Tentáculos Hipnóticos

Ozric Tentacles + Project RnL + Cheeto´s Magazine - Sala Bóveda, Barcelona - 22-feb-2016

La gira de este año que comparten los ingleses Ozric Tentacles con los israelíes Project RnL nos tomó por sorpresa ya que de repente y sin estar previsto hicieron escala en Barcelona.
Todo sucedió muy rápido, gracias a nuestros amigos de Cheeto´s Magazine, quienes se encargaron de organizar este evento y compartirlo con todos nosotros en nuestra ciudad. Un desafío que se superó con creces, ya que la presencia de Ozric Tentacles en Barcelona creó una gran expectativa, teniendo en cuenta que era la segunda vez que actuaban en estas tierras desde el concierto que dieron en el Festival Minorisa de Manresa en el año 2002. Esta banda, leyenda del space progresivo, ha lanzado más de veinte álbumes, vendiendo alrededor de un millón de discos en todo el mundo.
Por otra parte Project RnL es una banda de Israel, liderada por el mago Eyal Amir, es un agradable descubrimiento, y Cheeto´s Magazine,iban a ser los anfitriones de una gran noche de buena música.

Project RnL.
La noche arrancó con esta banda israelí, que lidera Eyal Amir en teclados y voces, acompañado por Ray Livnat en voz, Or Lubianiker en bajo, Alon Tamir en guitarras, y Sharon Petrover en batería. Todos son músicos técnicamente brillantes, y nos brindaron un concierto perfecto. Desde el comienzo sus primeras notas nos transportaron a la escena canterburyana, con las típicas melodías disonantes en donde participan juegos de voces entrelazadas al estilo Gentle Giant, y con mucha influencia de la energía característica de las bandas americanas similares a Echolyn.
Project RnL ejecuta una música ambiciosa, compacta y bien cohesionada en donde se destaca la voz de Ray Livnat, cuyo registro es amplísimo, pasando de tonos graves a tonos agudos con total naturalidad. Temas como "Twisted Truth" fueron los puntos altos del concierto, con impecables juegos de voces y ritmos muy variados, cortes y cambios ejecutados a la perfección.
Otra particularidad de Project RnL es el sentido del humor y la buena onda que transmite Eyal Amir durante el show, como por ejemplo jugando a hacer ritmo con el público, pero por sobre todo cuando lo llevan a la música haciendo versiones prog del hit radial "Moves Like Jagger" y del rap de Eminen, "The Real Slim Shady". Muy buen comienzo para una noche llena de magia.

Ozric Tentacles.
A través de los años, esta banda sufrido muchos cambios en su formación, siendo Ed Wynne (guitarra, teclado) el único miembro original y constante desde sus orígenes. En el año 2005 la banda se separó pero regresaron con la siguiente formación que se mantiene hasta la actualidad: Ed Wynne (guitarra, teclado), Justin Wynne (bajo), Brandi Wynne (teclado) y Oliver Seagle (percusión, batería).
Si bien el líder musical es Ed Wynne, su mujer y bajista Justin es quien toma el control del escenario y supervisa hasta la obsesión cada detalle técnico y musical.
Sabíamos que íbamos a disfrutar de altas dosis de space rock, pero lo que hemos vivido ha sido una experiencia alucinante, llevados al cosmos por una envolvente musical de desarrollos instrumentales en forma de tornado hipnótico que nos absorbía a través de ondas psicodélicas y sensoriales...
Tocaron algunos temas de su último disco llamado "Technicians Of The Sacred", y cortes de toda su prolífica carrera tales como "O-I", "Sniffing Dog", "Xingu" muy celebrada con todo el mundo bailando, "Mooncalf" con un ritmo increíble y un bajo demoledor, y puntos altísimos como en "Epiphlioy", con aires orientales fantásticos, entre otros.
Ozric Tentacles cuida su concepto musical que queda totalmente integrado entre el vuelo creativo de lo visual y lo auditivo y lo ejecuta en total sincronización: sonido perfecto, una base rítmica muy potente con ritmos bailables, texturas sonoras electrónicas y cósmicas, e imágenes oníricas y caleidoscópicas.

