"Elegidos para la gloria _ The right Stuff (1983)" La dedocracia versus la meritocracia académica

La historia a veces depara sorpresas para los que la analizan a posteriori, sin embargo para aquellos que les toca vivirla en el presente la sorpresa es simple y llanamente un día más del calendario. El Proyecto Mercury pudo haber sido un pufo, una de las mayores meteduras de pata de la historia debido al afán de superar a la URSS en la carrera tecnológica. A medida que los rusos superaban a los americanos lanzando el primer satélite y al primer hombre al espacio, los americanos a base de mucho esfuerzo (y algún que otro sin sentido) y con las probabilidades a su favor (esto lo sabemos a toro pasado) iban gestando lo que iba a culminar con la huella de Armstrong, Aldrin y Collins en la superficie lunar.

Antes de todo ello, los hombres jugaban a forzar la maquinaria voladora aumentando la velocidad de los aviones y estimando de qué manera podrían sobrepasar la barrera del sonido o velocidad supersónica. Charles Elwood Yeager fue el primer hombre en atravesar oficialmente la barrera del sonido, el 14 de octubre de 1947, volando con el avión experimental Bell X-1, esta gesta se puede considerar un paralelismo de lo que el Proyecto Mercury buscaba: sobrepasar un límite. Y es aquí donde Elegidos para la Gloria incide más a mi modo de ver. Primero establece ese paralelismo entre ambas metas para después volcarse en el lado más humano. Yeager fue rechazado para la carrera espacial por no tener carrera universitaria aún habiendo demostrado capacidades físicas innatas para poder enfrentarse a semejante reto. Digamos que quedó fuera de las oposiciones a astronauta por no cumplir con uno de los requisitos impuesto desde la NASA, en fin, seguro que os suena. Dejando de lado esta injusticia con los pilotos menos preparados académicamente la NASA tuvo las probabilidades a su favor y eligió a pilotos (marines y fuerzas aéreas) más preparados según su baremo para que llevarán a cabo el Proyecto Mercury de manera exitosa.

La película de Kaufman basada en el libro de Tom Wolfe aunque demasiado larga, es capaz de dar una lección de historia sin ser demasiado "sentimentaloide" ni políticamente correcta. Las interpretaciones están a un nivel notable y la dirección está cuidada y se esmera en mostrar los por menores y deleites del viaje orbital. La banda sonora de Conti es excelente y el guión del propio Kaufman aguanta bastante bien, como el panel térmico de la Mercury Atlas 6. Resumiendo, se trata de una notable película sobre la incipiente puesta en marcha de la carrera espacial en el mundo, centrada sobre todo en los EE.UU y mostrando el lado humano de los que tuvieron la oportunidad de ser parte activa y pasiva de ese pequeño paso para el hombre...

Un saludo.

History sometimes holds surprises for the subsequent analyzes, however for those who live in this touching surprise is quite simply another day on the calendar. Mercury Project may have been a pufo, one of the biggest blunders in history due to the desire to beat the USSR in the technology race. As the Russians outnumbered the Americans launched the first satellite and the first man into space, based Americans much effort (and some other nonsense) and with the odds in your favor (this we know in retrospect) was forming what was to culminate with the imprint of Armstrong, Aldrin and Collins on the lunar surface.

Before all this, the men played to force the flying machine by increasing the speed of the aircraft and considering how they might exceed the sound barrier or supersonic speed. Charles Elwood Yeager was the first man to officially cross the sound barrier on 14 October 1947, flying the experimental aircraft Bell X-1, this feat can be considered a parallel of what looked Project Mercury: exceed a limit . And this is where The Right Stuff falls more in my view. First set the parallelism between the two goals for later topple the human side. Yeager was rejected for not having a university degree despite having demonstrated innate physical abilities to confront this challenge. Say you went out of the oppositions to astronaut for not meeting a requirement imposed from NASA, in short, you sound sure. Leaving aside this injustice with pilots less prepared academically NASA had the odds in your favor and pilots chose (marines and air force) prepared according to their scale more to carry out the Mercury Project successfully.

