miércoles, 2 de septiembre de 2026

JOHN DONALDSON CD: We Were Together, I Forget The Rest

 

Pistas

1.Prayer For Tomorrow 2.Agatha’s Song 3.Chanterelle 4.They Danced 5.Evening Song 6.Into The Night 7.New Dawn 


Intérpretes

John Donaldson – piano

Norma Winstone – voz

Rebecka Edlund – voz

Rob Luft – guitarra

Tom Mason – bajo

Jeff Ballard – batería

Ian Ballamy – saxofones

Graeme Flowers – trompeta 


Sello discográfico: Hexagonal Records   

Grabado en Real World Studios, UK, 3-4 septiembre 2025

Publicado el 28 de agosto de 2026


Tras una formación clásica inicial, John Donaldson comenzó su carrera profesional a principios de la década de 1970 con bandas como Big Grunt, Armada y el cantante Lenny Zakatek. También trabajó como músico de sesión para sellos discográficos como DJM, MAM y Transatlantic. En 1975 estudió en el City Literary Institute de Londres con Stan Tracey y asistió a la Barry Summer School en el sur de Gales, donde recibió clases de John Taylor, Gordon Beck y Johnny Burch. En 1978, mientras estudiaba en el Cambridge Art College, se involucró en la escena del jazz, actuando con el trío residente del Cambridge Jazz Club junto a Chucho Merchán y Nic France, acompañando a solistas invitados. A partir de 1982 residió en California, donde actuó con destacados músicos locales como Larry Grenadier, Jeff Ballard, Donny McCaslin, Eddie Marshall, Kenny Wollesen, Ray Drummond y Ben Goldberg. También actuó con Joe Henderson, Eddie Henderson, Red Holloway, Steve Turre, Eddie Daniels, John Handy, Richie Cole, Paul Jackson, David Baker y Laurindo Almeida.

De regreso en el Reino Unido, ha actuado con grupos liderados por Don Weller, Iain Ballamy, Art Themen, Peter King, Clark Tracey, Alan Barnes, John Etheridge, Dick Pearce y Norma Winstone. Entre sus colaboraciones destacan sus apariciones con Art Farmer, Gentle Giant, Pete Brown, Kenny Wheeler, Conte Candoli, Freddie Hubbard, Buddy DeFranco y Terry Gibbs, Steve Grossman, Ingrid Jensen, Jon Gordon y Eric Alexander, así como con artistas tan diversos como DJ Tim Deluxe, Larry Adler y Arthur Brown.

En la década de 2000 realizó una gira por el Reino Unido junto a Bheki Mseleku, y posteriormente una gira internacional interpretando la música de Gentle Giant junto a los miembros originales Kerry Minnear y Gary Green. También fue director musical y coautor de Pete Brown durante la última década de su vida, contribuyendo a grabaciones como “The Shadow Club” (con Eric Clapton) y “Heavenly Cream” (con Ginger Baker).

Ha producido cientos de temas para televisión y cine, incluyendo Gone Girl, Stranger Things, The Marvelous Mrs. Maisel y Grey's Anatomy, y ha aparecido en pantalla junto a actores como Gillian Anderson en “The Fall” y Helen Mirren en “Painted Lady”.

Ha participado en numerosas grabaciones, incluyendo seis álbumes como líder: “Parousia” (Progressive, 1985), “Meeting in Brooklyn” (Babel/Koch Jazz, 1993), “Sing the Line” (Red Dot, 1996), “Live at Appleby Festival” (Trio Records, 2005), “Music Box” (Woodville, 2007) y “We Were Together, I Forget the Rest” (Hexagonal Records, 2026). En 2006 ganó el premio de piano en los British Jazz Awards.

John Donaldson se ha convertido en uno de los pianistas más interesantes del Reino Unido.

Desde su álbum “Meeting in Brooklyn” de 1994, con Victor Lewis, Ray Drummond e Iain Ballamy, las grabaciones del pianista británico John Donaldson siempre han demostrado ser auténticas joyas, repletas de canciones intrigantes y ricas en matices, a menudo acompañado por destacados músicos estadounidenses y británicos.

En definitiva, con una trayectoria de más de cincuenta años, el pianista y compositor John Donaldson publica su nuevo álbum, “We Were Together, I Forget the Rest”, escrito y dedicado a la memoria de su difunta esposa, Agatha Coffey. Reúne a un elenco excepcional de colaboradores vinculados a diferentes etapas de la vida de Donaldson, como Norma Winstone, Jeff Ballard, Iain Ballamy, Rob Luft, Graeme Flowers, Tom Mason y Rebecka Edlund. Esta formación refleja más de cinco décadas de relaciones musicales: trabajó por primera vez con Ballamy a finales de los 70, con Ballard durante su etapa en California en los 80 y con Winstone a lo largo de los 90.

Grabado en dos días de septiembre de 2025, en los estudios Real World Studios,  estudio fundado por Peter Gabriel.

Varios músicos llegaron con poca o ninguna preparación, pero no es problema, y en lugar de depender de extensos ensayos, la grabación se basó en la confianza, la espontaneidad y la comprensión musical compartida.

Todas las canciones han sido compuestas por Donaldson, excepto la letra de “Into The Night”, escrita por  Norma Winstone.

Voces sin letra, a modo de himno,  introducen el tema inicial, “Prayer for Tomorrow”, y se desarrolla a través de voces rítmicas sin letra antes de que el bajo y la batería intensifiquen el pulso, emergiendo un ritmo potente, complejo, donde los solos se suceden de forma natural.

A través de las luminosas ráfagas de guitarra de Luft y preciosas intervenciones de Ballamy, una melodía llena de swing cautiva al oyente. Un fantástico solo de Donaldson da paso a la voz de Edlund con sus estallidos vocales percusivos. Ballard, como es habitual en él, con su enorme sensibilidad y energía, aporta matices insospechados, apoyando los del resto de intérpretes.

En completo contraste, le sigue la conmovedora "Song For Agatha", dedicada a su fallecida esposa. Una melodía interpretada por la joven Edlund y la octogenaria Winstone, fusionando sus voces mientras el soprano de Ballamy fluye con gracia. Esa apertura etérea, se transforma, inesperadamente  en una   emotiva y gloriosa improvisación rítmica, con la trompeta de Flowers y el soprano de Ballamy dialogando con una fuerza que conmueve, mientras Luft destaca con potentes líneas melódicas y efectos. Con un  emotivo cierre a capella, termina esta hermosa canción, uno de los momentos destacados del álbum.

En “Chanterelle” , la poética voz de Edlund se  acompaña por el piano de Donaldson, alejado de melodías pegadizas, que te va cautivando poco a poco. Mason elabora fluidas líneas de bajo, junto a Ballard. Una preciosa balada.

Voces sin palabras de Winstone y Edlund son el epicentro de “They Danced”, con el piano de Donaldson y la guitarra de Luft, creando solos mágicos y enérgicos. Ballard a tope, abriendo espacios infinitos junto a Mason. Otra pieza fantástica.

“Evening Song” comienza con sencillez, nada espectacular, pero se percibe una tensión contenida que da paso a Luft y Ballamy para emocionarnos con sus solos. Mason y Ballard, impecables,  impulsando y coloreando todo lo que les rodea.

Winstone escribió la letra de “Into the Night”, cuya melodía habla de pasiones indefinidas. Donaldson nos brinda un precioso solo, relevado por Luft que introduce un enfoque diferente, con sus habituales ráfagas y emocionantes frases repetidas.

El disco termina con la conmovedora “New Dawn”, una canción contemplativa, con Mason protagonizando un emotivo solo que cede el testigo a la guitarra de Luft, siempre evocadora. Una suave voz sin letra pone fin al álbum con introspectiva serenidad.

“We Were Together, I Forget the Rest” es un álbum profundamente personal y conmovedor. Una forma de sobrellevar la pérdida de su esposa, pero también de celebrar la vida que compartieron.

Uno de los mejores álbumes de 2026.

La Habitación del Jazz




martes, 1 de septiembre de 2026

EVENING SKY CD: Meeting of the Four

 


Pistas

1.For Ernest 2.Bad Choices 3.Mysterious Wisteria 4.Coffee Monster 5.Ballz Out 6.Excellent Question 7.Wanskuckin' 8.Blue Leisure Suit 9.Sunday Afternoon


Intérpretes

Eric Hastings – batería,percusión,órgano Hammond, Moog

Chris Brooks – pedal steel guitar

Joe Potenza - bajos

Gino Rosati – guitarra eléctrica


Publicado el 26  de junio de 2026


Evening Sky es un cuarteto de Rhode Island (EEUU) que posee un sonido que fusiona la pedal steel guitar, soul, jazz, ritmos reggae y narrativa cinematográfica. Han colaborado con diversos músicos y vocalistas invitados. Está formado por Chris Brooks en la pedal steel guitar, el bajista Joe Potenza, el guitarrista Gino Rosati  y el baterista Eric Hastings, quien también toca el órgano Hammond y el sintetizador Moog. Todos ellos dominan sus instrumentos y tocan sin egocentrismo, al servicio del colectivo y de la música, dándose espacio de forma natural y relajada, reflejando que, además, hay amistad entre ellos.

