PALMARÉS DEL XIV FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA

Antes de entrar de lleno en el resultado del certamen conviene repasar lo sucedido en la última jornada, la del sábado 11 de noviembre:

La clausura del festival la dedicamos a un mini ciclo de Isabelle Huppert. La que fuera musa de Claude Chabrol y de tantos otros protagonizaba dos películas bastante dispares: Mrs Hyde, dentro de la sección las Nuevas Olas y dirigida por Serge Bozon, y Happy End, en la sección EFA y del director de sobra conocido, Michael Haneke.

Mrs Hyde es una comedia extrañísima, pero agradable de ver. Como su título indica se trata de una versión del clásico de Stevenson, “Dr. Jekyll y Mr. Hyde”, llevada al terreno de la educación juvenil. De nuevo nos encontramos con otra cinta de profesora-con-alumnos-difíciles. Sólo que en esta ocasión, para tratar el espinoso asunto de la escolarización de los barrios marginales, de cómo incentivar la asistencia a clase y el interés de alumnos que ven que tener estudios no sirve nada más que para engrosar la lista de paro, para abordar ese tema, digo, el joven realizador se vale de una especie de versión de El profesor chiflado (The Nutty Profesor, Jerry Lewis, 1963), con Isabelle Huppert transformándose de mujer débil, a la que acosan los alumnos, a profesora hábil que consigue identificar al líder y hacer que muestre interés por lo que se enseña. El resto, personajes secundarios con gracia como el becario o el amo de casa (el marido de la Huppert) y los efectos especiales rudimentarios, son fuegos artificiales que sirven para adornar el tema principal.

En cuanto a Happy End (curiosa coincidencia la del título pues fue la última película que hemos visto en el festival) hay que decir que no nos defraudó teniendo en cuenta el listón tan alto que tiene el ya veterano Michael Haneke. La cinta es una secuela de Amour (Haneke, 2012) y arranca prácticamente igual que Verano 1993: una niña se queda huérfana y se va a vivir a casa de su tía, donde también habitan su padre, ahora casado con otra, y su abuelo. Claro que ahí se acaban las similitudes porque, como cabría esperar, el filme de Haneke es mucho más perverso. Sólo hay que ver cómo se ha producido la muerte de la madre; cómo es el padre, que ya está liado con una tercera; qué terrible secreto esconde su abuelo (los que hemos visto Amour ya lo sabemos); qué relación tortuosa vive su tía con su hijo; etc. Haneke gestiona todo esto como una descomposición familiar precisamente por la falta de amor (todo lo contrario a lo que sucedía en la primera película), es decir vuelve a poner las cosas en el sitio que a él le gusta: la niña siente que el padre la va a abandonar de nuevo y está decidida a hacerse notar; el abuelo quiere morir, pero nadie le ayuda; la tía agobia a su hijo que finalmente se derrumba igual que la construcción que ambos gestionan. Así hasta un final memorable (un “Happy End” irónico) donde sin duda Haneke vuelve a triunfar.  

Y ahora vayamos a lo prometido: el palmarés del XIV festival de cine europeo:

GIRALDILLO DE ORO 

Película: A FÁBRICA DE NADA (Portugal, 2017)
Dirigida por: Pedro Pinho

GRAN PREMIO DEL JURADO

Película: WESTERN (Alemania 2017)

Director: Valeska Grisebach

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

Película: ZAMA (Argentina, España, Francia, Holanda, EEUU, Brasil, México, Portugal, Lebanon, Suiza, 2017) 

Director: Lucrecia Martel

Premio Mejor DIRECCIÓN 

Película: BARBARA (Francia, 2017)

Director: Mathieu Amalric

Premio al Mejor GUIÓN 

Película: A VIOLENT LIFE (Francia 2017)

Escrita por: Thierry de Peretti

Premio a la Mejor ACTRIZ 

Película: CORAZÓN PURO (Italia, 2017)

Actriz: Selene Caramazza

Premio al Mejor ACTOR

Película: A CIAMBRA (Italia, Brasil, Alemania, Francia, EEUU, Suecia, Francia, 2017)

Actor: Pio Amato

Premio a la Mejor DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA  

Película: WINTER BROTHERS (Dinamarca, 2017)

Director de Fotografía: Maria von Hausswolff

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN LAS NUEVAS OLAS 

Película: NIÑATO (España, 2017)

