viernes, 25 de abril de 2025

STEVE KNIGHT CD: For Years Gone

 


Pistas

1.Lure 2.Pure Imagination 3.Cracklin' 4.Colossus 5.For Years Gone 6.Kothbiro 7.Something 8.Urge for Going 9.7 Come 11 10.In a Sentimental Mood

 

Intérpretes

Steve Knight - guitarra

Justin Peterson - bajo

Linard Stroud - batería

 

Grabado en Promusica, Chicago

Fecha de publicación: 11 de abril de 2025

 

A principios de los 90, con 12 años de edad, Steve Knight  cambió su patineta por una guitarra, para gran alegría de su madre. En la Universidad Estatal de Emporia, dividió su tiempo entre el departamento de teatro y el de música, tocando en orquestas de foso, la big band y el grupo de profesores, mientras impartía clases de guitarra en la Academia ESU y Flint Hills Music.

 

El primer paso de Steve en el mundo profesional del jazz se produjo con el reconocido pedagogo, autor y guitarrista de jazz, el Dr. Wayne Goins, en la Universidad Estatal de Kansas. El enfoque único de Goins, priorizando lo profesional y lo académico, inspiró a Steve a profundizar en la música y se mudó a Nueva York. Tras un año tocando en Carnival Cruise Lines, comenzó a estudiar con varias figuras destacadas de la guitarra de jazz, como Mark Whitfield, Peter Bernstein y el fallecido Jack Wilkins.donde tuvo la suerte de estudiar con figuras destacadas del género como Jack Wilkins, Mark Whitfield, Peter Bernstein, Mark Sherman y Jim Ridl. Se mudó a Chicago en la primavera de 2016 y comenzó a dedicarse a la enseñanza y a la interpretación a tiempo completo, perfeccionando aún más su técnica con la ayuda de figuras locales del jazz como Scott Hesse, Jim Trompeter, Ernie Adams y Henry Johnson. Allí conoció a sus compañeros de banda Justin Peterson y Jeff Stitely y desarrollaron una fuerte relación. Los tres comenzaron a tocar juntos durante el Covid-19, presentando conciertos semanales desde el patio trasero de Knight. Las sesiones improvisadas se convirtieron en conciertos con los vecinos reuniéndose en la valla y el público creciendo rápidamente y alcanzando el parque al otro lado de la calle. El concejal del distrito se percató de lo que ocurría y ayudó a trasladar los conciertos al parque y un capricho se convirtió en un evento semanal donde los vecinos aún se reúnen con sus familias para disfrutar de la comida, la bebida, el baile y, por supuesto, la música, dando lugar a lo que se conoce como Jazz in the Yard.

El trío publicó su álbum “Persistence”,  el 12 de agosto de 2022 con excelentes críticas, incluyendo 4 estrellas en Downbeat y su inclusión en la lista de "Álbumes del Año".

Knight fue influenciado, entre otros, por  Wes Montgomery, Jim Hall y Grant Green, pero su mayor inspiración es George Benson. “No me gusta la música que parece escrita solo para otros músicos”, dice Knight. “Un guitarrista de jazz es en parte poeta y en parte atleta. Creo que Benson logra el equilibrio perfecto. Es un técnico increíble con la guitarra, pero su música es muy accesible para el público en general”.

En este su segundo álbum titulado  “For Years Gone”, le acompaña el bajista Justin Peterson (que ya participó en “Persistence”)  y el baterista Linard Stroud.

El primer corte del álbum es “Lure” un blues original de Knight del que dice: "Me apasiona el blues... de ahí proviene todo el jazz. No es fácil escribir una gran canción de blues, aunque hay muchas buenas melodías de blues. Las que más me gustan prueban diferentes enfoques, como usar distintos acordes que crean tensión melódica. Quería cautivar al oyente con esta composición". Un buen inicio con un  gran swing.

Le sigue “Pure Imagination”, una de las baladas favoritas de Knight que se ha vuelto un clásico en sus conciertos en directo. Una pieza sentimental con un toque de picardía que el trío interpreta con brillantez.

"Cracklin'" es otra pieza original de Knight escrita en homenaje a Roy Haynes y su apodo "Snap Crackle". Un elegante vals para una elegante interpretación.  

“Colossus” de Pat Martino, del que es un gran fan Knight,  es abordada con energía y maestría. Este tema es todo un reto.

La canción principal "For Years Gone", originalmente titulada "Four Years Gone", es una lánguida pieza dedicada con todo el cariño a su difunta madre. Canción para relajarse y recordar a los seres queridos que n ya no están entre nosotros.

“Kothbiro” es una preciosa canción del instrumentalista y cantante keniano  Ayub Ogada (escuchad su versión cantada), una de las clásicas en los conciertos de Knight al aire libre y que descubrió en la banda original de la película "El Jardinero Fiel". Fantástica versión que nos proporciona uno de los mejores momentos del disco (¿o el mejor?).

La famosísima "Something" de George Harrison la lleva Knight a otro nivel. Explica: "Cuando interpretas una canción tan famosa, necesitas darle una nueva identidad; de lo contrario, solo estás tocando una versión”.

La enorme Joni Mitchell está representada con su canción "Urge For Going", de su álbum “Live Radio Broadcasts” de 1966. Knighr dice: "Siempre es un placer tocar una canción tan bien elaborada. Siempre canto la poderosa letra mentalmente. Ella moldea nuestro enfoque. Creamos dos secciones solistas dinámicas y rítmicamente distintas, siguiendo la lógica del viaje de la canción y la transición entre estaciones, tanto meteorológica como metafóricamente". Preciosa canción, preciosa versión con arreglos seductores y profundos.

Knight termina el disco con dos canciones del Great American Songbook, el clásico de Charlie Christian y Benny Goodman  “7 Come 11”, al que Knight dota de un swing enérgico con aire funky y juguetón y termina con la balada "In a Sentimental Mood",  de Duke Ellington, que versiona con un ritmo rápido y vertiginoso. Al final, Knight sucumbe a la balada original y termina la canción con la lentitud que la caracteriza donde brilla el contrabajo de Peterson. 

