"Erase una vez una cabecita que se lleno de musica..."

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miércoles, 28 de abril de 2010

Neil Diamond - Love At The Greek (1977 USA Pop-Rock)


Love At The Greek, es un doble album en directo del neoyorquino Neil Diamond (21 de enero de 1941), producido por el guitarrista de The Band Robbie Robertson que recoge lo mejor de una serie de conciertos realizados en el Teatro Griego de Los Angeles a mediados de 1976 despues de casi cuatro años de inactividad en vivo.

Cara 1
1."Streetlife" – 2:00
2."Kentucky Woman" – 1:57
3."Sweet Caroline" – 3:59
4."The Last Picasso" – 4:29
5."Longfellow Serenade" – 4:14
Cara 2
1."Beautiful Noise" – 3:11
2."Lady Oh" – 4:04
3."Stargazer" – 2:37
4."If You Know What I Mean" – 4:11
5."Surviving The Life" – 4:49
Cara 3
1."Glory Road" – 3:37
2."Song Sung Blue" – 4:09
3."Holly Holy" – 4:38
4."Brother Love's Traveling Salvation Show" – 5:31
Cara 4
1."Jonathan Livingston Seagull" – 15:43
"Be"
"Dear Father"
"Lonely Looking Sky"
"Sanctus"
"Skybird"
"Be (Encore)"
2."I've Been This Way Before" – 4:56
Buscar: AmorGriego.

martes, 27 de abril de 2010

Aquella cancion....


Las personas a veces se alimentan de esas nostalgias, de esos recuerdos que de pequeños nos agradaron la vida, ahora los recordamos pero no nos hacen tan felices como cuando ocurrio.... sin embargo, gracias a este medio completamos esa felicidad que sentimos en el pasado. Cuando tenia unos doce o trece años, escuche por primera vez una cancion en la radio. Yo manejaba un radiocassette y siempre tenia a punto una cinta virgen para grabar todo lo nuevo que me gustaba. Entonces salio aquella cancion y mis dedos indice y corazon siempre estaban pegados en las teclas Play y Rec, esperando la oportunidad de que el locutor no hablase demasiado y poder grabar aquella cancion completa. Por entonces sonaba muy a menudo, pero habia que esperar a que se callase o que la presentase y luego sonara sin voces añadidas del locutor. Asi vivia, hasta que la pesque impoluta. Mis dedos presionaron esas dos magicas teclas, pense y rogue: por favor no hables ahora, no hables al final...la cancion habia empezado bien, siguio su curso, yo casi ya no la escuchaba, solo estaba atento al corte y esperaba que el locutor no se metiera, que la dejase sonar hasta el final, casi sudaba, mi dedo temblaba en el boton de pausa y en el de stop, por si acaso... que ocurre? la cancion habia terminado y ahora se oia un silencio. Pi pi pi pi "y ahora las noticias de las dos..."

Dios mio instintivamente pude apagar la grabacion justo en el momento preciso. La tenia, tenia aquella cancion que tanto deseaba, grabada en mi cinta de cassette, para escucharla tantas veces como quisiera, sin interrupciones, ni voces por medio.

Respire profundamente, apague la radio, rebobine la cinta y la pude escuchar... sabia que la cancion era de Elton John, pero alguien mas cantaba con el, una tal Kiki Dee era el centro de mi atencion... asi que la oi una vez y otra vez y guarde la cinta como oro en paño, hasta que la perdi...

Muchos años despues, hace un tiempo encontre un video de esa cancion por internet y no me creia lo que veia, esa cancion existia de verdad y tenia imagenes, era real... alli estaban Elton John y Kiki Dee cantando esa cancion: "Don't Go Breaking My Heart" o algo asi... ahora no solo disfruto de sus voces, sino que ademas los puedo ver, y puedo ver a Kiki Dee de una manera distinta a como la habia imaginado, tal vez menos seria, me gusta, no es tan seria, sino que hace lo que le dice Elton, cantan y ella se muestra muy feliz... tan feliz como yo cuando la escuche por primera vez.... y es tan guapa...tan simpatica... Dios mio, ahora si que me quiero morir de felicidad, todo alrededor mio es inane, es vano, solo quiero verla a ella feliz, aunque hayan pasado tantos años...solo eso me hace feliz... por favor no me quiten este videoooooooooo!!!!!!!!!!!!!!!!!


