Charles Chaplin. (5ª Parte. La Quimera del Oro)

Cuarta parte: Una Mujer de París.

Tan solo dos meses después de terminar el rodaje de Una Mujer de París, Chaplin mandó construir los decorados y registró el guión de La Quimera del Oro.

La inspiración para hacer esta película le vino por casualidad, cuando su socia Mary Pickford le enseñaba un estereoscopio de la gran fiebre del oro de Klondike.

Los estereoscopios, a través de dos lentes, crean una ilusión óptica que hace que podamos ver tridimensional una foto bidimensional. No entiendo absolutamente nada de estos cacharros y lo más parecido que me viene a la cabeza es una pequeña máquina de juguete, con forma de cámara fotográfica, que iba pasando fotografías que veíamos en 3D y que mi abuela tenía en su casa con fotos de paisajes de Segovia; y que si habéis nacido en los 80, como yo, sabréis de lo que os hablo.

Douglas Fairbanks, el marido de Mary Pickford, coleccionaba imágenes para ver en estereoscopio; entre ellas, las de los buscadores de oro de la gran fiebre del oro de Klondike, como ya dije antes.

En 1896, un grupo de pescadores de salmones descubrió depósitos aluvionales de oro en uno de los arroyos del río Klondike, en el noroeste de Canadá en la frontera con Alaska. La noticia correría como la pólvora y en 1897 llegó a Estados Unidos en la cumbre de un importante periodo de recesión económica y quiebras bancarias.

Pronto empezaron a llegar grupos de personas de todas partes del mundo en busca de oro. Tanto es así que en 1898 la población de Klondike había llegado a los cuarenta mil habitantes y la situación amenazaba con una gran hambruna en la región.

Entre aquellos que perecieron en la búsqueda del oro, fue famosa la historia del grupo Donner; una expedición capitaneada por George Donner en 1846 que se perdió en Sierra Nevada (California) y que tuvieron que recurrir a comerse sus propios zapatos y, más tarde, al canibalismo.

Entre los filmes por estereoscopio y un libro sobre la tragedia del grupo Donner, Chaplin encontró la inspiración en la tragedia para crear su nueva película cómica.

Fue la única comedia muda que Chaplin rodó con el guión preparado y se podría decir que La Quimera del Oro es su película más elaborada.

Tanto él como su equipo pasaron dos semanas en Truckee (Sierra Nevada) recreando las imágenes históricas de los buscadores de oro cruzando el paso Chilkoot. Fueron necesarios seiscientos extras, en su gran mayoría mendigos, que llegaban en tren desde Sacramento.

Cuando todo estaba listo y Chaplin se metió dentro de Charlot para empezar a rodar, todos aquellos extras, todos aquellos mendigos, ovacionaron y aplaudieron al mendigo del cine por excelencia.

Tras una película donde no aparecía Charlot, Chaplin rescató al hombrecillo para enviarlo en busca de fortuna. La búsqueda de la fortuna, la columna vertebral de esta película, es uno de los temas y sentimientos universales que Chaplin tocó con sus películas y que el ser humano lleva buscando toda su vida. Desde entonces, el tema de la búsqueda de fortuna en el cine ha sido, y sigue siendo, explotado infinidad de veces; pero nadie ha sabido hacerlo como el genio de Chaplin.

Hacernos reír con la tragedia era uno de sus dones. Charlot ha entrado con ésta película en la cima de lo trágico puro. Los resortes cómicos dejan de ser algo concreto en las películas de Chaplin para pasar a ser algo abstracto. Sus enemigos de siempre ya no sólo tienen  fuerza individualizada (el gigante, el matón, la patada en el trasero), sino que son expresiones de algo superior; sentimientos universales (el hambre, la búsqueda de la fortuna, el amor y el desamor...)

En esta película, por ejemplo, podemos encontrar tres grandes temas: la penosa búsqueda de la fortuna, el hambre y el desengaño amoroso. El hambre como tema cómico es una contradicción en sí misma, pero ahí está Charlot; cocinando su zapato como si de un experto chef cocinando un plato exquisito se tratara. Los cordones se convierten en tallarines y los clavos en espinas de pescado. Y la tragedia se convierte en risa.

Para el tema del desengaño amoroso, la actriz elegida fue Lita Grey.

Grey ya había hecho un cameo a los doce años en El Chico en 1921. Fue el ángel del sueño del vagabundo. Cuatro años después, se presentó en el set de La Quimera del Oro con una amiga casi exigiendo realizar una prueba para la película. Convenció a Chaplin, aunque no al resto del equipo, y consiguió el papel de Georgia.

El escándalo no tardaría en llegar. Una noche, Chaplin preparó una fiesta para los amigos del equipo de La Quimera del Oro. Lita Grey y su madre, fueron invitadas. Cuando llegó la hora de irse, la madre de Grey acusó un terrible dolor de cabeza. El resultado de aquella noche fue el embarazo de Lita Grey. El padre era Chaplin. Pronto apareció un tio de Grey, abogado, que le recordó a Chaplin, porque debería casarse con Lita.

De esta forma, Chaplin vivió la mejor experiencia profesional y la peor experiencia personal de su vida. El escándalo estaba en marcha. La opinión pública a la que criticó en su anterior película, Una Mujer de París, se había puesto en marcha. Se hizo un acoso y derribo de su persona; el primero, pero no el último de su vida.

Pronto se organizó todo: la boda en Méjico entre Chaplin y Lita Grey y la sustitución de ésta última en La Quimera del Oro.

En mayo de 1925 nacería su segundo hijo, (el primero murió poco tiempo después de nacer) Charles Chaplin. Un año después nacería otro, Sidney.

Su sustituta fue la encantadora Georgia Hale.

"Interpretaba nuestro papel; lo llevaba dentro de sí. Nos lo enseñaba actuando. Interpretaba la escena para nosotros hasta el más mínimo guiño de ojos. Sentía las cosas y nos las transmitía. Nos la insuflaba de modo que no pudiéramos sino realizar un estupenda actuación" (Georgia Hale)

El papel de secundario corre a cargo de Mack Swain; actor cuya carrera se había estancado allá por 1915 hasta que Chaplin lo rescató en 1921 ofreciéndole papeles secundarios.

En 1925 le dio un papel importante en La Quimera del Oro interpretando a Big Jim.

La Quimera del Oro es la película más elaborada de Chaplin. Tras dos semanas en Truckee para recrear el paso de Chilkoot, volvieron al estudio para recrear la sórdida Alaska en la soleada California. Se construyó una montaña realista en miniatura de setenta y cinco kilómetros de largo a base de materiales básicos, como por ejemplo, el yeso.

Para la cabaña y la famosa secuencia del precipicio se hizo un modelo reducido. Procuró pasar de la maqueta a la cabaña real sin cambiar el ritmo. Gracias a la sincronización y la habilidad de los técnicos las transiciones son imperceptibles. (Recordad en este punto que estamos hablando de 1925)

Mientras, el matrimonio con Lita Grey resultó desastroso. Chaplin, especialmente reservado en lo tocante a su vida privada vio como algo tan personal como su acta de divorcio se publicaba en los periódicos con detalles explícitos de su vida sexual donde se le llamaba "depravado" y otras lindezas.

Tras asegurarse una indecente cantidad de dinero del divorcio con Chaplin, Lita Grey se volvió a casar y divorciar hasta tres veces más, puliéndose y malgastando todas y cada una de las pensiones alimenticias. Gracias a una intervención legal de Chaplin, no pudo tocar el dinero de sus dos hijos. 

