AMAROK: ANIVERSARIOS Y PRESENTACIÓN DE SU NUEVO ÁLBUM

Amarok libera temas para celebrar el 30 aniversario de Els nostres Petits Amics y el 20 de Quentadharken y presenta el video de su nuevo álbum Canciones para un Planeta Herido. 

Para celebrar estas efemérides, Amarok ha publicado un Bandcamp, Extras Amarok 2024, con tres temas inéditos. En primer lugar se puede disfrutar de la versión original de “La última expedición” grabado en Caracas entre 1983-84, y que luego fue actualizado para formar parte del disco
Quentadharken, una versión que resulta interesante por el uso de teclados analógicos como el órgano Crumar Organizer T-1, el sintetizador Roland SH-3A y la Caja de Ritmos Mattel Synsonics Drums.

Por otra parte, los otros dos temas, “Amarok parte II” y “Dolç regust del meu record”, formaron parte

de la primera época de la banda, quedando descartados tanto para la edición del cassette Migracions como para el CD Els nostres Petits Amics. 

Además, a la espera del lanzamiento por parte del sello mexicano Azafrán Media del nuevo disco doble de Amarok, Canciones para un Planeta Herido, el grupo ha hecho un vídeo de presentación con uno de los temas del álbum, “Numa”. En él se muestran las magníficas ilustraciones de Anabel Ballesta, que  estarán las carátulas y los libretos del CD.

TAL DÍA COMO HOY, EN 1971, SE PUBLICÓ MEDDLE, DE PINK FLOYD, EN LOS ESTADOS UNIDOS

 

El sexto álbum de Pink Floyd, que en el Reino Unido se editaría el 13 de noviembre, se publicó a través del legendario subsello de EMI, Harvest. El álbum se grabó en distintas localizaciones de Londres, incluyendo los estudios AIR, Abbey Road y Morgan.
Sin material concreto ni idea preconcebida para la composición del álbum, el grupo consideró una serie de experimentaciones que inspiraron el tema principal del vinilo, “Echoes”, una pieza totalmente improvisada, llena de pasajes instrumentales y efectos de sonido. Aunque este tema no está explícitamene dividido en segmentos, lo cierto es que se conformó con fragmentos independientes que, más tarde, se pudieron dividir en dos partes diferenciadas, tal y como aparece en la película Live at Pompeii. El origen de la pieza es una colección de experimentos musicales compuestos de forma independiente por cada uno de los miembros del grupo que se denominaron, en distintos periodos, como “Nothing, parts 1-24”, “The son of nothing” y “The return of the son of nothing”. Durante la etapa de desarrollo, la primera estrofa del tema aún no se había concluido, y aunque en un principio se refería a la reunión de dos cuerpos celestes, Roger Waters, ante la preocupación de ser encasillado como una banda de rock espacial, reescribió las letras para usarlas con imágenes bajo el agua. 

Dos curiosidades sobre el tema: el sonido de un sónar al principio del tema se creó como resultado de un experimento que amplificaba el sonido de un piano de cola a través de un altavoz Leslie; por otra parte, en una entrevista en la que Roger Waters promocionaba su álbum en solitario, Amused to Death, el bajista afirmó que Andrew Lloyd Webber había plagiado el estribillo en 12/8 del tema para incluirlo en distintas secciones de su musical The Phantom of the Opera, aunque al final decidió no presentar ningún tipo de demanda: “es la misma estructura y la misma nota y todo es igual. Bastardo. Probablemente sea procesable. Lo es en realidad. Pero creo que la vida es muy larga para molestarme en demandar al maldito Lloyd Webber.” El título del álbum es un juego de palabras, entre medalla (medal en inglés) y su significado como ‘entrometerse’. En un principio, Storm Thorgerson propuso la fotografía de un primer plano del ano de un babuino para la portada, aunque dicha propuesta fue rechazada por el grupo telefónicamente desde Japón, donde estaban de gira, y que preferirían algo así como una ‘oreja bajo el agua.’ La imagen final representa, efectivamente, una oreja bajo el agua, recogiendo ondas sonoras, simbolizadas en las ondas del agua. Thorgerson expresó su descontento con la portada pues consideraba que el disco era mucho mejor que su portada.

HACE 49 AÑOS DEBUTABAN BARCLAY JAMES HARVEST

De título homónimo, Barclay James Harvest publicaban su primer artefacto en larga duración en 1970. El álbum se grabó en los Abbey Road londinenses entre el 8 de noviembre de 1969 y el 26 de enero del año siguiente en dos mesas de ocho pistas, incluyendo las piezas orquestales, cuya dirección musical corrió a cargo de Robert John Godfrey, quien en 1982 formaría The Enid.

El grupo provenía de Oldham, en Lancashire, y estaba formado por el guitarrista John Lees, el teclista Stuart "Woolly" Wolstenholme, el bajista Les Holroyd y Melvin Pritchard, batería, quienes actuaban de manera profesional desde 1967, grabando varios sencillos hasta la publicación de su primer LP con material totalmente original.

Descritos como los hermanos pobres de los Moody Blues, ficharían por el sello Harvest y su primer trabajo sería producido por Norman Smith, conocido por su trabajo con unos primeros Pink Floyd, con un resultado entre lo psicodélico, lo melódico y lo folk. Los arreglos orquestales dieron a este primer trabajo un sentido clásico, lo que supuso todo un paso adelante en la combinación y ejecución de sonidos eléctricos y aquellos más propios de lo estrictamente orquestal. Es el último tema, uno de los preferidos por los miembros de la banda, "Dark now my sky", el que, con sus doce minutos de duración, proporcionaría ese aire cautivador a sus proyectos inmediatamente posteriores con EMI Harvest hasta su cambio de compañía, pero esa es otra historia diferente, aunque también fascinante.

