby Jane?, estrenada en 1962 y dirigida por el controvertido Robert Aldrich, reunió a dos viejas glorias del Hollywood dorado: la invencible Bette Davis y a la diva sin complejos Joan Crawford, dos de las actrices más aclamadas en el cine de los años 30 al 50 e incluidas entre la lista de las diez mejores actrices de todos los tiempos.


Vivían en el eclipse de sus carreras, damas del cine destinadas al silencio del olvido, triste final para dos luchadoras natas contra un sistema que fulmina sin dolor a lo que deje o parezca dejar de ser un surtidor de millones de dólares. Si eres mujer, envejeces con más crueldad aún.
Pero cuando una vieja gloria ha vivido en el cielo, parece difícil anticiparse y activar el “abandona antes de que te abandonen”. Nueve días después del final del rodaje de ¿Qué fue de Baby Jane? Bette Davis publicó un anuncio homérico en la revista Variety, que por supuesto ha pasado a la historia de las grandes anécdotas del cine.

Así se las gastaba Bette. Curioso, ¿no?

Era la primera vez que estas dos actrices compartían escenario, y les perseguía la historia de una rivalidad que resultaba además perfecta para excitar la imaginación calenturienta de prensa y público. Morbo añadido que benefició a la película. Dieron (cuenta la leyenda), muchos quebraderos de cabeza, sobre todo por sueldo y beneficios comparativos, pero las escenas se tejían con sentimientos reales que ambas experimentaban una contra la otra.


Es de las pocas películas que se nos entrega con dos prólogos antes del arranque de la historia.

Situémonos: El primero nos hace vivir un viaje en el tiempo hasta 1917, un flashback que nos convierte en espectadores de un teatro infantil donde una niña con tirabuzones dorados canta y baila acompañada por su padre (de catadura moral más que dudosa y cegado por la avaricia) ante un público entregado que disfruta y se enternece con una de las canciones estrella de la pequeña Jane: I’ve written a letter to daddy.

Julie Alfred interpreta el papel de Baby Jane niña

Esta canción se va a convertir, junto con otros elementos, en un vínculo eterno ligado a un pasado de esplendor durante el desarrollo de la historia, retorciéndose en una melodía desagradable, que nos introducirá de lleno en la mente de una enajenada Baby Jane. Mientras ella triunfa, es observada entre bambalinas por su madre y su hermana mayor. La primera, con una mezcla de sentimientos en su rostro apagado: con trazas de orgullo y al mismo tiempo triste y resignado; la otra, con una mirada oscura y penetrante colmada de hartazgo, celos y sed de venganza acumulada.

Gina Gillespie se introduce magistralmente en el papel de Blanche Hudson de niña

Aparece otro recurso visual de peso: la imagen de una muñeca que es la reproducción de Baby Jane, que nos acompañará durante el resto de la película aportando siempre la unión a la estela de un pasado ajado que evolucionará hasta un presente macabro y envuelto en horror. Los muñecos han formado parte del universo infantil, contagian el espíritu mágico del niño, aunque a veces se conviertan más en una conexión perpetua que no permiten olvidar pasajes de nuestra historia aunque estén envueltos de una toxicidad asfixiante.


Este primer prólogo termina con la discusión entre padre e hija por un helado, la contestación tirana y maleducada de Jane y el desprecio más absoluto del progenitor por su otra hija.

Dave Willock interpreta a Ray Hudson, el padre

Entre sollozos y confesiones de madre e hija, Blanche decide no olvidar sus palabras. Las grabará en su mente hasta el final de sus días.

Anne Barton es la madre de las Hudson

El segundo prólogo nos lleva hasta 1935. El mundo ha girado 180 grados empujado ¿por el azar o el destino? Eterno dilema. Blanche es ahora la que triunfa, la estrella de moda, rica y poderosa, alabada por el público y por una industria que le consiente todo por ser un buen producto comercial. Mientras culmina su objetivo, todo el mundo es testigo del declive de su hermana, no solo en lo profesional sino en lo personal, abocada a un abismo que irá recorriendo durante la cinta. Acaba con la escena de un misterioso accidente, entre gritos y sollozos, en el que únicamente se encuentran las dos hermanas. Y la imagen de una muñeca con el rostro destrozado, preludio del destino final de las hermanas Hudson.


Y ahora comienza nuestra verdadera historia...

