Saxon-Wheels Of Steel (1980)

Formados a mediados de los setenta, Saxon es una de las abanderadas del movimiento del heavy metal británico, comúnmente también llamado New Wave Of British Heavy Metal, junto a otras formaciones coetáneas como Iron Maiden, Diamond Head, Samson, Praying Mantis, Motorhead o Def Leppard entre otras muchas más. Su núcleo principal giraba en torno a los guitarristas Graham Oliver y Paul Quinn, que junto al cantante Peter Byford, el bajista Steve Dawson y el baterista Peter Gill, obtuvieron una gran repercusión con su primer álbum publicado en 1979. Pero seria con su segunda entrega cuando lograrían entrar en el olimpo del heavy metal mundial, con una de las obras maestras del genero, "Wheels Of Steel" (1980). Con este segundo disco, Saxon mostraban el sonido que los convertiría en una referencia del movimiento heavy, con piezas tan memorables como "Freeway Mad", "Motorcycle Man", "747 (Strangers in the Night", "Wheels of Steel" o "Machine Gun".

Un sorprendente quinto puesto en las listas británicas, con una certificación de disco de oro, avalaron este grandioso y enérgico álbum del mejor heavy metal.

National Health-National Health (1978)

National Health fue una de las ultimas grandes bandas del movimiento del sonido Canterbury, interpretando el mismo estilo progresivo de influencias de jazz, rock y música clásica de la extinta banda Hatfield and The North. Formada por antiguos miembros de la mencionada Hatfield and The North, Caravan, Egg, Khan o Colosseum, estaba formada por Phil Miller (guitarra), Dave Stewart (teclados), Pip Pyle (batería) y Neil Murray (bajo), además de los músicos colaboradores Alan Gowen (teclados), Jimmy Hastings (flauta, clarinete), Amanda Parsons (voz) y Joni Mitchell (percusión). En 1978 publicaron su debut homónimo en donde sobresalían la epopeya "Tenemos Road", una de las piedras angulares del sonido Canterbury, las jazz rock "Brujo" y "Borogoves (Excerpt from Part Two)", en ambas todos los miembros de la banda muestran sus destrezas musicales de manera deslumbrante, para acabar este primer album con  la edificante jazz "Elephants".

Catherine Ribeiro & Alpes-Paix (1972)

Catherine Ribeiro & Alpes fueron una de las bandas mas originales del underground francés de la década de los 70. Su estilo siempre fue difícil de definir, ellos utilizaban elementos del folk, la experimentación, la psicodélica y los sonidos progresivos. Liderada por el guitarrista Patrice Moullet y la cantante Catherine Ribeiro, tenían en el organista Patrice Lemoine, el bajista Jean-Sebastian Lemoine y el percusionista Michel Santangelli, el resto de esta particular banda gala. En 1972 lanzaron su cuarto trabajo bajo el sello Philips titulado "Paix", que con sus dos largas suites, es considerado su trabajo más progresivo y su obra cumbre. Estas dos suites son “Paix”, en donde muestran el típico sonido del krautrock alemán debido a los teclados espaciales, los sonidos ácidos, hipnóticos y oscuros y el ambiente inquietante de toda la pieza.

Por otro lado "Un Jour...la Mort", muestra un sonido mas intenso, con grandes capas de teclados y pasajes sonoros de guitarra y una percusión palpitante.

Durante los siguientes años, esta banda francesa seguiría publicado regularmente trabajos hasta 1980, cuando lanzaron su última obra, para poco después desintegrarse definitivamente.