Con el tiempo se le diagnosticó manía persecutoria y llego a ingresar en un sanatorio mental; momento en el cual los hijos de Chaplin se instalan con su padre y la pareja de entonces de éste, la actriz Paulette Goddard; la cual fue descrita, tanto por Charles como por Sidney, como la mujer más dulce y maravillosa del mundo.

Lita Grey, anclada en el pasado y en los años de fama que vivió a base de intentar hundir a Charles Chaplin, nunca recuperó la cordura.

Charles, Charles y Sidney Chaplin

En sus memorias, en 1965, Chaplin escribió al respecto:

"Durante el rodaje de La Quimera del Oro me casé por segunda vez. Como tenemos dos hijos mayores a los que quiero mucho no entraré en detalles. Estuvimos casados dos años e intentamos mantener a flote nuestra unión; pero era imposible y terminó en medio de gran amargura."

La respuesta de Lita Grey fueron unas memorias donde volvía a contar los secretos de cama más íntimos.

Una pena que una película tan grande se viera ensombrecida por una petarda tan idem.

Tras mucho esfuerzo y después de quince meses, La Quimera del Oro se estrenó en el Grauman Egyptian Theatre de Los Ángeles.

Al contrario de lo que pasó con su anterior película, Una Mujer de París, La Quimera del Oro fue un triunfo mundial. En algunos cines incluso se pedían bises de la película completa o de alguna secuencia en particular; como la escena del baile de los panecillos.

En 1942, diecisiete años después de su estreno, Chaplin reeditó La Quimera del Oro; compuso música y sustituyó los carteles por su propia voz narrando los acontecimientos de la película. Siempre estuvo muy orgulloso de esta película y declaró que era por la que le gustaría ser recordado. 

Pero nosotros y nosotras vamos a recordarlo por todas y cada una de ellas. La Quimera del Oro, y las que vendrían después: El Circo y Luces de la Ciudad forman un ciclo; un grupo con caracteres propios. El porqué, ya lo iremos descifrando. 

En la próxima, Charles Chaplin. Sexta parte: El Circo.

Saludos y abrazos.

Charles Chaplin (4ª Parte. Una Mujer de París)

Primera parte: El teatro.
Segunda parte: Llegada a Hollywood.
Tercera parte: El Nacimiento de Charlot.

En su época casi nadie entendió porque Chaplin realizó Una Mujer de París. Hoy, muchos siguen sin entenderlo. Pero me atrevería a afirmar que, para entender la obra de Chaplin, hay que entender el punto de inflexión que supuso ésta película. 

En la tercera parte, Chaplin había formado su propia productora junto a Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith, la United Artist. Así pues, Una Mujer de París es la primera película que Chaplin realiza para su productora, y la primera tragedia. Quizás porque antes no le habían dejado. Le llevó diez años y setenta films realizar la película que soñaba desde que era adolescente y trabajaba la pantomima en la Karno. 

Las productoras para las que había trabajado hasta entonces no se hubiesen arriesgado nunca a financiar una película donde no apareciera Charlot. Y, aunque Chaplin ya intentara realizar una tragedia en La Vida, dentro de la Essanay, ésta no pasó de ser un intento frustrado bien intencionado. 

Una vez que el dinero que se arriesgaba a perder era el propio, Chaplin se puso manos a la obra. 

El rodaje de Una Mujer de París se prolongó durante 9 meses y costó 800.000 dólares. 

Para que os hagáis una idea de lo asimilada y madurada que Chaplin tenía la idea de hacer esta tragedia, os diré que la película se filmó sin guión. Y no por falta de preparación, pues ya sabemos que Chaplin era un perfeccionista casi enfermizo, sino porque tenía el argumento tan bien estructurado y asimilado en su cabeza, que cualquier guión, en vez de ayudar, hubiera entorpecido el rodaje.

Y, al trabajar sin guión, Chaplin rodó todas las escenas de la película de forma consecutiva. Lo que quiere decir que si, por ejemplo, la escena número 2 y la número 6 se suceden en la misma habitación, no se rodarán seguidas (como se hace siempre por cuestiones económicas) sino que se haría la 2, 3, 4, 5 y después se volverá a la 6. Este método es mucho más caro, pero más efectivo para entender la historia, sobre todo si se trabaja sin guión.

Una Mujer de París nos cuenta la historia de Marie Saint-Clair, (Edna Purviance) una joven que vive con su tiránico padre y que mantiene un romance imposible con su amado, Jean Millet (Carl Miller). Los padres de Jean también se oponen a la relación de su hijo con Marie. Así que Jean y Marie deciden fugarse a París y casarse. Planes de futuro que se ven obligados a llevar a cabo antes de tiempo cuando el padre de Marie no deja a su hija entrar en casa una noche. 

Jean lleva a Marie a casa de sus padres. El padre de Jean no transige en su decisión y expulsa a Marie de la casa. Los amantes se dirigen a la estación de tren para coger el primer tren que salga hacia París. Una vez allí, Jean vuelve a su casa para recoger algunos efectos personales, dejando a Marie en la estación con la promesa de que volverá pronto. Pero una vez en su casa, el padre de Jean muere de repente. Marie llama a casa de Jean desde la estación, pero una confusión y la llamada del médico a la puerta en el momento preciso hacen que Marie cuelgue el teléfono creyendo que Jean no ha cumplido con su promesa de irse con ella y se marcha sola a París.

El tren llega a la estación. Las luces de la ventanilla iluminan intermitentemente la figura de Marie. Se detienen, la mujer sale de la pantalla, los reflejos luminosos se ponen de nuevo en marcha y pasan. Marie se ha ido sola. Esta elipsis cinematográfica, la primera, cambió el concepto del cine. Esta escena la filmó uno de los mayores maestros de fotografía del cine, Rollie Totheroh, el cameraman de Chaplin por excelencia.

"Para ahorrar los gastos de filmación de un tren francés recorté las aperturas y representé las ventanillas del tren en un marco que luego expuse debajo de un potente foco. La luz en el rostro de Marie parece el reflejo de las luces del tren que llega. Hice el efecto en tan solo ocho tomas." (Rollie Totheroh)

Una vez instalada en París, Marie se convierte en la cortesana de un rico ocioso, Pierre Revel (Adolphe Menjou)

Debido a una cadena de casualidades, Marie y Jean vuelven a encontrarse. Jean es pintor y vive en un modesto piso en París con su madre. Marie, al ver que son pobres, le encarga un retrato a Jean. Ambos vuelven a enamorarse, pero la madre de Jean vuelve a oponerse al matrimonio. Antes no la quería por ser pobre y ahora no la quiere por ser rica pero cortesana.

Aparece retratado en el cine por primera vez el carácter tiránico y egoísta de los padres.

La inspiración para Una Mujer de París vino de tres mujeres: Edna Purviance, Peggy Hopkins Joyce y Pola Negri. 

La película fue una recompensa para Edna Purviance tras más de 10 años de trabajo y más de 35 películas junto a Chaplin. 

Edna Purviance tenía tan sólo 28 años, pero en aquella época ya se le consideraba mayor para seguir siendo actriz de comedia. Chaplin, preocupado por ésto, quiso lanzarla como estrella dramática y la hizo protagonista absoluta de la película. Por desgracia, no lo consiguió y Edna Purviance no volvió a aparecer en el cine. Eso si, Chaplin se lo compensó con creces pasándole una pensión durante toda su vida.