A pesar de tener una técnica fantástica, Steve Knight no abruma con su forma de tocar, todo lo contrario, hace fácil lo difícil. Sus interpretaciones son melódicas, elegantes y llenas de ritmo. Acompañado por músicos de primer nivel como Peterson y Stroud, consiguen un sonido de jazz tradicional sin florituras innecesarias, que atrae a los puristas y a los no iniciados por igual.

La Habitación del Jazz

 


jueves, 24 de abril de 2025

Jordi Novell Libro: Las canciones de culto del Pop Rock

 


Título: Las canciones de culto del pop rock

Autor: Jordi Novell

ISBN: 978-84-10459-18-2

Editorial: Redbook Ediciones

Colección: Ma Non Troppo

Encuadernación: Tapa blanda

Dimensiones: 17x24

Peso: 639 gr

Idioma: Español

Nº páginas: 228

 

Nuevo libro de la editorial Reddbook dentro de su sello Ma Non Troppo, titulado “Las canciones de culto del pop rock. Fragmentos esenciales de la historia de la música popular”. Su autor es Jordi Novell Demestres (Barcelona,España),  licenciado en Ciencias Económicas por la Universitat Pompeu Fabra. La pasión por la música le llevó a unirse, en 1996, al proyecto de la revista Enderrock, tras haberse dedicado a la docencia. Autor del libro “100 dies del rock de la dècada dels 70 i 80” (Cossetània, 2023), ha publicado artículos en publicaciones como Enderrock, 440 Clàssica, el Anuari de la Música y L’Avenç. Ha dirigido programas musicales para TV3 como Clipping o Sona9, ha sido productor ejecutivo de varios documentales, y ha comisariado exposiciones sobre temas relacionados con la música. Especialista en música y medios de comunicación, ha sido docente en la Universidad de Barcelona, y profesor invitado en la Universidad de Girona y la Escola Superior de Música de Catalunya.

Cualquier lista de canciones, películas, libros o cualquier otra cosa, siempre, siempre, estará incompleta o no colmará las expectativas de todo el mundo. Pero eso es lo de menos.

En este nuevo libro, se incluyen canciones que para su autor, son  imprescindibles y que transmiten emociones y sentimientos con los que se identifican millones de aficionados a la música.

Todas las canciones son fruto de un momento y unas circunstancias concretas. Algunas son tan poderosas, que incluso logran sobrevivir a sus creadores. Para este libro el autor ha seleccionado cincuenta temas que son himnos del pop y rock y que son auténticos pilares de la música. Canciones que nos cuentan multitud de historias, anécdotas, rumores, evidencias y contradicciones. Un amplio espectro que abarca el medio siglo que transcurre desde los primeros riffs de Chuck Berry en «Johnny B. Goode» al nuevo soul de Amy Winehouse reflejado en «Back to Black», pasando por los grandes clásicos de los Beatles y los Stones, Dylan, Cohen, Clapton, Mitchell, Springsteen, Pink Floyd, Fleetwood Mac, Led Zeppelin, Metallica o Madonna, entre muchísimos más.

El autor descubre algunas de las historias que hay tras las canciones más universales de la historia de la música moderna. Canciones de amor, por las pequeñas cosas, del amor tóxico, el amor desesperado o el amor espiritual. En definitiva historias de amor y desamor, de vida y muerte, de guerra y paz, de sueños y pesadillas, de esperanzas y decepciones, de conformismo y revolución.

Cada una de las cincuenta canciones del libro, es acompañada de un texto explicativo de su historia y gestación, así como la letra en su idioma original y en español. También se incluye un código QR donde se puede escuchar. Al final del libro se incluye un  código QR que enlaza a una playlist donde escuchar todas las canciones.      

Un libro que se lee y se escucha.

La Habitación del Jazz

 

ÍNDICE

Bienvenidos a la “Torre de la canción”

Johnny B. Goode

In Dreams

Be my Baby

Gloria

Like a Rolling Stone

God Only Knows

The End

Strawberry Fields Forever

Respect

Purple Haze

The Night They Drove Old Dixie Down

Gimme Shelter

Woodstock

Ohio

Lola

Layla

What’s Going On

You´ve Got a Friend

Won’t Get Fooled Again

How Do You Sleep?

When the Levee Breaks

Always on My Mind

Perfect Day

I Will Always Love You

Someone Saved My Life Tonight

Born to Run

Tom Traubert’s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)

Dreams

“Heroes”

Another Brick in the Wall (Part 2)

Don´t Stand So Close to Me

Redemption Song

Under Pressure

The Late Great Johnny Ace

Shipbuilding

Purple Rain

Hallelujah

Money for Nothing

Running Up That Hill ( A Deal With God)

Sweet Child O´Mine

Bad

It´s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)

Talkin´ Bout a Revolution

Enter Sandman

Something in the Way

Creep

Parklife

Disco 2000

Back to Black


miércoles, 23 de abril de 2025

SERGI SIRVENT & DAVID VIÑOLAS CD: Recreations Tímbriques de Satie a Mompou

 


Pistas

1.Gnossienne III 2.Gnossienne VI 3.Gnossienne I 4.Vexations 5.El fet i la ficció  6.Lirisme delirant 7.Pieces froides I 8.Pieces froides II 9.Pieces froides III 10.Satiesmiles 11.Vexations (Alt. take) 12.Música callada VIII 13. El llac

 

Intérpretes

Sergi  Sirvent - piano

David Viñolas – batería

 

Sello discográfico: Columna Música

Grabado el 14 de Julio de 2024 en el estudio de Albert Moraleda en La Garriga (Barcelona, España)

Fecha de publicación: 18 de abril de 2025

 

Sergi Sirvent, músico,  pianista,  compositor  e  improvisador,  a los   seis   años   inicia   sus   estudios   musicales   clásicos. A  los  diecisiete  años  se  inicia  en  la  música  moderna  y  en el  jazz de  forma  académica. En  2001  decide  completar  su  formación  estudiando  en  la  New  School  University  de Nueva  York donde pudo estudiar con Reggie Workman, Charles Tollivier y George Garzone entre otros. Ha asistido a clases magistrales de Paul Bley, Lee Konitz, Mark Turner, Jimmy Cobb, Kurt  Rosenwinkel,  Kenny  Barron,  Chris  Cheek,  Kenny  Werner,  Benny  Golson,  Idris Muhamad, Sheila Jordan, Perico Sambeat, Javier Colina, Mark Turner y Jeff Ballard. En 2001 se inicia en la escena del jazz con “Unexpected”.