The Allman Brothers Band-Shades Of Two Worlds (1991)

Uno año después de su reunificación lanzando el álbum "Seven Turns", The Allman Brothers Band volverían a publicar un nuevo trabajo, el cual se constituyo uno de sus mejores logros, casi a la misma altura de sus grandes obras de los setenta. En esta nueva entrega titulada "Shades Of The Two Worlds", la banda originaria de Jacksonville vuelven a mostrar su imponente estilo con un álbum repleto de country, rock, jazz y blues, todo ello bajo el envoltorio del rock sureño. Grabado en los estudios Ardent Recording de Memphis, fue producido por Tom Dowd y los propios Allman, que por aquellos años estaba formada por Gregg Allman, Dickey Betts, Butch Trucks, Warren Haynes, Marc Quiñones, Allen Woody y Jai Johanny. Piezas tan magnificas como los poderosos blues rock "Get On With Your Life" o "Desert Blues", conviven con los acercamientos a los sonidos jazzisticos "Kind Of Bird" y "Bad Rain", o con los polvorientos rock sureños "End Of The Line" y "Midnight Man", sin olvidarnos de sus raíces country y folk con "Come on in My Kitchen" o sus típicas jams extendidas con la soberbia "Nobody Knows". En definitiva, con este nuevo trabajo The Allman Brothers volvieron a reivindicar su esplendoroso pasado, dejándonos para la posteridad uno de los mejores álbumes de la música de raíces norteamericana.

Twenty Sixty Six and Then-Reflections On The Future (1972)

Twenty Sixty Six and Then fue una excelente banda alemana encuadrada en los sonidos del krautrock, que lanzaron un solo álbum en 1972, el cual esta considerado una de los obras mas apreciadas del genero germano.

Formados a principios de los setenta en Mannheim, su formación estaba compuesta por Geff Harrison (voz), Gagey Mrozeck (guitarra), Dieter Bauer (bajo), Konstatin Bommarius (batería) y Steve Robinson y Veit Marvos (órgano Hammond, mellotrón, sintetizadores y voces).

Su estilo estaba inundado de pesados sonidos de órgano Hammond y guitarras, con una fuerte inclinación hacia las improvisaciones progresivas y sinfónicas, todo ello mezclado con elementos psicodélicos.

Su único lanzamiento "Reflections On The Future", fue producido por el sello United Artists y lanzado en 1972. Un álbum que comienza de manera apabullante con la hard rock progresiva "At my Home", a la que sigue la sinfónica "Autumn", un corte pesado repleto de sonidos mordientes de guitarra y pasajes oscuros de teclados. Sin embargo es la suite "Reflections On The Future", el momento cumbre de este álbum, una pieza repleta de exploraciones sonoras improvisadas, empapadas de ásperos sonidos de Mellotron, histéricos aullidos de guitarras y una instrumentación majestuosa.

Después de este lanzamiento, la banda dejaría grabado material para un segundo álbum que nunca fue publicado, pero que sin embargo fueron rescatados por el sello independiente Second Battle y publicados en 1991 con el titulo de "Reflections on The Past".

Høst-Hardt Mot Hardt (1976)

Høst fueron otra de las importantes bandas de la escena rock de Noruega de la década de los 70. Formada en la localidad de Knapstad en 1971, en sus orígenes, se orientaron hacia el hard rock lanzando el album "På Sterke Vinger" (1974), el cual tuvo cierta notoriedad en el circuito heavy rock de su pais.

Pero después de este lanzamiento tres de sus integrantes abandonan la banda y son sustituidos por el guitarrista Fezza Ellingsen, el baterista Willy Bendiksen y el teclista Halvdan Nedrejord, mientras que los miembros que permanecieron eran Geir Jahren (voz) y Bernt Bodahl (bajo).

Con esta formación publicarían el álbum "Hardt Mot Hardt" en 1976, que a diferencia del anterior, esta enfocado a los sonidos progresivos conservando sutilmente el hard rock inicial. La inclusión del nuevo guitarrista, fue fundamental para favorecer las complejas composiciones del nuevo disco, su diverso estilo guitarrístico, mezclando los riffs del heavy rock con las influencias clásicas y el folk noruego, es lo mas destacado de este segundo disco. En "Hardt Mot Hardt" sobresalen cortes como "Gorobin", "Sirkus", "Æræeo" o "Nattergalen", en donde las teatrales voces cantadas en noruego, junto a los sonidos de la flauta y órgano, son el contrapunto perfecto al virtuosismo instrumental de su guitarrista.