El cuarteto es poco conocido fuera de los EEUU y en concreto en Europa.

Presentan su nuevo álbum instrumental, “Meeting the Four”, donde todas las piezas son originales y fluyen con naturalidad y de forma coherente.

El título del álbum hace referencia a un fenómeno astronómico que periódicamente hace visibles en el cielo nocturno cuatro de los planetas más brillantes de nuestro sistema solar (Júpiter, Venus, Marte y Saturno).

El álbum bebe de la profunda tradición de la música de raíces estadounidense con toques de improvisación jazzística.

El tema de apertura, "For Ernest", compuesto por Chris Brooks, rinde homenaje a la leyenda de la guitarra jamaicana Ernest Ranglin, fusionando ritmos reggae y dancehall. Canción ligera, jovial y bailable.

Le sigue “Bad Choices”, firmada por Gino Rosati, otra pieza desenfadada, que homenajea en cierta medida a Booker T. & The MG’s.

“Mysterious Wisteria” de Gino Rosati, es una pieza interesante, atmosférica, que captura la faceta cinematográfica de la banda. Un tema instrumental lento, con matices bluseros y funky.

"Coffee Monster" compuesto por  Erid Hastings y Gino Rosati, con sabor a los años setenta, incrementa la tensión en comparación a lo escuchado del álbum hasta ahora.

Erid Hastings y Gino Rosati firman tambien “Ballz Out”, un tema vibrante donde el bajo y la batería son parte fundamental impulsando este tema a terrenos roqueros.

Lo mismo podríamos decir de “Excellent Question”, de Gino Rosati, pero de forma más tamizada.

“Wanskuckin’” compuesta por Eric Hastings, nos adentra en sonidos sureños. Dedicada a un famoso parque para perros en Rhode Island, un tema juguetón interpretado con elegancia. 

Los dos cortes que cierran el álbum son composiciones de Gino Rosati. "Blue Leisure Suit" es posiblemente el tema más jazzísitico de los nueve y de los que más me han gustado.

Por su parte  “Sunday Afternoon”, es una nueva versión de una canción que apareció originalmente en el EP  que publicaron en 2022, titulado “The Long Weekend”. Una relajante pieza de pop-country.

“Meeting the Four” es un álbum que no requiere une escucha atenta, que invita al oyente a dejarse llevar por una experiencia agradable, sin más expectativas.


La Habitación del Jazz


lunes, 31 de agosto de 2026

VEDA & THE STRING MACHINE CD: Rise And Shine

 


Pistas
1.Ancestors 2.Butterfly Tree 3.Rue de l'Etuve 4.Lost In A Toybox 5.Farewell 6.Rise And Shine 7.Too Much Coffee 
Intérpretes
Veda Bartringer - guitarra
Julien Cuvelier - saxofón 
Laurent Péckels - contrabajo
Maxime Magotteaux - batería
Julien Gillain - violín
Laurène Schuller - violín
Marie Ghitta - viola
Béatriz Jiménez - chelo
Invitados
Naïssam Jalal - flauta (6)
Margaux Vranken – piano (3)

Publicado el 6 de junio de 2026

Veda Bartringer es una guitarrista y compositora luxemburguesa cuya obra explora la confluencia del jazz, la música clásica y la música del mundo. Su trayectoria musical comenzó a temprana edad: empezó a tocar el piano clásico a los ocho años, estudió guitarra clásica con Jean-Jacques Wathgen a los catorce y dos años después incorporó el canto lírico a su repertorio artístico. Estas tres disciplinas han seguido influyendo en su expresión musical a lo largo de su carrera. Bartringer descubrió el jazz, un punto de inflexión que la llevó a estudiar con músicos de renombre como Pit Dahm, Pol Belardi, David Laborier, Jacques Pirotton y Erik Teuwens. Su pasión por la improvisación y la exploración armónica la condujo al Real Conservatorio de Bruselas, donde completó una maestría en guitarra de jazz en 2022. Durante sus estudios, recibió la tutoría de Fabien Degryse, Victor Da Costa, Fabrice Alleman, Manu Hermia, Pete Churchill, Arnould Massart y François Decamps. A través de estas experiencias, se adentró en diversos mundos musicales, desde la música brasileña e india hasta el jazz fusión y el funk, forjando una identidad artística única, arraigada en la apertura y la curiosidad. Es una figura activa en las escenas de jazz belga y luxemburgués, y participa en varias colaboraciones. En 2019, cofundó un dúo con el guitarrista Joël Rabesolo. Desde 2020, también lidera su propio grupo, el Veda Bartringer Quartet, junto a Julien Cuvelier, Boris Schmidt y Maxime Magotteaux. El cuarteto lanzó su primer álbum, “Deep Space Adventure”, en abril de 2024, inspirado en textos y fotografías de la NASA y ofreció una profunda exploración del enfoque creativo de la guitarrista y compositora hacia el jazz contemporáneo. Ese mismo año, fue seleccionada como laureada del programa Propulsion y nominada a Mejor Artista Revelación en los Premios de la Música de Luxemburgo.
Entre 2021 y 2023, colaboró ​​con la cantante belga Ann Vandenplas, actuando como dúo acústico. Desde 2023, forma parte del Ensemble à Plectre municipal d’Esch-sur-Alzette, bajo la dirección de Juan Carlos Muñoz, y ha iniciado un nuevo proyecto con la cantante Anna Winkin, explorando el diálogo íntimo entre guitarra y voz.

Bartringer presenta “Rise and Shine” bajo un proyecto que llama Veda &  The String Machine. A su cuarteto se añade otro cuarteto, pero esta vez de cuerdas, y dos invitadas: la aclamada flautista Naïssam Jalal en el tema que da título al álbum, “Rise and Shine”, y a la prometedora pianista belga Margaux Vranken en “Rue de l’Étuve”.

El título del álbum, “Rise And Shine”, hace referencia a una frase que ha caracterizado toda la infancia y la vida adulta de Bartringer. Las composiciones, todas originales, reflejan momentos autobiográficos, centrándose en experiencias y emociones personales, durante diferentes etapas de la vida de Bartringer. 

El álbum comienza con “Ancestors”, una canción con un inicio absolutamente clásico a cargo de la sección de cuerdas, con reminiscencias indúes, para acto seguido entrar el saxo y resto de instrumentos. Sonidos cinematográficos a los que se une la guitarra eléctrica de Bartringer aportando un toque roquero. Esta composición es todo un homenaje a los que nos precedieron, a los consanguíneos y que gracias a ellos, estamos aquí. 

El álbum tiene una clara predilección por la estética clásica, como puede apreciarse en “The Butterfly Tree”. La interpretación de Cuvelier al saxo introduce un elegante e interesante toque jazzístico. “Butterfly Tree”, originalmente incluida en el EP “The Butterfly Effect” de 2022, fue arreglada para cuerdas en este nuevo álbum y aborda aspectos de renovación, transformación y crecimiento personal.

En su música, Bartringer busca la autenticidad, la libertad y la conexión emocional, creando música en sintonía con la  narración y el diálogo cultural.
Inspirada en Bruselas, donde Bartringer estudió y vivió, “Rue de l’Étuve” expone ese periodo con lo que la artista describe como un “vibrante retrato urbano”. La nostalgia se siente. Aquí está acompañada por la pianista belga Margaux Vranken. Un tema muy interesante.

“Lost In A Toybox”, inspirada en recuerdos de la infancia y el sonido de una caja de música. Bartringer fusiona de forma natural la música de cámara con el jazz y el rock.

“Farewell”, transmite esa sensación de desasosiego, nerviosismo, culpabilidad, tristeza, tensión, que supone el fin de una relación. Un tema introspectivo lleno de emociones y sentimientos diversos. El grupo y el cuarteto de cuerdas, funciona como una máquina perfectamente engrasada.

El tema que da título al álbum, “Rise and Shine” cuenta con la flautista Naïssam Jalal, a quien dedica la canción. Un relajante, y a la vez, intenso  tema con ritmos irregulares. El trabajo de Péckels al contrabajo y Magotteaux en la batería, es excepcional. Pero destacaría sobre todo la fantástica interpretación de Jalal, de una intensidad y emoción pocas veces escuchadas con la flauta. Una pieza maravillosa.