Cheeto´s Magazine.
La actuación de Ozric Tentacles había dejado el listón muy alto para cualquier banda que tuviese que tocar a continuación. Por ese motivo a los Cheeto´s Magazine se les presentaba el desafío más complicado de su carrera hasta el momento, y con esa carga sobre sus espaldas subieron al escenario para probar sonido. Preocupados y con más ganas de irse que de estar en el escenario, Esteban Navarro (lead vocals, keyboards), Manel Orella (guitars, vocals), Dídac García (bass, vocals), Matías Lizana (keyboards, vocals)  y Rafa Weber (drums, vocals), se la jugaron con valentía y decisión, afrontando el reto con total dignidad, y ofreciendo un show de una sola canción con su obra épica "Nova America", tema que dura una media hora. Nos sorprendieron con una introducción de Neal Morse, y con la locura que los caracteriza engancharon a todo el público con su alucinante suite en formato de delirio progresivo. Sonaron muy bien, destacándose la compleja estructura musical, las partes vocales trabajadas a cuatro voces y los interesantes cambios de ritmo que nos llevan desde un desarrollo instrumental progresivo hasta emotivas melodías que Esteban Navarro interpreta solo con el piano. De esa manera cerraron una fiesta memorable de la que nos fuimos muy felices y con el espíritu musical lleno de buenas vibraciones en nuestro cosmos interior...


                                                         Fernando Gonzalez

Sean Lennon hijo de Tigre (con diente de sable)

The Ghost of a Saber Tooth Tiger,  Primavera Sound 2015,  Parc de la Ciutadella,  Barcelona - 31 Mayo 2015.

El grupo liderado por Sean Lennon, The Ghost of a Saber Tooth Tiger (GOASTT), originalmente era un dúo creado en 2008 por Sean Lennon y su novia, Charlotte Kemp Muhl.
Los dos forman una pareja y además son músicos multi-instrumentistas. "El Fantasma de un Tigre Diente de Sable", el curioso nombre de la banda viene de una obra de teatro que Charlotte escribió a los 7 años. Sean al encontrar el escrito le dijo: "Tenemos que formar una banda solo para tener ese nombre".
Sin tener en cuenta sus linajes artísticos, Sean y Charlotte beben de las raíces del rock psicodélico y de la música británica de los años sesenta, con influencias de artistas avant garde, o de sus contemporáneos tales como Tame Impala y Flaming Lips.
Sean cuenta que la idea es escribir canciones sin pretensiones pero con un lirismo inteligente:
"Intentamos hacer una canción que puede llevarte en un viaje más allá de las típicas expectativas". Y sobre su pareja agrega: "Charlotte es muy especial. Conocerla cambió mi vida en todos los sentidos, no solo en música. Pero seguro que sí, particularmente con The GOASTT, todo lo que hacemos es una colaboración". Esta colaboración se transformó en música de verdad creada por ambos, y que en principio se materializó en un álbum de canciones suaves llamado simplemente "Acoustic Sessions". El proyecto derivó en un pop alternativo, neoclásico y psicodélico. Finalmente la banda concretó plenamente su visión sónica en su segundo álbum "Midnight Sun", publicado en 2014.