Maxophone-Maxophone (1975)

Considerada una banda italiana de culto, Maxophone nunca tuvieron el carisma mediático de Premiata Forneria Marconi, Banco Del Mutuo Soccorso, Le Orme o Osanna, por poner solo algunas de las mas populares bandas del progresivo italiano.

Con un estilo que navegaba entre el rock melódico combinado con elementos elaborados de vanguardia, sutiles toques de folk mediterráneo, jazz y música barroca, mostraban con todo ello un perfecto equilibrio musical y un refinado lirismo poético.

Esta formación originaria de Milán fundada en 1973, estaba compuesta por Alberto Ravasini (voz principal, guitarras y bajo), Roberto Giuliani (guitarra y teclados), Sergio Lattuada (teclados), Maurizio Bianchini (instrumentos de viento), Leonardo Schiavone (instrumentos de viento) y Sandro Lorenzetti (batería).

Su único álbum homónimo, fue publicado en 1975, en diferentes versiones, una original en italiano y otra versión en ingles para el mercado anglosajón.

Desde piezas con un marcado acento jazz fusion con elementos progresivos "C'e' un Paese Al Mondo", hasta vibrantes instrumentales "Fase", pasando por delicadas melodías barrocas "Al Mancato Compleanno Di Una Farfalla" o excelentes composiciones como "Mercanti Di Pazzie" y "Antiche Conclusioni Negre", conforman un álbum muy admirado por los seguidores al rock progresivo trasalpino.

Brewer & Shipley-Weeds (1969)

Vinculados a la contracultura norteamericana de finales de los sesenta, Brewer and Shipley es uno de los dúos mas respetados del folk rock melódico. 

Con un estilo a semejanza de otro de los grandes dúos norteamericanos como los míticos Seals and Crofts, su música estaba impregnada de melodías atractivas muy reflexivas, con temas recurrentes sobre los derechos humanos, el sueño americano, o referencias a las drogas como queda patente en su polémica canción de 1970 "One Toke Over The Line".

En 1968 bajo el sello A&M Records, debutaron con el álbum "Down in L.A.", en el cual la discográfica puso a su disposición, una serie de talentosos músicos como Leon Russell, Jim Messina o Jim Gordon, entre otros destacados artistas de la escena musical californiana.

"Weeds" lanzado un año mas tarde tenia la particularidad de publicarse bajo un nuevo sello discográfico, Karma Sutra Records, con la colaboración de Mike Bloomfield o Nicky Hopkins.

En esta segunda entrega destacaban varias versiones en clave folk rock, como "All Along The Watchtower" de Bob Dylan o "Witchi-Tai-To" de Jim Pepper.

Sin embargo seria con su tercera entrega "Tarkio" (1970), cuando lograron su mejor obra, una colección de canciones enérgicas y vibrantes de folk rock como la mencionada "One Take Over the Line", o las logradísimas "Song From Platte River" y "Fifty States of Freedom", en donde relatan entre otros asuntos, la perdida de las libertades personales, todo ello interpretado de manera excelente con un gran trabajo vocal armonioso.

"Shake Off The Demon" (1971) y "Rural Space" (1972), fueron sus siguientes movimientos discográficos, en donde siguieron produciendo brillantes colecciones de folk rock pese a no aportar hits relevantes, pero si algunas meritorias versiones como "Rock Me On The Water" de Jackson Browne, o "Blues Highway", del guitarrista de la Electric Flag, Nick Gravenites.  

Con todos estos álbumes, Brewer and Shipley lograron situarse entre los grandes del folk rock estadounidense, justo cuando el estilo estaba en la cúspide de popularidad, creando una exquisita musicalidad, con unas refinadas melodías armoniosas, muy atractivas para el gran publico.

Bob James & Earl Klugh-One On One (1979)

La primera colaboración entre el teclista y compositor de jazz Bob James y el experimentado guitarrista de jazz Earl Klugh, trajo consigo uno de los mejores trabajos del genero del jazz fusión, el cual fue galardonado con un Grammy y un numero uno absoluto en las listas del Billboard Jazz Álbums.