Kaufman's film based on Tom Wolfe's book but too long, is able to give a history lesson without being too "mushy" or politically correct. The performances are a remarkable level and direction is maintained and strives to show the delights by orbital trip. Conti's soundtrack is excellent and the script by Kaufman holds quite well, as the thermal panel of Mercury Atlas 6. In short, this is a remarkable film about the incipient launch of the space race in the world, centered mostly in the U.S. and showing the human side of those who had the opportunity to be part of the active and passive small step for man ...

A greeting.

La nota / The Mark: 

Bandas Sonoras : Rocky, Bill Conti, las orquestas y solistas.

Aunque parece obvio, a veces olvidamos el importantísimo papel que juegan las bandas sonoras en las películas. De hecho, existen películas que díficilmente llegarían a ser las obras maestras que son sin las partituras escritas por los músicos. En este caso en particular quiero poner el foco de atención sobre una de las películas mejor consideradas en la historia del cine: Rocky. Ganadora de tres Oscars de la Academia (Película, Director, Montaje) y nominada a diez (guión, actor, actriz, etc). Hay bandas sonoras que se convierten en himnos, y Bill Conti compusó uno de los himnos a la superación personal que más se recuerdan, de hecho dudo que nadie con más de una veintena de edad no haya escuchado alguna vez el Gonna Fly Now. Este tema esta considerado como uno de los cien mejores temas de la historia del cine por el American Film Institute, y aunque la versión para la película fue radiada hasta decir basta, fue la versión del trompetista Maynard Ferguson publicada antes de la banda sonora, la que versión que alcanzó mayor éxito.

Uno de los placeres que en mi opinión es del todo recomendable es escuchar a una orquesta o a un solista interpretando una banda sonora, como por ejemplo ocurre de manera continua durante la retransmisión de la Gala de los Oscar. El poder percibir como fluyen las notas en un espacio preparado para tal evento provoca una sensación indiscriptible. Los instrumentos se convierten en los portadores de las emociones que la película nos inoculó (siempre que nos gustara, claro está), y revivimos sin necesidad de imágenes cada escena hasta tal punto que la experiencia cautiva por su belleza...vaya, que cursi me he puesto...Bueno, que cada uno juzgue e interprete que siente al escuchar una "original score" (como lo llaman los americanos) interpretado por una orquesta, un pianista, un guitarrista , un violinista o cualquiera a cargo de un instrumeno. Para ello os dejo unos vídeos que he seleccionado de youtube para que comprobeís qué diferente resulta la audición de una BSO a manos de músicos en directo.
El primer vídeo muestra la interpretación de Gonna Fly Now a cargo de la Orquesta Holandesa llamada Crescendo from Bussum, una delicia. El segundo vídeo muestra un montaje del entrenamiento en Rocky IV de Vince Di Vicola a cargo de un anónimo, interesante comprobar los acordes de la guitarra y el juego de movimientos para conseguir la melodía. El tercer vídeo muestra un concierto de Survivor en Nagoya en el 87 en el que interpretan Eye of the Tiger, el tema principal de Rocky III y una de las canciones más famosas de este grupo junto con Burning Heart, son cañeros como pocos. En el cuarto y último vídeo os dejo un fragmento de un programa en el que entrevistan a Bill Conti (Rocky I, II, III, V, VI), habla sobre cómo surgió el famoso tema del que ya hemos hablado (Gonna Fly Now) y donde además interpreta al piano el mismo, muy interesante.

A disfrutar y un saludo.

Although it seems obvious, we sometimes forget the important role played by the movie soundtracks. In fact, there are films that hardly would become the masterpieces that they are without the scores written by musicians. In this particular case I want to put the spotlight on one of the most highly regarded films in film history: Rocky. Winner of three Academy Awards (Picture, Director, Editor) and nominated for ten (screenplay, actor, actress, etc). There are soundtracks that become anthems, and Bill Conti composed one of the hymns to the personal growth that are remembered more, in fact I doubt anyone with more than twenty years has not ever heard the song Gonna Fly Now. This issue is considered one of the hundred best songs of movie history by the American Film Institute, and although the film version was broadcast a lot, was the trumpeter Maynard Ferguson version published by the soundtrack, that version achieved greater success.