El álbum concluye con “Too Much Coffee”, una estimulante descarga de cafeína, con cierto sabor a tango argentino.

Bartringer destaca por el dominio de la guitarra pero también por sus composiciones, su capacidad para  reinventar continuamente su música.
Aunque la música de Bartringer transmite calma, posee una vibrante energía que resulta cautivadora.

Sin duda, “Rise & Shine” es una obra hermosa y llena de matices, y representa otro éxito dentro del catálogo en constante expansión de Bartringer.

La Habitación del Jazz



jueves, 27 de agosto de 2026

ANTHONY STRONG CD: And Then We Kiss

 


Pistas

1.Some Enchanted Evening 2.My Favourite Things 3.Can’t Help Lovin’ Dat Man 4.Love For Sale 5.If You Leave Me Now 6.The Things We Did Last Summer 7.Where Is Love? 8.While We’re Young 9.It’s Not Unusual 10.I Don’t Care If The Sun Don’t Shine 11.Twilight Time 12.No Two People 13.Pennies From Heaven


Intérpretes

Anthony Strong – voz

Pamina Beroff – voz (5,12)

Nick Fitch – guitarra

Joel Barford – batería

Spencer Brown -bajo 

Brandon Allen – saxo tenor

Orquesta de cuerdas

Violines: Tom Kemp (primer violín), Thom Gould,Tina Jacobs-Lim, Anne-Marie Curran, Marcy Buta, Raj Halder, Una Palliser, Penny Aimsco, Litsa Tunnah, Tom Piggott-Smith 

Violas: Rachel Robson, Cress Wislocki, Sarah Mckenna

Chelos: Kirsten Jenson, Jocasta Whippy, Olivia Da Costa


Sello discográfico: Guaranted Records   

Publicado el 31 de julio de 2026


Anthony Strong nació en Croydon, una ciudad cercana a Londres que, un año después, se incorporó administrativamente a la capital inglesa, convirtiéndose así en un distrito del Gran Londres. Pasó su juventud rodeado de música. A los dos años, construyó una batería con ollas y sartenes en la cocina de su madre, y desde el principio quedó claro que la música desempeñaría un papel fundamental en su vida.  Tras estudiar como becario en la prestigiosa Whitgift School de Croydon, Strong continuó sus estudios de piano jazz en la Purcell School of Music, la Royal Academy of Music y en la Guildhall School of Music & Drama. Inicialmente recibió una formación clásica, para luego especializarse en piano jazz en esta última. Fue durante su estancia en la Guildhall cuando Strong se labró una reputación como hábil arreglista y acompañante, trabajando con algunos de los cantantes y artistas más talentosos de Londres. El canto, que hasta entonces había quedado en segundo plano frente al piano. Su temprana fascinación por Oscar Peterson, Bill Evans y Wynton Kelly lo llevó finalmente a Frank Sinatra, Mel Tormé y Nat King Cole. A pesar de su excelente formación, fue una inesperada oferta para ser suplente de Jerry Lee Lewis durante nueve meses en un musical del West End londinense lo que quizás marcó su carrera de forma más notable hasta llegar a donde está hoy, desarrollando una puesta en escena y una conexión con el público que caracterizan sus actuaciones en directo.

Tras dejar el Guildhall, Anthony se unió a su amigo y mánager Matt Fripp para producir “Delovely”, su primer EP, lo que le supuso recibir numerosas ofertas de contratos discográficos de toda Europa, firmando finalmente, en 2023,  con el sello parisino “Naive Records”. Tras dos discos con Naive “Stepping Out” y “On A Clear Day”,  Strong comenzó a girar por Europa y, posteriormente, por todo el mundo. Con el lanzamiento de su cuarto álbum “Me and My Radio”, alcanzó el éxito en Spotify, con más de 10 millones de reproducciones.

Strong sigue viviendo en las afueras de Londres, donde continúa planeando nuevos álbumes y proyectos, además de ser el padre de un precioso caniche toy llamado Miles Davis.

Casi dos décadas después de su álbum debut, el cantante y pianista británico regresa con “And Then We Kiss”,  una celebración atemporal del amor que combina su cuarteto de larga trayectoria con una orquesta de cuerdas.

Trece canciones que abarcan Broadway, el Gran Cancionero Americano y el pop clásico, escritas por algunos de los compositores más influyentes del siglo XX, con nuevos arreglos de Strong, realzados por las exuberantes orquestaciones de cuerdas de Callum Au (Michael Bublé, Quincy Jones, Jamie Cullum...).

La grabación se inició en enero de 2025, y tras varias pausas, finalizó en enero de 2026.

Además de Strong, la formación principal incluye al guitarrista Nick Fitch (Orquesta Nacional Juvenil de Jazz), al contrabajista Spencer Brown (big band de Frank Griffith, Purpoise Corpus) y  al baterista Joel Barford (Nigel Price Organ Trio).

Junto a ellos, dos invitados: la vocalista Pamina Beroff ("Unfolding") y el saxofonista Brandon Allen (QCBA, Sax Appeal...). Strong añade un toque sinfónico a su álbum invitando a participar a la Orquesta de Cuerdas de dieciséis músicos dirigida por Tom Kemp.

El trabajo de Strong como arreglista constituye la base estructural del álbum, quien coloca en los dos primeros cortes del álbum sendas canciones escritas por el compositor Richard Rodgers  y el libretista Oscar Hammerstein II .

La primera, considerada por Andrew Lloyd Webber como "el mejor número musical" en la historia de la música mundial, es "Some Enchanted Evening" del musical "South Pacific", estrenado en 1949. Strong interpreta este cuento navideño con un toque sinfónico y formal.

La segunda es "My Favorite Things", una de las preferidas por John Coltrane, también de un musical, en esta ocasión "The Sound of Music". Strong la canta fenomenalmente, destacando también  el saxofón de Brandon Allen y las majestuosas cuerdas. 

La tercera canción, "Can't Help Lovin' Dat Man", también fue escrita por Hammerstein, pero compuesta por Jerome Kern . Es la canción más antigua del álbum, habiendo aparecido por primera vez en 1927 en el musical "Show Boat". Strong le da un toque algo pop, y se acompaña al  piano.

"Love for Sale" fue escrita por Cole Porter  para el musical "The New Yorkers" en 1930. La versión es muy rítmica, despojada de toda carga emotiva. Solo de guitarra de Nick Fitch.

“If You Leave Me Now”, es la canción más reciente del álbum.  Escrita por Peter Cetera en 1976 por la banda de pop-rock Chicago. Strong cuenta con Pamina Beroff como invitada. Ligero sabor a bosa nova.

“The Things We Did Last Summer”, fue escrita por Jule Styne la música y Sammy Cahn la letra en 1946. Una bonita canción que transmite optimismo.

La balada “Where is Love?” fue escrita por Lionel Bart  para el musical de 1960 “Oliver!”, basado en la novela de Charles Dickens.  Strong la interpreta fiel al original, donde destacan las cuerdas y el sutil solo de guitarra.

En “While We're Young”, escrita por el compositor Alec Wilder  y el letrista William Engvick en 1943, destaca el saxofón de Allen. 

La conocidísima “It's Not Unusual” fue escrita por Les Reed la música y Gordon Mills la letra en 1965, y se hizo famosa en los años 60  gracias al “Tigre de Gales”, Tom Jones. Strong se mantiene fiel a la versión de Jones, pero, claro está, salvando la diferencia de tono de voz de uno y otro. 

Strong arregló "I Don't Care If the Sun Don't Shine" escrita por Mack David en 1949, para que cupiera, en su corta duración, solos de guitarra, contrabajo y dos de piano, todo ello con un gran swing.

La no menos conocida "Twilight Time", escrita por miembros de la banda The Three Suns y el letrista Buck Ram en 1944, es otra canción cercana al pop elegante de la época.

"No Two People" escrita en 1962 por Anthony Newley y Leslie Bricusse para el musical "Hans Christian Andersen", tiene matices jazzísitcos y también cuenta con la invitada Pamina Beroff. Canción simpática y alegre.

El disco cierra con una de las canciones más famosas del compositor Arthur Johnston y el letrista Johnny Burke, “Pennies from Heaven”, escrita en 1936. Un cierre alegre, que deja un buen sabor de boca.

El romance y el amor, en sus distintas variantes, está presente en cada una de las trece canciones que integran el álbum, convirtiendo “And Then We Kiss” en un álbum para aquellos que tienen amor, lo buscan o lo han perdido.

Un trabajo elegante y cercano.