Este álbum conformaría la primera línea de un incipiente género que, posteriormente, se denominaría progresivo, siendo BJH uno de los grupos pioneros en la hermosa experimentación de los nuevos sonidos que dominarían gran parte de la década.

En palabras del desaparecido Woolly: "en líneas generales, el álbum no tuvo el éxito que se merecía haber tenido. Era bastante pretencioso. Parecía ser algo bastante anticipatorio, un ensayo de lo que tenía que ser real."

ROBERT SANTAMARÍA CELEBRA 30 AÑOS DE MÚSICA

El insigne y esforzado músico Robert Santamaría, alma mater, entre otros, y más conocido por ello, fundador de Amarok, celebra 30 años en la música con la culminación de un gran proyecto en Bandcamp, donde incluye no sólo los álbumes de los citados Amarok, sino que también incorpora joyas de su colección personal para nuestro deleite.

Además, ha rescatado de los VHS originales los programas Hidrogen de los 90 que podemos disfrutar desde esta misma página de Descubre la Caja de Pandora, aunque los ha publicado de forma pública.

Sin lugar a dudas, otra gran noticia del excelente músico que el año pasado nos deleitó con la vuelta a la vida de los excelsos Amarok con Hayat Yolunda, uno de los mejores álbumes de rock sinfónico que se llegaron a publicar ese mismo año.

 

NOTA DE PRENSA DE SONICARTE: PRIMER ANIVERSARIO

“Con motivo de nuestro primer año de vida queremos celebrar nuestro cumpleaños por todo lo alto. Regalos, un sorteo, buen ambiente, sorpresas varias y cómo no, ¡música en directo! Nos visitarán nuestros amigos Psychosound.

Estáis todos invitados. Y recordad, por cada consumición se os dará un numerito (hasta finalizar papeletas) para el sorteo de dos pases que os darán derecho a la entrada libre de los conciertos que organicemos en 2016 y algún regalito más.”

Sonicarte cumple su primer año de vida y la organización quiere celebrarlo con quien quiera acercarse hasta la capital aragonesa para asistir a una fiesta que se celebrará en el Café Pub Ruta 66, punto de reunión habitual de después de los festivales organizados hasta la fecha (Kai Mars/Eric Baule, Glazz/Jorge Salán), en el que se anucian diversas actividades, incluida la actuación en directo de Psychosound.

La celebración será el próximo 13 de febrero, sábado, a las 23:30 y la diversión, el buen ambiente, la camaradería y la buena música están garantizados. ¡No te lo puedes perder!

FISH ANUNCIA FECHAS ESPECIALES EN EL REINO UNIDO PARA SU GIRA FAREWELL TO CHILDHOOD

El músico y cantante escocés, que fue uno de los fundadores de Marillion, como supongo que ya sabéis a estas alturas, ha anunciado una serie de conciertos por el Reino Unido para diciembre de este año en los que celebrará el 30 aniversario de la publicación de Misplaced Childhood. Durante estos conciertos tocará por última vez el álbum en su totalidad justo antes de la publicación de lo que será definitivamente su último álbum.

La gira Farewell to Childhood comienza en Suecia el mes de junio y se extiende por Europa con una gran variedad de conciertos y festivales que llevarán al cantante fuera del viejo continente con una actuación muy especial en Marrakech, prevista justo antes de llegar al Reino Unido y participar en los legendarios festivales de Cropredy (Cambridge, 14 de agosto) y Midstock (en la ciudad de Fish, Dalkeith, el 12 de septiembre). Estos dos conciertos serán la única oportunidad de ver tocar a Fish en festivales al aire libre en el Reino Unido antes de comenzar con sus conciertos íntimos en teatros para el mes de diciembre:   

“Estas son únicamente las fechas por el Reino Unido. No he añadido ninguna otra más porque la idea era salir y tocar en unos cuantos, pocos, sitios cerrados y no involucrarme en una gira prolongada que interfiriera en la composición de Weltschmerz. Perdón si alguno se siente decepcionado. 

No toco en Belsfat porque no parece haber ningún promotor interesado en mi música. Y en cuanto a algunas fechas por Alemania, Holanda y, posiblemente, Polonia, aún no he cerrado nada en concreto y estamos en negociaciones para ir a tocar en noviembre.

Para Sudamérica estamos hablando de ir hacia abril o mayo de 2016 ya que he decidido posponer la fecha de grabación de Weltschmerz para junio o julio y poder seguir componiendo durante enero, febrero, marzo y abril. Tengo intención de publicarlo a principios de septiembre justo antes de la gira por el Reino Unido a la que seguirá otra europea.

He estado hablando con mi agente de Norteamérica, pero hasta el momento los números simplemente no salen ya que he vendido menos de 1500 copias de Feast y no se trata de apostar por una gira allí ahora que los costes son enormes. De todos modos, el tema sigue activo e intentamos que pueda funcionar. Pero es un gran riesgo.

Para ponerlo en perspectiva, ya me sucedió con los seguidores españoles que tras anular los conciertos iniciales en Madrid y Barcelona me pidieron reprogramar los espectáculos en enero y febrero, donde tocamos ante menos de 400 personas entre las dos ciudades. Perdí 2.500 libras en esta reprogramación, principalmente por el cambio de cotización de la divisa ya que el euro estaba reforzado entonces. Menos mal que el merchandise me salvó.

Hago lo que puedo, pero sólo porque haya unas pocas personas que me escriban diciendo que haga un concierto en una o en otra ciudad no significa que sea algo financieramente posible.