Peggy Hopkins Joyce fue una chica Zigfield. Era la ambiciosa hija de un barbero de Virginia que hizo carrera casándose con cuatro multimillonarios de forma consecutiva. Por ella se acuñó el término "cazafortunas".

En 1922 decidió convertirse en una nueva estrella y visita a Chaplin en su estudio. Estaba decidida a convertir a Chaplin en su quinto marido. Desde luego, subestimó la inteligencia de Chaplin, que la utilizó a ella durante una semana para crear el personaje de Marie Saint-Clair y adiós muy buenas.

Pola Negri, era otro ejemplo viviente de mundana sofisticada del que se sirvió Chaplin para realizar el personaje de Marie. Su romance con Pola Negri comenzó cuando Chaplin estaba terminando de escribir la obra y finalizó tres dias después del rodaje, ¿casualidad?

Una Mujer de Paris se estrenó el uno de octubre de 1923. 

Mientras los espectadores hacían cola en el cine se les repartieron unos panfletos, una carta del propio Chaplin en la que escribió lo siguiente:

"Mientras esperan, seguramente podré hacerles una confidencia. He pensado que la gente quería más realismo en el cine, con una historia que tenga un final lógico. Me gustaría saber su opinión, pues los que hacemos películas no la conocemos, solo intentamos adivinarla...

... Si fracaso en mi intento de divertirles, sólo será mi culpa. Sin embargo, me gustó hacerla y espero que les guste verla. 

Atentamente, Charles Chaplin."

Se disculpa con los espectadores antes de que entren al cine a ver la película. Es consciente de que lo que ha hecho no es lo que el público quiere, lo que espera de él, que es la comedia, y no la tragedia. 

Y cuando la película comienza aún sigue advirtiendo al público: 

El realismo al que se refería Chaplin es la clave para definir Una Mujer de París. Si hay una palabra que define esta obra magna del cine, esa es Realismo. 

Chaplin creó, aunque muchos no lo entendieran en su momento, un nuevo estilo de comedia de costumbres y un nuevo estilo de actuación.

Los gestos de los personajes de Chaplin no eran producto de la casualidad. Cada gesto de Charlot, por pequeño que fuera, son fruto de la observación que Chaplin hizo del ser humano, de individuos concretos. 

Chaplin aplicó su propio estudio del comportamiento humano esta vez a un drama serio mostrando los entresijos del corazón y la mente de los personajes a través de acciones y expresiones. Y lo hizo no a través de la actuación exagerada típica del cine mudo, sino a través de actuaciones mucho más sutiles.

"He notado que hombres y mujeres intentan ocultar sus emociones en vez de expresarlas y ese fue el método que usé para ser lo más realista posible" (Chaplin)

"Quería expresar los límites de la expresividad que había experimentado en 8 años de cine: la variedad, sutileza y complejidad de los sentimientos y motivaciones que el cine enseñaba" (Chaplin)

Fijaos en esta escena. Minuto 4:50. Una masajista está dando un masaje a Marie. Entonces llega una de las amigas ricas de Marie y le cuenta como su otra amiga, la tercera en discordia, estuvo cenando el día anterior con el amante de Marie. Por las expresiones de la masajista sabemos lo que le está contando la amiga de Marie a ésta y lo que la masajista piensa de ella. Un director mediocre hubiera hecho que la masajista empezara a exagerar el masaje, a hacerlo más violento, pero Chaplin simplemente dejó que la masajista hiciera su trabajo y expresara sus sentimientos a través de la mirada.

La escena de la masajista es la transmutación de la pantomima. No hace falta ser exagerado para que la gente capte la idea.

En el vídeo también se puede ver como Totheroh utilizó los fundidos en negro entre escenas que se suponen ocurren simultáneamente, como si de un libro de ilustraciones se tratara.

Según Adolphe Menjou, Chaplin no dejó de repetir un lema durante todo el rodaje del film: "No hay que ir de divo."

El realismo de la película también se nos muestra, aparte de en las interpretaciones, en las características de los personajes. No hay buenos y malos. Se nos muestra el lado bueno y el lado malo de cada personaje. Una escena que me parece magistral y que describe lo que digo es la siguiente: Marie le pide a Jean que le haga un retrato. Para ello elije un vestido plateado y un sombrero sobrecargado. Jean le pide que no vea el retrato hasta que no esté acabado. Cuando Marie lo destapa, descubre que no la ha pintado con el traje plateado ni el sombrero de plumas, sino con un vestido negro y un sombrero muy humilde, la ropa que llevaba la noche en que los dos iban a fugarse juntos a Paris. Es la manera en que Jean le dice algo así como "Si, ahora eres rica y tienes dinero, pero no olvides quien fuiste. Así es como te recuerdo y como te quiero."

Otra escena magistral es aquella en la que Marie le reprocha a su amante rico que ella también quiere ser madre, tener marido e hijos. Entonces, Pierre se asoma a la ventana y hace que Marie también se asome. Por la calle está pasando una mujer con tres hijos famélicos y un marido que no le hace caso ni a ella ni a los niños. Chaplin nos vuelve a mostrar la otra cara de la realidad, en este caso, la realidad de la maternidad. La maternidad puede ser maravillosa, pero también puede suceder que no puedas dar de comer a tus hijos. Y eso, también es maternidad.

Una Mujer de París se estrenó el 1 de octubre de 1923 en el Lyric Theatre de Londres. Fue un fracaso de crítica y público. Sólo unos pocos directores de cine, compañeros de profesión, entendieron lo que Chaplin quiso decir con Una Mujer de París.

Chaplin se prepara para leer las críticas tras el estreno.

Quince estados de Estados Unidos prohibieron la película por inmoral. Justo lo que Chaplin criticaba en Una Mujer de París, es lo que sucedió con la película, porque Una Mujer de París fue el duodécimo titulo que Chaplin pensó para ésta. El primero fue, agárrense: La Opinión Pública. La fuerza que persigue a los personajes durante toda la película: el prejuicio, la ceguera, la rutina y la incomprensión de la gente: la opinión pública. La misma incomprensión de los que censuraron la película porque pensaron que ensalzaba a una mujer inmoral, la amante, la cortesana.

La opinión pública que en Estados Unidos puede llegar a ser implacable.

A pesar de que Chaplin ambientó la película en París para que los moralistas americanos no vieran que su película era un ataque directo hacia su puritana y mojigata sociedad, no funcionó. 

Por el contrario, en el viejo continente si tuvo éxito. Si no mucho, al menos más éxito que en Estados Unidos.

Una Mujer de París es, aún hoy, la obra menos conocida de Chaplin, simplemente porque Chaplin no actuó en ella. Y, sin embargo, es su obra más madura y realista. Si hay dos películas clave en la filmografía de Chaplin, esas son El Chico y Una Mujer de París. La primera por ser la primera película de Charlot (el actor) y la segunda por ser la primera película de Chaplin (el autor).

Una Mujer de París abrió las puertas de lo que serían las películas de Chaplin a partir de aquí: tragedias. Tragedias que hacen reír porque las vive Charlot y están contadas con el sistema cómico de Chaplin, pero tragedias al fin y al cabo: el drama de los buscadores de oro y aquellas expediciones suicidas en La Quimera del Oro, el drama de la industrialización en Tiempos Modernos, el drama de la Segunda Guerra Mundial y los estados totalitarios en El Gran Dictador...