lunes, 26 de abril de 2010

Babelain - Saliendo del Laberinto (2008 SP Bab-rock)


Ya os conté por encima la biografia de Jose Luis Alvarez (Babelain) cuando publiqué su primer disco "La Jungla". Este es el segundo, o según lo miremos el primero, porque si bien el anterior era instrumental y un ensayo dirigido a la ambientación de una exposición, en este ya hay voces.
De ahí "Saliendo del Laberinto", Babelain por fin se suelta y decide hacer un disco con temas totalmente cantados. El hilo "maquetas nuestras" de la web 1pocodmusica animó sobremanera a Bab para dar inicio a una carrera imparable gracias a que poco a poco iba publicando sus canciones en forma de single o sueltas, con buenas presentaciones y muy buenas ilustraciones para luego recopilarlas y darlas juntas en formato CD.


Poco a poco nos dejaba sus versiones de los grupos que había escuchado allá por los dorados sesenta, además de ir forjando su sello personal en sus canciones propias. No hemos de ovidar que Babelain es un músico de instrumentos convencionales, es decir guitarra, bajo, batería, armónicas y teclados y cuando puede añade toda clase de instrumentos exóticos que encuentra en su camino. Todo ello está ejecutado y producido por él, pista a pista lo introduce en su ordenador, incluida voz y coros que él mismo interpreta y este es el resultado. Y lo mejor de todo es que lo hace por amor al arte, es un regalo que hace para nuestros oidos.


El disco se abre con el tema que da título al álbum, donde tímidamente con una música inquientante Bab se presenta como queriendo entrar en nosotros y queriendo a la vez salir de esa timidez, queriendo poner algo de fe en nosotros para con su música, todo ello con una aplastante sinceridad. Los solos de armónica y guitarras son excepcionales. Con una decidida sección rítmica comienza "Sueños" para asentar una base sobre la que Bab nos cuenta lo que quiere hacer de su música, algo verdadero y no fingido, algo con personalidad, como ese punteo con wah-wah, que es una de sus especialidades. "Sombras" es una enamoradiza canción tanto musicalmente por su sensibilidad sonora (solos de guitarra sollozante y armónica) como por su letra, donde demuestra un alto grado de poesía surrealista, bellísima.

Le sigue la balsámica "Viento del Sur", solo apta para soñadores con paisajes de ensueño, de una considerable sensibilidad; en este caso un sencillo pero certero solo de piano nos deleita y nos hace sentir como si flotáramos sobre esos acordes distorsionados. Con cierto aire funky relajado aparece "A veces", un tema que yo interpreto como de incomprensión entre dos personas e incluso contigo mismo, con todo el mundo, pero destaco sobretodo el desarrollo instrumental. "En el aire" un tema de cierto toque soleado de la costa oeste, tiene una preciosa poesía de amor llevado a traves del tiempo que seguramente dedica a su mujer Mavi. "Desayuno con Clint Eastwood" es el primer spaguetti-western-bossanova que he escuchado en mi vida, adornado con esa contagiosa arpa de boca y carraca, nos relata una historia surrealista chuleando a personaje real, bonito solo de acústica a lo "And I Love Her" de The Beatles. La imaginación al poder... apareció instrumental en La Jungla, de mis preferidas de Bab. "Tu amor es un dilema" es una adaptación libre de un poema de Cummings, con un sonido garagero total, y con excepcionales solos de guitarra que a mitad del tema acompañan a la voz. Este tema da paso a las versiones que Babelain personaliza con su sello, para comenzar tres versiones de sus amados The Kinks, "Sunny Afternoon" (que borda y me gusta más que la original), "The World Keeps Going Round" y "I'm Not Like Everybody Else", en todas pone a prueba con éxito esos coros sesenteros tan caracteríscos de la época, en una producción que nadie diria que es actual, sino que nos lleva a esa cálida década. "Bailando en el callejón" es otra adaptación de la letra del famoso "Dancing In The Street", tantas veces versioneada por los más famosos intérpretes... sin embago Babelain la hace suya de una manera muy original, dotándola de un sonido skiffle que recuerda al mismo "Taxman" de Harrison. Como famosa fue "Cold Rain & Snow" en versión de Grateful Dead, Bab nos canta con voz entre Dylan y Garcia, con una brillante parte de guitarras soleadas, admirado por el sonido de la costa oeste.