En este punto de mi vida y de mi carrera lo último que necesito es una gira que se convierta en un costoso agujero negro y por mucho que haya una gran voluntad la realidad de la situación decide cualquier decisión que tome.

Espero que tratéis de entender esto.”

La gira, como digo, cumple el 30 aniversario del multi-platino disco de Marillion, que incluía los sencillos “Kayleigh”, “Lavender” y “Heart of Lothian”.

Fechas de la gira por el Reino Unido:

AGOSTO

14th – Cropredy Festival, Cambridgeshire

SEPTIEMBRE

12th – Midstock Festival, Dalkeith

DICIEMBRE

3 – Bristol, O2 Academy

4 – Londres, Islington Assembly Hall

5 – Londres, Islington Assembly Hall

7 – Cambridge, Junction

9 – Birmingham, Town Hall

10 – Sheffield, City Hall

11 – Manchester, Academy 2

13 – Glasgow, O2 ABC

RELAYER: 40 ANIVERSARIO

El pasado 28 de noviembre se cumplieron 40 años de la publicación de Relayer, séptimo álbum de Yes, en el que Patrick Moraz sustituía a Rick Wakeman y que surgiría como producto de las jams improvisadas que el grupo tocaba continuamente en el estudio, tal y como cuenta el propio Moraz: “Improvisábamos bastante, especialmente con Chris y Alan, desde el momento en el que entré en la banda. Hacíamos muchas sesiones de improvisación y ensayos con material que todos aportábamos… hacíamos toda esa clase de cosas. En alguno de aquellos momentos nos situábamos muy cerca del filo del jazz rock y, con el tiempo, podría haber sido una de las líneas que podríamos haber seguido.”

Wakeman había marchado de Yes para continuar su carrera en solitario y la banda estuvo probando distintos teclistas, entre ellos a Vangelis, pero terminaron eligiendo al suizo cuando el álbum se encontraba en plena producción.

Lo cierto es que nunca Squire y White han estado tan sincronizados mientras Jon Anderson construía algunos de sus poemas en prosa más significativos. Estas grabaciones se fueron guardando, una a una, en el garaje de Squire, donde Steve Howe fue añadiendo guitarras aceradas con mucho pedal en lo que pronto se convertiría en uno de los álbumes más complejos de Yes. Aún así, el álbum, hace poco remasterizado por Steven Wilson, nunca alcanzó las cotas en las listas del Reino Unido logradas por su predecesor, Tales from Topographic Oceans, ni por el siguiente trabajo que publicarían, con Rick Wakeman otra vez en la banda, Going for the One.

De todos modos, el álbum, en alguno de sus aspectos, es uno de los trabajos que más ha aguantado el paso del tiempo, según afirma el medio Something Else, gracias a la incorporación de un nuevo teclado que trajo Patrick Moraz, el Vako Orchestron: “No hay muchos periodistas que me pregunten sobre ‘To be over’ y tengo que decir que el solo del final recuerdo haberlo compuesto en la noche anterior. De repente, quisieron cambiar la clave y tuve que recomponerlo en su totalidad. Así que en tan sólo una noche hice dos versiones distintas, escritas en partitura. Así es como sucedió.”

El tema épico del álbum, “Gates of Delirium”, con casi 22 minutos de duración, se basaba lejanamente en Guerra y Paz de Tolstoi y se convirtió en un ejercicio instrumental de los más elaborados y queridos del grupo, que desembocaba en un remanso de paz titulado “Soon”, que pronto se editaría en sencillo. Esto es lo que cuenta Jon Anderson sobre la pieza completa: “Compuse la pieza en el piano, muy mal, y la toqué para todos, de nuevo muy mal, pero la entendieron. Les dije como podría empezar e hicimos esos sonidos atronadores. Les hablé de una enorme energía y se hizo la sección de la batalla. Después de todo esto cantaríamos ‘Soon’. Todos trabajamos en el tema como un equipo. Empezaron a trabajar la primera sección, yo trabajé más tarde la segunda y así sucesivamente. Estábamos un paso por delante de los ensayos. Steve y yo compusimos todas las partes en cassette y yo escuchaba y trabajaba sobre la parte siguiente de modo que pudiésemos mantener una estructura coherente. Afortunadamente, lo consiguieron.”

Para Chris Squire, “Sound chaser”, y la implicación de todos los músicos, fue el resultado de que “cada uno de los miembros de Yes estaba siempre tratando de mejorar como músico y como intérprete y si había la mínima posibilidad de incluir música ingeniosa, todos asumíamos el riesgo.”

Todo parecía indicar que Yes habían encontrado una forma de equilibrio, tanto en las estructuras de unos temas totalmente desafiantes como en la combinación hábil y espiritual de los elementos sonoros de un sonido, que cada vez se convertía en algo mucho más complejo y lleno de interludios, que recuperaban el pulso creativo de trabajos anteriores perdido, en gran parte, por la excesiva ambición que dividió al grupo con la publicación de Tales from Topographic Oceans.

Lo cierto es que la complejidad musical de “The gates of Delirium” no fue comprendida en aquel momento y las críticas y reacciones del público fueron muy tibias, aunque alcanzó el éxito comercial logrando el puesto número 4 de las listas del Reino Unido y el quinto en las de Estados Unidos.