La Habitación del Jazz

martes, 25 de agosto de 2026

CAKTUS x OJKOS CD: Øyeblikk

 

Pistas

1.Stærk strøm 2.Kalvøya 3.Fornebu 4.Trollhättan 5.Min have 6.Det nye år 


Intérpretes

Maria Dybbroe – clarinete,  saxo alto  

Camilla Hole – saxo soprano  

Sigrid Aftret – saxo tenor, flauta 

Tina Lægreid Olsen – clarinetes,  saxo barítono  

Tancred Heyerdahl Husø – trompeta 

Sounds Øvreås Røed – trompeta 

Magnus Murphy Joelson – trombón 

Johannes Fosse Solvang – trombón 

Jørgen Bjelkerud – trombón 

Arne Martin Nybo – guitarra 

Thorbjørn Kaas – chello 

Petter Asbjørnsen – contrabajo  

Aleksander Hoholm – contrabajo  

Knut Kvifte Nesheim – batería  

Tobias Andreassen – batería


Sello discográfico: Sonic Transmission Records

Publicado el 29 de mayo de 2026


Maria Dybbroe es una saxofonista, clarinetista improvisadora y compositora danesa que vive en Copenhague y Oslo. Forma parte del colectivo de improvisadores “The Community”, del sello Barefoot Records, y organiza festivales y conciertos con Sun Ship en Aarhus, Dinamarca. En los últimos años, ha sido una intérprete muy activa, atraída por la escena danesa del jazz experimental y la música improvisada.

También da conciertos en solitario, forma parte del trío de improvisación Køs (que lanzó el álbum “An Uncaught Bird” en 2020), el trío de saxo Coriolis, el quinteto de saxo Sidechains, el Coro de Clarinete de Copenhague, el Espíritu de la colmena de Jacob Anderskov  y el dúo Orsa. Además de estos grupos, a menudo es invitada como solista.

A lo largo de los años, ha lanzado nueve álbumes como líder y ha colaborado en más de veinte. Como curiosidad, decir que trabaja con notación gráfica e instrucciones escritas, además de las partituras convencionales.

Es miembro de la OJKOS y compuso dos obras de larga duración para la orquesta en 2023 y 2024

En el periodo 2026-2027 participa en el programa Jóvenes Artistas de Élite de la Fundación Danesa de las Artes, con Bugge Wesseltoft como mentor. Ha declarado que su prioridad es seguir explorando nuevos horizontes.

Es la compositora y fuerza principal de Caktus, grupo que fundó en Aarhus (Dinamarca) en 2017, con una instrumentación única que combina cuerdas, vientos y sección rítmica, y que se ha consolidado como uno de los conjuntos jóvenes más singulares de la escena del jazz escandinavo, con quien lanzó el álbum debut “Under Solen” en 2020,  que le valió una nominación al premio Steppeulven como Compositora del Año y una nominación al premio Danish Music Awards Jazz como Álbum del Año, y “Flimrende” en 2023.

Este tercer álbum que acaba de editar, “Øyeblikk”,  expande el sonido original de Caktus fusionándose con la  orquesta noruega OJKOS (Oslo Jazz Composers Orchestra) reconocida desde hace años como una de las orquestas más sobresalientes de Europa, colaboradora habitual de muchos músicos escandinavos.

El título “Øyeblikk” (que significa “momento”) alude tanto a la naturaleza efímera de la experiencia vivida como a la inmediatez de la música misma que, en un concierto, solo existe en el presente. Pero la música grabada, como en este álbum,  nos permite capturar y revivir instantes, rememorar viejos instantes y, al mismo tiempo, crear otros nuevos mientras escuchamos la música de nuevo. 

Las composiciones del álbum se inspiran en las experiencias personales de Dybbroe, quien vivió entre Dinamarca y Noruega, especialmente durante su estancia en Oslo y sus alrededores.

“Øyeblikk” comienza de forma sorprendente.  “Stærk strøm” arreglada con Peter Jensen, en danés tiene un doble sentido: corriente eléctrica y agua rápida. Un saxo vacilante, una percusión suave y un tono melancólico dominan el espacio sonoro. Poco a poco se incorporan otros instrumentos, cuerdas principalmente, que van tejiendo una melodía, relajada y reflexiva.  

En lugar de adherirse a las convenciones tradicionales de las big band, la música explora un enfoque más fluido y contemporáneo.

"Kalvøya" emula un paisaje pastoril, bañado por un suave sol de mañana, cantos de pájaros, sonidos irregulares, instrumentos que se van incorporando , que se abren paso, tejiendo un todo. El grupo acelera el tempo y comienza a moverse. Fantásticos los metales, en especial la trompeta. La naturaleza en estado puro, servida a través  de una potente e intensa interpretación. 

“Fornebu” comienza con la ligereza de una flauta y la percusión por detrás. La naturaleza de nuevo es la protagonista, impulsada por los metales. Sorprendentemente, la tensión surge de forma natural sin volumen excesivo. El efecto es cinematográfico, casi arquitectónico, guiando al público a través de estados de ánimo y atmósferas en constante cambio.

 “Trollhättan” se inicia con un cencerro y cañas, seguido de un estruendo de sirena, como de transatlántico, que augura malos presagios. Toda una narrativa inspirada en esa mítica ciudad Trollhättan, llena de leyendas, siempre evocadora de fantasías, trolls y bosques oscuros.

Dybbroe aprovecha al máximo las posibilidades de la big band, pero dejando espacio para que las individualidades. Un perfecto equilibrio entre intimidad y grandiosidad, donde emergen paisajes musicales fluidos, cuyos colores y texturas cambian constantemente.

“Min Have”, comienza de forma solemne, trasladándonos a otra época, imperial. Una aparente calma se adueña del espacio. Lo moderno y lo clásico se funden. La pieza transita entre momentos frágiles y táctiles y pasajes más amplios y expansivos, con un fuerte énfasis en el timbre y el espacio.

Los títulos reflejan lugares, eventos y estados emocionales específicos, como es la Nochevieja en el corte titulado “Det Nye År”. Se trata de una pieza, en cierta medida, relajante, donde se perciben los sentimientos ambivalentes de esa noche especial, la esperanza,  la nostalgia, lo perdido y lo que está por llegar. 

Las transiciones se suceden, cambiando la atmósfera continuamente. A pesar de una estructura instrumental  compleja, Dybbroe logra ofrecer un sonido íntimo, casi frágil.

“Øyeblikk” no es jazz propiamente dicho, tampoco deja de serlo en muchos momentos, pero sí es un sonido dinámico, en constante evolución, con evidente personalidad, donde tanto el material de nueva composición como las piezas re elaboradas del repertorio de la banda adquieren una nueva profundidad y complejidad.

Las sucesivas escuchas, revelan nuevos detalles emocionales que este organismo vivo, la orquesta, produce, como si de una respiración se tratara.

Una producción arriesgada, ambiciosa, cuyo resultado es un universo sonoro rico en capas y sensaciones. 

La Habitación del Jazz





lunes, 24 de agosto de 2026

TRIMURTI CD: Trimurti

 


Pistas

1.Mondering 2.Sonho de Elefante 3.A Ver 4.Caminhando 5.Manteiga Azul – Opus 1 Elísio 6.Flow 7.Três Alegres Tigres

Intérpretes

Leon Baldesberger - trompeta

Luís Henrique - bajo

Maximiliano Llanos – batería


Sello discográfico: MdC Records

Grabado en febrero de 2026

Publicado el 3 de julio de 2026


Leon Baldesberger nació en Faro (Portugal). Empezó a tocar la trompeta a los 9 años y entró en el Conservatorio Regional del Algarve a los 12, donde permaneció durante 7 años. Entre 2001 y 2007 asistió a varios Workshops bajo la dirección de Zé Eduardo, en los que tuvo como docentes a exponentes de la escena neoyorquina. En 2008 se traslada a Zürich (Suiza), donde estudia Jazz Trompeta en la Escuela Superior de Música de Zürich (ZHdK). Su proyecto de licenciatura (Meersalz) fue nombrado Best of Swiss Jazz Bachelor en 2012 y dos años más tarde volvió a ser evaluado con la puntuación más alta en el concierto final del Master. Trabajó con profesores como Daniel Schenker, Matthieu Michel, Chris Wiesendanger, Andreas Wulf y Kaspar Ewald. Asistió a clases magistrales con Maria Schneider, Nils Petter Molvaer, Alex Sypiagin, Bob Moses, Armen Donelian, Nik Bärtsch, Andreas Vollenweider. En 2013, fue nominado por ZHdK como estudiante para participar en la reunión anual de la IASJ (Asociación Internacional de Escuelas de Jazz, dirigida por David Liebman), donde tomó Masterclasses con Jörg Engels, Jeff Siegel y Nick Smart. Además de liderar su proyecto "Meersalz", con el que lanzó su CD debut "Störfaktor" en 2016, seguido de "Odd Matters" (Blue Asteroid Records) en 2019, "Grilled Orange" en 2021 (ver reseña en este blog)  y "NIM" en 2023, participa en numerosos proyectos como acompañante, en particular Zürich Jazz Orchestra, Lukas Brügger Jazz Orchestra, Suma Covjek, Orquestra de Jazz do Algarve entre otras. Actualmente colabora en varios proyectos, como trompetista y como compositor, como "Trimurti", "Nebuchadnezar Group", "Algarve Jazz Collective", "Marco Martins-Luz". Ha tocado con Pius Baschnagel, Chris Wiesendanger, Nicolas Stocker, Alexandre Frazão, Raphael Jost, Dena DeRose, Zé Eduardo, David Regan, João Paulo Esteves da Silva, Marena Witcher, Enzo d'Aversa, Theo Kapilidis, Christoph Grab, Bruno Pedroso y muchos otros