One of the pleasures in my opinion is quite advisable to listen to an orchestra or soloist playing a soundtrack, such as occurs continuously during the broadcast of the Oscars. The power flow notes perceived as a space prepared for such an event causes a sensation indiscriptible. The instruments become carriers of emotions that a film inoculated us (whenever we liked, of course), and relive images without each scene to the point that the experience captivates with its beauty ... wow, that cheesy I have since ... Well, everyone can judge and interpret how it feels to hear an original score played by an orchestra, a pianist, a guitarist, a violinist or anyone in charge of a instrument . For this I have selected some videos from youtube to test it and to check how different the hearing of a BSO at the hands of live musicians.The first video shows the interpretation of Gonna Fly Now by Dutch Orchestra named Crescendo from Bussum, a delight. The second video shows a montage from Rocky IV training of Vince Di Vicola by an anonymous Interestingly guitar chords and play moves to get the melody. The third video shows a Survivor concert in Nagoya in 87 interpreting the Eye of the Tiger, the theme song from Rocky III and one of the most famous songs of this group along with Burning Heart, are sugarcane as few. In the fourth and last video I leave a fragment of a program in which they interview Bill Conti (Rocky I, II, III, V, VI), talks about how the famous theme emerged already discussed (Gonna Fly Now) and where he also plays the piano the same, very interesting.

Enjoy it and greetings.

"Casablanca (1942)" ...el comienzo de una hermosa amistad.

Amo el cine de tal forma que en no pocas ocasiones imágenes de cualquier film acuden a mi mente para relacionarlas con situaciones reales, de la vida cotidiana o incluso de anhelos y temores. El cine tiene un inexplicable efecto sobre todo el mundo, y aunque sabemos que el cine transita entre lo real y lo ficticio, también apreciamos su verdad por encima de las constantes y provocadas omisiones.

Quizás haya alguien a quien todavía no le haya embargado un torrente de emociones cuando acaba de ver una película como Qué bello es vivir, a quien todavía no se le erizan los pelos de la nuca cuando "La diligencia" cruza el oeste ante enormes desafíos, a quien todavía no le ha curado una gripe un visionado de "El hombre tranquilo". El cine clásico tenía una forma de contar las historias que sobrepasaba la pantalla incidiendo directamente en nuestros cerebros y provocando el chispazo de nuestra máquina de reflexión. Para quienes todavía siguen sin conocer de sus efectos no creo que haya una película mejor para empezar a aficionarse que la maravillosa "Casablanca".

Hay que decir que "Casablanca" no obtuvo los merecidos elogios con los que hoy cuenta hasta pasados unos diez años desde su estreno, muy seguramente porque fue descubierta por generaciones de estadounidenses que habían vivido un momento clave en la historia de la humanidad, y se encontraban respondiendo preguntas que Casablanca les pudo contestar en parte. No obstante fue una película que en su estreno contó con la inestimable fortuna de coincidir casi con el desembarco aliado en Casablanca, concretamente dieciocho días después del mismo.

El adjetivo que mejor definiría la película de Michael Curtiz sería redonda, desde la dirección hasta el atrezzo. Curtiz hace gala de una gran maestría permitiendo que los detalles más importantes nos conduzcan por un guión que mantiene al espectador en una constante vigía. Las actuaciones son memorables, de principales y secundarios, pero la pareja protagonista rebosa excelencia desde que aparecen en escena hasta que desvanecen. A mi en particular me encandila sobre manera la interpretación de Bogart, su cinismo, su dureza, su sarcasmo y su transformación en el hombre que realmente es y que a casi todos nos gustaría ser. Ingrid Bergman está preciosa y exuberante cuando tiene que estarlo, Ilsa mantiene una tensión con Rick que hace que se vayan rompiendo por dentro cada vez que se encuentran, que conversan o que se miran. La música es exquisita y la ambientación hace que nos olvidemos de si Casablanca es como la pintan porque lo cierto es que nos las creemos desde el primer frame en el que aparece.