Ambos músicos ya tenían tras de si una amplísima experiencia que los había llevado a consolidar unas carreras muy respetadas.

Bob James había debutado en los sesenta lanzando una serie de discos en solitario, sin embargo no seria hasta mediados de los setenta y ochenta cuando llegarían sus obras mas aclamadas como "One" (1974), "Two" (1975), "Heads" (1977) o "Double Vision", este ultimo junto a David Sanborn y elegido el mejor álbum de jazz en los Grammy de 1986. Por su parte, Earl Klugh comenzaría su larga carrera profesional en 1976, publicando a partir de ese año álbumes enfocados a los sonidos del jazz ligero, con una veintena de discos publicados hasta la actualidad, casi siempre interpretados con la guitarra acústica de cuerdas de nylon.

Álbumes como "Dream Come True" (1980), "Nightsongs" (1985), "Whispers and Promises" (1989) o "Naked Guitar" (2005), fueron igualmente nominados a los mejores registros de jazz en los premios Grammy.

En esta primera entrega titulada "One On One", el dúo muestra un estilo cercano a los sonidos del jazz-pop, con un repertorio cargado de exquisitas composiciones melódicas y sedosas e irresistibles piezas perfectas para las easy listening.

A.B. Skhy-A.B. Skhy (1969)

A.B. Skhy son un claro exponente del brass rock de finales de los sesenta, que siguiendo la estela de bandas coetáneas como Blood, Sweat and Tears o Chicago Transit Authority, lograron publicar dos interesantes álbumes muy apreciados por los fanáticos al jazz rock de la época.

Originalmente conocidos como The New Blues, fue fundada en 1968 en Milwaukee, Wisconsin, por el teclista Howard Wales, quien ya tenia una amplia experiencia a sus espaldas colaborando con artistas como Freddie King o James Brown.

Además de Howard, el resto de la banda estaba formada por el guitarrista Dennis Geyer, el bajo Jim Marcotte, y el baterista Terry Anderson, asimismo también participaban los músicos adicionales Russell Dashiell (guitarra), Otis Hale (flauta), Jim Liban (harmónica), Phillip Pruden (saxo tenor), Jim Horn (saxo), los trompetistas Marvin Brown, Larron Holt y Bud Brisbois, y los trombonistas David Thomas Roberts y Donald Waldrop. A principios de 1969, esta numerosa banda se traslado a San Francisco donde obtuvieron un gran prestigio actuando en diferentes conciertos a lo largo y ancho de la ciudad, un hecho que les reportaría fichar con el sello MGM Records.

Poco después y bajo la producción de Richard Delvy publicaron su álbum debut a mediados del mismo año. Gracias al hit "Camel Back", alcanzarían entrar en las listas del Billboard y les animaría a publicar un segundo álbum, que fue lanzado a principios de 1970, con el titulo de "Ramblin´ On".

En ambos discos, A.B. Skhy muestran un vigoroso estilo de blues rock con grandes influencias jazz, que se reflejan en las estructuras instrumentales, sobresaliendo la enérgica sección de vientos combinado con el poderoso grupo de rock.

Cortes como la blues "Understand", el pseudo jazz "Of All Sad Words", o la versión en clave jazz rock del blues de B.B. King, "You Upset Me Baby", avalaban la enorme calidad instrumental del álbum y la de esta estupenda y olvidada banda norteamericana.

Three Dog Night-Around the World with Three Dog Night (1973)

Pese a que su género musical no sea precisamente el más destacado dentro de la música rock, Three Dog Night llegaron a triunfar masivamente gracias a la manera que tenían de interpretar una música cuya valía y talento superaron en mucho a cientos de solitas únicos de otros tantos grupos en la década de los sesenta y setenta.