En Una Mujer de París, sin el resorte cómico, con su propia mirada social y su particular crítica mordaz y aguda, la realidad y la autenticidad entran definitivamente en la obra de Chaplin. A partir de aquí, Charlot acepta la vida real.

Con 86 años, junto a Eric James, Chaplin, creó y grabó una nueva música original para Una Mujer de París. Fue lo último que hizo profesionalmente. Cerró un ciclo, dejó guapa, antes de irse, a la película de la que  se sentía más orgulloso.

Chaplin mostrándo a los actores lo que tenían que hacer, antes de grabar.

En la parte número cinco: Charles Chaplin. La Quimera del Oro.

Un abrazo,

Bruja Truca.

Charles Chaplin (3ª Parte. El Nacimiento de Charlot)

1ª Parte: Charles Chaplin. El Teatro.
2ª Parte: Llegada a Hollywood.

En la segunda parte dejamos a Chaplin situado en su nueva compañía cinematográfica, la Essanay. Allí descubrirá y moldeará al personaje más universal de la historia: Charlot, el vagabundo, el tramp.

Chaplin, acostumbrado a hacer gags cómicos, intenta desviarse por el camino del drama en su primera película para la Essanay, "La Vida". 

Y poco a poco va formando el mundo que rodeará a Charlot, como los personajes que le rodearán durante tantas películas. Los "básicos": la chica de la que se enamora el vagabundo, su amor platónico; el hombre grande, su rival; el hombre más pequeño que él, con el que Charlot de vez en cuando se desquitará dándole alguna que otra patada en el trasero.

Arriba: Chaplin y Edna Purviance, "la chica" de sus películas desde la segunda, "Charlot Trasnochador", hasta "Una Mujer en París". (Cuando Edna Purviance dejó de trabajar Chaplin le pasó una pensión hasta su muerte, aunque su esposa fuese otra, durante 33 años)

Las películas de Chaplin llegan a una Europa devastada por la guerra. Sus películas se convierten en momentos de evasión para los soldados y en momentos de ilusión para unos europeos cansados y aturdidos por una guerra que nunca acaba. Europa quiere reir, y esa risa se llama Charlot. Más allá de la risa, los intelectuales lo descubren y lo proclaman, principalmente los franceses. 

Mientras, en la industria del cine, la muerte del trust marcaba un antes y un después. 

En la primera década del siglo XX, Edison patentó gran cantidad de dispositivos cinematográficos. Pretendía hacerse con el monopolio del cine. Pleiteaba con las productoras que intentaban hacer películas con sus patentes. De ésta forma, Edison produjo una unión de empresas llamada Trust (entre las que encontraba la Essanay) que pretendía el monopolio por encima de las compañías independientes y poseía todas las patentes americanas y europeas. 

Sus patentes fueron anuladas en 1915 por la Corte Federal. Esta libertad recién adquirida estalló en una competencia sin límite. 

Al finalizar su contrato con Essanay, Chaplin empezó a considerar otras ofertas. Por eso, hace un viaje con su hermano, Sidney, hacia Nueva York, para negociar su posible contrato con Spoor. El viaje en tren dura cinco días. 

Al llegar a Texas, Chaplin, que está afeitándose en el lavabo, escucha una multitud excitada con banderas, puestos de refrescos... Piensa que toda esa gente se ha reunido allí para recibir a alguna personalidad importante. Cuando se asoma a la ventanilla, aún con la espuma en la cara, el gentío lo reconoce y empieza a gritar su nombre. Él es la personalidad importante.

Los telegrafistas habían comunicado el viaje de estación en estación y la prensa publicó la noticia. Tiene que dar un discurso inesperado, con la ropa a medio abrochar y el jabón aún en la cara, junto al alcalde de la ciudad. 

Su hermano mayor Sidney, su "representante" y mejor amigo durante toda su vida, sabe como aprovechar todo aquel espectáculo inesperado que se encontraron en Texas y consigue para su hermano 670.000 dólares al año con la Mutual Company, mucho más de lo que percibía la, por aquel entonces, "novia de América", Mary Pickford. 

Tenía 27 años y llevaba 2 en el cine.

Arriba: Charles y su hermano Syd. "Si mi hermano no hubiese regresado a Londres me hubiera convertido en un ladrón. Quizás estaría enterrado en una fosa común" Charles Chaplin.

Las películas que realiza en la Mutual son algo diferente. Chaplin trabaja sin tregua (una vez llegó a trabajar durante 100 horas seguidas, cuatro noches sin dormir) por conseguir la perfección. 

Realizó doce películas para la Mutual. A la compañía le costaban 1.200.000 dólares, las distribuidoras pagaban por ellas 5.000.000 y las salas ingresaban 25.000.000 hasta 1925. Haced las cuentas de los beneficios que han podido dar las películas de Chaplin de ahí en adelante.

En 1917, la Mutual y la First National le ofrecen a Chaplin un millón doscientos mil dólares por hacerse con el mayor astro del cine, él. Sidney Chaplin se decide por la First National.

El 21 de enero de 1918, Chaplin inaugura su propio estudio.

Aparte de su gran éxito, la cara amarga de la moneda le llega en forma de cartas amenazadoras preguntándole porqué no está en el campo de batalla. En realidad, Chaplin ya ha preguntado a la Embajada británica en Washington que debe hacer en la guerra y se le contesta que seguir haciendo sus películas. (En su época ya fue considerado no apto para el servicio militar por falta de peso: 52 kilos.)

Como tantas y tantas otras personalidades y estrellas del mundo del cine, Chaplin también vendió bonos de guerra y dio giras para venderlos. También pone su arte al servicio de la causa y realiza su película "Armas al hombro"

Durante éstas giras por la causa bélica, Chaplin recibe una sugestiva proposición que se materializará, en 1919, en su propia productora junto a las otras mayores estrellas del momento: Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith. Se crea la United Artists.

En 1920, realiza la que será su primera película larga, "El Chico". (Para no repetirme, os dejo el enlace a aquella entrada que hicimos, dedicada al cine mudo, donde hablamos de Nosferatu y de "El Chico".)

Es un año agridulce, el de 1920, marcado por el éxito de su arte y el desastre de su vida personal, causado por la pérdida de su primer hijo a los pocos días de nacer y el divorcio de su mujer, Mildred Harris y los intentos despechados y sucios de ésta por hundir a Chaplin. Detalles con los que no merece la pena ensuciar el arte de Chaplin.

Chaplin inicia un viaje por Europa con el pretexto de asistir a los estrenos de "El Chico" en Londres y París. Su hermano Syd le despide en el tren y le grita a sus amigos "Por amor de Dios, no permitáis que se case." 

De vuelta a Hollywood termina su siguiente película, "Día de Paga" y después de ésta, "El Peregrino" finiquitando así su contrato con la First National. Entre tanto, es inevitable mencionar los constantes escándalos en que se ve inmiscuido a través de algunas de sus conquistas como, por ejemplo, el "auto rapto" de una de sus novias, Claire Windsor, en el que Chaplin no tuvo nada que ver pero que, indudablemente, por ser quien era, le acabó salpicando.

Otros casos, mucho más dramáticos, como los de la violación y muerte de la actriz Virginia Rappe, con una botella, a manos del actor Roscoe Arbuckle "Fatty" hacen que la prensa del país y las asociaciones puritanistas empiecen a llamar a Hollywood "la nueva Babilonia". El asunto llegó a tal extremo que en 1922 se constituye la Motion Picture Producers and Distributions, al frente de la cual se puso Will Hays. No sólo se redactó un codigo ético con una serie de prohibiciones de situaciones "improcedentes" en las películas sino que se hizo un barrido de las estrellas cuya vida personal no merecía la aprobación de Hays.