La película no sólo trata de gente que quiere escapar de la terrible avalancha nazi que se cierne sobre Europa y que aspira a conquistar el mundo, también trata del amor y el desamor, de las amistades y las enemistades, y por supuesto, del tiempo, del tiempo que pasa y pasará. No hay que perder la ocasión de hacer un buen amigo, y con "Casablanca" podemos comenzar una hermosa amistad con el cine clásico que tanto ha dado y tiene que dar.

Un abrazo.

...THE BEGINNING OF A BEATIFUL FRIENDSHIP.

I love  movies so many occasions in any film images come to my mind to relate to real situations of daily life or even of desires and fears. The film has an inexplicable effect on everyone, and although we know that the film moves between the real and the fictional, also appreciate your truth above constants and omissions caused.

Perhaps there is someone who still hasn't embargoed a torrent of emotions when watching a movie just as "It's a Wonderful Life", who is not yet bristling hairs neck as "Stagecoach" crosses the west face of enormous challenges, who still has not cured the flu a viewing of "The Quiet Man". The classic film was a way to tell the stories that went beyond the screen shining directly into our brains and causing the spark reflection of our machine. For those who still remain unaware of its effects not think there is a better film to start dabbling that wonderful "Casablanca".

It must be said that "Casablanca" did not get the deserved praise with which today account until some ten years since its release, most likely because it was discovered by generations of Americans who had lived a key moment in the history of mankind, and Casablanca were answering questions that they could answer in part. But it was a film that had its premiere in the match inestimable fortune almost the Allied landing in Casablanca, namely eighteen days thereafter.

The adjective that best define the film of Michael Curtiz would be perfect, from management to the props. Curtiz boasts a masterfully allowing important details lead us by a script that keeps the viewer on a constant lookout. The performances are memorable, major and minor, but the main couple exudes excellence from appearing on the scene until fade. My particularly excites me about how the interpretation of Bogart, his cynicism, his toughness, his sarcasm and his transformation into the man he really is and that almost everyone would like to be. Ingrid Bergman is lovely and lush when it has to be, Ilsa and Rick maintain a tension that makes it go crashing inside every time they meet, they talk or look. The music is exquisite and the atmosphere makes us forget if Casablanca is like the painting because the truth is that we believe from the first frame in which it appears.

The film is not just about people who want to escape the Nazi onslaught dreadful hanging over Europe and aspires to conquer the world, also about love and heartbreak, friendship and enmity, and of course, time, the time going bye. Do not lose the chance to make a good friend, and "Casablanca" can begin a beautiful friendship with both classical cinema has given and has to give.

A hug.

La nota / The mark: 

LA SAGA DE HARRY POTTER: EL QUISQUILLOSO...

A golpe de varita mágica y pronunciado Reductio esta crítica podría resumirse con una simple advertencia: el que quiera disfrutar de las películas de esta saga que no se lea los libros.

Las adaptaciones de obras del calibre de Harry Potter merecen a los mejores profesionales del género, y debo decir que desde que Steve Kloves dejará la saga a la mitad de ésta se fue perdiendo parte de la esencia de la historia para pasar a convertirse paulatinamente en una serie de filmes sobre magia con mucha acción y poco peso argumental, con una falta de detalles que a mi parecer le van restando calidad a la historia que de manera tan brillante concluyó Rowling en Las Reliquias de la Muerte.

De los siete libros surgieron ocho películas, de las que a mi parecer, las dos primeras son las más fieles a las obras escritas y son las películas donde sin lugar a dudas los amantes de los libros encontrarán satisfechas sus expectativas. Esto es así porque básicamente se consigue transmitir lo esencial del personaje de Harry y se elaboró una excelente introducción a la historia y su contexto.

Las películas tercera y cuarta se tornaron al igual que los libros algo más siniestras y fueron ganando en madurez junto con la evolución de sus personajes principales. Sin embargo, ya empezaban a mostrar síntomas de abandono del argumento para centrarse más en la acción (efectos especiales), se fueron omitiendo aspectos casi fundamentales de la obra escrita que confieren a la historia de Harry Potter su encanto particular.