Dirigida por: Adrián Orr

PREMIO ESPECIAL LAS NUEVAS OLAS 

Premio Ex Aequo

Película: PIN CUSHION (Reino Unido, 2017)

Dirigida por: Deborah Haywood

y / and

Película: THE WILD BOYS (Francia, 2017)

Dirigida por: Bertrand Mandico

PREMIO LAS NUEVAS OLAS NO FICCIÓN

Película: DISTANT CONSTELLATION (Turquía, EEUU, 2017)

Dirigida por: Shevaun Mizhari

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETICIÓN OFICIAL RESISTENCIAS 

Película: TERNURA Y LA TERCERA PERSONA (España, 2017)

Dirigida por: Pablo Llorca

Película: EL MAR NOS MIRA DE LEJOS (España, 2017)

Dirigida por: Manuel Muñoz Rivas

PREMIO EUROPA JUNIOR

Película: EL MALVADO ZORRO FEROZ (Francia y Bélgica 2017)

Dirigida por: Benjamin Renner y Patrick Imbert

PREMIO CINÉFILOS DEL FUTURO 

Película: JUST CHARLIE (Reino Unido, 2017)

Dirigida por: Rebekah Fortune

GRAN PREMIO DEL PÚBLICO 

Película: INSYRIATED (Francia, Bélgica, Líbano, 2017)
Dirigida por: Philippe Van Leeuw

PREMIO EURIMAGES A LA MEJOR COPRODUCCIÓN EUROPEA 

Película:  L’INTRUSA (Italia, Suiza, Francia, 2017)

Dirigida por: Leonardo di Costanzo

PREMIO CICAE A LA MEJOR ÓPERA PRIMA 

Película: TIERRA DE DIOS (GOD’S OWN COUNTRY) (Reino Unido, 2017)

Dirigida por: Francis Lee

PREMIO ROSARIO VALPUESTA AL MEJOR CORTOMETRAJE PANORAMA ANDALUZ 

Película: EL MUNDANAL RUIDO (España, 2017)

Dirigida por: David Muñoz

PREMIO ESPECIAL ROSARIO VALPUESTA A LA CATEGORÍA ARTÍSTICA 

Película: AYER O ANTEAYER (España, 2017)

Director: Hugo Sanz Rodero  

MENCIÓN ESPECIAL

Película: DIFERENCIAS (España, 2017)

Director: Isabel Alberro 

PREMIO ASECAN A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN OFICIAL 

Película: TIERRA FIRME (España, 2017)

Dirigida por: Carlos Marqués-Marcet

IV PREMIO OCAÑA A LA LIBERTAD 

Película: MR GAY SYRIA (Turquía, Alemania, Francia, 2017)

Dirigida por: Ayse Toprak

El jurado ha considerado que la cinta portuguesa A fábrica de nada ha sido merecedora del Giraldillo de Oro por “El documental, la ficción y el musical conviven brillantemente en esta atrevida y cercana película, que lleva al espectador a un viaje visionario y dramáticamente realista. Por centrarse en la compleja situación económica contemporánea con un enfoque antirretórico, poético y profundamente original.” Acerca del largometraje ganador, sólo comentar que ha sido una lástima, pero no hemos podido verlo (duraba tres horas y con lo ajustado del tiempo ha sido casi imposible programar su visión sin perjudicar a otras películas que nos apetecían más). Del resto de premios, nada que objetar a excepción del galardón a la mejor dirección (Mathieu Amalric por Barbara), creemos que Jonas Carpignano  se lo podía haber llevado con más mérito por A Ciambra. Nos alegra haber acertado en el vaticinio del premio del público (Insyriated) y del niño-actor Pío Amato (A Ciambra); nos complace que una película española tan buena como Tierra firme se haya llevado el reconocimiento ASECAN (Asociación de escritores cinematográficos); y que Western, con todo merecimiento, haya sido premiada con el Giraldillo de Plata. Ya sólo nos queda emplazar a nuestros lectores para el año que viene. Salvo contratiempos de fuerza mayor, prometemos estar aquí para dar cuenta de lo que ha dado de sí el que será XV festival de cine europeo de Sevilla.

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XIV FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2017

La primera semana de noviembre aquí en Sevilla huele a cine europeo; a buen cine, al mejor del año en el Viejo Continente. Y ya vamos por la décimocuarta edición en un certamen que año tras año va creciendo en interés y en propuestas de calidad. Del 3 al 11 de noviembre se celebrará esta fiesta del séptimo arte con el "objetivo de promover y difundir la cinematografía europea, estableciéndose como un lugar de encuentro anual para los talentos de cine, periodistas especializados y profesionales del sector" según afirma la organización del festival.