Chaplin, haciendo caso omiso de las amenazas y de los consejos va trazando su primera producción para la United Artists, la "Producción Número 1". "Creo que será la obra más importante de mi carrera. Y nadie más que yo mismo puede comprender hasta que punto soy revolucionario al adoptar éstos métodos". dice Chaplin.

En la parte número 4: Charles Chaplin. Una Mujer en París.

Sed felices.

Charles Chaplin (2ª Parte. Llegada a Hollywood)

Primera parte: Charles Chaplin. El Teatro.


Cuando Charles Chaplin puso los pies en Hollywood, Hollywood sólo tenía 6 años. Hasta 1907, las grandes productoras de cine tenían su ubicación en Nueva York y Chicago.

El productor Selig fue demandado por los abogados de Edison por el uso industrial de su cámara. Selig, que estaba terminando de rodar El Conde de Montecristo, y el cameraman Thomas Persons, asustados por la demanda, huyeron con la cámara demandada hasta California para terminar de rodar las últimas escenas de la película antes de que la cámara de marras fuese requisada. Y así es como nació Hollywood, en aquel entonces un arrabal en torno a un camino de árboles. Y a éste es al Hollywood al que llegó Charles Chaplin y no al que hoy conocemos.


La particularidad del Hollywood de 1912 eran sus numerosos espacios al aire libre y los numerosos días de sol de California. Se filmaba en plena calle, en callejones, en cuadras. Los directores independientes fueron llegando poco a poco y, en general, sólo se instalaban los cineastas con menos recursos ecónomicos. Uno de éstos cineastas con pocos recursos económicos era Mack Sennett, el fundador de la compañía Keystone Film, compañía en la que trabajaba Charles Chaplin.


Mack Sennett, fue discípulo de David W. Griffith, uno de los grandes creadores del cine universal.

Sennett reformuló el cine cómico y se propuso explotarlo comercialmente por cuenta propia, por lo que fundó la Keystone Film. Fue uno de los más grandes descubridores de actores cómicos, que en 1912, de poca consideración gozaban.

Bajo semejante panorama, donde Hollywood era un arrabal agreste de caminos con árboles y donde los actores cómicos eran considerados poco menos que vagos y maleantes, Chaplin llegó a "aquel agujero escondido que era Hollywood" como él mismo dijo.


Los principios fueron duros, los compañeros lo trataban mal. Era demasiado joven y demasiado tímido. Demasiado solitario y silencioso. Demasiado inglés. Pero nada fácil.


Chaplin desafió órdenes, impuso sus ideas, se negó a filmar lo que no quería.

Las películas tenían una duración de 15 minutos. Sennett daba órdenes precisas y elementales a los actores. Procuraba filmarlas en un día, en exteriores e interiores verdaderos: calles, casas... en definitiva, localizaciones con el menor coste posible. Su sistema cómico estaba basado en el gag, un chiste de imagen.
Sennett cogía después lo filmado, lo unía y le daba velocidad, ritmo y rapidez.

Chaplin estaba acostumbrado a trabajar con el método de Fred Karno, que se basaba en todo lo contrario, lentitud, teatralidad. El choque era inevitable.

Sennett piensa en rescindirle el contrato a Chaplin, pero cambia de idea cuando desde Nueva York le informan que desde que el nuevo actor aparece en las películas de la Keystone éstas se venden más que ninguna otra donde Chaplin no aparezca. Por éste motivo, en vez de despedirle, le deja dirigir (un cambio sutil) junto a Mabel Normand, co-fundadora de la Keystone y gran amor de Sennett.

El mayor éxito de la pareja Chaplin-Normand y de aquella época de la Keystone fue Tillie's Punctured Romance (Idilio desinflado) donde el personaje de Chaplin, un cazafortunas, se casa con una rica heredera para, más tarde, huir con el dinero junto a su verdadera novia. Para el personaje de Tillie, la heredera, Sennett buscó una famosa actriz de comedia, con un aspecto verdaderamente impactante, Marie Dressler.

Chaplin-Marie Dressler-Mabel Normand

Chaplin hace para la Keystone un total de treinta y cinco películas con altos y bajos. Algunas obtuvieron gran éxito como Charlot Camarero, otras como Charlot y la Sonámbula, fueron un fracaso. Igual que su relación porfesional con Mack Sennett. A veces Sennett tomaba la decisión de despedirlo, otras le subía el sueldo.

Sennett pagaba a Chaplin quinientos dólares a la semana. Un día, un agente de otra compañía se cuela en un rodaje disfrazado de cowboy como "extra" de una película y le ofrece a Chaplin mil doscientos cincuenta dólares a la semana. Chaplin acepta. Ha firmado un contrato con la Essanay Company.

Publicidad de la Essanay anunciando la incorporación de Chaplin a la compañía.

La sede de la Essanay residía en Chicago. Chaplin convence a los produtores para que le dejen filmar con la luz de California a la que estaba acostumbrado. Esperaba tener más libertad... y la tuvo.

Si la Keystone significó aprendizaje y órdenes, la Essanay significó descubrimiento y libertad. Y el mayor descubrimiento de Charles Chaplin en la Essanay no sería otro que el del personaje del tramp, el vagabundo, el descubrimiento de Charlot.


En la tercer parte: El nacimiento de Charlot.

PD: El 22 de septiembre, éste blog cumplió dos añejos. En nombre de mi compañero, White Gold, y en el mío, mil gracias.

Charles Chaplin (1ª Parte. El teatro)

"Para hablar de cine, comencemos y terminemos por Charles Chaplin" Max Reinhardt.

16 de abril de 1889, nace Charles Spencer Chaplin en el barrio de Kennington, Londres. Fue el segundo hijo de una familia con aspiraciones a conquistar la fama a través del vodevil. Si bien los primeros años de la familia tuvieron cierta holgura económica, las aspiraciones de fama y éxito pronto se vieron frustradas cuando el padre biológico de Charles, también llamado Charles Chaplin, abandonó a su mujer, a su hijastro (el hermano mayor de Charles, Sidney) y a su hijo Charles. Al parecer, no pudo superar su fuerte adicción a la bebida.

La madre de Chaplin, Hannah Hill, lucha por sacar a sus hijos adelante y actúa en modestos teatros londinenses. La primera vez que Chaplin actúa en un escenario es a los 5 años, sustituyendo a su madre quien pierde la voz repentinamente durante una representación.

Desde que su madre pierde la voz, la familia se hunde rápidamente en la miseria. El padre de Chaplin no responde a los llamamientos de ayuda de su familia y los tres ingresan en el asilo de Lambeth. Pero la caridad pronto separa a la madre de sus dos hijos a los que llevan a un orfanato. Los hermanos también serán separados. El hermano de Charles, Sidney, es obligado a ingresar en la marina inglesa a causa de su edad. Charles se queda solo.

Cuando Sidney vuelve Hannah Hill ingresa en un manicomio y la beneficencia obliga al padre de Chaplin a hacerse cargo de los dos hijos que llevan su apellido. De esta forma, pasan a vivir a un hogar hostil con su padre y la nueva mujer de éste, ambos alcohólicos. Los dos niños pasan la mayor parte del tiempo en la calle.
Al tiempo la madre vuelve a recuperar a sus hijos. Van de una casa a otra, de desahucio en desahucio. No tenían zapatos, pedían comida, los niños se vestían con los restos del vestuario de actriz de su madre provocando la risa de otros niños.