Maximiliano Llanos es baterista y compositor nacido en Madrid (España), hijo de bailarines argentinos. Desarrolló un gran Interés por la música y las artes escénicas desde muy pequeño. Siendo joven tocó con “Nómadas”, grupo de Rock dedicado a composiciones originales que se inspiraron en el sonido del estilo de los años 90. Luego de un viaje que duró 6 meses por los Estados Unidos de América, donde visitó diferentes estados del país, desarrolló un especial interés por el jazz y las músicas del mundo. De regreso a Portugal, junto con dos amigos de la infancia, comienza como uno de los mentores, un proyecto de Reggae Fusion “Raspect” que adquirió cierta notoriedad, moviéndose por Portugal y España, actuando en festivales. Debido al interés que trajo desde Estados Unidos por el jazz, decidió estudiar el lenguaje del estilo, y fue entonces cuando se va a vivir a Lisboa y empieza a estudiar en la escuela de Jazz Luiz Villas-Boas, donde estudia batería durante 3 años con Bruno Pedroso, asistiendo también a otros cursos como Historia del Jazz, Combo, Teoría, Entrenamiento Auditivo y Percusión Afrocubana con profesores como Bernardo Moreira, Afonso Pais, Luís Cunha, Gonçalo Marques, Tomás Pimentel y Osvaldo Pegudo. Tras finalizar sus estudios en el H.C.P. escuela, fue aceptado en el curso de Jazz en la Escuela de Artes de la Universidad de Évora donde estudia con Eduardo Lopes, Claus Nymark. Johannes Krieger, Benoit Gibson, Óscar Graça, André Fernandes, Filipe Mesquita y completa su carrera de instrumentista. Ha trabajado con Russ Lossing, Roland Heinz, Rick Margitza, Jane Monheit, Jorge Reis, Óscar Graça, Filipa Quintino, Ricardo Barriga, Tommy Moore, Isabel Rato, Rita Maria, Diogo Vida, Miguel Martins, Aurea, Rita Redshoes, Marisa Liz, Carolina Deslandes, Sara Afonso, Cornelius Adrianus, Zé Pedro Sequeira, Roger Benou entre otros. Actualmente participa en varios proyectos artísticos de los cuales se destacan: Nebuchadnezzar Group, Trimurti y Algarve Jazz Collective.

Luís Henrique es un bajista y compositor nacido en Faro (Portugal). Con formación en contrabajo clásico, ha desarrollado su actividad musical en una amplia variedad de géneros, desde la música tradicional portuguesa y otras tradiciones hasta el jazz, en formatos tan diversos como dúos y grandes orquestas de jazz. Participa activamente en varios proyectos originales y, en la última década, ha trabajado por toda Europa en festivales, giras, grabaciones y colaboraciones con figuras destacadas de la música. Apasionado por todo lo relacionado con el Algarve, pasa sus días rodeado de máquinas de café y siempre concentrado en la música.

Los tres forman el trío Trimurti. El trío nació de una relación construida a lo largo de varios años, donde los tres músicos se cruzaron en diferentes proyectos y contextos, lo que ayudó a moldear su identidad artística. Esta continua convivencia creó una sólida conexión, tanto musical como personal, que hoy se refleja en una comunicación casi intuitiva en el escenario. Cada elemento trae consigo un camino diferente y una sensibilidad propia, que se funden en un diálogo abierto y sin jerarquías. La ausencia de un instrumento armónico refuerza esta libertad, permitiendo la exploración de nuevos caminos en cada momento.

El nombre de Trimurti lo toman del grupo de los tres dioses hindúes más importantes presentes en las varias religiones que conforman el hinduismo. Los tres dioses que conforman el Trimurti actual en la mitología hinduista, son: Brahmā, el dios de cuatro cabezas que se ocupa de crear el universo; Siva, el dios salvaje que destruye el universo en el fin del mundo y Visnu, el dios de cuatro brazos, que preserva el universo.

El trío Trimurti, ha ido consolidando desde hace tiempo, culminando en este álbum, con un repertorio basado en la complicidad y la estética del jazz, que abarca desde ritmos vibrantes y melodías impactantes hasta momentos más contemplativos.

Tras una fase inicial dedicada a la interpretación de estándares de jazz, evolucionaron posteriormente hacia la creación de temas propios, concebidos específicamente para esta formación.

Su disco debut homónimo está editado por MdC Records, la editorial de Mákina de Cena, una estructura multidisciplinar en el ámbito de las artes escénicas, con sede en Loulé (Pofrtugal) desde 2018. La presentación del álbum tuvo lugar el pasado 30 de abril, Día Internacional del Jazz, en el Cineteatro Louletano, seguida de actuaciones en otros espacios.

Cada elemento aporta un camino diferente y su propia sensibilidad. Respecto al álbum, Leon Baldesberger no oculta su satisfacción: “Este álbum es muy importante para mí; de hecho, lo es para cada uno de nosotros tres. Llevamos varios años tocando con esta formación, y la idea de grabar una obra de música original ha ido creciendo. Cada uno compone para el proyecto, y es en la fase de arreglos conjuntos donde las composiciones crecen y toman forma”. Y añade: “No es un comienzo, ni mucho menos una meta; es más bien una imagen momentánea de este viaje”. “Lo veo como algo aparte, creado juntos”. “Cada elemento aporta sus puntos fuertes, no solo en términos musicales, sino también en términos organizativos y logísticos. Al basarse en el coliderazgo, se diferencia considerablemente de los proyectos en los que yo soy el líder, donde todo recae sobre mí”, añade el trompetista.

La ausencia de un instrumento armónico, combinada con la química entre los músicos, propicia una interacción muy libre, que se traduce en una experiencia sonora emocionante, en la que tanto los tres disfrutan como el público.

En general los temas del álbum irradian energía y potencia. La batería y el bajo, en gran parte de los cortes, son los encargados de poner los cimientos sobre los que se construye el armazón musical que sustenta cada pieza, con la incorporación posterior de la trompeta, aportando una relajación, que varía según se desarrolla la composición-improvisación. En dos de los cortes, ”Três Alegres Tigres” y sobre todo, “Flow”, el funky  domina la escena y la trompeta adquiere una tonalidad aterciopelada muy bonita, resultando uno de los temas más interesantes del disco. El cierre del disco, ”Três Alegres Tigres”, es una pieza muy alegre, optimista, que invita al baile, hasta que llegado el minuto siete, el silencio hace su presencia durante cinco minutos, para volver al tema incial y terminar los veinte minutos de duración del corte.

El trío también explora diferentes texturas sonoras mediante el uso estratégico del procesamiento electrónico aplicado a la trompeta y el contrabajo, incorporando efectos como armonizador, reverberación y distorsión, ampliando así la paleta tímbrica.

La propuesta de Trimurti es atractiva, contemporánea, original,  basada en la improvisación, la interacción y una sólida identidad artística.

En sucesivas audiciones del disco, se van descubriendo nuevos caminos sonoros. 

La Habitación del Jazz


viernes, 21 de agosto de 2026

SongAh Chae Trio CD: All Day Long

 


Pistas

1.Be Still 2.I Shall Not Want 3.Broken Spirit 4.Vindication 5.Come and See 6.In Time of Trouble 7.My Fortress 8.All Day Long 9.Mere Breath 10.Answer Me


Intérpretes

SongAh Chae – piano, órgano

Manos Stratis – contrabajo

Joshua Wheatley - batería


Grabado los días 25, 27 de febrero y 6 de marzo de 2026 en Hive Recording Studios, Valencia (España)

Publicado el 10 de julio de 2026


La surcoreana SongAh Chae es pianista y compositora residente en Valencia (España). Formada inicialmente en piano clásico, Chae se inclinó hacia el jazz tras descubrir el lenguaje rítmico y la libertad de la improvisación. Estudió en el Berklee College of Music de Boston (Licenciatura en Música) y continuó sus estudios de máster en Berklee Valencia (Máster en Artes), donde desarrolló un enfoque personal de la composición, que considera la improvisación como parte integral de la arquitectura musical. Influenciada por pianistas como Tord Gustavsen y Bobo Stenson, su obra fusiona melodías refinadas con una vitalidad rítmica, transitando con fluidez entre pasajes introspectivos e improvisaciones llenas de groove.