Con las habituales secciones (Oficial, Selección de premios de la academia europea (EFA), Nuevas Olas, Resistencias, Panorama Andaluz, etc.) la nueva cita con el cine europeo viene cargada de novedades. Nombres ilustres como los hermanos Taviani, que recibirán el Giraldillo de honor, Martin Scorsese (productor ejecutivo de A Ciambra que compite en la sección oficial), Ermanno Olmi (al frente de Vedete sono uno di voi, documental sobre la vida del cardenal Martini) o Isabelle Huppert (protagonista de Mrs Hyde en la sección las Nuevas Olas) acompañan a nuevos valores europeos y a directores españoles ya consagrados como Agustín Díaz Yañes. El realizador madrileño nos sorprende con la premier mundial de su nueva obra: Oro, basada en un relato breve de Pérez Reverte, escritor con el que ya colaboró en Alatriste.

El festival de cine de Sevilla rinde homenaje a los directores Paolo y Vittorio Taviani

Nosotros, como todos los años, nos centraremos en la sección oficial y en la de la EFA para programar las películas a visionar, ya que hay que priorizar entre tanta oferta, y los filmes de esas dos secciones siempre prometen. De hecho, en la EFA se podrán ver los últimos trabajos de Michael Haneke, Yorgos Lanthimos y Andrey Zvyagintsev, entre otros. No obstante, no descartamos darnos una vuelta por el resto de secciones para asistir a alguna proyección de interés. Eso sí, de todo lo que veamos intentaremos dar nuestra opinión desde este portal de cine.

LEER LA CRÓNICA Y LAS PELÍCULAS DEL FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2017

Ver programación del festival.

Ver ediciones anteriores:
SEFF16, SEFF15, SEFF14, SEFF13, SEFF12, SEFF11, SEFF10 

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EL GRAN CUADERNO (A nagy füzet de Janos Szasz, 2013)

En el ecuador del festival, y de vuelta a la Sección Oficial, pudimos ver ayer una de las películas que más nos han impactado en los últimos tiempos, una cinta húngara que ha sido seleccionada para competir por el Óscar a la mejor película extranjera. Es cierto que el hecho de tener hijos gemelos nos ha provocado una cierta empatía por los personajes, pero creemos que es de esos filmes que no deja indiferente a nadie:

En agosto de 1944, en plena Segunda Guerra Mundial, una familia húngara tiene que separarse. El padre debe incorporarse a filas y la esposa prefiere dejar a sus dos hijos idénticos con su madre, en el campo, alejados de los peligros de la ciudad. Todo muy normal, salvo que la abuela resulta ser una vieja huraña y alcohólica que se rumorea ha asesinado a su marido y que recibe de forma brutal a sus nietos, a los que llama “bastardos”. En los primeros meses, los niños sufren todo tipo de maltratos, palizas, frío y hambre. Es entonces cuando se produce un cambio en la actitud de los pequeños: para poder aguantar el dolor físico y la pena por no estar juntos a sus padres, los gemelos deciden “entrenarse”, endurecer el cuerpo y el espíritu hasta lograr ser inmunes a los golpes, indiferentes a la tristeza, y tan crueles como las personas que los rodean. Aunque sus padres parecen haberse olvidado de ellos, los hermanos seguirán cumpliendo sus consejos: estudiar y escribir en un cuaderno, de forma minuciosa, todo lo que les ocurra.

Con una fotografía tan dura como la película (el responsable es Christian Berger que trabajó con Haneke en La Cinta Blanca), el director húngaro, Janos Szasz, adapta la novela de la escritora de su país, Agota Kristof, y realiza un filme muy frío, como el invierno por el transcurre casi toda la trama, pero original y con un mensaje claro: la guerra, cualquier guerra, deja siempre secuelas terribles; una de las peores es el desarraigo familiar.

Para llevar a cabo su proyecto, Szasz utiliza bien el hecho de disponer de dos actores iguales para la  simetría de la puesta en escena, y emplea con acierto una voice over que relata lo que se escribe en ese cuaderno y que sirve de elemento narrador, tan neutro como indiferente es el estado espiritual que quieren alcanzar los dos hermanos.