Por desgracia, esto no duraría mucho puesto que durante las siguientes sesiones para el próximo trabajo, ya desde el principio, Moraz abandonó la formación de forma abrupta y Rick Wakeman regresó al seno de la banda abandonando los preceptos musicales iniciados en Relayer. En palabras de Moraz: “Habíamos decidido empezar a componer hacia 1975 cuando yo también estaba ayudando a Chris y Steve a grabar su música. Habíamos empezado a componer entre todos y a reunir material para lo que iba a ser Going for the One y me involucré muchísimo en la composición de ‘Awaken’. Incluso grabé uno o dos temas muy al principio de las primeras sesiones de 1976. Grabé algunas de las bases para lo que iba a ser ‘Awaken’ y otros temas para Going for the One. Desafortunadamente, fueron retirados para permitir que Rick Wakeman regresara a la banda.”

Moraz reutilizó todo aquel material que había compuesto para ‘Awaken’ en el tema ‘Time for a change’ que publicó en 1977: “Cuando tuve que salir de Yes a finales de 1976, comencé con la composición de un nuevo álbum, esta vez en solitario, y decidí titularlo Out in the Sun. Quizá debería haberlo llamado Time for a Change. Es un tema largo, el último del disco. Había dos o tres movimientos que fueron parte de ‘Time for a change’: el principio, el primer minuto o así, refleja lo que en realidad había compuesto para ‘Awaken’. Es una pieza hermosa que utilicé como introducción. Lo que termina en el disco de Yes, tocado por Rick, es completamente diferente de lo que yo habría escrito. Pero la música es música, ¿no?”

Como curiosidad, la portada, de Roger Dean, siguió un formato similar a la del disco Fragile, incluyendo una fotografía de la banda en el interior, portada que se utilizaría en un comercial de Pepsi, en una camiseta usada por la colombiana Shakira.

HACE CUARENTA AÑOS QUE EMERSON, LAKE & PALMER PUBLICARON BRAIN SALAD SURGERY

Posiblemente sea el último gran álbum del trío, el cuarto en estudio hasta la fecha, y que se publicó en 1973 bajo su propio sello discográfico Manticore Records. Greg Lake compuso todas las letras con la ayuda de Peter Sinfield, su antiguo compañero de King Crimson.

“Ese disco marcó algo muy importante en mi vida, en mi mente ese álbum es el número uno. No solo fue muy popular sino que además, en mi caso, marcó un tope, fue un disco con el verdadero espíritu del grupo. [Carl Palmer]”

Tras la publicación de Trilogy, su anterior trabajo, que fue grabado en las entonces novedosas mesas de 24 pistas, lo cual supuso que hubiera gran cantidad de sonidos sobrepuestos, se decidió componer un trabajo para que fuese posible tocarlo en directo sin necesidad de sonidos pregrabados. Para ello se compró un cine en Fulham, Londres, y se compuso todo en directo para poder representarlo en formato de trío sin ningún tipo de añadido sonoro.

“Lo que realmente sucedió fue que acabábamos de grabar Trilogy y no podíamos representar en vivo mucho de su material por tantos sonidos superpuestos que no podíamos recrear fielmente en formato de trío en un escenario. Así que lo que decidimos hacer en nuestro siguiente trabajo fue un disco en vivo en primer lugar, de tal modo que luego lo pudiésemos tocar sin dificultades técnicas. En realidad, y esto puede parecer terriblemente extravagante, compramos un cine y quitamos todas las butacas. Montamos todo el equipo en el escenario y empezamos a componer el álbum”.

Para ello, y debido al interés creciente de Keith Emerson en los nuevos sintetizadores, Moog Music desarrolló el primer módulo polifónico que se utilizó para la grabación del álbum junto a dos secuenciadotes Moog 960, analógicos, que se integraron en el Modular IIIc que también se utilizaría, desde entonces, en los conciertos en directo.

“El Lyra y el Apoll eran prototipos de Moog, igual que los Taurus Pedals. Juntos formarían lo que sería el Moog Polyphonic Ensemble o Constellation. Es lo que utilizamos en el California Jam o el que puedes ver en cualquier concierto de Brain Salad. “Benny the bouncer” y “Jerusalem” se tocaron con ellos y también lo utilizó en la tercera impresión para las líneas de trompeta. En realidad el Polyphonic Ensemble eran tres unidades. La superior era el Lyra, el polifónico Apollo estaba debajo, y los pedales Taurus en el suelo.”

También Carl Palmer, tras la gira Get Me a Ladder, tomó clases de timbales en la Guildhall School of Music & Drama y aumentó su set percusivo incluyendo timbales, gongs y uno de los primeros instrumentos de sintetizadores de percusión.

Los temas que se incluyen en el álbum son:

“Jerusalem”: una adaptación del himno de Hubert Parry con letras del poeta William Blake. Como curiosidad, se utilizó por primera vez un Moog Apollo, un sintetizador polifónico, que en aquel momento aún era tan sólo un prototipo desarrollado por Moog.

“Toccata”: pieza instrumental basada en el cuarto movimiento del Primer Concierto para Piano de Alberto Ginastera. Se incluyó una sección de percusión en la que Carl Palmer utilizó la nueva tecnología de sintetizador adaptada a la batería.

“Still... you turn me on”: una balada compuesta por Greg Lake.

“Benny the Bouncer”: la última composición de la serie sobre el Viejo Oeste.

“No hay nada malo en repetir la fórmula, lo que añade calidad y maestría artística es su sonido. Se hizo siguiendo la tradición de “The Sheriff” o “Are you Reddy Eddy!”, un ejercicio para divertirnos.”

“Karn Evil 9”: la composición más extensa del disco, dividida en tres secciones o impresiones, con un trasunto conceptual sobre lo que acaece después de una guerra para pasar al relato de un maestro de ceremonias que presenta al público todo lo que se puede observar en una ceremonia circense hipotética.

“La idea original para el tema era un planeta, llamado Ganton 9, en el que prosperaba el mal. Peter Sinfield escuchó la música y la rebautizó como Karn Evil 9 argumentando que la música sonaba como un carnaval.”