*************

Me llamo Blanche Hudson. Vivo atada a una silla de ruedas y confinada en el primer piso de una casa que sólo alberga oscuridad y desesperanza. Comparto agonía y espacio con mi hermana Jane. Condenadas a permanecer juntas.
 
Joan Crawford como Blance Hudson

Hoy he vuelto a sonreír: han repuesto una de mis antiguas películas en la televisión. Es algo nuevo para mí. Entrar en las casas de mis antiguos fans es algo que me da el único aliento en una vida que solo proporciona una rutina injusta y desmedida. He visto una escena que se quedó corta... ¡Así lo dije! Pero sigue siendo una buena película...
Toco insistentemente el timbre. La he escuchado hablar con alguien, pero ya oigo sus pasos, rotundos, que suben por la escalera. Depender de ella y de sus sentimientos es algo que me produce angustia a diario. Aunque sé que ella también depende de mí. Nos conocemos bien. Somos hermanas. Vivimos en una espiral de vinculación mutua en la que ya sólo muestra ira hacia mí. Ella me hiere y yo lo consiento porque recuerdo las palabras de nuestra madre y no me permito olvidarlas.
No puedo borrar lo que mi hermana hizo por mí en los primeros años. Jamás. La he cuidado desde entonces, incluso en mi contrato. Por cada película que yo hacía, ella también tenía su oportunidad, aunque era una verdadera pena que el público ya no se interesase por ella. Pero yo no tenía la culpa. Bebía mucho.
Sólo me queda el consuelo de Elvira, nuestra asistenta. El único ser humano que se preocupa por mí y con la que quiero vivir cuando nos mudemos, a pesar de casi exigirme que busque un lugar para mi hermana donde pongan tratamiento a su trastorno. Elvira piensa que ha empeorado en este último mes.

Maidie Norman es Elvira, la asistenta

Aunque yo quiero estar segura de que hago lo más conveniente para ella... He de comunicarle que la casa debe venderse, no tenemos dinero y no encuentro el modo de conseguirlo. La noto cada vez más irascible y agresiva hacia mí. Oigo como canta esa antigua canción que no logra sacar de su enajenada cabeza y sus horrorosos gritos. Ha vuelto Baby Jane.
Estoy incomunicada. El teléfono no funciona. He pensado en pedir ayuda a nuestra vecina. Escribiré una nota explicándole mi desesperada situación para que avise al doctor y le rogaré que no se entere mi hermana. Lanzo al mundo lo que puede ser mi única salvación.


Todo ha salido mal y desde entonces empiezo a pagar las consecuencias. El miedo me atenaza. Moriré de hambre si sigue jugando conmigo de forma tan macabra. No me atrevo a probar bocado. Su crueldad no tiene límites.


Ya no depende de mí. Creo que por fin se va a atrever a vivir sola.

*************

Me llamo Jane Hudson. Baby Jane para mi público. Siempre atraje la atención de la gente. Tenía el público a mis pies; llenaban teatros sólo para verme y escucharme. Para mi padre era un objeto valioso, pero para mi hermana sólo era un ser aborrecible, siempre me ha envidiado. En un momento de nuestras vidas las cosas comenzaron a irle bien a ella (desconozco el motivo) y, por el contrario, los productores se olvidaron de mí. Una fatídica noche marcó nuestro destino. Sólo recuerdo mis llantos y mis gritos.

Bette Davis como Jane Hudson

Ahora que Blanche Hudson ha regresado a la pantalla, reponiendo sus películas, es de justicia que también Baby Jane vuelva a sus días de gloria. Sé que tengo una oportunidad para recuperar lo que fui, ahora que mi hermana va a dejar de ser un estorbo. Necesito un trago. Mi hermana piensa que la necesito, pero está muy equivocada. No sabe lo equivocada que está.
Canto mi canción favorita a solas, y recito lo que mi padre me enseñó:
Cuando soy una niña obediente
y no hago ninguna travesura,
mamá dice que soy un ángel
y papá que soy una hermosura.
Pero cuando me vuelvo mala
y soy respondona y descarada,
mamá dice que soy un diablillo
y papá que no le gusto nada.
Que ustedes me expliquen desearía
porque yo soy una niña todavía.


Mi hermana tiene un plan para mí: vender la casa y buscar un sitio tranquilo donde poder cuidarme. Pero se arrepentirá: no venderá esta casa ni saldrá de ella tampoco. He puesto un anuncio en el periódico para encontrar un pianista que me acompañe en todas mis actuaciones, y volveré a brillar como una estrella a su pesar. Elvira, la asistenta, se está convirtiendo en un obstáculo. Le he dado unos días libres, pero ha vuelto para desbaratar mis planes, así que he tenido que poner remedio y hacerla callar. Se ha presentado en casa un pianista.