Es cierto que la forma de denuncia elegida por Szasz es poco creíble, ya que imaginar a esos niños dándose latigazos entre ellos para endurecerse es algo extraño, pero desde luego es efectiva en tanto que ninguno de los personajes (salvo el zapatero judío) se salva de la crítica. Ni siquiera los pequeños, que evolucionan desde su desesperación hasta convertirse en unos niños deshumanizados que roban, chantajean o matan para conseguir sus propósitos. Y es que el vivir al lado de un campo de exterminio no es de gran ayuda para que los gemelos, que observan todo lo que sucede a su alrededor (la abuela es un ser aborrecible, su vecina es una ladrona, el sacerdote y el oficial nazi unos pervertidos, y la única que parece tratarlos bien resulta ser una ninfómana radical antisemita), extraigan las conclusiones correctas acerca del comportamiento a seguir. La falta de educación, de alguien que les guíe en esos momentos difíciles, es el culpable de una situación que se prevé trágica, que no pinta nada bien, incluso si algún día regresan los padres de los pequeños.

Para terminar, un apunte de algo que suele ser elemento común en este tipo de largometrajes que vienen de Europa del Este: la insistencia en la mayoría de los directores en el hecho de que si mal fue la ocupación nazi, no fue mejor la posterior “liberación” a cargo de la Unión Soviética; cuando para el resto de Europa la derrota de los alemanes significó el fin de la pesadilla, para los países ocupados por el ejército rojo aún quedaba lo peor por llegar.

Ver Ficha de El Gran Cuaderno

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE DE SEVILLA 2012

Hasta aquí hemos llegado y esto es lo que ha dado de sí un festival de cine pasado por agua, pero con películas interesantes, algunas muy a tener en cuenta, y con unos premios que sin más preámbulos vamos a detallar:

GIRALDILLO DE ORO 

Película: EAT SLEEP DIE (2012, Suecia)

Dirigida por: Gabriela Pichler

GIRALDILLO DE PLATA
Película: BOY EATING THE BIRD’S FOOD (2012, Grecia)

Dirigida por: Ektoras Lygizos

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Película: REALITY (2012, Italia/Francia)

Dirigida por: Matteo Garrone

premio al Mejor GUIÓN

Película: PARADISE FAITH (2012, Austria/Francia/Alemania)

Escrita por: Ulrich Seidl y Veronika Franz

premio a la Mejor Actriz

Película: EAT SLEEP DIE (2012, Suecia)

Actriz: Nermina Lukac

premio al Mejor ActOR

Película: BOY EATING THE BIRD’S FOOD (2012, Grecia)

Actor: Yannis Papadopoulos

premio a la Mejor dirección DE FOTOGRAFÍA

Película: SISTER (2012, Francia/Suiza)

Directora de Fotografía: Agnès Godard

GIRALDILLO SECCIÓN EURODOC A LA MEJOR PELÍCULA DE NO FICCIÓN

Película: LEVIATHAN (2012, Reino Unido/EEUU/Francia)

Dirigida por: Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel

EX – AEQUO

Película: MAPA (2012, España)

Dirigida por: León Siminiani

PREMIO DEL JURADO CAMPUS

Película: ARRAIANOS (2012, España)

Dirigida por: Eloy Enciso

premio eurimages a la mejor coproducción europea

Película: SISTER (2012, Francia/Suiza)

Dirigida por: Ursula Meier

EX – AEQUO

Película: PARADISE FAITH (2012, Austria/Francia/Alemania)

Dirigida por: Ulrich Seidl

GIRALDILLO JUNIOR

Película: EL CORAZÓN DEL ROBLE (2012, España)

Dirigida por: Ricardo Ramón y Ángel Izquierdo

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gran premio del público

Película: AMOUR (2012, Alemania/Francia/Austria)

Dirigida por: Michael Haneke

premio ASECAN

Película: THE HUNT (2012, Dinamarca)

Dirigida por: Thomas Vinterberg

PREMIO CIUDAD DE SEVILLA

MARÍA DE MEDEIROS

Del fallo del jurado (¿por qué se llamará “fallo”? ¿Nunca aciertan?) poco podemos comentar dado nuestro ojo clínico —en este caso de cristal— a la hora de elegir las películas que teníamos que visionar. No se puede estar a todo y, finalmente, no hemos visto la mayoría de las cintas premiadas. Por tanto, sólo decir lo justo que me parece el gran premio del jurado otorgado a Reality, la buena película de Matteo Garrone;  que esperábamos más para The Hunt y para César debe morir, y que no nos sorprende el premio del público a Amour, la última de Haneke. Este último filme nos lo hemos saltado a propósito porque será de las películas que seguramente pasen por las salas comerciales; cosa que no sucederá con muchas de las que finalmente hemos optado por ver.