Esta primera impresión, dividida en dos partes, es la más densa en cuanto a sonido y presenta una evidente diferencia de volumen entre las dos partes: la que acaba la primera cara del vinilo y la que empieza en la segunda. La explicación es puramente técnica puesto que los surcos de principio de un antiguo vinilo dan mayor calidad de reproducción que los del final, ya que, a la misma velocidad, la aguja lee más surco del mismo y encuentra más información. Es por eso que las piezas más comerciales de cualquier grupo solían ir al principio de las caras de un LP. La segunda impresión es instrumental y está dirigida y construida por Keith Emerson en clave de jazz, e incluye el calipso “St. Thomas” de Sonny Rollins y material reelaborado del primero de los Valses de Mefisto de Liszt: “Den Tanz in der Dorfschenke”.

“Esta pieza para piano expresa la inquietud que se muestra en nuestro tiempo y la velocidad de los cambios que acaecen. La escribí en un principio para un concierto para piano. Lo reestructuramos y lo utilizamos como la segunda impresión. El solo caribeño de la segunda impresión se tocó en un Minimoog (una interpolación del la canción “St. Thomas” de Sonny Rollins. Siempre he sido un gran seguidor de los dibujos animados del pequeño ratón mejicano Topo Gigio. Así que lo que hablé y grabé lo aceleré y lo sobreespuse. No recuerdo lo que dije con exactitud, pero era algo así como ‘Hey you guys if you would like to go for tortillas, I could probably afford to spot you?’ Era algo que sonaba vagamente español.”

La tercera impresión cuenta con la voz de Keith Emerson, evocando una batalla en un medievo fantástico entre la máquina y el ser humano. Emerson grabó su propia voz en el circuito analógico de su Moog Modular para conseguir ese efecto vocal. Esta y la voz del ratón de la segunda impresión, que fue acelerada, son las únicas participaciones vocales de Emerson en un disco de ELP.

“El solo de órgano de la tercera impresión creo que fue improvisada según recuerdo. No creo nunca haberlo tocado igual cuando lo representamos en directo. El acompañamiento con la mano izquierda se hizo en el tono bajo del mismo Hammond C-3 al igual que la línea del solo. No recuerdo las configuraciones. Aunque se tocó en un órgano, utilicé un sintetizador  para las otras partes de la melodía. El sonido triunfante se tocó con el Lyra, un prototipo del primer sintetizador Moog con un teclado sensible. Conseguí una suerte de sonido de trompeta impresionante.”

Greg Lake, al respecto del tema de esta tercera impresión afirmó lo siguiente: “La gente habla de los ordenadores porque es algo muy presente. Nosotros utilizamos ordenadores. Se puede afirmar que no hay ningún tipo de emoción en un ordenador. Pero es lo que decimos sobre las computadoras y en esta ocasión sí que hay cierta emoción. El concepto general es que los ordenadores dominan la vida de las personas. Hay un verso que dice: ‘load your program, I am yourself.’ Son palabras proféticas. Muchas veces me pregunto si de verdad toda esta maldita tecnología está haciendo algo bueno.”

La portada del disco corrió a cargo de Hans Ruedi Giger, que dibujó una de las imágenes más memorables, e inquietantes, de su tiempo. Se puede observar su técnica biomecánica monocroma, en la que se integra un mecanismo industrial con un cráneo humano. En la parte inferior de la calavera se observa una pantalla que muestra una pantalla circular que muestra una boca y la barbilla de una cara. Al abrirse ambas pestañas, izquierda y derecha, aparece el dibujo de un rostro femenino completo, basado en la propia mujer de Giger, que se suicidaría poco después de la publicación del álbum.

“La esposa de Giger fue el modelo de la portada interior. Sus labios siguen apareciendo en su portada, incluso después de su muerte.”

Ambos rostros, el de la pantalla y el del interior, son semejantes, pero en el exterior aparece un falo, que en su original era completo, pero que se borró a instancias de la compañía discográfica.

“Tras una larga deliberación con nuestra compañía de discos, tuvimos que pedir a Giger que suavizara el objeto fálico que se aproximaba a la boca de la imagen del visor hasta que se viera como una especie de rayo de luz.”

Además H. R. Giger creó el nuevo, y definitivo, logo de ELP.

El título del álbum en un principio iba a ser Whip Some Skull on You, un eufemismo para hablar de sexo oral, pero se descartó y se utilizó un verso del tema de Dr. John del tema “Right place, wrong time” de 1973 en el que se decía: ‘just need a little brain salad surgery, got to cure this insecurity’, que también hace referencia a un acto de felación.

En las sesiones de Brain Salad Surgery se grabaron tres temas que al final no se incluyeron en el LP:

“When the apple blossoms Bloom in the windmills of your mind I’ll be your Valentine”: tema instrumental que apareció en la cara B del sencillo “Jerusalem”, en el que se puede apreciar la perfecta colaboración de sonidos generados por el Moog Lyra y el Moog Apollo.

“Seguramente fue una de las mejores formas poéticas de decir no en la historia de la música. De hecho, salió de una jam que descartamos cuando habíamos terminado ya el álbum. “

“Tiger in a spotlight”: el tema habría sido incluido en el álbum si Ginastera no hubiese dado permiso para utilizar “Toccata”.

“Un sábado estábamos improvisando en los estudios. De repente Greg paró y escribió unos versos. En quince minutos pusimos la música y una hora más tarde teníamos un tema nuevo.”

“Brain salad surgery”: sorprendentemente y con ese título el tema no apareció en el álbum sino que se publicó como sencillo promocional en formato flexi-disc con fragmentos del álbum.