Tras una serie de catastróficas desdichas, Charles Chaplin pasó a vivir literalmente en la calle. No interpretaba al vagabundo, también lo fue. Esta escena de su pelicula Vida de perro, es un recuerdo de infancia. El pequeño Chaplin durmió en solares llenos de escombros y comió residuos podridos del mercado de Covent Garden.


También en la película El Chico Chaplin retrata su propia infancia en el personaje del pequeño Jackie Coogan. Mientras que el pequeño al que interpreta Coogan va rompiendo cristales para que su padre adoptivo, que misteriosamente llega justo detrás de él con un cristal nuevo, los arregle, el pequeño Chaplin, se intentaba ganar unas monedas bailando al son de la música de los músicos callejeros. Hasta que éstos le echaban porque les robaba protagonismo y se llevaba todas las monedas.

Pero antes de El Chico, Chaplin pasará por muchas compañías teatrales. Su afán por imitar a todo el mundo le surtió de un gran repertorio de pantomima y pronto comienzan a darle trabajo en pequeñas compañías de teatro. Pero no sería hasta 1907 y gracias a su hermano Sidney, cuando Chaplin es contratado por la compañía Karno, la que más le influiría en su vida artística.


La compañía de Fred Karno era una de las más importantes en competencia con la de Dan Leno. El punto fuerte de la compañía Karno era la pantomima inglesa, es decir, la acción (bofetadas, peleas, caídas, saltos, tartazos en la cara) que tanto aparece en los primeros cortos de Chaplin.

Aunque sólo tenía 16 años le hizo sombra a la máxima estrella de la compañía Karno, Kitchen. Kitchen improvisaba chistes que sus compañeros no podían contestar. Sin embargo, Chaplin improvisaba respuestas a los chistes de Kitchen y le arrebató el éxito. Karno pasó a Chaplin a otra compañía por ser un rival demasiado peligroso para su mejor estrella pero a cada nuevo papel que interpretaba Chaplin hacía lo mismo, se "comía" el papel y a los compañeros de actuación. Es entonces cuando Fred Karno le da el papel protagonista de la compañía. Chaplin se curte en la profesión de actor y en el sistema cómico de aquel momento, la pantomima.


1910: El cine amenaza a los espectáculos de music-hall. Las compañías de teatro americanas pierden actores importantes que reciben contratos más jugosos de las compañías cinematográficas. Es así como Chaplin es enviado a Hollywood, que buscaba "cómicos" para sustituciones. Es aquí donde Chaplin entra a formar parte momentáneamente de la compañía de teatro de Mack Sennet.

En América verá peliculas mudas por primera vez. En su cabeza empieza a tomar forma la idea de comprarse una cámara y fotografiar las actuaciones de la compañía.

De vuelta a Inglaterra ve por primera vez un cameraman rodando unas fiestas de carnaval y se plantea seriamente realizar moving pictures.


También de su experiencia en éstas fiestas de carnaval es de donde sacará uno de los sketches de una de sus primeras peliculas al ver a un señor gordo que siempre intentaba ponerse delante del objetivo. Chaplin reproducirá esto en Carrera de autos para niños.
Chaplin se surtirá mucho de su propia experiencia de vida, ya sea la suya misma o de la observación directa de otras situaciones y personas para sus futuras películas.




La compañía de Karno vuelve a Estados Unidos y Mack Sennet ve una de sus representaciones. Desde que Chaplin trabajó en su compañía supliendo a alguno de sus actores, Sennet había constituido su propia compañía de peliculas, la Keystone Film Co.

Cuando un actor de la compañía de Sennet pide un aumento de sueldo, Sennet se acuerda del actor inglés y manda buscar a un actor inglés llamado "Chapmann o Chamberlain". Con estos vagos datos, el jefe de publicidad consigue localizar a Chaplin y queda contratado por la compañía de peliculas tras algunos "tira y afloja".

Sennet pone a trabajar a Chaplin al servicio de Henry Lehrman, uno de los mayores realizadores de la empresa. Chaplin mantiene la indumentaria de lord inglés de uno de sus mayores éxitos en el teatro Una noche en el music-hall inglés. Sus compañeros de reparto serían el propio Henry Lehrman, Virginia Kirtley, Alice Davenport, Minta Durfee y Chester Conklin (que después se convertiría en unos de los actores más fieles a las cintas de Chaplin)


En la segunda parte: Llegada a Hollywood.


Recomendaciones personales:

Libros: Charles Chaplin el genio del cine de Manuel Villegas López.

Un maravilloso libro, un estudio a fondo sobre Chaplin que ha sido editado por el propio autor, ensayista y crítico de cine español, conforme iban surgiendo nuevas publicaciones. El propio Chaplin lo calificó como "el mejor y más profundo estudio que se haya realizado sobre mis peliculas".
No os defraudará.

Documentales: Charlie, Vida y Obra de Richard Schickel. Narrado por Sydney Pollack. Maravilloso y completo documental sobre la vida y obra del genio del que os dejo enlace a un blog de descargas directas a través del cual podreis conseguir los enlaces al documental.

Charlie, Vida y Obra

Por cierto, si alguien sabe por qué dejaron de vender estas ediciones de mk2 que eran maravillosas, me lo puede decir, porque no tengo ni idea de si se pueden seguir comprando en algún sitio y me quedé a la mitad... =(

Ediciones especiales: si teneis curiosidad casi enfermiza (como yo) podeis regalaros, o pedir que os regalen, esta edición especial para coleccionistas con los cortos de Chaplin, que contiene 13 magníficos dvd's.

Os espero en la segunda parte. Un saludo,

Happy birthday... Happy silent film. (Nosferatu y El Chico)

Cumplo un año. Sí señor@s. No es mentira ni tampoco vanidad. Hoy hace un año que publiqué mi primera entrada en este blog; doce meses han pasado ya desde aquella entrada dedicada a El crepúsculo de los dioses... (White Gold)

Por eso, hoy queremos celebrar nuestro primer año juntos en este blog compartiendo una entrada. Y que mejor manera de hacerlo que hablando sobre un género que aún no ha sido tocado en este blog, el cine mudo. Hablaremos de dos géneros muy diferentes y esperamos que lo disfruten. Y no me queda nada más que añadir excepto decirle a mi amigo White Gold, gracias por enriquecer tantísimo este blog, sin ti no sería lo mismo. (Bruja Truca)


NOSFERATU, 1922 (POR WHITE GOLD)





El romanticismo como movimiento literario es mi favorito, y esta adaptación de la romántica Drácula encaja perfectamente con los cánones de lo que considero buen cine. Además, ¿no hay nada más romántico que morir por amor? ¿o que la pasión te haga perder la noción del tiempo, con lo que ello implicará? ¿y esa escena en la que las Tinieblas desaparecen ante la Luz?


Conocida como Nosferatu el Vampiro o Nosferatu, una sinfonía del horror, este símbolo del cine mudo y del expresionismo alemán sigue atrayendo la atención de millones de cinéfil@s. Aficionados al cine en general, y al de vampiros en particular, consideran esta película como de culto. Y no es para menos. Su visualización, es obligatoria.