David Viñolas, ciego de nacimiento, inicia, a muy pronta edad, los estudios de piano clásico y lenguaje musical. Posteriormente estudia música moderna, estudiando batería, combo, piano, percusión, harmonía y arreglos con clases particulares y también de forma autodidacta. Ha estudiado con Toni Pagès, Javier Feierstein, Alberto Cabello, José Reinoso, Raül Reverter, David Mengual, Marc Miralta, Joào Balào, Marko Djordjevic y Jo Krause entre otros. En 2004 se traslada a Nueva York donde estudia con Ernesto Simpson  y Jeff Ballard. Ha fundado Stick y  Essència entre otros proyectos. Paralelamente está activo en proyectos de carácter diverso tocando en formaciones de jazz, reggae, rock, flamenco, funky etc, ya sea como líder o participando como acompañante en otras formaciones.

Sirvent y Viñolas se conocen desde hace mucho tiempo. SI bien habían participado en alguna sesión  su primera colaboración en un proyecto común fue el disco doble  “Recreacions tímbriques de Mompou a Bartók” “ Selffish Records, 2019).

Ahora vuelven con otro disco de similares características titulado "Recreacions tímbríques: de Satie a Mompou", esta vez en el sello Columna Música.

Sirvent, siempre se ha sentido muy cercano a estos compositores; Viñolas,  en los últimos años, se ha sentido realmente atraído por las corrientes estéticas de finales del siglo XIX y XX, conociendo la música de estos compositores que lo cautivaron desde sus inicios. Como en su anterior trabajo, han seleccionado algunas de las piezas de estos dos autores aportando su  particular visión a través del jazz y la improvisación, ocho del compositor francés  Erik Satie, dos del compositor español Federico Mompou y añaden dos composiciones de Sirvent, “El fet i la ficció” (contratema de la ‘Gnossienne II’) y “Lirisme delirant” (contratema de la ‘Gymnopédie I’) y una composición de Viñolas titulada “Satiesmiles”. 

Como no puede ser de otra manera, el álbum es absolutamente delicado y minimalista. La fusión clásico jazz e improvisación está más que lograda y se da en los trece cortes del disco con mayor o menor intensidad.  La interpretación está repleta de sutilezas por parte de Sirvent y de Viñolas. Las composiciones, principalmente de Satie, y de Mompou son de gran belleza. Las composiciones originales encajan a la perfección en el conjunto.

Un disco para escuchar y disfrutarlo, sin molestias externas.

La Habitación del Jazz


martes, 22 de abril de 2025

JEFFREY GIMBLE CD: Brand New Key

 


Pistas

1.Bye Bye Blackbird 2.Tryin Times 3.I Didn't Know What Time It Was 4.A Ra 5.The Nearness of You 6.Brand New Key 7.In the Glow of the Moon 8.Quietly There 9.Somebody Groovy 10.Music’s The Only Thing That’s on My Mind

 

Intérpretes

Jeffrey Gimble – voz

Josh Nelson – piano, órgano

Larry Koonse – guitarra

Dan Lutz – bajo

Dan Schnelle – batería

Talley Sherwood – saxo

 

Sello discográfico: Cafe Pacific Records

Grabado en Tritone Recording Studio

Fecha de publicación: 4 de abril de 2025

 

 

Jeffrey Gimble creció en un hogar lleno de jazz en Houston, Texas. Ya fuera acompañando a su padre, Maynard, director de orquesta, a los conciertos, pasando horas interminables escuchando la vasta colección de discos de jazz de su familia o simplemente tocando el piano y cantando, su destino musical quedó marcado desde muy joven. Fue entonces cuando descubrió el Gran Cancionero Americano, así como las obras del Teatro Musical Americano (en particular, Sondheim).

Tras 20 años en Nueva York como actor, trabajando en obras de teatro, musicales y películas, se mudó a Los Ángeles y dijo: “Probablemente soy el único actor profesional que se ha mudado a Los Ángeles, ha dejado de actuar y se ha puesto a cantar jazz”.

Gimble realiza conciertos principalmente en el sur de California. Su mentora es la vocalista y educadora Kate McGarry. Sigue cantando porque "es la manera más rápida que conozco de obtener y dar alegría en esta vida".

Gimble llevaba tiempo queriendo trabajar en una grabación con Nelson y dice: “Josh es un pianista y arreglista brillante. No parábamos de hablar de hacer un proyecto juntos, y dado que es uno de los mejores pianistas de la ciudad (y también uno de mis mejores amigos), pensé: ¿cómo no hacerlo?”

Y aquí está esa colaboración y se llama “Brand New Key”. Respecto al título Gimble dice: "Creo que la verdadera razón por la que elegí el título Brand New Key es porque significa que ahora soy un cantante diferente", explica. "Aporto algo que antes no tenía. Estoy lleno de nuevas ideas y entusiasmado por hasta dónde puedo llevar una canción". Se trata de un proyecto ampliamente esperado  desde el lanzamiento de su álbum debut de 2013, “Beyond Up High”.

Los músicos que le acompañan son lo mejor de lo mejor: Josh Nelson(piano, órgano), Larry Koonse (guitarra), Dan Lutz (contrabajo), Dan Schnelle (batería) y Talley Sherwood (saxo).

El álbum abre con una versión del clásico de jazz de 1926 "Bye Bye Blackbird" de Ray Henderson  y Mort Dixon. Gimble es un entusiasta seguidor del R&B de los 60 y 70, pero en esta ocasión le da a la canción un ritmo funky. Podemos disfrutar del solo de guitarra de Koonse y Nelson al órgano.