Victor Buono es el pianista Edwin Flagg

Cualquiera diría que es un fracasado y no tiene donde caerse muerto, pero me podría servir para resucitar a Baby Jane.


Sin embargo, también ha resultado ser un entrometido, curioseando donde nadie le llamaba. Ha conocido a una moribunda Blanche Hudson amarrada en su cama y... Ya no tengo otra opción que huir con mi hermana. Siempre juntas, hasta el final.


Hemos llegado a la playa. No puedo más y tengo que soltar a mi hermana sobre la arena. Entonces ella, con un hilo de vida, me dice: «He amargado tu vida haciéndote creer que había sido culpa tuya. Yo la tuve. Tú no conducías esa noche. Estabas borracha y te dije que abrieras la verja. Yo aceleré pero te echaste a un lado. Fuiste tan cruel en la fiesta imitándome y haciendo reír a todo el mundo que sólo quería aplastarte. Entonces no eras fea, yo te hice fea. Hasta eso hice.»





Por Mª Ángeles Lorente
Gracias a Zinefilaz por permitirme colaborar en este maravilloso blog.
Me despido de ellas y de vosotros, aunque las seguiré como hasta ahora.
Hasta que el tiempo nos encuentre.

viernes, 19 de enero de 2018

BLACK MIRROR T4





Black Mirror 4ª Temporada

Me preguntaba si dentro de nuestro blog,alguna vez habríamos hablado de una serie que ha marcado un antes y un después en las series de TV.Revisadas nuestras publicaciones sobre series TV,compruebo que no,así que tal vez ha llegado el momento de debatir sobre Black Mirror.

Black Mirror es una serie británica (2011-2017). que consta de 4 temporadas.Los géneros sobre los que navega son: thriller,drama,ficción y terror.
Su creador Charlie Brooker,nos muestra en cada episodio(cada uno de ellos es independendiente y no sigue una correlación temporal) una sociedad en la que la tecnología ha tomado el mando y el ser humano se ha convertido es una víctima de su propia "evolución" aunque en ocasiones,bien podríamos llamar involución.

¿por qué nos gusta tanto Black Mirror?
 no hay sólo dos razones,pero se me ocurre que entre otros motivos,porque es:

- Inquietante.......en una era,la nuestra,donde la tecnología y las redes sociales cada vez ocupan un papel más relevante en nuestro día a día,resulta perturbador asomarse al futuro que muestra la serie,en el que las máquinas de alguna manera han tomado el control,las redes validan o invalidan a la persona,los robots a veces son sustitutos de los humanos y en el peor de los casos,enemigos,los juegos virtuales pasan fronteras y nosotros,somos a veces,peones de un tablero de ajedrez en el que por supuesto,no se nos ha arrebatado el papel protagonista.

- Crítica.....Black Mirror nos hace reflexionar y tomar conciencia en torno a cuestiones de carácter ético,nos plantea dilemas morales y nos deja una galería de imágenes e situaciones donde la libertad individual se pone en entredicho.....lejos de una utopía nos deja una dispotía donde la felicidad parece ser una ilusión más, aunque bien es cierto,que existen algunos capítulos en los cuales deja abierta una rendija a través de la cual vislumbrar un halo de luz.

¿con qué capítulos me quedo de esta 4ª Temporada?

Aquí no tengo ninguna duda cuando me decanto por el 2 y el 4.


Arkangel.....capítulo 2.....con guión de  Charlie Brooker y  dirección de Jodie Foster.



Si tuviera que darle una puntuación de o a 10, le daría un 9.

Nos deja a través de la historia de una madre y su hija de 4 años,una reflexión más que perturbadora acerca de la sobreprotección que muestran los padres hacia sus hijos y sus terribles posibles consecuencias.Marie haría cualquier cosa para proteger a su hija. Cuando se crea un dispositivo que hace justo eso, es difícil que se resista.