Corre el año 1838, Hutter (Gustav von Wangenheim) y Hellen (Greta Schröder) son una feliz pareja que viven en la ciudad de Wisborg hasta que el jefe del joven, Knock (Alexander Granach) recibe una carta repleta de símbolos misteriosos que proviene del Conde Orlok (interpretado por Max Schreck), quien desea comprar una casa en la ciudad. Para cerrar la venta, el agente inmobiliario decide enviar a su joven empleado, por lo que éste deja a su esposa con su mejor amigo y su mujer para que no esté sola tantos días.

Es entonces cuando Hutter emprende su viaje a los Cárpatos, y estando cerca ya de su destino, para en una posada para pasar la noche. Allí, en su habitación, ojea un libro que hay encima de la mesita de noche. Un libro sobre vampiros, que al principio tilda de supersticioso pero que con el devenir de los acontecimientos, su memoria hará que no se olvide de él, teniéndolo siempre muy presente.
A la mañana siguiente, un cochero le lleva hasta el bosque pero, llegados hasta un punto concreto, se niega a pasar. Es entonces cuando otro coche misterioso, enviado por el Conde Orlok, lo recoge y lo lleva a una velocidad sobrenatural hacia el castillo... y es a partir de este momento cuando se precipitan los acontecimientos: el joven inmobiliario se corta en un dedo y el instinto del vampiro le lleva a chupar esa sangre que brota del dedo pero es frenado al ver el crucifijo, a la mañana siguiente Hutter se despierta con dos marcas en el cuello que atribuye a los mosquitos...mientras tanto, su amada Hellen tiene extraños sueños y visiones.

El miedo se apodera de Hutter, y decide explorar el castillo. Llega a la cripta, y le ve durmiendo en su ataúd... el conde se irá de allí, en un barco que infectará de ratas dando muerte a todos sus tripulantes. Hutter, temiendo por la vida de Hellen, corre tras él.





F.W. Murnau quiso llevar al cine una adaptación de la novela de Bram Stoker Drácula, sin embargo, su viuda, que era la dueña de los derechos de la obra, se negó en rotundo. Y es que a principios de los años 20 el cine era aún considerado como un arte menor, y la mayor gloria de una creación literaria era ser llevada al teatro. Fue entonces cuando el director alemán decidió cambiarle el nombre, para evitar pagar los derechos y creó Nosferatu. Pero aquí no acaba el asunto, ya que la viuda de Stoker no se quedó quieta y llevó a los alemanes ante los tribunales, que le dieron la razón y ordenaron la destrucción de todas las copias existentes de la cinta.

Por suerte, el éxito de la película y su exhibición internacional, hicieron que se crearan miles de copias y por tanto resultase imposible hacer caer en el olvido la película. Pero ocurrió una cosa: y es que al intentar resguardar el film de su destrucción, algunas copias quedaron dañadas y con una calidad pésima. Por lo que existen diferencias entre unas copias y otras, de tal modo que una cinta alemana no dura lo mismo y no presenta las mismas escenas que una estadounidense, una francesa o una italiana. La reconstrucción más fiel fue la presentada en 1984 en el Festival de Cine de Berlín.





Nosferatu fue la primera incursión del Conde Drácula en el cine, y también la primera (y única) película producida por Prana Film, fundada en 1921 por Enrico Dieckmann y Albin Grau (que además se hizo cargo de la dirección artística y el vestuario de este film).

El rodaje comenzó en julio del 21 en la ciudad alemana de Wismar (que en la película es Wisborg) y abundan los planos exteriores (algo poco común con el género expresionista). En Lübeck se situó el rodaje de los planos que hacen de casa del Conde en Wisborg; el equipo de realización también se desplazó hasta los Cárpatos donde el castillo de Ovara (situado más concretamente Eslovaquia, y en aquel entonces prácticamente destruido); el río Váh sirvió para rodar el viaje de los ataúdes por el río; los planos interiores se rodaron en los estudios de Berlín.

Para el rodaje solamente se disponía de una única cámara y un sólo rollo de negativo, por lo que Murnau hubo de usar cronómetro para vigilar el ritmo de las actuaciones y el tiempo que se empleaba en el rodaje.


La película se proyectó el 4 de marzo de 1922 en el Salón de Mármol del Jardín Zoológico de Berlín, como una especie de fiesta privada en los que los invitados a tal evento debían ir vestidos al estilo de la época de Biedermeier. Se le llamó El Festival de Nosferatu. Poco antes del estreno, la revista Bühne und Film sacó una edición especial dedicada a la película con fotos, anécdotas de rodaje, informes de los ensayos e incluso un tratado sobre vampirismo escrito por Albin Grau. El 15 de marzo del 22, se estrenó en el Primus Palast de Berlín.

La crítica elogió la técnica y la iluminación, sin embargo la caracterización del vampiro fue alabada y criticada a partes iguales.

La productora, Prana Film, se declaró en bancarrota tras la denuncia (y posterior victoria) de la viuda de Bram Stoker, Florencia, por plagio y violación de los derechos de autor.




Nosferatu es, junto con El Gabinete del doctor Caligari y Metrópolis, el máximo exponente del cine expresionista alemán, que a grandes rasgos se caracteriza por:

- Rodaje en estudio, y no uso de exteriores (esta película es la excepción que confirma la regla);
- Respeto (aunque no total) a las unidades de tiempo y espacio;
- Simplicidad argumental;
- Interpretaciones sobrias;
- Todo ello contribuye a la creación de atmósferas cerradas y opresivas.

La mayor característica sería la primacía de lo subjetivo y la propia visión del director de la película. Lo sobrenatural y lo fantástico, lo desconocido y lo siniestro se dan cita en este tipo de films, fruto del pesimismo alemán.

El aspecto estético más destacado es el uso de la luz: en especial el contraste de las luces y las sombras (en este sentido, en Nosferatu, una de las escenas más emblemáticas es esa en la que el Conde Orlok sube las escaleras hacia la habitación de Hellen y se ve una sombra proyectada en la pared, pero no vemos el cuerpo del monstruo. El fotograma está más arriba, en este mismo post).




Arriba, grabado de 1923 del castillo de Orava, donde se rodaron las escenas del castillo del Conde Orlok. Abajo, el complejo amurallado en la actualidad, tras ser restaurado.




Hasta la próxima entrada corazones.





EL CHICO (THE KID) 1921 (POR BRUJA TRUCA)



Porque ninguna pelicula en la que se gasten millones de dólares en efectos especiales podrá hacerme sentir tanto como ésta pelicula muda.
Porque ningún dialógo que haya visto en el cine me ha emocionado nunca tanto como cualquier escena de esta maravillosa pelicula sin decir una sola palabra.
Porque he llorado sólo tres veces viendo una pelicula: la primera vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico, la segunda vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico y la tercera vez que lloré viendo una pelicula fue con El Chico.
Porque ninguna pelicula me ha hecho llorar y sonreir al mismo tiempo y tantas veces.
Porque el mundo con el cine de Chaplin es un lugar mejor.

Por eso escojo esta pelicula en un dia especial y por eso se la recomiendo a todo aquel que no haya disfrutado de esta obra maestra, porque ningún buen ser humano que se precie debería morir sin haber visto El Chico.


Guión, dirección, producción, música (versión restaurada) y protagonista principal: Charles Chaplin, el genio.