“En realidad, el tema se grabó después de haber grabado todos los temas y tener la portada del disco. Era un tema de usar y tirar.”

Fuentes:

Ultimate Classic Rock

Jerry Culley, notas interiores de Brain Salad Surgery, edición en DVD

On the Board with Keith Emerson

On Stage, revista digital

Wikipedia

hrgiger.com

Brain Salad Surgery Alemania

Descubre la Caja de Pandora

Colección particular 

30 FRASES PARA UN 40 ANIVERSARIO

Siguiendo con el homenaje en el cuadragésimo aniversario del álbum, repasemos algunas de las cosas que se han dicho de este gran trabajo. Esta vez de la boca de sus propios creadores.

Dark Side expresaba una empatía política, filosófica y humanitaria que tenia que salir. – Roger Waters

Las ideas que Roger exploraba, gustan a cada nueva generación. Estas no han perdido relevancia. - David Gilmour

Trabajábamos en equipo, teníamos un objetivo en común. Volvernos ricos y famosos. – Roger Waters

Recuerdo escuchar por primera vez la grabación entera y pensar “Dios mio, realmente hemos hecho algo fantástico. – David Gilmour

‘Strangers passing in the street / by chance two separate glances meet / and I am you and what I see is me’  es un hilo que ha marcado todo para mi desde “Echoes”, y que tuvo una gran erupción en Dark Side. – Roger Waters

Hay cosas que influyen en un individuo que determinan su visión de la existencia. Fuerzas capaces de empujarte en distintas direcciones como la muerte, la locura,la empatía, la codicia, etc. De eso trata Dark Side, un poco de la visión Newtoniana de la física. – Roger Waters

Roger tenía muchas cosas que decir esta vez, por eso fue la primera vez que hizo todas las letras. – Richard Wright

Roger era la fuerza motriz que nos empujaba a todos.- David Gilmour

Yo vengo del mundo del jazz, mi principal inspiración. Uno de los acordes principales de “Breathe” surgió de un tema de Miles Davis. – Richard Wright

“On the Run” era un tema tocado en vivo como una suerte de jam instrumental, pero creo que ninguno de nosotros estaba totalmente satisfecho. Hasta que llegó el sintetizador, concretamente  el Synth EA. – David Gilmour

Fue la primer banda que realmente quiso hacer música del futuro – Chris Thomas (Supervisor de mezcla)

“On the run” era muy complicada, había muchas manos sobre la consola, pero se hacía así porque no había automatización en esa época. Grabar era toda una represenación, como un concierto en vivo, es algo que se ha perdido actualmente.- Alan Parsons (Ingeniero de Sonido)

Expresa mis sentimientos hacia las cosas en forma sencilla. Creo que la música es hasta un punto dirigida por ese compromiso emocional.- Roger Waters

Todos dijeron, fantástico, escojamos ése. Mason hablando sobre la gráfica de la portada del álbum

Para  “The Great Gig” no teníamos clara la música, pero sabíamos que queríamos que alguien improvisara con esa pieza.  Le dijimos (a Clare Torry) que pensara en la muerte, o algo horrible, y cantara. Recuerdo que entró al estudio, lo hizo muy rápido, se fue pidiendo disculpas y sintiéndose muy avergonzada. Nosotros lo consideramos maravilloso. – Richard Wright

El diseño del prisma se basa en tres elementos. El espectáculo de luces que caracterizaba al grupo, las letras, que trataban de ambición y la codicia y una respuesta a algo que Rick me pedía, algo simple, comprometido y dramático. – Storm Thorgerson (Diseñador del arte gráfico del álbum)

Siempre se dice que necesitas un sencillo, y nosotros teníamos algo parecido con “Money”- David Gilmour

Recuerdo que escribí “Money” como una especie de canción de blues. Tiene ese sonido de guitarra de blues. Es muy diferente a la demo original, que es algo muy formal y muy inglés. – Roger Waters

No era perfecto el compás, por que tenía siete tiempos, no encajaba del todo por que le faltaba el octavo beat. Ellos lo oían por los auriculares, contaban los tiempos y luego tocaban de manera sincronizada. - Alan Parsons (Ingeniero de sonido)

Empezamos con la campaña de marketing más grande que esa discográfica ( Capitol Records) había realizado hasta ese momento. Bhaskar Menon, Presidente de Capitol Records de 1971 a 1990

Me encanta el hecho de que cambie (hablando de “Money”). Muchas cosas suceden en Dark Side, cosas mágicas que no fueron buscadas intencionalmente. Simplemente suceden. Y eso es lo bonito de “Money”, la variación de compases.- Richard Wright

Probablemente era la primera vez que se hacía un loop con una máquina de cinta. Nunca se había hecho antes. - Alan Parson, Ingeniero de Sonido (en referencia a la introducción de “Money”)

Aunque no hubiera un sencillo, ya habíamos vendido más de 10 millones de discos. Bhaskar Menon

Las letras (“Us and them”) son muy directas y lineales. Tratan sobre el aspecto fundamentale de si la raza humana es capaz de ser humana.- Roger Waters

Las voces que se escuchan surgieron de preguntas que hice en tarjetas a roadies y gente que nos acompañaba. Las personas que no se entrevistan son generalmente las que tienen más cosas que decir.- Roger Waters

(“Brain damage”) Obviamente tiene que ver con Syd. Tiene que ver con defender tu noción de que eres diferente. La cuestión es si somos capaces de manejar las cuestiones de “Us and Them”- Roger Waters

Era probablemente el momento en nuestra trayectoria en que lo veíamos todo nítidamente. Trabajábamos muy bien como equipo.- Nick Mason