Volviendo a la música de primeros de los sesenta, su época dorada Babelain se acuerda de Los Cheyenes y nos canta "Y Olvidame", doblándose hábilmente en las voces y haciendo buenos solos de armónica y guitarra. También rememora buenos momentos de garage con "Why Do I Cry", primer single publicado por The Remains en 1965 y como final a The Rollings Stones con un tema poco conocido, al menos por mí: "I'm Free", donde impregna todo el ambiente stoniano en su versión con sus voces y una soberbia armónica que ronda todo, esta vez colaboracion de su complice en Los Suficientes, Picatierra a/k/a Dr. Kesada, y un solo de guitarra corto, sencillo, efectivo...propio de la época.
En fin, este es Babelain, este es su primer disco cantado. A mi me gusta, ¿qué os parece a vosotros?
Buscar: DedaloBab.

viernes, 23 de abril de 2010

Elton John - Don't Shoot Me, I'm Only The Piano Player (1973 UK Pop-Rock)



No quisiera extenderme mucho, ya que hay muchas y buenas biografias que se pueden encontrar facilmente en la red sobre Elton John... Reginald Kenneth Dwight, nacio en Londres el 25 de marzo de 1947, fue educado en la Royal Academy Of Music, gracias a una beca que consiguio a los 11 años y que abandono seis años despues para dedicarse al rock. En 1964 con unos amigos forma el grupo Bluesology, donde mas tarde se integra el cantante Long John Baldry. Su nombre artistico es adoptado como homenaje a este musico y a Elton Dean, saxofonista de los Bluesology. A este grupo le siguieron varios mas, aunque con poco exito si bien, tuvo numerosas interpretaciones al piano como musico de sesion para otros artistas. Cabe destacar su aparicion en 1968 en el single Imagine/Mr.Boyd de un grupo llamado Argosy, liderado por un desconocido Roger Hodgson que luego fundaria Supertramp con Rick Davies; y una excelente participacion en el single de exito de The Hollies, He Ain't Heavy, He's My Brother. A finales de los sesenta conoce al letrista y poeta Bernie Taupin y comienza su espectacular y prolifica carrera en solitario. Su primer exito llega en 1970 con el tema Your Song de su segundo album homonimo. Para 1972 Elton John ya habia publicado cinco albumes de estudio, uno en vivo y la banda sonora de la pelicula Friends del director Lewis Gilbert en 1971. El año siguiente siguio siendo tan prolifico, tanto en cantidad como en calidad, lo que confirmaria el exito de Elton en medio mundo.


"Don't Shoot Me, I'm Only The Piano Player" sexto album de estudio fue el segundo nº 1 consecutivo de albumes en USA y el primero en UK. Los singles Crocodrile Rock y Daniel, tambien consiguieron el nº 1 en USA. Grabado en Junio de 1972 en los estudios Chateau D'Herouville, Francia fue publicado en febrero de 1973, con produccion de Gus Dudgeon. El grupo base estaba formado por Elton a los teclados, Davey Johnstone a las guitarras, Dee Murray al bajo y Nigel Olsson a las percusiones, haciendo todos voces. Todos los temas estan compuestos por Elton John (musica) y Bernie Taupin (letras). La tematica de las canciones son variadas, aunque predomina la nostalgia en Crocodrile Rock, en la que Elton recuerda el tipo de canciones que escuchaba de pequeño; Teacher I Need You es un recuerdo a esa profesora de la que estuvo enamorado; Daniel, segun Taupin, se refiere a un excombatiente de la guerra de Vietnam ciego que "fija su vista" en España para vivir y quien relata el tema es su hermano pequeño, aunque no esta del todo claro su verdadero sentido; en Elderberry Wine el protagonista cuenta como le abandono su pareja y rememora los dias de juerga corridos con ella; Blues for my baby and me es otro de los grandes temas del disco y un guiño al mercado americano, cuenta como una pareja deciden abandonar sus respectivos hogares para marcharse al oeste. En Midnight Creeper, tema cañero, el protagonista no comprende que por que le gusten otras mujeres, su novia se aparte de el.