Le sigue "Tryin' Times", de Donny Hathaway  y Lee Hutson, grabado originalmente en 1969 por la legendaria Roberta Flack, recientemente fallecida. Gimble hace una preciosa versión íntima y llena de sensibilidad, todo un alegato a la conciencia social. El ingeniero de grabación y mezcla, Talley Sherwood, añade una capa de textura al incorporar sonidos callejeros reales a la grabación. La canción nos hace recordar que el amor es más fuerte que el odio.

Gimble considera a Richard Rodgers y Lorenz Hart dos de los mejores compositores y letristas de todos los tiempos. Eligió "I Didn't Know What Time It Was" de su musical de Broadway de 1939, “Too Many Girls”, porque le encanta la letra y su alegre atmósfera.

Gimble ama la bossa nova que escuchaba en los discos que sus padres ponían con frecuencia durante su infancia. Por ello rinde un homenaje a este ritmo con una versión en portugués de "A Rã (A Frog)" de Joao Donato y Caetano Veloso. Además el recuerdo de haber visto a Sergio Mendes entre bastidores en un concierto, cuando tenía sólo cuatro años, ha contribuido a esa pasión por el género.

Gimble y Nelson suelen tocar "The Nearness of You"de Hoagy Carmichael y Ned Washington,  en sus conciertos, y aunque Gimble no planeaba grabarla, cuando él y Nelson experimentaron con la canción durante el tiempo libre en el estudio, ambos sintieron que merecía estar en el álbum. Preciosa versión.

La canción que nombre al disco, "Brand New Key", fue un éxito pop de Melanie en 1971. Gimble comenta: "Es un poco sexy, un poco boba, y disfruto mucho cantándola" añadiendo que fue el primer disco que compró. Gimble le da un aire blusero, alegre  y divertido. No os perdáis el bajo de Lutz al final del tema.

Gimble es un gran admirador de Dena DeRose, así que incluye la romántica "In the Glow of the Moonlight" de Meredith D´Ambrosio y Dena DeRose que da paso a "Quietly There" de Johnny Mandel y Morgan Ames, que grabó Shirley Horn. A Gimble le atrajo la letra sobre alguien cuyo amor se ha ido y ahora espera que llamen a la puerta para anunciar su regreso. Otra pieza llena de sentimiento.

"Somebody Groovy" de John Phillips fue muy popular  gracias a Cass Elliott en el álbum debut homónimo de The Mamas and Papas, 1966. Gimble dice: “Llevo años queriendo interpretarla, porque la he tenido en la cabeza y es divertidísima de cantar”.

“Music’s The Only Thing That’s on My Mind” de Jimmy Rowles es la encargada de cerrar el disco y refleja  fielmente su amor de toda la vida por este género. Una interpretación intimista. La letra inicial de la canción que cierra el álbum, encaja a la perfección con su propia juventud. “De niño, me sentaba a escuchar a mi padre tocar ‘Sweet Adeline’. Y la música que me enseñó me conmovió profundamente. La música es lo único que tengo en mente”. Nostalgia por los cuatro costados.

 

Este álbum es la primera vez que Jeffrey Gimble entra al estudio con el pianista, compositor y productor Josh Nelson, y la experiencia no podía ser mejor.  

 

La Habitación del Jazz

 


lunes, 21 de abril de 2025

MICHELLE NICOLLE & LARRY KOONSE CD: The Silent Wish

 


Pistas

1.When Your Lover Has Gone 2.I Hope I Never 3.I'm Glad There Is You 4.Putting It Off 5.With A Song In My Heart 6.My One And Only Love 7.All The Things You Are 8.Only Trust Your Heart 9.Gone With The Wind 10.What Are You Doing The Rest Of Your Life

 

Intérpretes

Michelle Nicolle – voz

Larry Koonse - guitarra.

 

Grabado el 17 y 18 de junio de 2024 en Leftway Studio, Studio City, CA

Fecha de publicación: 7 de marzo de 2025

 

Arreglista y directora de banda, la australiana Michelle Nicolle comenzó su carrera a los ocho años estudiando violín en la famosa región vinícola del valle de Barossa. Es Licenciada en Educación y posee un Diploma Asociado en Jazz (Universidad de Adelaida). Actualmente, reside en Melbourne, donde imparte clases en la universidad de la ciudad, en la Escuela Secundaria Victorian College of the Arts y la Universidad de Monash.

Su proyecto más duradero es con su cuarteto MNQuartet, con el que lleva trabajando más de 25 años, lanzado diez álbumes  y realizando giras por medio mundo. Ha tenido una residencia de 17 años en The Brunswick Green, donde ella y varios amigos músicos interpretan las peticiones del público durante toda la noche. Sus otros proyectos incluyen What Reason Trio (con el guitarrista Stephen Magnusson) y MN Frettet (con 4 guitarristas), además de trabajar como vocalista independiente en diversas sesiones de grabación.

Como educadora, Michelle defiende al vocalista como un miembro musical igualmente respetado y valorado del conjunto de jazz.

Nicolle es reconocida como la mejor cantante de jazz de Australia. Ha cantado con Wynton Marsalis y la JLCO, con la Orquesta Sinfónica de Sídney y también con Kurt Elling de la que dijo: “Michelle es una cantante nacida para cantar, nacida para cautivar, iluminar y seducir a través de la música."

Nacido en una familia de músicos, Larry Koonse toca la guitarra desde los siete años. En su infancia, estudió con el legendario maestro de la guitarra Jimmy Wyble, y a los quince años grabó un álbum con su padre, el guitarrista Dave Koonse, titulado “Dave and Larry Koonse”. En 1984, Larry se convirtió en el primer graduado de la Licenciatura en Música de Jazz en la Universidad del Sur de California.

Inmediatamente después Koonse  realizó una extensa gira durante seis años como miembro del cuarteto John Dankworth, recorriendo el mundo y acompañando a Cleo Laine. Es miembro del emblemático sexteto de cámara de Billy Child. Ha recibido múltiples nominaciones al Grammy.