Ellos eran el atípico grupo multirracial con tres vocalistas solistas que llegaron a los máximos honores discográficos con mas de una treintena de hits en las listas, muchos de ellos versiones de otros artistas.

Ellos son Danny Hutton, Cory Wells y Chuck Negron. El estilo nacido de la unión de estos tres cantantes habría que calificarlo como de "estilo vocal", pero al hacerlo nos vendría a la mente formaciones como Crosby, Stills and Nash y otros famosos grupos de grandes armonías vocales.

Sin embargo Three Dog Night a diferencia de todos ellos, tienen en las voces de sus tres solistas, la parte fundamental de su arrollador triunfo, gracias a unas elaboradas voces que interpretan desde rhythm and blues, hasta rock mainstream, pasando por el pop, el funk o el soul, combinando sabiamente lo comercial con la clase y el refinamiento musical.

No obstante el sonido del grupo estaba respaldado por otros cuatro excelentes instrumentistas que figuran junto a los tres lideres, empezando por el guitarrista Mike Allsup, el bajista Joe Schermie, el baterista Floyd Sneed y el teclista Jimmy Greenspoon. En 1971 Three Dog Night logro permanecer durante varios meses en el n1º de las listas de medio mundo gracias a su impactante "Joy To The World", y ello daría el que fuera elegida como la canción del año, no solo en Estados Unidos, sino también en medio centenar de países alrededor del mundo.

Esa canción, junto a otras y sus álbumes "It Ain´t Easy" (1970), "Golden Bisquits" (1971), "Naturally" (1970), "Harmony" (1971), "Seven Separate Fools" (1972) o el espectacular directo "Around The World With Three Dog Night" (1973), es el resultado de una trayectoria magistral, con todos sus discos en la cima de los charts y convirtiéndolos en una de las mejores formaciones vocales que han existido jamás.

Blue Oyster Cult-Spectres (1977)

Después de su aclamado "Agents Of Fortune", álbum con el cual la Blue Oyster Cult logró el éxito comercial debido a una serie de atractivas canciones como la irresistible "Don´t Fear The Reaper", el quinteto neoyorquino repetiría los mismos esquemas de hard rock melódico con su sexto lanzamiento "Spectres", publicado a finales de 1977.

Aquí incluso llegan a lograr componer un puñado de canciones cercanas al heavy pop como la encantadora "Fireworks", la refinada "Golden Age Of Leathers" o la grandilocuente "Celestial The Queen".

Por otro lado los sonidos del hard rock siguen presentes en la melódica "Godzilla", la rítmica "Searchin´For Celine" y en la AOR "Goin´Through The Motions", sin olvidarnos de las sublimes "Death Valley Nights" y "I Love The Night"

Siguiendo la estela de los anteriores discos de la banda, este "Spectres" lograría encaramarse en los puestos altos de las listas del Billboard, logrando un disco de oro y obteniendo el fervor del publico norteamericano y británico y de paso consolidándose como una de las grandes formaciones del hard rock de finales de los setenta.

Camel-Rain Dances (1977)

En 1977 Camel llevaban publicados cuatro fundamentales álbumes orientados al rock progresivo, con connotaciones al sonido Canterbury.

Ese año de 1977, la banda experimentaba su primer cambio de formación, incorporando al bajista y vocalista Richard Sinclair (Ex-Caravan), en sustitución de Doug Ferguson y al saxofonista Mel Collins (ex-King Crimson).

Ambos músicos nutrieron el sonido de Camel con diferentes texturas y matices jazzisticos, pero conservando las estructuras progresivas habituales de la banda. El resto de la formación seguía compuesta por Andy Latimer, Andy Ward y Peter Bardens.

El resultado de esta nueva reorganización de Camel fue el quinto álbum "Rain Dances", en donde las cristalinas guitarras de Latimer, junto al extenso repertorio instrumental de los teclados de Bardens, son apoyados por el elegante toque del saxo de Collins y una sección rítmica de claro acento jazzistico.