Dramatico y teatral es el tema Have Mercy On The Criminal, con una guitarra a lo Eric Clapton, donde Elton se apiada de los criminales perseguidos. I'm Going To Be A Teenage Idol es una parodia sobre esos jovenes que quieren convertirse en idolos del rock, justamente en lo que ellos se estaban convirtiendo, aunque puede ser que este dedicada su gran amigo Marc Bolan de T.Rex. Texan Love Song es otro acercamiento al mercado americano, balada country acustica que trata del desacuerdo producido en su momento entre los mas tradicionales norteamericanos contra la invasion y movimiento hippy. Y para cerrar High-Flying Bird, una triste balada que cuenta con un texto de imagenes deslumbrantes y en la que Elton confeso mas tarde haber imitado a Van Morrison...
Menos mal que no queria extenderme...no se si me he dejado algo... Saludos.
Buscar: NoDisparen.

martes, 20 de abril de 2010

¿Somos totalmente eclecticos?

La respuesta a esa pregunta es: NO. No todo nos gusta en este universo musical. Sin embargo hay nuevas tendencias que no debemos obviar, tales como el rap o el hip hop. A mi nunca se me hubiera planteado tal pregunta hasta que la he vivido.

Esa caratula de arriba es el tercer disco largo de SAK. Otros anteriores fueron:


y:


Sigue sin gustarme el rap o hip hop, pero me gusta lo que hace mi hijo:





De su nuevo album:



Su myspace: SAK

lunes, 19 de abril de 2010

Rod Stewart - Sing It Again Rod (1973 UK Rock)


Pues ya que estamos con Rod Stewart, seguimos y termino con el. Solo decir que este fue el primer recopilatorio del cantante en solitario y que recoge lo mejor de sus cuatro primeros discos. Se edito el 10 agosto de 1973 y hay que decir que Rod tiene buen gusto al elegir sus versiones, pues ademas de sus mas celebres temas nos encontramos aqui con canciones de The Rollings Stones, Elton John, The Who, Sam Cooke... La portada es uno se esos vasos de whisky, en el que, conforme vas bebiendo se puede ver una figura, en este caso la de Rod Stewart


A1 - Reason to Believe (Tim Hardin)
A2 - You Wear It Well (Rod Stewart-Martin Quittenton)
A3 - Mandolin Wind (Rod Stewart)
A4 - Country Comforts (Elton John-Bernie Taupin)
A5 - Maggie May (Rod Stewart-Martin Quittenton)
A6 - Handbags and Gladrags (Mike D'Abo)
B1 - Street Fighting Man (Mick Jagger-Keith Richard)
B2 - Twisting the Night Away (Sam Cooke)
B3 - Lost Paraguayos (Rod Stewart-Ronnie Wood)
B4 - (I Know) I'm Losing You (Norman Whitfield-Eddie Holland-Cornelius Grant)
B5 - Pinball Wizard (from the rock opera Tommy, 1914-1984) (Pete Townshend)
B6 - Gasoline Alley" (Rod Stewart-Ronnie Wood)

1969 LP An Old Raincoat Won't Ever Let You Down: A6 y B1.
1970 LP Gasoline Alley: A4 y B6
1971 LP Every Picture Tells a Story: A1, A3, A5 y B4.
1972 LP Never a Dull Moment: A2, B2 y B3.
1969 From the Opera Rock Tommy, 1914-1984: B5.