Por último, destacar las palabras del jurado que justifican el Giraldillo de Oro a la cinta Eat Sleep Die de la directora Gabriela Pichler: Una nueva realizadora emerge con una voz cinematográfica impactante y madura para hablar de temas universales de un modo verdaderamente personal y auténtico.

Por nuestra parte, nada más que añadir de un festival que ha recorrido las calles del centro histórico de Sevilla, con opiniones dispares sobre la organización (no a nosotros, pero a algunos les ha parecido mal tanta dispersión en las salas, preferían la concentración de años anteriores) y con un resultado global cinematográfico bastante aceptable.

Con un saludo a todos los lectores, nos despedimos hasta el año que viene.

FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2012

Tan habitual ya como la Feria, es el festival de Cine Europeo de Sevilla. La primera semana de noviembre ya viene señalada en nuestro calendario para que con tiempo podamos hacer un hueco en nuestras obligaciones y la dediquemos a lo que más nos gusta, a ver cine y más cine; todos los días. Este año, la organización nos regala una jornada más que el anterior (un desafío a la crisis que nos alegra), del 2 al 10, y como siempre, nos promete dedicar el certamen a las películas que se hacen en nuestro continente; nos invita a participar en esta toma de pulso cinematográfico a la vieja Europa. 

Aunque se mantienen las secciones importantes, de nuevo tenemos que hablar de cambios en la programación con respecto a anteriores muestras. Una primera diferencia radica en los emplazamientos de las salas donde se van a  proyectar las películas. La organización ha decidido este año romper con la habitual concentración (los locales elegidos se ubicaban en el barrio de Nervión, en su centro comercial) para proponer un mayor despliegue de salas diseminadas por el centro histórico de la ciudad (aunque es cierto que las sedes se encuentran muy cerca unas de otras: Cines Alameda, Teatro Alameda, Cines Plaza de Armas, Cines Avenida, Teatro Lope de Vega). Suponemos que lo han hecho inspirados en otros festivales nacionales que también intentan promocionar el turismo.

En cuanto a la programación, destacamos la actitud solidaria de la organización y su apoyo decidido a los países europeos más castigados por la crisis, Grecia y Portugal. El primero, es el país elegido como nación invitada en Focus Europa, una sección no competitiva que se dedica a ponernos al día de lo que se está haciendo en un país en concreto (el año pasado fue Rusia, el anterior Holanda, etc.). Del segundo, se van a proyectar las películas más representativas de los distintos certámenes portugueses en lo que se ha llamado Foco Festivales Portugueses dentro del apartado de ciclos y retrospectivas.

 

Hablando de esta sección de retrospectivas, destacamos el extenso repaso que el festival propone de la obra de esa gran documentalista que es Agnès Varda, desde sus cortos más aclamados hasta sus mejores largometrajes. De la que fuera mujer de Jacques Demy nos gustan en especial Cleo de 5 a 7, Los espigadores y la espigadora y Sin techo ni ley, todas ellas presentes en el festival.

Y vamos con las secciones competitivas: en la Sección Oficial, compiten películas de directores tan conocidos como Manoel de Oliveira, Matteo Garrone o Thomas Vinterberg, con otros prácticamente desconocidos, pero con proyectos que optan seriamente al Giraldillo de Oro; cintas que, por supuesto, iremos comentando. Como siempre, la sección que más nos atrae es la selección que la EFA (European Film Academy) ha hecho de las películas que optan a los premios europeos de cine. Y es que la presencia de Haneke, los hermanos Taviani o Benito Zambrano, —todos ellos compiten aquí por el premio del público—, es altamente sugerente. Una novedad de esta edición es la sección Las Nuevas Olas. También competitiva y como complementaria de la sección oficial, Las Nuevas Olas está destinada a los valores emergentes entre los cineastas europeos. Notamos la ausencia de otra de las habituales del certamen como era la sección EURIMAGES (aunque se mantiene como sección transversal) y pensamos que una ha sustituido a la otra.