Con La Orden del Fénix (la quinta cinta) se consuma desde mi punto de vista el declive de la saga del joven mago, se pierde por mucho la dirección que marca la historia escrita por Rowling. Y este aspecto es muy importante, porque quizás este quinto libro y por ende la quinta película sean los más importantes a la hora de definir el futuro y posterior conclusión de la saga.

En El Príncipe Mestizo se aprovecha el potencial del personaje de Severus Snape para insuflar cierto grado de curiosidad en el espectador, sobre todo por el devenir de su relación con Harry, de tal modo que buena parte de los acontecimientos que acaecen en Las Reliquias de la Muerte giran en torno a esa relación de odio entre el profesor y el alumno, compañeros por otra parte de La Orden.

Y llegamos a Las Reliquias de la Muerte. Literariamente hablando no es el mejor libro a mi entender, aunque seguramente fuera el más esperado y menos deseado por los fans. Cinematográficamente  es un acierto su división en dos partes pero toda una desilusión su resultado final. De nuevo se pierde de vista la esencia de la historia y las omisiones y saltos de tiempo me parecen imperdonables, sinceramente.

Como ya he comentado al principio mi perspectiva cinematográfica sobre esta saga se ve altamente influenciada por mi experiencia lectora. No cabe duda de que muchos espectadores habrán disfrutado de la saga e incluso la consideren excelente, pero también me temo que aquellos a los que les gusten las adaptaciones ajustadas habrán echado en falta infinidad de detalles que permiten el gozo cuando se lee.

Un abrazo.

A stroke of magic wand and uttered Reductio this review could be summarized with a simple warning: whoever wants to enjoy movies in this saga is not read books.

Adaptations of works by the caliber of Harry Potter deserve the best professionals of the genre, and I must say that since the series will Steve Kloves half of it was lost at the heart of the story to move to gradually become a series of films about magic with lots of action and light weight of argument, with a lack of detail that I think you are subtracting quality to the story that so brilliantly concluded Rowling in The Deathly Hallows.

Of the seven books came eight films, of which in my opinion, the first two are the most faithful to the written works and films which are undoubtedly the book lovers will find their expectations met. This is because basically it manages to convey the essence of the character of Harry and developed an excellent introduction to the history and context.The third and fourth movies turned books as something more sinister and were becoming more mature with the development of its main characters. However, already beginning to show signs of abandoning the argument to focus more on the action (special effects), they went skipping about fundamental aspects of the written work that give the story of Harry Potter its charm.

With Order of the Phoenix (the fifth tape) is consumed from my point of view the decline of the boy wizard saga, is lost by far the direction of the story written by Rowling. And this aspect is very important, because maybe this fifth book and thus the fifth film to be the most important in defining the future and subsequent conclusion of the saga.

In Half-Blood Prince takes advantage of the potential character of Severus Snape to inject a degree of curiosity in the viewer, especially the evolution of his relationship with Harry, so that many of the events that occur in  The Deathly Hallows  revolve around that hate relationship between teacher and student, colleagues on the other part of the Order.

And we come to The Deathly Hallows. Literary terms is not the best book to me, but probably was the most expected and least desired by fans. Cinematically is a wise move its division into two parts but any disappointment the final outcome. Again we lose sight of the essence of history and time gaps and breaks seem unforgivable, really.

As I said at first my perspective on this film series is heavily influenced by my reading experience. There is no doubt that many viewers have enjoyed the series and even considered excellent, but I fear that those who like tight adaptations have missed countless details that allow the joy when reading.

A greeting.

La nota de la Saga / The mark of the Saga :

"La carga de la brigada ligera _ The Charge of the Light Brigade (1936)" ¿UN "ECUESTRICIDIO" JUSTIFICADO?