Buscar: CantaloOtraVez.

lunes, 12 de abril de 2010

Bob Dylan - Planet Waves (1974 US Rock)


Bob Dylan es uno de esos musicos que siempre me ha deleitado, sin entrar en profundidad sobre su obra. Hace muchos años habia escuchado que The Band fue su grupo de acompañamiento. Que yo sepa en su larga discografia solo han estado con el en un par de discos de estudio y algun directo. Despues del film "Pat Garret & Billy The Kid" con su respectiva banda sonora de la que se destaca "Knockin' On Heavens Door", Dylan decide hacer un disco con The Band.
Y para mi es un disco esplendido. Yo que no soy mucho de letras y mas de musicas, me parece un disco de amor, de amor en algunas de sus vertientes y ademas, de encontrar a un Dylan que habia llegado a una etapa de transicion en cuanto a esos sentimientos, de estar un poco de vuelta de todo, algo receloso e inseguro sobre ese tema y de lo que de verdad le deparaba. La instrumentacion es de una maravillosa y casi perfecta ejecucion. La portada es obra suya. En el margen inferior derecho puede leerse algo asi como "canciones inquebrantables y baladas antorcha", concepcion que tenia el propio Dylan sobre este album.
El disco comienza con una pretendida rompedora cancion pop "On A Night Like This" que a mi, particularmente no me llena demasiado musicalmente como para eso, aunque muestra a un Dylan que busca un esperanzado recogimiento con una pareja en una fria noche donde reclama algo de calor.
"Going, Going, Gone" es una balada cantada con mucho sentimiento, donde Bob quiere hacer un punto y aparte, donde quiere cerrar una etapa de aciertos, errores o simplemente decir que por ahora se va, sin especificar que nuevos caminos puede o quiere llegar a tomar.
"Tough Mama" es otra forma de amor, el que te puede consolar cuando estas lleno de problemas y que en cierto modo idolatras en esos momentos. La musica aqui es de elogiar con esa guitarra de Robertson dando golpes de rock y ese organo de fondo embelleciendo el tema. Una gran cancion, culminada con la armonica de Dylan.
"Hazel, pelo rubio sucio, no me avergonzaria que me vieran contigo en cualquier sitio..." parece otro de esos cantos al amor fuera de lo comun, al amor hacia ciertas personas que sufren y que no encuentran por su trabajo ese acercamiento de pareja que "todos normalmente tienen". Breve pero hermosa balada de nuevo dedicada a la mujer.
"Something There Is About You" es otra pedazo de balada genialmente musicada, donde prima la nostalgia, mencionando gentes y lugares donde y con quienes Dylan, no me cabe la menor duda, algun dia fue feliz.
Con "Forever Young" se cierra la primera cara, y ya no hablamos de balada, sino tal vez de himno. Dylan dice que la cancion fue escrita pensando en uno de sus hijos y eso es lo que transpira, unos buenos deseos para un ser que comienza a vivir. Con una musica que impregna al alma de nostalgia y de esperanza.
"Forever Young" en formato country-rock abre la segunda cara y con un minutaje reducido a la mitad, se asemeja en lo musical a su anterior disco en el cual podria haber estado incluido.
"Dirge" la mas extensa cancion del disco se dibuja tan solo con la voz de Dylan acompañada de un piano y una guitarra acustisca embelleciendo todo el tema. La letra es una contradiccion de sensaciones en una relacion de una hora, volvemos al amor de motel de carretera. El propio Dylan se odia por ello a la vez que afirma haber gozado. Un tema mas profundo de lo que yo pueda explicar.
"You Angel You" es una de esas canciones que me gustan, a pesar de que en su dia hube escuchado malas criticas sobre ella. Cierto es que su letra no refleja nada profundo como se cabe esperar de Dylan, pero su musica es amena. Tengo que decir que este tema lo escuche por primera interpretado por Manfred Mann's Earth Band en su album de 1979 "Angel Station" antes que por el propio autor.
"Never Say Goodbye" es otra vez Dylan cantandole a un amor, esta vez al de pareja, al del dia a dia, aunque mostrando inseguridad, falta de confianza en lo duradero, en que puediera ser abandonado.
El tema que cierra es "Wedding Song", ultimo grabado para este disco y prescindiendo de The Band es un balance y todo un canto de amor dirigido expresamente a, imagino su esposa por entonces Sarah, como el anterior.