Desde la atmosférica "First Light", o la frágil "Elke", un corte en donde intervienen Brian Eno con sus experimentales teclados y Fionna Hibbert y su arpa electro-acústica, pasando por melodías comerciales como la pegadiza "Highways of the Sun", relajados pasajes “Tell Me”, convincentes piezas minimalistas y orquestadas como “Rain Dances”, o las instrumentales y desenfadadas jazz "One Of These Days I´ll Get an Early Night" o "Skylines", dieron como resultado un trabajo que sin llegar a las excelencias de sus obras predecesoras, si les mantuvo en el alto nivel que a esas alturas se le exigía a esta icónica y esencial banda británica dentro del panorama del rock progresivo.

Moving Gelatine Plates-Moving Gelatine Plates (1971)

Moving Gelatine Plates fue una banda francesa de efímera duración formada por Gérard Bertram (guitarrista) y Didier Thibault (bajista) a finales de los años 60, los cuales tenían un gran interés por el jazz rock. Con la posterior incorporación del baterista Gérard Pons y el organista e instrumentos de viento Maurice Hemlinger, lograron que el sello CBS les financiara su primer álbum en 1971.

En este debut esta banda demostraría que no era necesario ser británico para tocar el estilo Canterbury, y ciertamente aquí mostraron sus fuertes influencias de los icónicos Soft Mahine y Caravan, unido al vanguardismo de The Mothers of Invention de Frank Zappa.

Sin embargo Moving Gelatine Plates evitaron las inclinaciones políticas que eran muy comunes en las bandas galas de principios de los 70, debido fundamentalmente al movimiento estudiantil anarquista que había comenzado en Mayo de 1968.

Musicalmente es un álbum que esta repleto de grandes composiciones melódicas muy sofisticadas de jazz rock y jazz fusión.

Su inventivo estilo es una fascinante interacción de rock con toques de jazz, interludios vocales, grandes instrumentaciones de flauta, saxo y trompetas y una sutil pero abrasiva guitarra eléctrica.

Las cinco pistas que contiene este álbum debut son todas ellas muy destacadas, pero son sin duda el improvisado jazz rock "Gelatine" y la vigorosa y enérgica epopeya "Last Song", los momentos culminantes de esta magnifica obra.

Grand Funk Railroad-On Time (1969)

Grand Funk Railroad surgieron de las cenizas de una banda local de la ciudad de Flint en Michigan, llamada Terry Knight & The Pack, a la cual pertenecían el guitarrista Mark Farner, el baterista Donald Brewer y el cantante Terry Knight.

En 1968 Farner y Brewer reclutaron al bajista Mel Schacher, quedando así conformada la primera alineación de este power trío, mientras que Terry Knight pasaría a ocupar el puesto de manager.

El propio Knight lograría que la banda actuara en el prestigioso Festival Pop de Atlanta de mediados de 1969, cosechando un abrumador éxito que les valdría fichar por el sello Capitol Records.

Poco después debutan discográficamente con su primer álbum titulado "On Time", en el cual muestran soberbiamente sus cartas credenciales con un vigoroso y contundente estilo de hard rock con ramalazos de blues y soul.

Compuesto por diez canciones, algunas de ellas con extensos desarrollos instrumentales como "Into the Sun", "Heartbreaker" o "T.N.U.C", melódicos y dinámicos cortes de hard rock "Are You Ready?", intensos blues rock "Time Machine" o acercamientos a la psicodelia imperante en aquella época con las frenéticas "Anybody´s Answer" y "High on a Horse".

Un top ten en las listas de Billboard y más de un millón de copias en ventas, conformaron uno de los mejores debut de la música del rock de finales de los sesenta.

Grand Funk-Phoenix (1972)

En 1972 Grand Funk Railroad se encontraba en la encrucijada de seguir mostrando su potente y directo hard rock o desviarse hacia los sonidos más versátiles y accesibles incorporando los teclados para obtener unos matices comerciales, sin dejar de lado su musculoso rock.

Con la inclusión del teclista Craig Frost, publicaron el álbum "Phoenix", un trabajo en donde incluso aparecen sutiles toques progresivos como queda patente en la inicial "Fight Of The Phoenix".