Ha tocado/grabado con artistas de la talla de Bob Mintzer, Cleo Laine, Jimmy Rowles, Bob Brookmeyer, Luciana Souza, Lee Konitz, Larry Goldings, Mel Torme, Alan Broadbent, Ray Brown, Bill Perkins, Toots Thielemanns, Rod Stewart, Seth MacFarlane, Linda Ronstadt, David Friesen, Bob Sheppard, Peter Erskine, Warne Marsh, Charlie Haden, Natalie Cole,  Billy Childs, John Patitucci, Scott Colley, Darek Oles, Jimmy Wyble, David Friesen, Karrin Allyson,  Gary Willis, Tierney Sutton, Hubert Laws y Percy Faith por citar solo unos pocos. Ha participado en más de 400 álbumes.

 

Nicolle conoció a Koonse en una prueba de sonido en enero de 2020, durante la primera actuación de ella en Los Ángeles. Cathy Segal-García, amiga en común, les  contrató a ambos.

Nicolle dice: “Aunque siempre he grabado con mi Cuarteto en Australia, algunos de mis álbumes favoritos de todos los tiempos son discos de dúo: Ella and Joe Pass, Tuck'n'Patti. Cuando llegó el momento de planificar este, mi undécimo álbum y primer lanzamiento en Estados Unidos, supe que tenía que grabar con Larry”. Y continúa: “Este álbum realmente es la respuesta a la frase más conmovedora de una canción: (pista 10) "y cuando estés ante las velas de un pastel, oh, déjame ser quien escuche el silencioso deseo que pides".

Este “The Silent Wish” es el undécimo álbum de Nicolle y sin duda afronta un reto al grabar a dúo después de haber grabado sus diez álbumes anteriores con su cuarteto.

La canción que abre el álbum, "When Your Lover Has Gone" de E. A. Swan, comienza de forma relajada para después Nicolle hacer un scat acompañado de Koonse, que intercambia diálogos con Nicolle que muestra su poderío vocal. Mejor comienzo es difícil.

Sigue "I Hope I Never" de T. Finn. Este tema  fue un gran éxito en Australia del grupo Split Enz en los 80. Koonse grabó tres pistas de su guitarra, enriqueciendo el resultado final. Nicolle interpreta con sentido dolor esta bonita canción que el dúo versiona en jazz.

Nicolle esperó 20 años hasta encontrar a la persona adecuada con quien grabar "I'm Glad There Is You" de  Paul Madeira y Jimmy Dorsey. Esa persona no es otra que Koonse. Ella explica:”Un veterano de Vietnam amable y de voz suave, que había perdido a su esposa el año anterior. Unas semanas antes de que mi esposo, el baterista, y yo nos casáramos, me entregó un sobre al final de nuestro concierto. Era un regalo de bodas. Un cheque por $1500 con la letra de esta canción cuidadosamente escrita a mano, y una nota que decía que la fecha de nuestra boda también coincidía con el cumpleaños de su esposa, y que esperaba que disfrutáramos aunque fuera un poco de la felicidad que habían compartido”. Nicolle interpreta esta intimista canción con mucha emotividad y Koonse hace lo propio a la guitarra.

Nicolle compuso este ingenioso tema titulado "Putting It Off", una canción que, según ella, trata sobre su "super poder": la procrastinación. La letra habla de inventar excusas para no arriesgarse y encontrar razones para mantener el statu quo en su vida personal y profesional. La canción es mayoritariamente improvisada e incluye un extenso y espectacular solo de scat. Koonse dobla la voz de la cantante en la guitarra.

El clásico de Rodgers y Hart de 1929, "With a Song in My Heart", ha sido grabado por artistas de estilos variados, entre ellos Ella Fitzgerald. Nicolle originalmente escribió un arreglo de esta canción para su cuarteto como un vals. Ella dice: "Como dúo, sin la seguridad del bajo y la batería, navegar e improvisar a través de estos marcadores musicales es una experiencia divertida. La energía de Larry alimenta la mía, y la mía la suya, a la vez que realza la alegría de la letra".

Nicolle, en esta preciosa canción de Rodgers y Hart "My One and Only Love"  se basó en la versión que Rickie Lee Jones hizo en su disco “Pop Pop“ (1991). John Leftwich, productor e ingeniero de sonido de “The Silent Wish”  casualmente tocó el bajo en ese álbum. Ella dice: "Que John fuera el ingeniero y productor de Larry y de mí tocando esta canción tan emotiva y hermosamente compuesta fue abrumador". Un dueto magnífico que pone de relieve la conexión musical entre ambos.

NIcolle considera la voz como un instrumento en sí misma. Esta no dependencia de ningún otro miembro del conjunto, le permite una libertad de expresión como a cualquier instrumentista. En el clásico "All the Things You Are" de J. Kern y O. Hammerstein, Nicolle canta un scat como si de una trompeta se tratara. Canción compleja de la que Nicolle dice: "Es una canción extremadamente difícil, y por eso a los músicos de jazz les encanta. Pero la letra cuenta una historia conmovedora, y la estrofa es preciosa. Realmente nos excedimos en esta canción, pero nunca perdimos de vista la letra".

Con "Only Trust Your Heart" de Benny Carter y Sammy Cahn,  nos aproximamos al final de este gran disco. Con ritmo de bossa, el dúo muestra su original  enfoque e  interpretación singular.

Sigue "Gone with the Wind"  de A. Wrubel y H. Magidson, Michelle. Nicolle ofrece una interpretación vocal cautivadora y una improvisación de primera.

El disco cierra con otra maravillosa canción, "What Are Doing the Rest of Your Life?", de M. Legrand, M. Bergman y A. Bergman. La intensidad de la canción hizo llorar a  Nicolle al cantarla.  Se puede notar la contracción en su voz hacia el final. Un broche de oro, con una gran interpretación del dúo.

En un dúo de voz y guitarra, no hay dónde esconderse. La  voz y la guitarra están desnudas ante el oyente y cualquier desliz es captado al momento. Por eso, solo los grandes artistas se deciden por un dúo de estas características y Michelle Nicolle y Larry Koonse son dos grandes artistas que impregnan cada canción de una sutileza exquisita, haciendo que parezca fácil lo difícil.