Chae ha actuado en festivales de toda Europa, como el EFG London Jazz Festival, el Festival de Jazz de Madrid, Feminajazz, el Fifty-Fifty Jazz Festival y el UPV Jazz Festival. Desde 2022, es artista residente del reconocido Jimmy Glass Jazz Bar de Valencia. Ha publicado cinco álbumes como líder.

El SonghA Chae Trio  es un conjunto de jazz contemporáneo centrado en un lenguaje musical minimalista y de gran atención al detalle, donde el espacio, el ritmo y la interacción dan forma a la esencia de su sonido. Formado en 2023, reúne a SongAh Chae (piano), el chipriota Manos Stratis (contrabajo) y el inglés Joshua Wheatley (batería), trabajando principalmente en el formato acústico de piano, contrabajo y batería, con el uso ocasional y sutil del órgano.

Wheatley, al establecerse en Valencia a los veinticinco años, grabó su álbum debut en solitario, "Crisis" (2017). Más tarde se dedicó a la enseñanza (incluso en Berklee Valencia), pero también formó su propio quinteto, que se dio a conocer en 2022 con el álbum "Joshua Wheatley 5tet Live at Jimmy Glass". Stratis, por su parte, lidera su propio trío y también participa activamente en la banda de rock psicodélico y folk Buzz'Ayaz, con sede en Nicosia, Chipre ("Buzz'Ayaz," 2024), además de ser miembro del cuarteto de la vocalista kurda Elana Sasson ("In Between," 2025).

Los tres residen actualmente en España, aunque sus caminos se cruzaron previamente lejos de Europa, en el prestigioso Berklee College of Music de Boston.

Desde su formación, el grupo ha actuado por toda Europa, incluyendo presentaciones en el EFG London Jazz Festival y una residencia en el Jimmy Glass Jazz Bar de Valencia (España).

El núcleo de la obra del trío es la Trilogía del Texto Sagrado, un proyecto de tres álbumes inspirado en textos sagrados. El primero, “In the Beginning” (2024) refleja las imágenes y la atmósfera del Génesis, mientras que el segundo, “Calling in the Wilderness” (2025) se inspira en los Evangelios, explorando temas como la vocación, la reflexión y la transformación.

“All Day Long”, su último lanzamiento hasta la fecha, es el tercero y capítulo final, inspirado en los Salmos,  completando así una obra que traduce las Escrituras al jazz contemporáneo mediante la composición narrativa y la improvisación colectiva.

El material que integra el disco se desarrolló a través de presentaciones en vivo antes de la grabación, lo que permitió al trío refinar la música sin dejar de lado la espontaneidad en el estudio.

Junto al piano, el bajo y la batería, el sutil uso del órgano amplía la paleta sonora sin alterar la esencia del trío.

“Be Still”, abre con el contrabajo del chipriota  Stratis con sutiles matices asiáticos. Pero inmediatamente el sonido transita hacia espacios que trascienden la cuestión geográfica incluso la cultural. Chae recurre a sus raíces con elegancia y sobriedad antes de abrir la puerta a un lenguaje musical moldeado por la tradición clásica, la expresión romántica y un talento innato para la melodía contemporánea. Chae, con esta apertura, pone el listón  muy alto.

"I Shall Not Want" acelera un poco el ritmo, transmitiendo una sensación de ansiedad contenida, de lucha interna sin resolución aparente.El resultado es un sonido de conjunto transparente y profundo a la vez.

"Broken Spirit", comienza con un solo de batería y percusión algo militar, antes de que entren el piano y el contrabajo, creando una sensación misteriosa, que se adentra en una oscuridad intrigante que, de alguna manera, rompe el solo improvisado de piano (a lo Jarrett), acompañado de una sutil marcha de contrabajo y batería. Precioso tema.

“Vindication”, comienza con urgencia clásica, enérgica, alternándose en periodos más calmados. Stratis usa el arco que aporta profundidad e intensidad a la composición. La amplitud de influencias que Chae ha absorbido se dejan sentir en este tema.

"Come and See" comienza con un ritmo de marcha, sobre el cual Chae teje lentamente una historia no exenta de tristeza. Este tema toma algo de distancia con lo hasta ahora escuchado, pero la nterpretación de Chae  lo devuelve a la esencia del álbum. Wheatley, como en el resto del disco, está presente, discretamente presente, mostrando un talento y una técnica precisa.

“Para mí la música es un don divino. Comienza con una idea: una palabra, una imagen o un versículo bíblico que perdura. A través de nuestra interpretación, las notas y los silencios respiran y florecen, guiados por la composición pero cobrando vida plenamente en el momento de la colaboración. Cada actuación se desarrolla como un capítulo, una historia viva compartida con quienes la escuchan, transmitiendo el espíritu de la trilogía a través del sonido” afirma Chae.

“In Time of Trouble”, es una hermosa canción, nostálgica, sincera, una invitación, tranquila y conmovedora, a compartir momentos de paz. El órgano aporta un especial aire eclesiástico.

La introspectiva "My Fortress", con su tempo lento, acentúa la sensación melancólica, de dolor insoportable, opresivo y misterioso. De nuevo el sonido Jarrett está presente. 

La canción que da título al álbum, “All Day Long”, se basa en una frase repetitiva del órgano sobre la que gravita la primera parte del tema. En la segunda el piano toma protagonismo, relajando el ambiente, para de nuevo iniciar el ciclo. No es uno de mis temas favoritos, pero no desentona con el resto.

"Mere Breath" también posee un encanto inquietante. Tras una introducción de piano, el contrabajo toma el control,  creando una bella atmósfera, acompañada en todo momento por Chae y la sutil batería de Wheatley.

El cierre del álbum corre a cargo de “Answer Me”, donde el trío dialoga sin medias verdades, con sinceridad y honestidad  conmovedoras.

Los diez temas del disco fluyen con suavidad, casi hipnóticos, transmitiendo una profunda emoción.

La aparente sencillez, es eso, aparente, porque las composiciones de Chae encierran estructuras y desarrollos complejos llenos de encanto.

En este trabajo, el piano de Chae es el protagonista, pero Stratis y Wheatley van más allá de lo que sería un mero acompañamiento, y pasan a formar parte sustancial de la música que interpreta el trío.

“All Day Long”, es un álbum de detalles. Intelectualmente gratificante, sin abrumar,  además de cautivador desde el primer momento. De una belleza que sobrecoge y transmisor de paz interior.

Es de desear que el SongAh Chae Trio continúe durante muchos años mas y podamos disfrutar de su música. 

La Habitación del Jazz

miércoles, 19 de agosto de 2026

PRZEMYSLAW JAN GRABOWSKI CD: Jazz Mysteries

 



Pistas

1.My Dearest Christine 2.Forward Voyage 3.Footsteps Over The Horizon 4.Monsieur Green 5.Counting Sevens 6.Serenading The Morning Sun 7.Happy Beluga

Intérpretes

Przemysław Jan Grabowski - piano, Fender Rhodes

Camila Cortina Bello – piano, sintetizadores 

Emir Santa Cruz - saxo tenor

Kali Rodriguez-Peña – trompeta

Samer Sharawi – bajo eléctrico

Noam Tanzer – contrabajo

Andy Wilder – batería


Grabado:  Grabowski y Cortina Bello, en un estudio independiente en  Boston, USA, entre 2019 – 2022. Santa Cruz, en The Trabuco Music Recording Studio, Habana, Cuba, el 25 de  julio y el 22 de agosto de 2023. Wilder y Sharawi, en Konk Studios, Londres, UK el 22 de julio y 22 de agosto de 2024. Tanzer, en un estudio independiente en  Nueva York,  el 26 de marzo de 2025. Rodriguez-Peña, en un estudio independiente en Nueva York el 28 de mayo y 3 de junio de 2025.