(Chris Tomas) me ayudó a encontrar una solución de compromiso entre la visión de Roger y la mía. David Gilmour en referencia a la mezcla final del álbum

Me gustaría ser alguien que se pone los auriculares, se relaja, y escucha todo el disco por primera vez de un tirón. Yo nunca tuve esa experiencia, hubiera sido estupendo.- David Gilmour

Una de las razones del éxito de Dark Side es que el álbum es muy rico. Se han reunido muchos sonidos e ideas en un solo álbum. – Nick Mason

Cuando lo logras (en referencia al éxito) piensas “¿Es esto? ¿Qué hay a continuación?”. Y eso determinó nuestro próximo álbum, Wish You Were Here, porque ya no éramos nosotros mismos.- David Gilmour

fuente

ANIVERSARIOS EN 2013

Repasemos aquellos discos que este mismo año cumplen un aniversario histórico e imprescindible.

ENERO

50º ANIVERSARIO (1963)

Procol Harum: A Whiter Shade of Pale

El tema que da título al disco ha quedado ligado a la banda y se ha convertido en un clásico del rock, que en este caso combinaba el género con la música clásica.

40º ANIVERSARIO (1973)

Premiata Forneria Marconi: Photos of Ghosts

Descubiertos por Emerson, Lake & Palmer firman con su sello Manticore y gozan del reconocimiento internacional por primera vez. El primero en inglés de los italianos.

Rick Wakeman: The Six Wives of Henry VIII

Segundo álbum en solitario de Wakeman, acompañado de algunos de sus compañeros de Yes.

FEBRERO

40º ANIVERSARIO (1973)

Camel: Camel

Debut de la banda de Andy Latimer y Peter Bardens. Camel son los menos apreciados tras una consistente y fructífera carrera, pese a su grandísima calidad.

MARZO

40º ANIVERSARIO

King Crimson: Larks Tongues in Aspic

Formados por Wetton, Fripp, Bruford, Cross  y Muir. Sonidos que definen los temas clásicos de toda su carrera.

Led Zeppelin: Houses of the Holy

Disco de cambio de sonido del grupo encaminado a sus momentos álgidos de mayor éxito y mejor música.

Pink Floyd: Dark Side of the Moon

El álbum progresivo clásico por excelencia. Obra maestra imperecedera en la que participó también en su sonido el ingeniero y músico Alan Parsons.

35º ANIVERSARIO (1978)

Genesis: ...And Then There Were Three

Convertidos en trío, Collins se erige en líder. Temas comerciales que apuntan a una deriva pop de unos grandes del progresivo.

30º ANIVERSARIO (1983)

Marillion: Script for a Jester’s Tear

Debut de los neoprogresivos en claro homenaje a Genesis. Formación comandada por el gigantesco Fish, con uno de los discos más significativos de la banda.

Pink Floyd: The Final Cut

Sin Wright y con pocas ganas por parte del resto del grupo, Roger Waters publica este disco en solitario bajo el nombre de Pink Floyd.

10º ANIVERSARIO (2003)

King Crimson: The Power to Believe

Último disco de estudio de King Crimson como tal en formato de cuarteto: Fripp, Belew, Gunn y Mastelotto. Sonidos contemporáneos.

ABRIL

 

35º ANIVERSARIO (1978)

Jethro Tull: Heavy Horses

Poderosas influencias folk con temática realista que cierran una etapa. Último disco que cuenta con la intervención de John Glascock, bajo, que murió al año siguiente.

MAYO

40º ANIVERSARIO (1973)

Yes: Yessongs

Primer álbum triple en directo de la época gloriosa de Yes. Referencia inexcusable de la trayectoria musical del grupo.

Mike Oldfield: Tubular Bells

El debut y el más reconocido. Novedoso en su presentación, se hacía cargo de casi toda instrumentación, combinando lo acústico y lo eléctrico. El disco más popular del genio.

35º ANIVERSARIO (1978)

Steve Hackett: Please don’t Touch

Poco después del ...And then There Were Three de Genesis, aparece el debut en solitario de Hackett tras su salida del grupo. Antes había grabado, aún con Genesis, The Voyage of the Acolyte.

JUNIO

45º ANIVERSARIO (1968)

The Nice: The Thoughts of Emerlist Davjack

Debut de este grupo de culto, cuyo músico más destacado ha sido, sin ninguna duda, Keith Emerson. Contiene el tema “Rondo” un clásico de los posteriores conciertos de ELP.

Pink Floyd: A Saucerful of Secrets

Disco en el que ya se incluye a David Gilmour como integrante de la banda, tras las peligrosas perturbaciones de Barrett. Psicodelia progresiva espacial.

35º ANIVERSARIO (1978)

The Alan Parsons Project: Pyramid

Tercer disco del grupo del ingeniero y productor de los estudios Abbey Road. Comenzó su carrera en 1975 al rechazar el nuevo proyecto de Pink Floyd, Wish You Were Here.

The Moody Blues: Octave

Disco en el que el sonido progresivo del grupo se diluye con la decadencia del género. Disco transitorio.

15º ANIVERSARIO (1998)

Genesis: Archive 1967-1975

Exhaustivo recopilatorio que abarca el periodo más fructífero de la banda. Contiene un directo inédito de los setenta. Imprescindible para sus seguidores… y para los que no lo son.

JULIO

40º ANIVERSARIO (1973)

Jethro Tull: A Passion Play

Tras A Thick as a Brick, Ian Anderson siguió la estela de los álbumes conceptuales, que repite la fórmula del anterior.