"César debe morir" de los hermanos Taviani

Del resto de apartados, destacamos la sección EURODOC, dedicada a documentales a concurso; Short Matters!, panorama del mejor cortometraje que se hace en Europa;  y la retrospectiva que se ha programado de la obra del director Gonzalo García Pelayo.

Como siempre, una amplia oferta imposible de ver en su totalidad. Nosotros, desde nuestra privilegiada posición que nos otorga la acreditación de prensa como corresponsal de muchocine.net, nos centraremos principalmente en la Sección Oficial y en la Selección EFA, aunque sin perder de vista otros apartados como el atrayente Las Nuevas Olas, e intentaremos dar testimonio de lo que ya está a punto de suceder en los próximos días.

Películas y Crónica del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2012

Programación del Festival.

Ver las pasadas ediciones:
Festival de Cine Europeo de Sevilla 2011
Festival de Cine Europeo de Sevilla 2010

LA CINTA BLANCA (Das Weisse Band de Michael Haneke, 2009)

A veces los hechos del pasado son un lastre difícil de soportar. Es comprensible que se busquen las causas que pudieron originar la mayor catástrofe de la Humanidad: la Segunda Guerra Mundial. Y más si uno ha nacido en Alemania. Todo esto es lícito. Lo que no es demasiado ético es culpar a toda una generación, los padres de los futuros genocidas, de la muerte de los más de cincuenta millones de personas. Es decir, no estoy de acuerdo con Michael Haneke, o por lo menos no con lo que yo creo que ha querido insinuar.



Y es que, en mi opinión, la intención del director germano con su última película ha sido la de justificar la actitud de los jóvenes alemanes nacidos con el siglo XX –futuros nazis- como respuesta a la rígida educación sufrida, a la estricta religión temerosa de Dios, o a la estructura aún feudal de muchas regiones centro europeas en esos años. Curiosamente la misma sufrida por jóvenes de muchos países en todo el mundo y, que sin embargo, no desembocó en la subida al poder de alguien como Hitler. La carga es pesada, sí, y el Holocausto todavía duele, pero los alemanes, como Haneke, tendrán que vivir con ello y asumir quienes fueron los que tuvieron una responsabilidad directa en lo acontecido.

Dicho esto, y abstrayéndonos de la intención de Haneke (si es que era esa), la cinta tiene tanta calidad que puede que sea la mejor del realizador hasta la fecha, y eso es decir mucho. Desde luego en su aspecto formal, pero también en el tratamiento del guión y en el espectacular trabajo de todo el elenco de actores; muy bien caracterizados gracias al exquisito maquillaje y al cuidado casting que presenta, por ejemplo, a los cabezas de familia de los distintos clanes con dura expresión facial o con defectos físicos en ojos, o heridas en el rostro; todo para elevar el nivel de dureza de la trama.



Del continente de la cinta no podemos estar más que agradecidos al cineasta muniqués. Debemos dar gracias a que Haneke haya recuperado para nosotros el tono escandinavo de los filmes de Bergman o Dreyer. Del tratamiento de la luz tan realista -no recuerdo haber visto nada igual desde Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)-; una luz inversamente proporcional a la miseria representada (y no me refiero sólo al aspecto económico). De haber elegido el blanco y negro (el negro sobre el blanco en algunos planos sencillamente geniales de la campiña) para darle el tono adecuado al drama y resaltar aún más los vestidos de luto y las cabelleras rubias; salvando las distancias, tan amenazantes como aquellas de El Pueblo de los Malditos (The Village of The Damned de Wolf Rilla, 1960).

También agradecemos que Haneke siga comprometido con su personal visión cinematográfica. Que los encuadres fijos sigan allí el tiempo necesario para que el espectador asuma lo que acaba de ver, lo que está sucediendo fuera de campo, y lo que puede suceder a partir de ese momento.

Del contenido ya hemos hablado. Sólo resaltar otra posible sutileza (de Haneke nunca se sabe): la secuencia que se desarrolla en la iglesia, el día de la confirmación; una escena clave para reflejar la actitud pasiva de los padres de cara al exterior. Nos preguntamos si es una metáfora de la postura del pueblo alemán durante el Genocidio, que sintiéndose creadores del monstruo no se atrevieron a pararlo.


Ver Ficha de La Cinta Blanca.

DÉJAME ENTRAR (Lat den Rätte Komma in de Tomas Alfredson, 2008)

¿Es peor la realidad que la ficción?¿Qué le preocupa más a un niño de 12 años, sus asuntos cotidianos: enfrentarse a sus miedos en el colegio, día tras día; o participar de una fantasía, auque ésta sea terrorífica? Tomas Alfredson intenta responder a estas cuestiones con su última película: Déjame Entrar.