El concierto.
La preciosa tarde primaveral le hizo honor al nombre del festival, que en su 15 edición nos traía en uno de sus escenarios a la banda liderada por el hijo menor de John Lennon.
Previamente a la presentación de GOASTT, tuvimos la suerte de poder ver a los japoneses Jambinai y disfrutar de una intensa actuación de post rock muy experimental.
The Ghost of a Saber Toot Tiger presentaba "Midnight Sun", y estábamos ansiosos de poder apreciar en vivo lo que realmente en el disco es un viaje auditivo psicodélico, con multiples texturas y colores.
Sean Lennon, guitarra y voz; Charlotte Kemp Muhl, bajo, voz y coros; Jared Samuel, teclados y coros; Robbie Mangano, guitarra y coros; Tum Kuhl, batería; subieron al escenario montado al aire libre del fantástico parque de la Ciutadella de Barcelona.
Sean y Charlotte (súper sexy girl) con sombreros negros, los que alguna vez usaron John y Yoko, arrancaron el concierto con mucho ritmo. Primero "Too Deep", tema que abre su último disco, luego "Xanadu" con sus alucinantes sonidos de mellotron y "Animals", el hit que tiene un video siniestro y esotérico al máximo. Lennon y Muhl comparten las tareas vocales de armonizar o intercambiar versos. Sean canta mejor en el disco que en directo, su tono se parece mucho al de John, aunque le falta la fuerza de su padre ya que su voz nasal suena introvertida.
Señalar que Sean suena como su padre es totalmente una obviedad, ya que realmente tiene el ADN de John Lennon, y  lógicamente era muy probable que suene como él... Por su parte Charlotte canta muy suavemente con un aire mezzo soprano, a veces tan etérea casi susurrando, tampoco la potencia de su voz es su máxima virtud, pero canta y armoniza brillantemente.
A continuación "Midnight Sun", el tema que le da el nombre a su último trabajo, muy pegadizo.
Sean intentando empatizar con el público dice algo así como "sois marvellosos".
Luego un meddley corto con dos temas del disco "Acoustic Sessions", primero un fragmento de "Carrot Blue" con una intro blusera en donde Sean se luce con un intenso solo de guitarra, y dando pie a una versión muy ambiciosa de "Jardin Du Luxembourg", con una estructura más compleja y varios cambios de ritmo, nos recuerda a los temas de Los Beatles en "Revolver" o "Sgt Pepper´s".
Un periodista lo definió como un tema  juguetón, ingenioso e imaginativo.
A continuación Sean presenta a "Golden Earrings" el primer cover de la tarde, tema del que dijo: "es una vieja canción que me gusta un montón", y que en su época (1969) fue un verdadero himno psicodélico del grupo Gandalf. Luego tocaron "Poor Paul Getty", una canción muy al estilo brit mod de los años sesenta. "Devil You Know", con el ritmo predominante en muchas de las composiciones de la banda y un riff muy efectivo, con Charlotte en primera voz. En el final, "Moth to a Flame", una lenta balada muy gipsy y emotiva, en la misma línea de "Golden Earrings" pero más psicodélica,  y el cierre con "Long Gone", una canción del legendario Syd Barrett de su primer trabajo solista "The madcap laughs". Aquí Charlotte dejó su bajo para ocuparse de los teclados. Llega el final con Sean Lennon en el suelo envuelto en el magnetismo brillante, surrealista y floydiano, con un brazo extendido señalando el cielo.

Sean Lennon, aquel que fuera el "Beautiful Boy" de la canción, y que artísticamente tiene la desdicha de cargar con el tremendo peso de llamarse Lennon (y aunque en algunos momentos suene muy parecido a la banda de su padre), intenta establecer su propio nombre en el mundo de la música, y se puede apreciar con total convencimiento que tiene un sentido de acordes y una sensibilidad tonal melódica que es toda suya.



                                                      Fernando Gonzalez

Genealogía del Rock Progresivo

Hace un tiempo alguien se tomó el trabajo de buscar las raíces, orígenes y estilos de las bandas que crearon y desarrollaron lo que conocemos como rock progresivo o rock experimental con sus vertientes y ramificaciones. El cuadro expresado como un árbol genealógico es una excelente forma para poder entender el origen del movimiento progresivo y sus diferentes subgéneros a medida que va evolucionando y se va enriqueciendo con el paso de los años hasta nuestros días.

Ampliaremos...