Además de ello, en esta nueva entrega acortaron su nombre por el de Grand Funk, aunque de manera provisional, prescindiendo igualmente de su manager y productor Terry Knight.

Sin embargo este nuevo álbum también denota cierta falta de frescura creativa por parte de su guitarrista y líder Mark Farner, pese a que sigue mostrando su cara más electrizante y enérgica.

Cortes como la semi progresiva "Trying To Get Away", la psicodélica "Rain Keeps Fallin´", la boogie blues "I Just Gotta Know", la hipnótica "Freedom Is For Children" o la pegadiza "Rock and Roll Soul", demostraron que la banda aun tenia el suficiente crédito para seguir avanzando musicalmente.

Pese a que comercialmente “Phoenix” no superaría a sus predecesores, si lograron un séptimo puesto en el Billboard y un disco de oro en los mercados norteamericanos y canadienses.

Great White-...Twice Shy (1989)

Great White son una de las grandes bandas norteamericanas de la década de los ochenta del hard rock, que son tan recordados por una serie de soberbios álbumes que saborearon las miles del éxito, como igualmente por uno de los hechos más lamentables en la historia del rock.

Surgidos en California a finales de los setenta, en sus inicios fueron enmarcados en el movimiento del hair metal tan de moda en los años ochenta.

Sin embargo su primer álbum no llegaría hasta 1984, con su homónimo debut en donde se orientaban hacia derroteros del heavy metal clásico.

Un cambio de compañía y de integrantes, traería consigo un segundo álbum "Shot In The Dark" (1986), en el cual mostraban sus raíces blues y sus evidentes influencias zeppelianas.

El siguiente y exitoso "Once Bitten" (1987), fue la confirmación de su irresistible estilo de hard blues rock, logrando confeccionar un memorable disco que alcanzo vender el millón de copias en los Estados Unidos.

Pero seria con su cuarto lanzamiento "...Twice Shy" (1989), cuando explotan definitivamente confeccionado un magistral ejercicio de soberbio hard rock con influencias sureñas y blues.

Con un repertorio tan brillante como apoteósico, aquí aparecen canciones como la vigorosa "Move It", la sureña "Heart The Hunter", la acelerada heavy rock "Baby´s On Fire", la bluesy "House Of Broken Love", la pegadiza versión de Ian Hunter "Once Bitten, Twice Shy", o la bellísima balada "The Angel Song".

Un noveno puesto en el Billboard y más de dos millones de copias vendidas avalaron esta obra maestra.

Algunos años después, concretamente en el 2003, durante uno de sus conciertos ofrecidos en Rhode Island, un desafortunado incidente dio lugar a un pavoroso incendio que se cobraría la vida de cien personas, incluido el guitarrista de la banda Try Longley, además de otras tantas heridas de gravedad, constituyendo este lamentable hecho, en una de las paginas oscuras de la música contemporánea.

Atlanta Rhythm Section-Red Tape (1976)

Originarios de Doraville en Georgia, la Atlanta Rhythm Section pertenece a esa generación de bandas de rock sureño que pese a crear un estilo propio y labrarse una gran reputación en los estados del sur, nunca pudieron competir con las grandes del genero como The Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd.

En 1972 llegaría su primer larga duración, "The Atlanta Rhythm Section", que pese a ser un prometedor álbum, pasaría inadvertido para el gran publico. Un segundo lanzamiento "Back Up Against The Wall", publicado al año siguiente, tampoco obtendría el reconocimiento deseado, pero sin embargo les valdría para ser los elegidos a acompañar a los Lynyrd Skynyrd, en varias giras por diferentes estados del sur norteamericano.

El cambio de sello discográfico de Decca por Polydor, trajo consigo un nuevo disco "Third Annual Pipe Dream" (1974), con el cual tienen bastante notoriedad gracias al hit "Doraville" y a la epopeya sureña "Angel (What In The World´s Come over Us)". "Dog Days" publicado en 1975, seguía el ascendente interés por parte del publico, gracias a cortes como el blues rock "Boogie Smoogie", la vigorosa "Crazy", o las melódicas "All Night Rain" y "Dog Days".