Publicado el 10 de julio de 2026 


Przemysław Jan Grabowski, pianista y compositor polaco-australiano, actualmente residente en Washington, D.C.. aprendió a tocar el piano de forma autodidacta. “Desde muy pequeño, me apasiona la música, y más concretamente el jazz. Quizás empezó cuando era bebé, ya que mi padre ponía discos de Chick Corea para ayudarme a dormir o como música de fondo. A los catorce años nos mudamos y mis padres me compraron un piano para que pudiera empezar a tomar clases de música clásica. Sin embargo, las clases no funcionaron porque no me interesaba aprender lo que ya estaba escrito, sino crear mi propia música e improvisar. Fue entonces cuando empecé a grabar mis propias composiciones y a aprender por mi cuenta”, escribe Jan Grabowski en las notas del disco.

Grabowski lanza su álbum debut, “Jazz Mysteries”, acompañado de unos músicos, cuidadosamente seleccionados. El disco contiene siete composiciones originales de diferente calado.

“My Dearest Christine” abre el disco. Canción dedicada a su esposa, es una balada donde destaca el saxo de Santa Cruz y el contrabajo de Tanzer. Un tema suave que se escucha sin requerir excesiva atención. 

“Forward Voyage” es un tema más animado donde el saxo, con un sonido cálido y el piano toman el protagonismo de forma alternativa, ambos impulsados por el contrabajo y la batería 

“Footsteps Over The Horizon” fue compuesta para reflejar la esperanza de lo desconocido. Pieza animada y optimista donde la batería y el contrabajo vuelven a impulsar al resto de componentes de forma sutil pero efectiva. Bonito solo de Rodriguez-Peña a la trompeta.

“Monsieur Green” se inspiró en un amigo actor de Grabowski que lo animó a interpretar su música. El piano, el saxo, el bajo y la batería mantienen un ritmo constante y sencillo de principio a fin. La pieza nos trae sonidos identificables, pero no por ello, menos interesantes. Uno de los cortes más destacados. 

Sobre “Counting Sevens”, Grabowski dice: “Pensé que sería divertido escribir e improvisar sobre música que cambia de compás y esta fue la primera melodía que me vino a la mente”. Rodríguez-Peña y Santa Cruz conversan mientras Tanzer y Wilder siguen con su labor de impulsar las melodías. Otro tema por encima de la media.

“Serenading The Morning Sun” introduce un toque de jazz-fusión, con texturas de Fender Rhodes que recuerdan épocas pretéritas. La trompeta con sordina y el bajo eléctrico de Sharawi, son los elementos más novedosos de esta composición que no añade mucho más. 

El tema de cierre se titula “Happy Beluga”. En la línea del anterior corte. Grabowski se sienta en el Fender Rhodes, que aporta un sonido discotequero de los 60-70. Un final optimista sin exigencias adicionales.

Este trabajo tiene una característica principal, su espontaneidad y ganas de agradar, donde se prioriza la honestidad emocional sobre el virtuosismo inalcanzable. 

El trompetista Rodríguez-Peña y el saxofonista tenor  Santa Cruz aportan voces cálidas en conversaciones expresivas, que dejan alguno de los mejores momentos del álbum. Lo mismo podemos decir de los bajistas Tanzer y Sharawi, proporcionando bases acústicas y texturas de fusión eléctrica. Mención aparte merece el baterista Wilder, catalizador e impulsor de la musica, siempre con buen gusto y contención calculada, sin dominar la escena de forma innecesaria. La productora y pianista Cortina Bello, incorpora colores con su sintetizador y piano.

Grabowski, inteligentemente, no abruma con cascadas de notas, limitándose fundamentalmente a acompañar a sus colegas, sin peligrosas exhibiciones técnicas

“Jazz Mysteries” es un esperanzador debut discográfico de Grabowski.

La Habitación del Jazz


lunes, 17 de agosto de 2026

JAY MATHARU CD: Desillusion

 


Pistas

1.Atrophy 2.Bare 3.Cog 4.Deluge 5.Shruti 6.Chalo 7.Butterflies 8.Bittersweet 

Intérpretes

Jay Matharu - guitarra

Erik Brandell - saxo tenor 

Christine Lanusse - bajo eléctrico

Jacob Johnson - batería

 

Publicado EL 3 de julio de 2026


El británico Jay Matharu es guitarrista, compositor y explorador sonoro cuya música fusiona rock progresivo, jazz fusión e influencias globales en un sonido profundamente expresivo y sin ataduras de género. Residente en Uppsala, Suecia, ha desarrollado una voz distintiva arraigada en la narración melódica, la complejidad rítmica y la profundidad emocional.

Ha actuado y grabado con diversos artistas de renombre, como la banda sueca de metal Liv Sin, donde fue guitarrista principal y coautor de los temas “Kaliyuga” (2023) y “Close Your Eyes” (2025). Cofundó el trío internacional Dissonant Distance, cuyo álbum debut homónimo (2018) y “Consequences of the Light” (2022) se caracterizaron por la improvisación en directo y un compromiso compartido con la exploración musical.

Su trabajo con The London Sitar Ensemble, incorporó la guitarra sin trastes a composiciones interculturales, enriqueciendo el diálogo sonoro entre las tradiciones occidentales e indias.

Y con la banda de rock progresivo Mahavira exploró la guitarra sin trastes en un contexto rockero, contribuyendo a un sonido que fusionaba intensidad con sofisticación melódica.

Además de su trabajo en solitario, Matharu ha colaborado con diversos géneros, desde el trío de improvisación Dissonant Distance hasta su anterior rol como guitarrista principal y coautor de canciones en la banda de metal Liv Sin. 

Actualmente, participa activamente en The Castle, el proyecto liderado por el legendario vocalista de Candlemass, y también colabora con la banda de metal sinfónico progresivo Hexed. Además, continúa desarrollando nuevos proyectos colaborativos y educativos, ampliando así su expresión artística a través de diversos géneros y plataformas.

Su música se nutre de una amplia gama de influencias, incluyendo guitarristas como Steve Vai, Allan Holdsworth y Pat Metheny, así como innovadores del jazz como John Coltrane y Wayne Shorter.

El cuarteto, formado por Erik Brandell al saxofón tenor, Christine Lanusse al bajo y Jacob Johnson a la batería, grabó sus partes a distancia y el resultado, la mezcla, es una de las debilidades del álbum.

“Desillusion” surge de la investigación de Matharu para su máster en Interpretación Musical y refleja un periodo de reevaluación artística y personal. Cada uno de los ocho temas del álbum explora un espacio emocional distinto.

El tema que abre el disco se titula “Atrophy”, donde Matharu funde el jazz con el rock progresivo, todo bañado de sutiles sonidos indios. Los paisajes líricos se alternan con ritmos contundentes.   

En “Bare” el jazz fusión es el protagonista, pero sin mayores pretensiones, ni siquiera ciando interviene Brandell al saxo. 

“Cog” sigue la misma línea argumental y expositiva. La batería de Johnson se excede en redobles, a mi entender, innecesarios. El rock domina el espacio.

Mientras que “Deluge” es más de los mismo. Un tema de pop rock, donde resalta el saxo y el bajo. 

“Shruti” es un corto tema reflexivo en el que los acordes de la guitarra simulan los de un sitar, con lo que la melodía se nos antoja con matices de raga. 

“Chalo”, está compuesto en memoria del difunto mentor de Matharu, el virtuoso del sitar Pandit Sanjay Guha. Inspirado en los colores del Raga Yaman.

En “Butterflies” domina el compás irregular, de  nuevo el rock, más o menos, progresivo y el jazz como invitado. 

El disco cierra con “Bittersweet”, un tema optimista, que sirve para definir el contenido del álbum.

Matharu, prioriza el sonido y las emociones sobre la ostentación técnica. El saxo tenor de Brandell añade colores, enriqueciendo la musica. Lanusse proporciona una sólida base con el bajo eléctrico, mientras que la batería de Johnson, tienen un excesivo y repetitivo protagonismo.

Influencias de sonido metal, el jazz, el rock,  algo de las tradiciones musicales indias,  nunca demasiado evidentes, son la esencia de “Desillusion”.


La Habitación del Jazz 


miércoles, 12 de agosto de 2026

MATHIEU TORRES CD: Sanctuaire

 


Pistas

1.Le Parfum des glycines 2.Pyrène 3.Impressions 4.Blue Monday 5.Khiónê 6.En marche folle 7.Le clochard celeste 8.Des airs de répit 9.Rosewood 10.Ténéré 11.Xana valse 12.Sneakers station 13.Hoia Baciu


Intérpretes

Mathieu Torres – guitarra, bajo, programación

Jean Baptiste Azanza – contrabajo 

Guy Ould Yahoui – batería 


Sello discográfico:  Matziz Records 

Publicado el 5 de junio de 2026


Mathieu Torres, nacido en Toulouse (Francia)  es guitarrista y compositor en diversos proyectos artísticos: String Theory,  M'Z,  Matziz, Zhorhann, The Diogenes, Adelphya, Inland Motel entre otros.