Zoo Floydiano

A lo largo de la espectacular discografía de Pink Floyd podemos observar muchas referencias a los animales para describir y representar a determinadas conductas humanas.
En relación a lo escrito se destaca el disco "Animals" (1976), inspirado en la fábula política del escritor George Orwell "Animal Farm" (Rebelión en la granja, 1945), sátira que trata sobre unos animales, que cansados de los abusos de los humanos, se sublevan contra sus dueños y logran echarlos de la granja para crear una estructura social peor que la anterior que acaba en una brutal tiranía. Aquí la sociedad está representada por diferentes tipos de animales: los cerdos, son los políticos mandatarios; los perros, son los representantes del sistema represivo; y las ovejas, son el proletariado que no piensa. En la obra de Pink Floyd los seres humanos se clasifican también en tres clases a saber: los perros, como empresarios megalomaníacos; los cerdos, como políticos y moralistas; y las ovejas, como el pueblo, la masa trabajadora que sigue a los dos primeros. La novela es una crítica al comunismo, en cambio el disco se centra en los abusos del capitalismo.
En Animals finalmente las ovejas se rebelan para dominar a sus represores.
"Si no te importara lo que me pasa, y yo no me preocupara por ti, zigzaguearíamos en nuestro camino a través del aburrimiento y el dolor. Ocasionalmente mirando a través de la lluvia, preguntándonos a cual de los necios culpar y observando cerdos en el aire. Tu sabes que me preocupa lo que suceda, y yo sé que te preocupas por mí, así que no me siento solo, ni siento el peso de la piedra ahora que encontré un lugar seguro para enterrar mi hueso, y cualquier tonto sabe  que un perro necesita un hogar, un refugio contra los cerdos voladores:" ("Pigs on the wings I & II").
Años más tarde, cuando Pink Floyd se reunió en 1987, ya sin Roger Waters grabaron "A Momentary Lapse of Reason", en el que se encuentra el tema "Perros de la guerra" ("The Dogs of War"), sin duda una referencia directa y un guiño a los fans de "Animals".

El cerdo "Algie".
Era un muñeco inflable de neopreno de nueve metros de largo, que se ve volando por encima de la Battersea Power Station de Londres (un claro mensaje metafórico sobre la superioridad de los poderosos sobre el proletariado) y se transformó en el protagonista de la famosa portada de "Animals", una de las mejores de todos los tiempos.
La historia cuenta que "Algie" fue atado a la antigua fábrica para realizar las fotos, y se contrató a un francotirador para evitar que saliera por los aires, pero ese día el fuerte viento lo soltó y se fue volando por la ciudad, terminando por caer a varios kilómetros en un campo de Kent al sudeste de Londres. Como no pudieron realizar las fotos como querían, el arte de tapa se hizo a través de un fotomontaje diseñado por Storm Thorgerson de Hipgnosis junto a los integrantes de la banda. El cerdo volador acompañó a Pink Floyd en sus giras convirtiéndose en un ícono del rock. En octubre de 2011 el cerdo volvió a sobrevolar Londres sobre la misma fábrica, para acompañar el lanzamiento de la obra remasterizada de Pink Floyd.
En la actualidad Roger Waters lo reemplazó por una especie de jabalí negro,de aspecto más agresivo, en el que se muestran inscripciones políticas.

La vaca "Lulubelle III".
Entre marzo y agosto de 1970, Pink Floyd grabó en los estudios Abbey Road, "Atom Hearth Mother", una obra que los acercaba más al rock progresivo. Storm Thorgerson fue el encargado del concepto y el diseño de la portada del disco. La historia de la misteriosa vaca de la tapa no dice mucho, ya que el artista fotografió lo primero que vió: una vaca en el campo llamada "Lulubelle III".

El perro "Seamus" y "Madmoiselle Nobs"
Seamus era la mascota del músico Stevie Marriot, líder de las bandas Humble Pie y Small Faces. Se convirtió en una estrella de rock con sus aullidos en el tema del disco "Meddle" (1971) que lleva su nombre.
Cuando volvieron a grabar este tema para la película "Live at Pompeii", cambiaron muchas cosas de la canción, empezando por quitar la parte que cantaba David Guilmour, y como si ésto fuera poco reeemplazaron a Seamus por una perra afgana llamada Nobs, quien acompañada por Gilmour en armónica y Waters en guitarra fue la estrella de la canción con sus aullidos mientras Rick Wright le acercaba el micrófono. La perrita, Madmoiselle Nobs, cantó ese blues como una gran estrella, y de ahí sale el nombre de la canción en el film.