Fantástica puesta en escena de una ficción que nos parece lejana e improbable pero que sin embargo bien nos vendría reflexionar en tanto en cuanto todos conocemos "padres y madres helicópteros "que sobrevuelan la ratio de sus hijos y antes de que encuentren un obstáculo,ellos ya les están allanando el camino.Es tanta la necesidad de control y falsa seguridad en torno a la vida de sus hijos,que en ocasiones no reparamos en el daño que esta actitud les puede acarrear a ell@s y por supuesto a sí mism@s.¿qué pasaría si una aplicación nos permitiera gestionar los "peligros" que pudieran dañar a nuestros hijos???...


Black Mirror lo refleja de forma brillante como pocas veces lo hayamos visto con anterioridad en televisión.Nos ofrece una visión oscura y terrorífica de una madre obsesionada por estar al control y una hija que vive sin miedos,sin estar expuesta a una realidad que es como todos sabemos,llena de caro-oscuros,pero al fin y al cabo,la mejor maestra.
En el reparto encontramos a  Rosemarie Dewitt ('Mad Men') interpreta a Marie (la madre), Brenna Harding ('A Place to Call Home') a Sara (15 años de edad) y Owen Teague ('Bloodline') a Trick (19 años de edad).

En una palabra,este capítulo,que está rodado en Toronto, es IMPERDIBLE.

Episodio 4x04 - Hang the DJ




 Frank y Amy se han suscrito a un sistema de citas en el que podrán conocer desde el primer momento como será su relación.


Éste es el punto de partida de un episodio a mi modo de ver excepcional( Muchos dicen que este episodio es el San Junipero de la anterior temporada, de este año,),ya que nos deja la visión de un mundo donde las relaciones románticas están dirigidas por un sistema operativo.
Las personas solteras son citadas en función de su grado de compatibilidad y a partir de ahí tienen estipulada una fecha de caducidad.Esa  aplicación para encontrar pareja es tan poderosa como para calcular de antemano el tiempo que durará cada relación y establecer en ella unas normas que los implicados han de acatar obligatoriamente



Es asombroso cómo en este mundo distópico la voluntad personal ya no cuenta,el individuo vuelve a convertirse en un número, un elemento pasivo que se limita a seguir instrucciones de un "hermano mayor" que sabe de antemano mejor que él mismo,lo que le conviene o no hacer.
La pregunta que dejo en el aire es :¿ y si el sistema operativo se equivocara??

Este episodio es escalofriante,igual que "Arkangel",porque da la sensación que ya no hay cabida para la libertad individual.

En el reparto tenemos a Georgina Campbell ('Broadchurch'), Joe Cole ('Peaky Blinders'), George Blagden ('Vikingos') y el episodio está rodado en Reino Unido.


En resumen,Black Mirror es más recomendable y si os adentrais en la Temporada 4,recordad,los episodios 2 y 4 son la crême de la crême.

Feliz fin de semana

Troyana.



viernes, 28 de abril de 2017

La Trilogía del Cornetto de Edgard Wright

Hoy me dispongo a hablar de la “Trilogía del Cornetto”, dirigida por el británico Edgard Wrigth y que comprende de las siguientes películas: Shaun of the Dead/Zombies Party (SD), Hot Fuzz/Arma Fatal (HF) y The World’s End/Bienvenidos al Fin del Mundo (TWE), que el mismo director co-escribió con el actor y guionista Simon Pegg.


Podría empezar comentando la extraña manía de coger los títulos originales y dejarlos irreconocibles en su versión española, pero nos daría para más de un artículo, y ése no es el objetivo de hoy.

La primera película de esta trilogía se hizo en el año 2004, y sus ganancias multiplicaron por cinco el valor de su presupuesto. Lo mismo sucedió con la segunda de 2007, y sólo en la tercera, de 2013, se consiguieron ganancias menores. En resumen, estas películas inglesas, sin grandes estrellas Hollywoodienses, recaudaron más de 150 millones de dólares.

Pero independientemente de su éxito comercial, es mejor hablar de sus valores cinematográficos. Las películas de la trilogía no repiten sus personajes, ni cuentan una única historia, pero en ellas se reiteran las ideas de “pasarlo bien” y de valores como el amor, la amistad y la libertad. De hecho, cada film, refleja uno de estos puntos de forma principal durante su desarrollo. Todo esto desde un filtro que combina un desternillante humor inglés, y la tradicional serie B de terror hecha en las islas británicas.