Y lo hace de una manera muy simple. Uniendo dos historias y comparando. Para ello se sirve de la novela y el guión de John Ajvide Lindqvist. Una trama que tiene como protagonistas a una pareja de niños que viven en la Suecia de los fríos años setenta: uno sufre maltratos psicológicos y físicos en la escuela (lo siento, no me gusta nada la palabra Bulling); la otra es nueva en el barrio, con poderes sobrenaturales, que no se acuerda del frío y se alimenta de sangre. El director coloca como personaje principal al primero, Oskar, un niño medio autista que se resiste a confiar sus problemas a sus padres, recién separados, y que encuentra en su nueva vecina la compañía que le falta. Es decir, el único que puede llevar a cabo este experimento con esperanzas de éxito.

Alfredson, además, utiliza una cinta de género, con un tema muy manido, para resolver la situación de una forma muy original. Parecía que todo estaba ya inventado en cuanto al vampirismo se refiere. Y lo que es peor: daba la impresión de que cualquiera que intentara realizar otro largometraje de colmillos y sangre acabaría obteniendo un subproducto de serie B, en el mejor de los casos, o una comedia en el peor. Sin embargo el director sueco ha hecho acopio de algunas buenas decisiones para no caer en el error.



Entre ellas contar la historia con primeros planos, y planos detalle, donde el foco y la profundidad de campo toman protagonismo, para conseguir estrechar las relaciones, dos a dos, entre los distintos personajes. Los planos generales los reserva para algunas secuencias cruentas que, gracias a la lejanía del objetivo, hacen que el filme sea lo suficientemente soportable para disfrutar de la historia. Y es que la cinta parece más cercana al buen cine de Michael Haneke (¿tiene alguna película mala este director?) que, por ejemplo, a la exhibición gore de Wes Craven (¿tiene alguna buena?). Además, el buen criterio de Alfredson tiene un efecto secundario: el ahorro de efectos especiales. Lo que agradecemos especialmente aquellos que hoy en día buscamos películas sin “trampas”; o al menos que no tengan muchas.

Pero que no se preocupen los amantes del género, porque el realizador ha sabido mantener (sin abusar) una buena dosis de los tópicos que hicieron famosas a películas como Drácula –hasta incluye alguno no tan común como el que se refiere al título-; y un final espectacular seguido de un sorprendente plano que deja la trama abierta a que se repitan los hechos en un tiempo futuro. Haciendo cuentas coincidiría más o menos con nuestros días.

Ver Ficha de Déjame Entrar

LAS AMIGAS (Le Amiche de Michelangelo Antonioni, 1955)

Hubo un tiempo, allá por los años sesenta, en que lo snob era decir que las películas de Antonioni eran todas unas obras maestras y que lo demás era un bodrio al servicio del interés comercial. Todo cambió, y en los tiempos en que vivimos si no eres de los que opina que la obra de Michelangelo Antonioni es aburrida, lenta y decididamente mala, entonces es que vas de intelectualoide falso y sin personalidad alguna. Pues bien, no debo tener personalidad porque lo cierto es que me encanta el cine de Antonioni; siempre me ha interesado y no estoy de acuerdo en que sea de minorías. El filme que vamos a comentar hoy lo demuestra: Las Amigas es una película asequible, una obra maestra que profundiza sobre las relaciones humanas.



Armado con su bisturí de cirujano experto, Antonioni disecciona cada personaje y los ordena de menor a mayor importancia: Mariella, una joven que sólo le interesa pasárselo bien sin importarle a costa de qué o de quién; Nene, una mujer casada muy superior en todos los aspectos a su marido, un fracasado y deprimido que se refugia en el engaño; Rosetta, el punto de unión entre Clelia y las demás; Momi, la líder y amoral manipuladora que se cree superior y que sólo encuentra diversión cuando surge algún conflicto –y alguna tragedia- la mayoría de las veces provocado por ella misma; y Clelia, la protagonista, el punto de vista de Antonioni, una mujer trabajadora que siendo la más lúcida de todas no deja de tener sus propias miserias cuando antepone su vida profesional a una relación amorosa.