Antes de ir al trapo con la crítica de esta notable película de aventuras bélicas a caballo entre la India y la Península de Crimea, quiero hacer una reflexión histórica sobre el cine que tanto nos gusta y nos emociona. Hemos escuchado muchas veces ese pseudoleyenda (digo pseudo porque nunca he podido contrastarla) de que las zapatillas deportivas o los balones los tejen niños coléricos y famélicos en fábricas dejadas de la mano de Dios. Aun oliéndose uno que parece bastante verídico lo cierto es que no dejas de comprarte unas bambas de esa marca en particular. Esto viene a que antiguamente, para producir una película, era bastante frecuente el uso de animales, sin ir más lejos en esta cinta de 1936 veremos elefantes, leopardos y sobre todo caballos. A raíz de esta película y de algunas otras de la época, se tomo conciencia del maltrato que sufrían los animales en los rodajes. En este rodaje en particular se tuvieron que sacrificar muchos caballos debido al empleo de la técnica de la W continua (os recomiendo ver el vídeo de abajo), que básicamente consistía en hacer tropezar al caballo cuando se quería mediante cables o cuerdas, con lo que el caballo se daba de bruces contra el suelo quedando mal herido mientras el jinete saltaba justo en el momento preciso para evitarlo. No obstante esta miseria cinematográfica que me revuelve la conciencia y el estómago, la película es digna de mención y de ser visionada.

Tanto en la actualidad como en el momento en que se produjo su estreno, el principal aliciente de la película era/es su estrella masculina Errol Flynn. Flynn (un pobre diablo de Tasmania si se me permite el apodo) fue un hombre con un increíble potencial físico que pudo perfectamente haberse dedicado al deporte profesional. Sin embargo encamino su vida hacia el lado más oscuro y decadente abusando de drogas y alcohol, y convirtiéndose en uno de los mujeriegos más empedernidos que Hollywood y el celuloide hayan conocido. Eso no quita que nos haya brindado toda una serie de películas, sobre todo de aventuras, con grandes dosis de acción, en muchas de las cuales fue de la mano de Michael Curtiz, no por amistad (no se tragaban) sino por contratos de las grandes productoras. En esta cinta Errol Flynn se comporta como el perfecto capitán del ejército de su majestad la Reina Victoria durante su ocupación de la gran península índica y durante una etapa de conflictos fronterizos que desembocaron en la batalla de Balaklava en 1854 durante la Guerra de Crimea, de la cual se hace eco esta película.

La película precisamente se inspira en los hechos que acontecieron en esa batalla y en su desencadenante. Cabe destacar que aunque los nombres son reales la historia está muy cambiada, aunque ese ya es tema para tratar en una tertulia sobre historia. Destacan los grandes paisajes que recuerdan a aquellos territorios de tribus indias fronterizas y que realmente se desarrollan sobre suelo desértico californiano, unos decorados que fueron, según cuenta el propio Flynn, Niven o la dulce de Havilland un auténtico infierno por los fuertes contrastes térmicos, pero sobre todo por la actitud de sus compañeros de reparto, ya que tanto Niven como Flynn acabaron confraternizando y liándola parda cada vez que se les antojaba.

Curtiz está impecable en la dirección, como nos tiene acostumbrados por otra parte. Sin embargo es de mención la gran ayuda que supuso tanto los editores del film como productores artísticos que fueron capaces de engendrar junto con Curtiz, una de las primeras grandes cargas a caballo de la historia del cine, con un ritmo trepidante y perfectamente acompañado por la música de uno de los considerados como el padre de las bandas sonoras como fue Max Steiner.

No cabe duda de que se está delante de una gran obra del cine cuando se visiona La carga de la brigada ligera, y aunque en la actualidad se haya podido quedar anticuada lo cierto es que no sólo entretiene sino que lo hace como debe hacerse: desde la conjunción de dirección, guión y música. Con eso el resto viene solo. ¡Que la disfruten!

Un saludo.