Recordemos que productoras clásicas británicas en los años 50 y 60, como la Hammer, ya habían instaurado todo un género en el Reino Unido, con historias plagadas de invasiones alienígenas, muertos vivientes o comunidades ideales de lo más demoniacas, que hacen lo que sea por el “bien común”. Estos puntos de partida propios del cine de este país, son tomados en estas películas, y con esa fachada, se construye una historia gamberra y divertida, propia de la imaginación de una noche de juerga entre amiguetes (que no digo yo que no nacieran así), en la que se sumergen valores más intelectuales, propios de narrativas clásicas: la búsqueda del grial (completar el tour de los pubs en TWE), recuperar el amor romántico (o una exnovia, SD), aceptar la identidad y la amistad (el reconocimiento de los protagonistas en HF), vivir en la rutina sin saber hacia donde se va (SD), el amor cortés (uno de los protagonistas, embelesado desde la infancia con una chica, en TWE), crecer y hacerse adulto (los protagonistas de TWE), el amor a la familia (SD), etcétera.


Pegg y Wrigth no sólo hacen esta doble lectura en unas películas destinadas al entretenimiento propio de la serie B, sino que además, las llenan de referencias a otros filmes, novelas y obras de la cultura popular, que también tendrán influencia en otros films posteriores, como puede ser la injustamente infravalorada Attack of the Block, de Joe Cornish.


Pero quizá lo que más llama la atención al ver esta trilogía, no sólo es la capacidad de entretenimiento o la doble lectura, es la cinematografía de las mismas. Wright, es un auténtico genio que utiliza todos los recursos en su mano para que el espectador no consiga aburrirse en ningún momento. Como si se encontrara en un tebeo o dibujo animado, las imágenes se van sucediendo a un ritmo frenético… Así, al verlas, es mejor olvidar las comedias actuales, donde los personajes hablan como si se tratara de un club de chistes, y sólo una gracia rancia puede llegar a impactar; en cualquiera de estas historias, cada escena es un ataque masivo de humor inglés, gag visual, música bien escogida con el momento, y todo para arrancar una carcajada al espectador, y no darle tregua alguna. Como una imagen vale más que mil palabras, os dejo este gran vídeo de Tony Zhou sobre la comedia visual en Wright, que también incluye imágenes de otra película suya: la adaptación del tebeo de Scott Pilgrim contra el Mundo.



Como podéis ver, durante la trilogía, dos actores repiten papeles protagonistas: son Simon Pegg y Nick Frost. Pegg y Wright se conocieron al realizar la serie Spaced, que narraba la vida de un par de veinteañeros que vivían juntos, con muchas referencias a la cultura pop y al humor más surrealista. Así, no sorprende que se implicaran en la escritura de Shaun of the Dead algunos años después, y que la trilogía comience con unos jóvenes luchando por su amor en un mundo apocalíptico, y acabe también con un escenario similar, pero en este caso, con unos cuarentones, que finamente, parecen encontrar sentido a sus vidas. Es lógico, que al igual que los años pasaban, los guionistas también experimentaran cambios y necesitaran comunicarlos en la pantalla.

Frost también fue parte del reparto de Spaced, y algunos de los actores que pasaron por dicha serie, acabaron formando de parte de estos films, de forma más o menos habitual (todo quedaba en casa, al parecer), al igual que otros, que se repiten en alguna de las películas o en todas ellas. Así, podemos encontrarnos a Martin Freeman, Bill Nighy, Rafe Spall, Paddy Considine o Peter Serafinowicz, entre otros.

Resulta curioso también, que en todos los films, se cuenta con un actor de cierto prestigio, que juega un papel fundamental, pudiera ser que con un toque de villano de la trama. Así, en Shaun of the Dead, tenemos a Bill Nighy, en Hot Fuzz a un Timothy Dalton icónico, y cerrando la trilogía, nos encontramos a Pierce Brosnan. 


Pero quizá la mayor pregunta que os podéis hacer tras leer este artículo es ¿por qué se llama la Trilogía del Cornetto? El nombre se debió a una broma del director durante la promoción de Hot Fuzz y The World’s End, ya que tras haber puesto un helado Cornetto como la cura contra la borracherra en Shaun of the Dead, incluyó algunos planos más con este alimento en las otras películas, creando así una trilogía, e incluso bromeó que podía ser como la de los Tres Colores de Krzysztof Kieslowski, pero con tres sabores. En el fondo, cada película queda representada por un color o sabor de Cornetto:
  • Rojo (o sabor a fresa) por el gore y la sangre del terror en Shaun of the Dead.
  • Azul (o sabor clásico) por el color de la ropa de los policías ingleses en el thriller de acción de Hot Fuzz.
  • Verde (o sabor menta) por  representar a los marcianos clásicamente como de color verde en los films de ciencia ficción como es The World’s End.
¿No os animáis? Buscad las películas, lo pasaréis muy bien.