El arranque coincide con la llegada de Clelia a Turín para abrir una tienda de modas. Pronto llega a entablar amistad con Rosetta y el resto del grupo, todas pertenecientes a un ambiente burgués y decadente, blanco perfecto para las críticas de Antonioni. El genial cineasta ataca a las amigas desde el comienzo cuando la excusa para que Clelia y Rosetta se conozcan es el fallido suicidio de la última. Aburrida de su insulsa existencia -“sólo vivo para decidir que vestido ponerme”- Rosetta ni siquiera sabe el motivo por el que se intenta quitar la vida.

Con una puesta en escena basada en largos planos, Antonioni retrata a unas mujeres que hoy nos parecen más reales, que resultan ser mucho más fuertes que sus parejas. Se sirve de ellas para proponer varios de sus temas preferidos: el “no sentido” de la vida, la soledad de cada individuo frente a la falsa camaradería y el amor no victorioso. Para subrayar sus teorías se apoya en exteriores o decorados perfectamente estudiados para la ocasión. Así, en la secuencia de la playa, presenta a los personajes tal como son, sin caretas, como desnudo es el paisaje de mar y arena; mientras que en la escena del desfile de modas, una confesión entre dos de las falsas amigas se confunde con la vida artificial de modelos y clientes.

A pesar de las críticas -y pasando por encima de ellas- películas como Las Amigas se mantienen vigentes, como corresponde a la obra de un grande del cine de todos los tiempos. No hay más que ver la influencia de Antonioni en los directores que le siguieron. Su huella se deja sentir en realizadores tan dispares como Brian de Palma o Michael Haneke; y sus largometrajes se reponen sin cesar, sirviendo de continuo aprendizaje para quien se toma el séptimo arte como es, como un arte.

Ver Ficha de Las Amigas.

CACHE - ESCONDIDO (Caché de Michael Haneke, 2005)

Tengo que reconocer que al hablar de Haneke, y de su cine, no puedo evitar sentir un extraño desasosiego. Eso es lo que produce cualquier obra del director austriaco, y Cache no iba a ser menos. Rodada en formato de vídeo de alta definición para conseguir un mayor realismo y una total crudeza en las escenas violentas -hay pocas, pero intensas-, la cinta invita a la reflexión sobre la culpa individual y social.




Georges y su mujer (Daniel Auteuil y Juliette Binoche) reciben una serie de cintas VHS y dibujos que amenazan su integridad física y moral. Esta situación acaba provocando una crisis en, su cada vez mas deteriorado, matrimonio. Bajo esta base de thriller y con un entorno social en el que los medios de comunicación manipulan la información y las personas viven de forma rutinaria, Haneke construye una historia que se refleja en el pasado. Para ello hace uso de una serie de flashback oníricos donde mezcla los sueños con la realidad. Así, el protagonista, va sintiendo que los recuerdos del pasado se tornan en pesadillas y que éstas configuran, y dan razón de ser, al angustioso presente.

Desde el arranque Cache transcurre con lentitud premeditada. Tanto en los créditos como en el extraño final, que el mismo Haneke no quiere interpretar (“Me niego a descodificar cualquier secuencia”) deja la cámara fija. La inquietud que provoca es inevitable y la influencia de Antonioni parece evidente: las secuencias en las que el matrimonio intenta descubrir que significan las cintas de vídeo recuerdan mucho a Blow Up (1966). Uno de los flashback del largometraje -el mejor-, donde Haneke filma desde el interior de un granero, es muy parecido al plano secuencia final de El Reportero (Professione:Reporter, 1975), una de las mejores cintas del maestro italiano.



Por último los actores se integran perfectamente en la trama. Daniel Auteuil -aquí sí voy a ser tajante: el mejor actor francés vivo- es el ideal para interpretar a Georges. Auteuil tiene una gran amplitud de registros que van desde el enamorado campesino de El manantial de las colinas y La venganza de Manon (Jean de Florette y Manon des Sources de Claude Berri, 1986) al introvertido personaje de Un corazón en invierno (Un Coeur en Hiver de Claude Sautet, 1992). Pero si algo le caracteriza es su personalidad desdramatizada y ambigua. Haneke, que nunca había trabajado con el actor galo, pero que seguía con detenimiento su brillante carrera, no dudó a la hora de decidirse por él.

Cache ha cosechado diversos premios en Europa, incluido el de mejor director en Cannes y el de mejor película europea en Francia. Este dato no siempre garantiza que nos enfrentemos a una gran película, aunque en esta ocasión su reconocimiento coincide con su calidad.


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