KILLING HORSES BY CINEMA

Before going to wipe with a criticism of this remarkable film of military adventures on horseback between India and the Crimean Peninsula, I have a historical reflection on the film that we like and we are excited. We have heard many times that pseudoleyenda (I say pseudo because I've never been able to contrast) that the shoes or the woven balls angry and starving children in factories left in the hand of God. Even smelling one that seems pretty true fact is that you do not stop to buy some sneakers that particular brand. This comes to that once, to produce a film, it was quite common to use animals, without going any further in this film of 1936 will see elephants, leopards and especially horses. Following this film and some others of his time, became aware of the abuse suffered by animals during filming. In this shoot in particular had to sacrifice many horses due to the use of the technique of continuous W, which basically consisted of tripping the horse when it was wanted by cables or ropes, which gave the horse to the ground face down being badly injured while the rider jumped just at the right time to avoid it.However, this cinematic misery turns my stomach and conscience, the film is worthy of mention and to be envisioned.

Both now and in the time of its release was the main attraction of the movie was / is the male star Errol Flynn. Flynn (a poor devil of Tasmania if I nickname) was a man with incredible physical potential that could well have been dedicated to professional sports. But his life went into the dark and decadent side abusing drugs and alcohol, and becoming one of the most inveterate womanizing Hollywood and the film have known. That does not mean that we have provided a number of movies, especially adventure with heavy doses of action, much of which was from the hand of Michael Curtiz, not for friendship (not swallowed), but the contract large producers. Errol Flynn in this film acts as the perfect captain of the army of Her Majesty Queen Victoria during their occupation of the great peninsula indica and during a period of border disputes that led to the Battle of Balaklava in 1854 during the Crimean War of which echoes the film.

The film is based precisely on the facts that happened in that battle and its trigger.Note that although the names are real, the story is much changed, although that is already subject to treat in a discussion about history. Highlights the large landscapes that are reminiscent of those border territories of Indian tribes and really develop over California desert floor, some sets that were, according to Flynn's own account, Niven dulce de Havilland or a living hell by strong temperature contrasts, but especially by the attitude of his fellow actors, as both ended up befriending Niven and Flynn mingling brown whenever they wanted.

Curtiz's impeccable direction, as we have come otherwise. However, it is of note that marked the great help both publishers and producers of film art that were able to breed with Curtiz, one of the first great horse loads of cinema history, with a fast-paced and perfectly accompanied by the music of one of those regarded as the father of the soundtracks as was Max Steiner.

No doubt that is in front of a great work of cinema when viewed the burden of the Light Brigade, and although it is now outdated any remaining fact is that not only entertains but does so as one should, from the combination of direction, script and music. With that, the rest comes by itself. Hope you enjoy!

Regards.

La nota / The Avg. : 

Otras calificaciones / Other qualifications: 

"La semilla del diablo_Rosemary's Baby (1968)"Madre no hay más que una y a ti te encontré en el Dakota

Con la intención de dar a conocer algunos posts que quedaron en el olvido de los comienzos de este blog y sobre todo para poder comentarlos con los que de manera más o menos regular le dedicáis vuestro tiempo, muchas gracias por ello, empiezo ahora una etapa de ampliación de aquellas viejas críticas, con nuevas capturas y carteles, espero sea de vuestro agrado. Pasemos a desgranar la crítica de esta gran película de terror.

 El edificio Dakota, es la típica construcción que huele, que respira, que habla y estremece en los momentos de debilidad humana. Entras por la puerta de cualquiera de sus pisos y ese olor a viejo, a madera gastada y carcoma te transporta a tu infancia, a la casa de tus abuelos, de tus antepasados. El viento aúlla entre las rendijas de las ventanas de estilo victoriano. Se escuchan golpes sin origen aparente, puertas que al abrirse golpean los tímpanos con un agudo y escalofriante chirrido y pasillos sin final donde las sombras juegan malas pasadas haciéndonos ver espectros en paredes.

El film parte de la macabra intrahistoria del Dakota, no sólo en el guión, también en la vida real, para tejer un hilo de tensión y suspense sobre cada plano que magistralmente rodó Polanski. Esas historias atacan al imaginario humano desde el primer momento, sin embargo, la película juega principalmente con el culto a Satán y con la relación consciente o subconsciente que creyentes practicantes o no tenemos sobre el satanismo, los exorcismos y demás.