Carmen Romero.

viernes, 3 de junio de 2016

¿Quién puede matar a un niño?

Título ¿Quién puede matar a un niño? 
Año 1976
Duración 100 min.
País España
Director Narciso Ibáñez Serrador
Guión Narciso Ibáñez Serrador (Luis Peñafiel)
Novela Juan José Plans
Música Waldo de los Ríos
Fotografía José Luis Alcaine
Productora Penta Films

Reparto
Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, María Luisa Arias, Marisa Porcel, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Luis Ciges


Sinopsis
Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Sin embargo, cuando llegan, se quedan decepcionados: el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. Su sorpresa será mayúscula cuando descubran que los únicos habitantes de la isla son niños, unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, se rebelan contra los adultos.



El realizador de cine y televisión, guionista, director teatral y actor Narciso Ibáñez Serrador, Chicho, siempre ha reconocido su admiración por el cine y las historias de terror inspirándose muy a menudo en el maestro Alfred Hitchcock. Pero ha sido un revolucionario de la televisión con series y programas como Un, dos, tres… responda otra vez, Historias de la frivolidad, Waku Waku, Hablemos de sexo o la gran Historias para no dormir.

Al cine se dedicó más durante sus primeros años de carrera, antes de quedarse definitivamente en el mundo de la televisión y aunque las películas que ha dirigido no son muchas, hay dos que destacan especialmente: La residencia (1969) y ¿Quién puede matar a un niño” (1976).

Además de pertenecer al mismo género -suspense/terror- ambas películas tienen muchos puntos en común: sus protagonistas son actores extranjeros, todo se desarrolla en un lugar aislado y solitario, la atmósfera es tensa y sobre todo claustrofóbica.

Chicho pretendía que ¿Pero quién puede matar a un niño? estuviera protagonizada por Anthony Hopkins (Psicosis, 1960) pero por compromisos del actor no pudo ser… Lástima porque creo que hubiera sido un gran acierto. A Chicho no le convenció del todo la interpretación del australiano Lewis Fiander como protagonista aunque sí la de la actriz Prunella Randsome. Personalmente ambos me han gustado.

Un punto muy importante es que, Chicho, guionista de la película bajo el pseudónimo de Luis Peñafiel, quería que la pareja protagonista (ambos extranjeros) hablaran entre ellos en inglés y que fuera él, que también hablaba español, el que le fuera traduciendo a su mujer las conversaciones con los lugareños haciendo así que ante los extraños sucesos que van ocurriendo y para proteger a su mujer, que además está embarazada, no le traduzca el total de las conversaciones, provocando más desconcierto aún en el personaje de ella. Sin embargo, durante la postproducción, los productores quisieron que ambos actores fueran doblados para evitar así utilizar molestos subtítulos. Esto hace que el desconcierto de ella ante los hechos se nos muestre como un poco extraño a los espectadores.

La película comienza con secuencias de documentales de diferentes guerras en las que los niños son las grandes víctimas, algo que aunque al principio se nos haga extraño en un punto fundamental para entender lo que se nos contará a continuación.

Estupenda la banda sonora de Waldo de los Ríos, en la que destaca un canción infantil que unas voces infantiles tararean y que logran intranquilizar e incomodar al espectador. Incluso en algunos momentos nos recuerda a las inconfundibles notas de Tiburón (1975).

Como nota curiosa, y a pesar de desarrollarse en una isla, la película fue rodada en Toledo, añadiendo posteriormente el sonido del mar y de gaviotas. Las escenas de costa se rodaron en Almuñécar, Menorca y Sitges. Además el propio Ibáñez Serrador tiene un pequeño cameo al principio de la película.


Por supuesto ¿Quién puede matar a un niño? fue estrenada con cortes en algunos países mientas que en otros estuvo totalmente prohibida.

A los cinéfilos nos vendrá a la cabeza películas como La semilla del diablo (1968) o El pueblo de los malditos (1960).

Recomiendo ¿Quién puede matar a un niño? y La residencia a todos los amantes del género y por su puesto las increíbles Historias para no dormir.

Y sin poder comentar nada más, sólo diré que me ha gustado mucho el final porque… ¿quién puede matar a un niño?