Fundador de su propio sellos discográfico Matziz Records, Torres es un espíritu libre, o quizás, una especie de trovador moderno, desafiante a cualquier categorización. Practica un jazz-rock híbrido, a menudo con influencias de fusión, experimental y revolucionario.

Navegando entre estilos y géneros, es un artista polifacético, que en ocasiones sigue caminos atípicos.

Aunque predominantemente orientado al jazz, Torres nunca se limita a un solo lenguaje. Sus composiciones tienen mucho de folk contemporáneo, de  música de cámara, de blues, el ambiente acústico, de rock, electrónica, creando un universo sonoro lleno de matices, siempre abierto a la fusión de estilos.

Si “Desconegut” sirvió para que el universo musical de Torres se diera a conocer al público , “Sanctuaire” nos invita a adentrarnos aún más en ese mundo personal.

A lo largo del álbum, Torres demuestra no solo su talento como compositor, sino también su excepcional sensibilidad como guitarrista.

Torres obtiene un sonido limpio de la guitarra, con tonos envolventes creadores de cautivadoras atmósferas. 

La técnica es precisa, y el acompañamiento de la sección rítmica es meticuloso y elaborado.

En una misma canción, nos puede ofrecer  momentos líricos y sutiles  junto a otros roqueros y duros, transición que realiza de forma natural, deparando momentos de sorpresa total, como en el tema titulado “Pyrène”, donde un cambio brusco nos introduce en un mundo roquero.

“Sanctuaire” siempre conserva un elemento de sorpresa, con giros inesperados.

El homenaje a los grandes guitarristas, de blues y rock, está presente en todos los temas del álbum. Baste como ejemplo los acordes que ejecuta en el primer corte del disco, “Le Parfum des glycines” y que nos recuerda mucho a gran Phil Upchurch. 

No hay demostraciones de virtuosismo, aunque pudiera parecer lo contrario; por contra es exquisito con el fraseo y con el sonido, siempre cuidadosamente elaborado.

La electrónica utilizada es sutil, la justa, sin intromisiones innecesarias, coadyuvando a un equilibrio natural.

Algunas piezas se desarrollan con una intimidad serena, donde cada nota de su guitarra es transparente y llena el silencio que rodea el estudio. En otras piezas, la música es más rítmica y la creación de tensiones es evidente.

Como es de esperar la guitarra es el núcleo central del álbum pero sin eclipsar al resto de colegas, ni siquiera a sí mismo. Torres, al contrario de otros guitarristas, no transmite sensación de exceso, si no de justo desarrollo.

Posee una maestría impresionante, pero sin perder  calidez en la interpretación. Posee un sonido equilibrado y es muy cuidadoso con la atmósfera. Nunca predecible, toca pensando en transmitir no en impresionar.

Este álbum “Sanctuaire” es un verdadero santuario para los amantes del la guitarra eléctrica, del jazz y de la música como transmisora de emociones.

La Habitación del Jazz


lunes, 10 de agosto de 2026

BJARKE FALGREN CD: turkis

 



Pistas

1.Embrace 2.Il Posto del Padre 3.Cigarillos por Favor 4.Viola 5.Tiden Står Stille Her 6.Rossignol 7.Rosa's Forår 8.Low Five 9.Vinden Vänder 10.Hora Azul


Intérpretes

Bjarke Falgren – violín, viola, violonchelo 

Heine Hansen – piano, Fender Rhodes/Wurlitzer

Morten Lundsby – contrabajo

Eliel Williams – congas

Lazo Linares – congas

Anders Holm Jensen – batería, percusión

Jakob Riis Holm – guitarra

Aksel Falgren – teclados


Sello discográfico: Zack’s Music 

Grabado el 11-13 de diciembre de 2024 en The Village Recording Studio. Grabaciones adicionales en la primavera de 2025 en  Falgren Strings Production

Publicado el 26 de junio de 2026


El violinista Bjarke Falgren nació en Dinamarca. Fue nombrado el primer galardonado con el Premio Ellen & Svend Asmussen por Svend Asmussen, quien lo consideraba su sucesor musical. Además de su trabajo como intérprete, compone y produce música  para cine, teatro y televisión. A lo largo de una carrera de más de dos décadas, Falgren ha contribuido a más de cien álbumes, desempeñando un papel protagónico en más de 15 de ellos, incluso cuando no los publicaba bajo su propio nombre.

Falgren, cuatro veces ganador del Premio de Música Danesa (DMA), se ha consagrado como uno de los violinistas más respetados y versátiles, destacándose como un músico que transita con libertad entre géneros, conservando un tono y una musicalidad completamente únicos. Recibió su primer violín a los siete años y desde entonces nunca lo ha soltado.

El jazz y la música folk son referentes claros en su trayectoria. Ha tocado pop/rock y siente un cariño especial por la música folk auténtica y las tradiciones gitanas. Además  ha impartido clases en conservatorios de música en su Dinamarca natal y en el extranjero.

Sin embargo, es difícil encasillarlo, quizás porque la curiosidad es su mayor motor. Siempre está dispuesto a descubrir qué se esconde bajo la siguiente piedra.

Independientemente del formato y del colaborador, su música siempre se ha basado en una sola cosa: la conexión con el público, con el momento de interpretación y con la melodía.

“turkis” es el segundo álbum de Bjarke Falgren bajo su propio nombre, tras una larga trayectoria en la que ha tocado y grabado con numerosos músicos destacados tanto en la escena danesa como internacional. Un álbum que es, sin duda, el más personal hasta la fecha.

El título de este álbum fue elegido porque Bjarke Falgren considera la palabra "turkis" como "...el color de los horizontes, donde el cielo se encuentra con el mar; donde las fronteras se disuelven; donde la música fluye libremente. Es en ese espacio donde me siento más inspirado", escribe Falgren en las notas del disco.

También es el color de su Citroën D19 clásico de 1963 (ver portada disco).

El tema de apertura, “Embrace”, es una de las diez originales que integran el álbum. Inmediatamente se percibe que Falgren, como intérprete de violín de jazz,  está a otro nivel. El bajo y la batería marcan un ritmo percusivo junto al piano, proporcionando sensaciones de movimiento pendular, cálido y relajante. 

Con “Il Posto del Padre” el ambiente cambia radicalmente, dando paso a un espacio emocional, romántico y lleno de nostalgia y sensación de pérdida. Un ritmo latino y gitano (su violín gitano de trescientos años) impregna la canción, escrita con y para el alma.

“Cigarrillos Por Favor” nos traslada al mundo de la samba, con influencias españolas, irresistiblemente vivo donde las congas de Williams y Linares juegan un papel muy importante.

Falgren abandona el arco y en “Viola” puntea su instrumento de cuerda, cambiando el ambiente, que junto al piano, se nos antoja palaciego. Una preciosa y triste  composición.

Falgren nos ofrece un nocturno con “Tiden Står Stille Her”, melancólico y profundo. La interpretación de Falgren con el violonchelo es conmovedora.

Falgren afirma: “Escucho. Espero. Y cuando el viento cambia, lo sigo”. Esa sensación de libertad se deja sentir en  esta pieza titulada “Rossignol”.

“Mi música está marcada por los lugares que he visitado y las personas que he conocido. Cada cultura tiene su propio sonido y su propia atmósfera, y a través de mi música intento encontrar una melodía universal que cree conexión cuando las palabras no alcanzan”, afirma Falgren. “Rosa’s Forår” es buena muestra de ello, con ese sonido pop nostálgico.

Sin duda, el momento más jazzístico lo vivimos con “Low Five”, un guiño al “Take Five” de Dave Brubeck. Fantástica versión, o creación, da igual.

“Vinden Vänder” transita por misteriosos caminos, donde la lentitud y la contención dotan a esta pieza de un claro sabor cortesano salpicado de jazz progresivo.

El álbum está repleto de referencias a momentos irrepetibles. El tema de cierre, “Hora Azul” es uno de ellos. Una bonita canción, romántica, agridulce, evocadora de momentos especiales, vividos posiblemente, por el título,  en España .

Obviamente, el álbum se sustenta en el lenguaje distintivo del violín de Falgren, quien afirma: “He trabajado con el arco como otros trabajan con la voz. Como una respiración siempre presente, incluso cuando no se dice nada”.

Falgren hace magia con los instrumentos de cuerda, especialmente con el violín. Su lirismo es seductor.

“turkis” transita entre pasajes líricos, movimientos rítmicos y momentos más reflexivos, huyendo de la  ostentación.


La Habitación del Jazz