 

La Habitación del Jazz


miércoles, 16 de abril de 2025

TERENCE COLLIE CD: Elements

 


Pistas

1.Air 2.Earth 3.Fire 4.Water 5.Elements

 

Intérpretes

Terence Collie – piano   

Nick Lenner-Webster – contrabajo

Ted Carrasco – batería

Clare Kennington – violín

Samuel Kennedy - viola,

Jocasta Mudge – chelo

Jim Trimmer – lector

 

Fecha de publicación: 16 de febrero de 2025

 

A Terence Collie,  con tan solo 12 años, sus padres le regalaron un teclado, lo que despertó su pasión y perfeccionando sus habilidades como teclista autodidacta antes de adentrarse en el jazz durante sus años de formación en Jersey. A los 17, Collie ya era un referente en la escena musical, tocando con una banda en la Isla de Jersey y perfeccionando su técnica en hoteles, pubs y discotecas de la isla. Con la guía de músicos experimentados, perfeccionó su arte y compartió escenario con figuras como Teddy Edwards y Georgie Fame.

Tras mudarse al Reino Unido, a finales de los 90,  consiguió una residencia en Pizza Express de Cambridge, ampliando aún más su repertorio de jazz y perfeccionando su técnica. A principios de la década de 2000, se graduó en música en la Open University y se aventuró en el jazz fusión con su grupo, Prison Break.

Posteriormente cofundó Mood Indigo Events,  organizando eventos con artistas internacionales. Como músico acompañante, ha compartido escenarios con figuras como  Zoë Gilby, Greg Abate, Tony Woods, Kyle Eastwood y Jo Harrop, cautivando al público de los principales clubes y festivales de jazz del Reino Unido.

Durante la pandemia, Collie ganó muchos seguidores en línea gracias a los conciertos transmitidos y la  colaboración remota.

En 2023 lanzó dos álbumes, "Reminiscent" y "384,400", que demuestran su versatilidad como solista y director de banda.

Acaba de publicar un álbum que lleva por título “Elements”. Se trata de una obra ambiciosa que combina lo clásico, el jazz  y palabra hablada. Una suite que nos presenta los cuatro elementos de los que está hecha toda materia, según Aristóteles: aire, tierra, fuego y agua. El álbum consta de 5 pistas, una para cada elemento y la quinta y última, que los engloba bajo el nombre genérico de “Elements”.

El álbum presenta un trío de cuerdas, compuesto por Clare Kennington (violín), Samuel Kennedy (viola) y Jocasta Mudge (chelo), junto a un trío de piano de jazz formado por Terence Collie al piano, Nick Lenner-Webster al contrabajo y Ted Carrasco a la batería. También podemos escuchar la voz de Jim Trimmer como lector de los textos escritos por Collie, que dice: “La colaboración con todos los excepcionales músicos del álbum nos ha permitido crear una rica gama sonora que entrelaza música completamente compuesta, improvisación de jazz estructurada e improvisación libre”.

El primer elemento que nos presentan es el aire, “Air”. Tras un preludio del trío de cuerdas y sin solución de continuidad, entra  el trío de jazz con una música que fluye con gran naturalidad y suena a jazz moderno por los cuatro costados, y cutivadora. Finalmente Trimmer narra la poesía de Collie.

El segundo elemento es la tierra “Earth”, al igual que su predecesor, el trío de cuerdas inicia el tema, a continuación el trío de jazz. En esta ocasión la pieza es menos intensa y más próxima al pop-jazz y finaliza con la poesía leída por Trimmer.

El tercer elemento es el fuego, “Fire”, que sigue el mismo patrón: trío de cuerdas, trío de jazz y lectura de Trimmer. La interpretación del trío de jazz es más intensa y dinámica. Collie nos brinda una excelente interpretación  y el contrabajo y la batería, potentes,  impulsan el tema al límite.

El cuarto y último elemento es el agua “Water”. Aquí el patrón cambia, de modo que el trío de cuerda y el de jazz se unen y trabajan juntos aunque sea brevemente. El texto hablado termina esta pieza.

El quinto y último corte es “Elements” que da nombre al disco. Aquí quien abre el tema es el trío de jazz al que se une el de cuerdas. Esta pieza sintetiza las cuatro anteriores, resultando una composición fantástica.  

En definitiva, Collie, en este nuevo trabajo consigue, de forma sobresaliente, combinar la esencia del jazz, la fuerza y elegancia clásica de las cuerdas y la lírica de la poesía hablada.

 

La Habitación del Jazz


martes, 15 de abril de 2025

DEB BOWMAN CD: Reflection

 


Pistas

1.Send In The Clowns 2.Moon River 3.Somewhere Over The Rainbow 4.This Girl’s In Love 5.She Was Too Good To Me 6.Somewhere That’s Green 7.How Do You Kеер The Music Playing 8.Till There Was You 9.Baby Mine

 

Intérpretes

Deb Bowman -  voz

Dean Fransen – piano, órgano

Jim Donica - contrabajo

Jakubu Griffin - batería

Joel Mateo - percusión

Tom McCaffrey – guitarra (1,3,4,6,7)

Kurt Bacher – vientos de madera (1,3,4,6,7)

Bruce Harris – trompeta (1,3,4,6,7)

Rashaan Salaam – trombón (1,3,4,6,7)

Tim Aucoin – contrabajo (2,8)

Jared Lanham – batería (2,8)

Marla Feeney – vientos de madera (2,8)

 

 

 

Sello discográfico: Mama Bama Records

Grabado en Studio Magic, AL, pistas 2,5,9

Brighter Shade Studios, GA, overdubs de pistas 2,8

Bentley House Studios & World Alert Music, NYC, pistas 1,3,4,6,7

Fecha de publicación: 11 de abril de 2025

 

Deb Bowman es una cantante y actriz  actualmente radicada en Atlanta. Lo mismo actúa con grandes orquestas como en entornos íntimos, a la vez que asesora a talentos vocales emergentes como coach profesional. Actúa en todo el país con sus singulares números musicales incluyendo: American Songbook Series, Broadway Reviews, Marilyn Monroe Show, A Christmas Wishlist, A Very Diva Christmas y Shaken Not Stirred: Music of James Bond.