Hace un año y medio que decidí crear este blog y os preguntareis como si tanto me gusta la obra de Chaplin, nunca he hablado de él. La respuesta es muy sencilla: me gusta tanto, que no me atrevo. Pero cuando mi amigo White Gold me propuso hacer una entrada conjunta de cine mudo no me lo pensé, tenía que hablar de esta pelicula y de mi cineasta favorito. Pero como veis, no me sale hablar de aspectos técnicos, me sale hablar desde las vísceras, porque es hasta ahí donde el maestro logra llegar, pues su cine además de hacer reir, también hace llorar, traspasa almas y remueve conciencias.



Así en El Chico nos cuenta la historia de como una madre, sumamente pobre, se ve en la necesidad de abandonar a su hijo en la casa de unos millonarios. Pero una serie de circunstancias hacen que el niño termine siendo criado por un vagabundo. Ambos se ven obligados a subsistir en un mundo de pobreza en el que la picaresca es necesaria para sobrevivir. El chico rompe cristales y su padre adoptivo pasa casualmente por la puerta con un cristal nuevo.


No tienen la misma sangre ni los mismos genes pero son padre e hijo. No tienen dinero pero nada podría comprar el amor que hay entre ambos. Lejos de regodearse o quejarse por vivir en el ambiente de suma pobreza en el que viven y que tan bien recrea Chaplin, el chico y su padre son felices y se cuidan mutuamente. Podemos ver la tierna y conmovedora escena en la que el pequeño hace el desyuno para su padre cuando está enfermo con menos de cinco años y una agilidad pasmosa y simpática.


Pero cuando el chico cumple cinco años su madre, convertida en una popular cantante, intenta recuperarlo. La policia se presenta en casa de ambos y se crea una escena que será irrepetible en el cine. Una escena desgarradora y demoledora.





No puedo ver esta escena sin llorar, me es imposible, incluso si la veo sin ver la pelicula entera. Y es aquí donde me pregunto, ¿cómo lo hacía Chaplin? ¿Cual es el secreto por el cual se puede emocionar tanto a millones de personas sin diálogos y a pesar de los años? Tened en cuenta que ni siquiera escuchamos llorar al niño. Por no saber ni sabemos su nombre ni el del vagabundo. No están personalizados, siempre serán el chico y el vagabundo. Es por eso que no importa como se llamen ni quienes sean los protagonistas. Se trata de temas, no de personas. Se trata del amor y del vínculo entre dos personas, entre padre e hijo, que podrían llamarse de cualquier manera o ser de cualquier parte del mundo. Se trata también de la denuncia de la pobreza y de la felicidad a pesar de todo.

Algunos afirman que Chaplin retrató su propia infancia y la de su medio hermano con ésta película. Abandonados por el padre y con su madre internada en un instituto para enfermos mentales sus dos hijos fueron internados en el Asilo Lamberth y en la Escuela Hanwell para Niños Huérfanos.

«Pasó muchos años en manicomios. Pero en sus últimos siete, vio a sus hijos triunfantes. Eso hizo que recobrara en parte su salud»
Charles Chaplin habla sobre su madre.


Habría que tener una piedra por corazón para querer que el chico vuelva con su madre. El vagabundo no puede darle nada material, ¿pero a quien demonios le importa?


Cuando pienso en las mejores interpretaciones que he visto nunca en el cine, siempre pienso en el pequeño Jackie Coogan.

Chaplin lo descubrió en un voudevill bailando el "shimmy", un baile de salón que estuvo muy de moda en los años 20. Coogan llamó la atención de Chaplin por su mímica y sus movimientos corporales.

Pero no sería la primera película para Jackie, pues el pequeño Coogan había obtenido su primer papel en una película a los 3 años, llamada Skinner's Baby.

Coogan alcanzó la gloria a los 7 años con esta pelicula de Chaplin. Aunque al año siguiente protagonizó Oliver Twist, una pelicula dirigida por Frank Lloyd.

Al buen hacer del pequeño también hay que añadir la perfección de Chaplin que rodó una media de 53 tomas por cada escena escogida.
No obstante, Chaplin dijo de él que fue el mejor actor con el que trabajó en su vida.


La popularidad de Jackie Coogan fue tal que se convirtió en una de las primeras estrellas en tener todo tipo de artilugios con su apariencia, tal como muñecos, figuras, silbatos o crema de cacahuete.


En España, el chico, tuvo sus propias galletas, ¿os suenan?

Vale, las galletas de la imagen tienen sus años, pero que me decís de éstas que las tengo yo en mi casa ahora. Y si buscais por la caja vereis que en la caja pone que la imagen del niño de la galleta es el chico, de Chaplin. Yo lo ví hace pocos días.
Pero Jackie Coogan no sólo fue famoso por su labor artística, sino también por su labor filantrópica. Intentaré ser breve. A raíz del genocidio armenio durante la Primera Guerra Mundial una organización filantrópica estadounidense, Near East Relief (NER) proporcionaba ayuda humanitaria a los supervivientes de la tragedia.

Más de un millón de armenios refugiados indigentes y huérfanos necesitaban ayuda urgente. Ante esta dificil situación los directores de la organización le pidieron ayuda a Jackie Coogan y otros miembros de la profesión para la donación de ropa a los refugiados, pues se acercaba el invierno. Y Jackie Coogan se convirtió en un "fenómeno infantil."

Ante el éxito obtenido, la NER pidió permiso a los Coogan para envolucrar a Jackie en una campaña de recaudación de fondos. El padre de Coogan afirmó que quería que "Jackie viera e hiciera algo contra las dificultades y sufrimientos que han tenido que soportar niños de su misma edad."

En 1924, Jackie encabezó para NER la "Cruzada de los niños" que apeló a los niños de Estados Unidos a conseguir un cargamento de productos por valor de un millón de dólares para los indigentes y huérfanos de Oriente próximo.

Jackie realizó la primera búsqueda y recolección de fondos y productos en tren por Estados Unidos y Europa.

Pero como casi siempre suele pasar, los actores infantiles no tienen mucha suerte en la edad adulta. En el caso de Coogan, su estrella se fue apagando poco a poco y al crecer su popularidad fue menguando. Como actor infantil, Jackie Coogan ganó cerca de 4 millones de dólares que su madre y su padrasto disfrutaron enteramente. En 1936, el actor los demandó pero sólo recibió 126.000 dólares.

Como adulto, el éxito le encontró de nuevo a los 50 años, encarnando al Tío Lucas, o Fétido, como conocemos por estos lares al tío de La Familia Adams, en la serie de los años 60.


Hay una anécdota que cuenta como una chica que había sido fan de la serie se encontró a Coogan en una cafetería. Le pidió un autografo y cuando lo leyó gritó "¿Quien es Jackie Coogan? No sé quien es. Yo sólo quiero que aquí ponga Tío Lucas."

En fin...podría seguir alabando a Chaplin, ese "analista de humanas desdichas", ese genio del cine, pero si después de todo lo que he dicho ya no veis ésta película no creo que deba seguir.

El Chico está considerada como el primer largometraje de Chaplin y puede que no sea la mejor pelicula del maestro pero es una de las mejores películas de la historia. La muestra imperecedera de que para hacer algo grande sólo hace falta TALENTO.


Lo mejor: todo.
Lo peor: después de verla, es dificil ver algo mejor.


Os dejo con éstas memorable fotos de 1936 en el set de rodaje de Tiempos Modernos, donde aparece Chaplin con un Jackie Coogan de 22 años.

Un saludo a todos y hasta la próxima entrada corazones.