En fin un Dylan que recuerda, pide amor y le canta a la mujer. Sea como sea este album es muy especial, bueno que puedo decir, Bob Dylan nos ha sorprendido siempre en cada nuevo album, el siguiente "Blood On The Tracks" fue muy distinto y el siguiente "Desire" tambien lo fue, respecto del anterior. Era una caja de sorpresas.
Buscar: OndasPlanetarias.

sábado, 10 de abril de 2010

Recapitulations Part One

No se si es bueno hacer esto, he pensado ir poniendo poco a poco en forma de imagenes los discos que he propuesto que compreis. Gracias a Youtube que "casi" siempre esta ahi para lo que necesites. He seleccionado, dentro de lo que he visto lo que he creido mejor, siempre con el criterio de buen audio acompañando las imagenes. Ahi van los primeros...
Habia escuchado este tema antes de saber quien lo interpretaba y siempre me gusto.


Algo de los sesenta no va mal, me ha costado encontrar algo bueno de los Beau Brummels.



En su momento dije que canciones del primer disco de Jerry Garcia fueron tocadas con su banda los Grateful Dead.



El "casi" siempre de Youtube lo dije porque no encontre imagenes de este grupo en accion tocando algun tema del disco que propuse. Si encontrais algun tema en imagenes de este disco, hacedmelo llegar y lo sustituyo. Gracias de antemano.



Sin embargo los felicito por este video, Terry Kath tocando un pedazo de tema del disco Chicago XI, lastima que poco despues perdiera la vida tan tontamente como es jugando a la ruleta rusa. Con respecto a este tema, en el album se comenta algo como ¡dejad los ojos bien abiertos!, pues bien, visto el video el tema queda como para dejar bien abiertas las orejas porque Terry toca la solista como nadie.


Y esto es todo por hoy...continuara.


viernes, 9 de abril de 2010

Blood, Sweat & Tears - Greatest Hits (1972 US Jazz Rock)


La reseña de este disco la tengo facil. Gracias a Jose Ramon Pardo que en su dia la hizo en contraportada, y dice asi:
""La historia de Blood, Sweat & Tears se resume en cuatro discos, trece musicos y una revolucion. Claro esta que esta revolucion tan solo ha sido musical, y la realizo un exiguo grupo de hombres, que han ido agrandando el boquete que Al Kooper abriera en la musica rock el dia que decidio reunir a siete compañeros, una seccion de cuerda y dos voces femeninas para grabar un disco que se llamo "Child Is A Father Of Man".
Alan Kooper es uno de esos genios que la musica pop, en su breve historia, ya ha sido capaz de producir. Integrante en los primeros años del rock, de grupos como Casuals y Royal Teens, su categoria instrumental le llevo pronto a ser solicitado por los estudios de grabacion, donde culmino la arquitectura de una profunda y originalisima concepcion musical. Inquieto, marcho de Nueva York a la costa Oeste, donde se reunian por aquella epoca los mas avanzados grupos y musicos del mundo. Alli formo parte de los Blues Project y alli creo Blood, Sweat & Tears, con los que grabo un unico disco, autentico recital personal, donde compone, canta y es el principal instrumentista. De ese disco son dos de los temas que se recogen en este: "I Can't Quit Her", compuesta y cantada por Al, y "I Love You More Than You'll Ever Know", tambien cantada y compuesta por Kooper, aunque el solo instrumental corre a cargo del saxo alto de Fred Lipsius.
Despues de esta grabacion, solo cinco musicos permanecen en sus puestos: Fred Lipsius, Dick Halligan, Bobby Colomby, Jim Fielder y Steve Katz. Ellos formaran en adelante, sin ningun cambio, el nucleo de Blood, Sweat & Tears en los tres siguientes discos. Pero se han ido, ademas de Kooper, los trompetistas Randy Brecker y Jerry Weiss y les sustituyen la voz de David Clayton-Thomas, las trompetas de Chuck Winfield y Lew Solow y el trombon de Jerry Hyman, mientras Halligan, antes trombonista, se hace cargo del piano y organo, vacios tras la marcha de Kooper. Asi graban el segundo disco, del que en este se seleccionan nada menos que cinco temas. Es la epoca de oro del grupo, pues la fama que el anterior LP les habia dado queda aqui consolidada. Las canciones son "And When I Die" de Laura Nyro; "You Made Me So Very Happy", de Gordy, Jobete y Holloway; "Spinnning Wheel", de David Clayton-Thomas; "Sometimes In Winter", de Steve Katz, y "God Bless The Child" de Herzog y Holiday.
En el tercer disco siguen siendo los mismos nueve musicos que perfeccionan hallazgos anteriores y mejoran sus tecnicas individuales. Solo hay aqui dos temas de aquel disco: "Lucretia MacEvil", de David Clayton-Thomas y "Hi-De-Ho", del que es autora Carole King. En ese momento, Blood, Sweat & Tears han dejado de ser considerados una sorpresa y pasa a la categoria de clasicos. Crean escuela y surgen imitadores, pero les falta ese factor de originalidad y progresismo que les convirtio en acontecimiento en 1968. Y en 1971 llega un nuevo cambio y su ultimo disco, el B.S.&T. 4, del que aqui pueden escucharse "Go Down Gamblin'"" y "Lisa, Listen To Me", las dos de Clayton-Thomas. Y tambien a un nuevo trombonista, Dave Bargeron, que ha sustituido a Jerry Hyman. Estos son Blood, Sweat & Tears, y este es su quinto LP.""
Y como me he olvidado de incluir el Artwork (que es poco pero ilustrativo), aqui os lo dejo aparte. Que lo disfruteis.
Buscar: SangreSudoryLagrimas.