En cine, formó parte del elenco de “Megalópolis” de Francis Ford Coppola, y en las películas “It's Complicated” y “Wall Street 2”. En televisión, Bowman creó el papel de Miss Woods en la serie “Stargirl” y también ha aparecido en las series “Ugly Betty” y “Steven Spielberg's Amazing Stories”. Bowman es conocida por sus aclamados papeles en “Cabaret”, “Chicago”, “Sweeney Todd” y “Evita”.

El primer álbum en solitario de Bowman, "Addicted to Love Songs", fue nominado en la 54.ª edición de los premios Grammy en cuatro categorías, incluyendo Mejor Voz de Jazz y Mejor Artista Nuevo. Como compositora  presentó su álbum de jazz "Fast Heart", lanzado en un concierto en el legendario club de jazz Birdland de Nueva York.

Su nuevo trabajo discográfico lleva el título de “Reflection”. En principio, el álbum fue concebido como un homenaje a tres compositores contemporáneos que fallecieron entre 2019 y 2023: Michel Legrand, Burt Bacharach y Stephen Sondheim. Como afirma Bowman: “Después de las primeras sesiones de grabación, la vida se interpuso y no pude producir el álbum a tiempo”. Bowman se tomó tiempo adicional para revisar las selecciones originales y, finalmente, ampliar el concepto del álbum para incluir una gama más amplia de canciones y compositores como  Lorenz Hart, Henry Mancini, Howard Ashman y Meredith Willson, entre otros. El álbum se grabó en dos años en tres estados diferentes. 

El disco abre con una de mis canciones favoritas, la composición de Sondheim "Send in the Clowns" (la versión de Frank Sinatra es apasionante). El director musical Dean Fransen, había elaborado una versión instrumental de la canción muchos años antes, pero no fue hasta después del fallecimiento de Sondheim que la adaptó para la voz de Bowman, dotándola de un toque latino, que aporta cierta elegancia, si bien, en parte la aleja de la carga emotiva del original.

Otro clásico, “Moon River”, de Henry Mancini y Johnny Mercer, es una de las canciones favoritas de Bowman. Parece ser que hubo cierta resistencia a la inclusión de esta canción. Bowman hace una muy bonita interpretación lírica y personal.

Sigue la balada "Over the Rainbow" escrita para la película “El mago de Oz”, de 1939, ganadora del premio Óscar a la mejor canción original. El autor de la música fue Harold Arlen y el de la letra fue Yip Harburg. Bowman cita a Judy Garland como una de sus vocalistas favoritas y llevaba tiempo con la intención de grabar esta canción.

El título que figura en el disco es “Somewhere Over the Rainbow”, que apareció por primera vez en una versión en vivo de la cantante estadounidense Ariana Grande, publicada el 6 de junio de 2017. La canción comienza con el sonido de una tormenta, la estrofa original, para a continuación dar paso a la versión con ritmo latino elegida por Bowman.

La interpretación de “This Girl’s in Love with You” de Burt Bacharach, está inspirada en Aretha Franklin. A resaltar el órgano Hammond de Fransen, el contrabajo de Donica y la batería de Griffin. Bowman aporta energía a su amplio registro vocal.

En "She Was Too Good to Me" de Rogers & Hart, Bowman muestra su lado narrador, como actriz de teatro que es, con una voz frágil y femenina, que transmite una amplia gama de emociones. Precioso el acompañamiento de Fransen.

El musical rock de comedia de terror "Little Shop of Horrors" con música de Alan Menken y letra y libreto de Howard Ashman, contenía entre otras canciones, la titulada "Somewhere That's Green" supone un punto y seguido en el  álbum.

"How Do You Keep the Music Playing" de Michel Legrand  con letra de Alan y Marilyn Bergman es una bonita canción que Bowman canta con alma teatral, juguetona y sutilmente.

"Till There Was You" la canción escrita por Meredith Willson para su musical de 1957 “The Music Man” es versionada con arreglos muy elaborados para desembocar en un elegante tango. Bowman la interpreta de forma pícara y sexy.

El disco cierra con la breve canción de cuna “Baby Mine” interpretado a dúo entre Fransen y Bowman. Una forma sencilla y elegante de terminar.

En “Reflection” Bowman y Fransen  se sintieron libres de abordar el repertorio con arreglos frescos, muy diferentes a lo habitual, incorporando elementos variados de jazz, góspel, latino, pop y sonido Brodway.

Un disco a tener en cuenta.

La Habitación del Jazz


lunes, 14 de abril de 2025

RUSS SPIEGEL CD: Nitty Gritty

 



Pistas

1.Soul Station 2.Prelude to a Kiss 3.Norwegian Wood 4.Nitty Gritty 5.A Man and a Woman 6.Deep Brooklyn 7.Besame Mucho 8.Lonely Buddha 9.Epic 10.26-2 11.Four Brothers

 

Intérpretes

Russ Spiegel – guitarra eléctrica, guitarra acústica

Jim Gasior – órgano, piano

Lucas Apostoleris -  batería

Tim Armacost – saxo tenor (5,6,9,10)

Kurt Hengstebeck – bajo eléctrico (3,4,6,9,10,11)

 

Sello discográfico: Ruzztone Music

Grabado el 2-3 de noviembre de 2024 en L. Austin Weeks Recording Studio, Miami, Florida

Fecha de publicación: 28 de marzo de 2025

 

Russ Spiegel nació en Los Ángeles en el seno de una familia de músicos: su abuelo fue violinista de concierto y uno de los fundadores de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; su padre fue trompetista aficionado; su hermano es pianista y compositor; y su hermana es violinista de bluegrass. Influenciado por los grupos de rock en su adolescencia, Spiegel sintió el gusanillo de la guitarra y comenzó a estudiar con un guitarrista de jazz local cerca de su casa en el sur de California. No se enamoró del jazz hasta sus años de instituto en Alemania, donde su padre, un empleado civil del ejército estadounidense, trajo a la familia. Entretanto, asistió a la Universidad de Michigan, donde se licenció en Filosofía Filosofía en la Universidad de Michigan en Ann Arbor y estudió música con una beca en el famoso Berklee College of Music de Boston. Spiegel es un compositor y arreglista por encargo, además de un destacado y respetado guitarrista, director de banda, escritor, musicólogo y galardonado ingeniero de sonido internacional.