25º ANIVERSARIO (1988)

Deep Purple: Nobody’s Perfect

Doble directo grabado durante la  gira de The House of the Blue Light. Formación clásica con Lord, Blackmore, Gillan, Glover y Paice.

20º ANIVERSARIO (1993)

 

Deep Purple: The Battle Rages on

Nueva reunión de la formula clásica con la incorporación de Gillan. Durante la gira, Ritchie Blackmore deja definitivamente la banda.

AGOSTO

45º ANIVERSARIO (1968)

The Moody Blues: In Search of the Lost Chord

Tercer álbum de la banda y segundo comercial. Un viaje entre el progresivo sinfónico y la psicodelia, emergentes en la época.

40º ANIVERSARIO (1973)

Genesis: Live

Primer registro oficial de la banda en directo publicado mientras se grababa Selling England by the Pound. No es la grabación íntegra del concierto, por lo que no aparece ninguna de las narraciones que Peter Gabriel intercalaba entre los temas.

 

30º ANIVERSARIO (1983)

Asia: Alpha

Segundo álbum de estudio del supergrupo de Wetton, Palmer, Howe y Downes. Entre el neoprogresivo, el crossover y el AOR.

10º ANIVERSARIO (2003)

Ian Anderson: Rupi’s Dance

Cuarto álbum solista de Anderson, de tendencia más acústica y folk, con aires orientales y clásicos.

SEPTIEMBRE

45º ANIVERSARIO (1968)

Deep Purple: Shades of Deep Purple

Primer trabajo de la banda con un rock psicodélico. Junto a The Book of Talyesin y Deep Purple, es la trilogía que termina cuando la voz de Gillan orienta su sonido hacia el hard rock.

Frank Zappa: We’re only in it for the Money

Experimental y satírico, arremete contra las ideologías de izquierda y derecha, contra la subcultura hippie y parodia a los Beatles (especialmente en la portada).

Giles, Giles & Fripp: The Cheerful Insanity of Giles, Giles &  Fripp

Primer disco del grupo que es la antesala de King Crimson. Un trío de bajo, guitarra y batería.

40º ANIVERSARIO (1973)

Frank Zappa: Overnite Sensation

Junto a Apostrophe’, el punto más alto de su creatividad. Humor satírico y crítica de lo convencional.

Genesis: Selling England by the Pound

De lo mejor de la producción de los ingleses. Temas que permanecerán por muchos años en los conciertos en directo del grupo.

35 ANIVERSARIO (1978)

 

Yes: Tormato

Disco que cumple una etapa en la banda. Anderson y Wakeman saldrían tras este disco de la formación por primera vez.

Uriah Heep: Fallen Angel

Duodécimo disco del grupo de heavy con tintes sinfónicos en sus álbumes. Se mantiene el espíritu progresivo que irá decayendo a favor de otros senderos.

30º ANIVERSARIO (1983)

The Moody Blues: The Present

Abandonan los aires psicodélicos y progresivos en aras de un pop con detalles prog. Se incorpora el nuevo teclista: Patrick Moraz.

10º ANIVERSARIO (2003)

Jethro Tull: Christmas Album

Último álbum en estudio de la banda. Todo lo aparecido posteriormente son actuaciones en directo o discos de estudio de Ian Anderson. Este álbum reúne todos los temas relativos a la Navidad en versiones de 2003.

OCTUBRE

45º ANIVERSARIO (1968)

Jethro Tull: This Was

Debut de esta banda de blues inglés que evolucionaría a posturas más folk progresivas en álbumes posteriores. Mick Abrahams marcaba entonces las pautas.

30º ANIVERSARIO (1983)

Genesis: Genesis

Sin Gabriel y sin Hackett el grupo se adaptó al pop ante la decadencia del rock progresivo en favor del heavy metal, el punk y el reggae.

20º ANIVERSARIO (1993)

ABWH: An Evening of Yes Music plus

Directo de la agrupación de 1989 que contiene clásicos de Yes y del propio grupo, con la ayuda de músicos de apoyo, especialmente en el bajo, ya que Squire litigaba por la propiedad del nombre Yes.

NOVIEMBRE

40º ANIVERSARIO (1973)

Emerson, Lake & Palmer: Brain Salad Surgery

Punto álgido del progresivo sinfónico. Álbum clásico de la banda.

35º ANIVERSARIO (1978)

Jethro Tull: Bursting out

Primer lanzamiento en directo de Jethro Tull, que repasa la trayectoria de la banda durante la gira de promoción de Heavy Horses.

30º ANIVERSARIO (1983)

Yes: 90125

Regreso de Yes con Trevor Rabin a la guitarra. Es el mayor éxito comercial del grupo y contiene el clásico que va más allá del rock progresivo, “Owner of a lonely heart”.

25º ANIVERSARIO (1988)

Pink Floyd: Delicate Sound of Thunder

Doble directo de la gira de A Momentary Lapse of Reason. Waters había abandonado la banda y Wright aparecía como músico colaborador.

20º ANIVERSARIO (1993)

 

Jethro Tull: Nightcap

Doble recopilatorio que contiene material descartado de 1972 a 1991.

15º ANIVERSARIO (1998)

Emerson, Lake & Palmer: Then and Now

Doble directo de dos registros diferentes: la actuación en el California Jam de 1974 y la gira de reunión de 1997-1998, tras una década de separación.

DICIEMBRE

 

45º ANIVERSARIO (1968)

Deep Purple: The Book of Taliesyn

Segundo album de la banda influenciado por la psicodelia. Rod Evans y Nick Simper siguen en la formación.

The Nice: Ars Longa Vita Brevis

Segundo álbum, en esta ocasión sin guitarrista. Quizá el primer disco en presentar una suite al estilo clásico, dividida en movimientos.