Uno de los puntos fuertes en donde reside el éxito de la película es en la pareja de protagonistas principales y secundarios, los Woodhouse y los Castevet. Los Woodhouse pertenecen a la clase media-alta de Nueva York, en donde el marido, actor de poca monta, no consigue consolidar su carrera. Rosemary es la prototípica mujer americana de los 70, decidida a procrear y cuidar de casa y la estirpe. La pareja de secundarios es lo mejor. Piensas que son los típicos vecinos cansinos y cotillas, dispuestos a meter la nariz en cualquier rincón de tu casa y husmear para recabar la máxima información posible, sin embargo, vas descubriendo que son algo más que viejos jubilados aburridos, que esconden algún secreto, conclusión a la que has llegado por sutiles pistas que el guión va dejando entrever.

El aspecto del satanismo está tocado de manera superficial. Podemos figurarnos la manera en que un aquelarre de brujos actúa para engendrar la semilla del mal, pero Polanski acerca el zoom hacia aspectos psicológicos sin dejar de lado el suspense y el relativo miedo que nos hacer sentir. Es suficiente el punto de vista de la película, puesto que la historia consigue mantener la tensión adecuada que irá creciendo a su debido tiempo.

Finalmente, apuntar algunos detalles. No hay que esperar una película tipo El Exorcista con escenas que nos levanten de un botecito del asiento, la cinta está contada de manera pausada, inyectando el pavor gradualmente. Encontraremos una estética ya olvidada pero en mi opinión la mejor estética posible para contar películas de miedo: el color gastado, la década de los 60 con la decoración a veces demasiado fatua y la manera de vestir más recatada y sosa que otorgan a los temas referidos a las posesiones mayor credibilidad. Por último alabar la figura del director, que sin explicitar el terror consigue "subliminar" planos aterradores que se meten en el subconsciente y residen allí de por vida.

Un saludo a tod@s.



Mother there is only one and I found you at the Dakota.

The Dakota building, construction is typical smell, breathing, talking and dithering in moments of human weakness. Walk through the door of any of its floors and the smell of old, worn and woodworm woody you back to your childhood, the home of your grandparents, your ancestors. The wind howls through the cracks of the windows of Victorian style. We hear shots without apparent source, open doors to pound the eardrums with a sharp and chilling screech and endless corridors where the shadows play tricks on us see ghosts in walls.

The film part of the intra macabre Dakota, not only in the script, also in real life to weave a thread of tension and suspense on every plane that Polanski masterfully shot. These stories attacking the human imagination from the outset, however, the movie plays mainly with the worship of Satan and the relative conscious or subconscious or non-practicing believers have about Satanism, exorcism and more.

One of the strengths lies the film's success is the partner of major and minor players, the Woodhouse and Castevet. The Woodhouse belong to the upper-middle class New York, where her husband, small-time actor, is unable to consolidate his career.Rosemary is the quintessential American woman of 70, decided to breed and take care of home and kin. The pair of side is best. Think are the typical gossipy neighbors weary and ready to poke their noses into every corner of your house and snoop to gather as much information as possible, however, you discover you are more than just boring old retiree, who hide a secret, a conclusion which has come for subtle clues that the script is hinting.

The appearance of Satanism is touched superficially. We can figure out how a coven of witches acts to generate the seed of evil, but Polanski zooms toward psychological side while on the suspense and fear that makes us feel. Is it enough to view the film, as the story manages to maintain proper tension that will grow in time.

Finally, we point out some details. Do not expect a movie with scenes such Exorcist lifted us a little boat seat, the film is told in a calm, injecting the fear gradually. Find an aesthetic and forgotten, but in my opinion the best possible aesthetics to tell horror films: the color used, the 60's with the decor sometimes too fatuous and how to dress more modestly and soda they give the issues related credibility of possessions.Finally praise the figure of the director, without explaining the terror that gets "subliminal" frightening levels that get into the subconscious and live there for life.

A greeting.

La puntuación / The avg. :