                                               Fernando Gonzalez

Psicodelia Congelada

"La arquitectura es música congelada", famosa frase que el filósofo Arthur Schopenhauer creó para unir a dos de las artes más geniales. Desde siempre se trató de comparar a la arquitectura con la música, debatiendo acerca de sus influencias mutuas, ya que ambas tienen una cantidad considerable de puntos en común. Las dos requieren de la inspiración y del aprendizaje constante en su búsqueda infinita, y entre sus elementos comunes podemos citar las partituras y los planos como su soporte técnico. Su total percepción se experimenta a través de su ejecución. Las dos poseen virtudes y cualidades como fuerza, armonía, belleza y expresión, diferentes estilos, y son el reflejo de una época. Se pueden estudiar y analizar diferentes pautas como la técnica, la estructura, el ritmo, el movimiento, los llenos y vacíos, la repetición, etc.
Tanto las grandes obras de la música como de la arquitectura ofrecen clásicos que cumplen con el postulado de Jürgen Habbermas, cuando dice que "una obra vanguardista llega a ser clásica porque una vez fue auténticamente vanguardista", refiriéndose a obras que trascienden las generaciones y el plano de su época.
Pero hubo una época en que la música y la arquitectura fueron psicodélicas...

Los años sesenta se caracterizaron entre otras cosas por el avance tecnológico expresado por una atracción por la imaginería de la era espacial, la influencia de las comunicaciones, los satélites artificiales, la expansión de la televisión, el consumismo de productos y cultura. La llegada del Hombre a la luna provocó una conciencia general y un nuevo concepto del universo. Por otra parte las posibilidades que permitía la tecnología y la creencia del uso sin límites de los recursos energéticos generó una euforia por el consumo masivo dentro de un mundo convulsionado y optimista. En aquella época de ebullición creativa surgieron simultáneamente en Tokyo y en Londres dos movimientos arquitectónicos que proponían una idea de cambio, de movilidad y flexibilidad. Con un concepto de lo eterno en lo cambiante que representaba a la sociedad en movimiento. El primero de ellos, el Metabolismo, proponía ideas de mutación, transformación y crecimiento orgánico; el segundo, Archigram, proponía ideas de flujos que generaban formas mediante imágenes futuristas, conjugando la gráfica del cómic, la psicodelia y la publicidad como un collage pop. Ambas tendencias partían de la necesidad de romper con los modelos establecidos creando una arquitectura radical, totalmente utópica, ya que pensaban en una sociedad con un futuro organizado como ficción, dando como resultado una futurística imposible expresada en proyectos, que conectaban utopía con alta tecnología a través de megaestructuras. Un concepto de la sociedad de consumo tecnificada contraria a la arquitectura funcionalista.

Promediando esa década Los Beatles habían dejado de dar conciertos y se habían refugiado en los estudios Abbey Road para crear las obras que iban a cambiar la música para siempre. El uso de LSD para experimentar les permitió una apertura mental hasta entonces desconocida para ellos y les abrió la puerta a una creatividad infinita, ya nada era real...el mundo estaba cambiando, la música también.
Mientras la filosofía oriental recuperaba al Hombre a través de la transformación espiritual y el crecimiento orgánico, Yoko Ono "recuperaba" a John, una alegoría de la integración entre la cultura oriental y la occidental. Tokyo y Londres estaban en la misma onda...
La música de Los Beatles resume todo el espíritu experimental y de búsqueda de esos años, combinando banda de rock, sinfonismo, música de la cultura oriental y experimentaciones sónicas varias.
Se estaba inventando el futuro de lo que vendría en las décadas siguientes, mediante múltiples trucos que aplicaban en el estudio para tanta abundancia creativa, la tecnología que necesitaban para expresar los sonidos que ellos imaginaban.
El sonido de la música de Los Beatles se expande en "Revolver", disco que combina la electrificación absoluta con la orquesta de cámara. Aquí tenemos algo totalmente innovador, en el tema "Tomorrow Never Knows", un sonido nuevo y psicodélico que aún consiguen llevar mucho más allá en "Strawberry Fields Forever" y en su obra caleidoscópica "Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band". Esa travesía psicodélica continuó con el surrealismo de "Magical Mistery Tour" y el collage imaginario del mundo fantástico e inocente de "Yellow Submarine", un claro experimento musical y audiovisual de LSD.         

                                     

Este comentario puede sufrir modificaciones, llenarse de imágenes futuristas, mutar, transformarse y crecer orgánicamente a través del tiempo....
                                                     
                                                     Fernando Gonzalez