A mediados de 1976 publicaban su quinto y mejor álbum hasta la fecha "Red Tape", un disco más orientado hacia los sonidos duros como demuestran "Free Spirit", "Another Man´s Woman", "Jukin", "Mixed Emotions", "Shanghied" o "Oh What A Feeling". Pese a la incuestionable calidad del álbum, este no obtiene el éxito esperado, logrando un discreto puesto en las listas americanas.

Journey-Arrival (2001)

Tras el lanzamiento que supuso la reunión de Journey en 1996 con el álbum "Trial By Fire", el cantante Steve Perry se negó a participar en la gira promocional posterior, alegando una supuesta lesión en la cadera.

Los miembros restantes no soportaron esta nueva incertidumbre por parte del cantante y decidieron sustituirlo, asegurándose de que su sustituto sonara lo mas similar posible a Perry. Por fin dos años después y tras muchas audiciones, contrataron a Steve Augeri como nuevo cantante.

Otro miembro que dejaría la banda seria el baterista Steve Smith, el cual no quería seguir sin Perry, por lo que fue sustituido por Deen Castronovo, quien ya había trabajado con Nel Schon y Jonathan Cain en Bad English.

Junto al quinto miembro (Ross Valory), en el 2001 grabaron y publicaron el álbum "Arrival", en el cual contaron además con la colaboración de Jack Blades, coescribiendo algunas de las canciones.

En esta nueva entrega sobresale especialmente la voz de Augeri, la cual es asombrosamente similar a la de Perry, aunque sin llegar a transmitir su carismática emotividad.

"Arrival", como todos los álbumes de Journey, sigue el patrón musical clásico de grandes melodías de soft rock, AOR y hard rock melódico, en donde destaca el enorme trabajo de la guitarra de Neal Schon, los brillantes pasajes de los teclados de Cain y las irresistible voces agudas profundamente emotivas de quien quiera que este detrás del micrófono.

Con un repertorio equilibrado, el álbum contiene desde los clásicos temas hard rock "Higher Place", "Sings Of Life" o "To Be Alive Again", hasta los irresistibles medios tiempos melódicos "Live and Breathe", "Loved By You" o "Kiss Me Softly", pasando por ejercicios mas complejos como la bluesy rock "Livin´ To Do" o la épica "World Gone Wild".

Journey-Infinity (1978)

En 1978 Journey daban un salto cualitativo musicalmente, orientando su estilo de rock y jazz progresivo, hacia los terrenos mas comerciales y accesibles.

La primera decisión fue ampliar la banda con el excelente vocalista Steve Perry, el cual se unió al guitarrista Neal Schon, al teclista y voces Gregg Rolie, al bajista Ross Valory y al baterista Aynsley Dunbar.

El primer álbum bajo esta nueva formación fue "Infinity", en donde el cambio musical es dramáticamente opuesto a todo lo que habían hecho hasta esos momentos.

Un álbum que esta compuesto por una fusión pegadiza de canciones orientadas al rock en donde brillan los ganchos vocales, las complejas composiciones y un gran trabajo instrumental de guitarras y teclados, un sonido no muy alejado de lo que Foreigner, Toto, Styx o Boston hacían en esos mismos años.

En este trabajo la instrumentación de Schon es sencillamente magistral, con toques guitarrísticos suaves al mismo tiempo que enérgicos y dinámicos, mientras que la voz de Perry es contagiosa y conmovedora.

Clásicos inmediatos de la música rock como las irresistibles "Lights", "Anytime", “Wheel In The Sky", "Feeling That Way" o "Opened The Door", auparon el álbum hasta los primeros puestos de las listas norteamericanas, con mas de tres millones de copias vendidas, una cifra que superaba con creces las ventas de todos sus álbumes anteriores juntos.