Spiegel pasó más de una década viviendo y actuando en Europa antes de regresar a Estados Unidos, donde se estableció en la ciudad de Nueva York. Una vez allí, se convirtió rápidamente en un miembro consolidado de la escena del jazz. Durante este tiempo, obtuvo su maestría en Interpretación de Jazz, estudiando en el City College de Nueva York bajo la tutela de John Patitucci, antes de doctorarse en Composición de Jazz en la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami como becario del Instituto Henry Mancini. Ha publicado varios álbumes, compuesto música para cine e imparte clases magistrales, talleres y seminarios en todo el mundo. Actualmente, imparte clases en la Universidad Internacional de Florida y el Miami Dade College. También ha aparecido en cine y televisión como actor y músico.

“Nitty Gritty” es su séptimo álbum y sigue a “Caribbean Blue” (2024), “Wait a Minute” (2019), “Transplants” (2009), “Chimera” (2007), “Twilight” (2002) y “Monky” (1998).

Spiegel suele componer toda o la mayor parte de la música de sus álbumes, sin embargo en este trabajo incluye cuatro originales; el resto son canciones de otros compositores que suele interpretar en directo. Spiegel afirma: “Elegí temas que muestran mi interpretación de la guitarra en diferentes géneros y estilos de jazz, desde el blues con swing y tierra hasta ritmos folk y latinos, pasando por melodías groovy y rockeras, además de un homenaje a algunos de mis músicos y compositores favoritos”.

Abre el álbum con "Soul Station". Spiegel comenta: "Esta melodía de Hank Mobley es tan terrenal y conmovedora que me pareció una excelente base para el trío y que ayuda a marcar el tono del álbum". Un relajado blues

Sigue con la hermosa canción “Prelude to a Kiss” de Duke Ellington a la que versiona en  modo samba inspirada en el trabajo del guitarrista Bola Sete. Una versión dinámica que poco tiene que ver con la bella canción melódica.

Spiegel está particularmente acertado en los arreglos aplicados que aplica a "Norwegian Wood" de John Lennon y Paul McCartney. Como fiel seguidor de The Beatles desde joven, afirma: "Un día estaba trabajando en algunos conceptos para dar voz a las melodías en la guitarra y descubrí que la melodía era la base perfecta para esto. Me encanta la onda de la guitarra acústica de cuerdas de acero y la sensación folk en general, que es un homenaje a algunas de las primeras grabaciones de Pat Metheny que escuché mientras aprendía jazz". Excelente solo de Hengstebeck con el bajo eléctrico. Sonido folk-pop muy logrado.

El tema que da título al disco, “Nitty Grity”, original de Spiegel, un tema roquero fusionado con jazz, que se inspira y sirve de homenaje a Scofield, Medeski, Martin & Wood.

Spiegel relata: "Cuando interpreto 'A Man and a Woman' en mis conciertos, me gusta preguntar al público si reconocen la melodía. Es una composición tan clásica, que todos creen conocerla, pero la mayoría de los oyentes no la ubican. Me encanta la interpretación de la melodía con sus lánguidos (¿me atrevería a decir sensuales?) compases de 6/4 y su maravilloso movimiento armónico". Spiegel  matiza la canción con un leve toque latino. Armacost hace su primera aparición al tenor.

“Deep Broklyn” es otro tema de Spiegel que escribió hace años cuando atravesaba una mala racha. La canción ofrece a cada solista un amplio margen de libertad. Además, es la única canción del álbum con el organista  Gasior al piano. Sonido algo retro, nos transporta a esa ciudad, en calma y nocturna. Gasior toca el piano. Gran trabajo de Hengstebeck al bajo y Apostoleris en la batería y bonito solo de Armacost. 

Como agradecimiento a Miami, uno de los principales centros de la cultura latinoamericana en Norteamérica, interpreta  en formato trío, el mil veces versionado,  "Bésame Mucho", de Consuelo Velázquez. Versión bastante fiel al original.

Sigue “Lonely Buddha”, una composición de Spiegel también en formato trío. Tema influenciado por Ahmad Jamal. Spiegel comenta: "La inspiración para este arreglo surgió de mi trabajo sobre la idea del movimiento armónico tonal. Es el único blues auténtico del álbum, pero también se diferencia en que sus acordes I y IV son séptimas mayores y está en compás de 3/4".

En “Epic” encontramos de nuevo a   Armacost al saxo y  Hengstebeck con el bajo eléctrico. Tema de jazz fusión de espíritu desenfadado.

A continuación “26-2 de John Coltrane al que Spiegel dota de aire funky roquero. Armacost y Spiegel brillan en sus respectivos solos, y Hengstebeck y Apostoleris empujan al grupo tenazmente.  

El disco cierra con “Four Brothers” compuesta por Jimmy Giuffre de la que  Spiegel afirma: “Me impresionó lo mucho que la organización melódica y armónica de esta melodía me recordaba a un mambo. Quise mantenerme fiel al arreglo general de la composición y adapté la versión de Woody Herman para big band al ritmo del mambo”.

Spiegel usa varias guitarras diferentes en este álbum.  Así en  "Soul Station", "A Man and a Woman", "Bésame Mucho" y "Lonely Buddha", usa una Gibson ES-175 de 1978. En "Deep Brooklyn", “26-2" y "Four Brothers", una  Fret-King John Ethridge Elise. En "Nitty Gritty", toca una Ibanez Artstar AM153QA. En “Epic” una Fender Strat clásica. En “Prelude to a Kiss” una Cordoba Fusion de 14 cuerdas de nailon y una Taylor 314 en "Norwegian Wood".

Spiegel es un músico dinámico  que abarca una amplia gama de estilos, desde rock y blues hasta funk y música latina, pasando por el jazz moderno, soul y en este su último trabajo hasta la fecha, queda demostrado.

 

La Habitación del Jazz