Santana - Caravanserai (1972 US Jazz Fusion)




Publicado en octubre de 1972, este disco supone una fuerte inflexión en la música de la banda de Carlos Santana, sepárandose de forma clara de la línea seguida en sus tres primeros álbumes. En 1971 dejó la banda su bajista original, David Brown, quien fue reemplazado por Doug Rauch y Tom Rutley, así como el percusionista Mike Carabello, sustituido por Armando Peraza. Por su parte, el teclista Gregg Rolie, que había tenido un enfrentamiento con Santana, fue reemplazado por Tom Coster en algunos temas. Al finalizar la grabación del disco, Neal Schon también dejó la banda, para incorporarse a Journey. Glen Kolotkin y Mike Larner, fueron los ingenieros de sonido durante la grabación. El sonido de Caravanserai, contrasta con la marca Santana de sus discos anteriores, basada en una fusión de salsa y rock, concentrándose en los aspectos más jazzísticos de su propuesta. La mayor parte de los temas fueron instrumentales y, en consecuencia, no hubo singles en las listas de éxito. Este álbum fue el primero de una serie de discos de carácter más complejo y reflexivo, enfocados hacia el jazz rock. Para muchos críticos, se trata del mejor disco del grupo. Sin embargo, este éxito artístico estuvo acompañado de un descenso evidente de ventas y popularidad respecto de discos anteriores.

Cara 1
1."Eternal Caravan of Reincarnation" (Rutley/Schon/Shrieve) – 4:28
2."Waves Within" (Rauch/Rolie/Santana) – 3:54
3."Look Up (to See What's Coming Down)" (Rauch/Rolie/Santana) – 3:00
4."Just in Time to See the Sun" (Rolie/Santana/Shrive) – 2:18
5."Song of the Wind" (Rolie/Santana/Schon) – 6:04
6."All the Love of the Universe" (Santana/Schon) – 7:40
Cara 2
1."Future Primitive" (Areas/Lewis) – 4:12
2."Stone Flower" (Jobim/Santana/Shrieve) – 6:15
3."La Fuente del Ritmo" (Lewis) – 4:34
4."Every Step of the Way" (Shrieve) – 9:05

Michael Shrieve – Batería, percusión, productor
José "Chepito" Areas – Percusión, congas, timbales, bongós
Gregg Rolie – Órgano, piano, cantante
Doug Rauch – Bajo
James Mingo Lewis – Percusión, congas, bongós, vocal
Armando Peraza - Percusión
Carlos Santana – Guitarra, cantante, productor
Neal Schon – Guitarra
Wendy Haas – Piano
Hadley Caliman - Saxo
Tom Rutley - Contrabajo

Wikipedia.
Una gozada de disco, a mi entender. Quiero resaltar ademas que reescuchandolo puedo apreciar que el "reggeton" (musica que no me gusta), lo invento Santana con "Stone Flower" tema que si me gusta.
Buscar: BaileSaharaui.

jueves, 8 de abril de 2010

Mahavishnu Orchestra - Birds Of Fire (1973 UK Jazz Fusion)




"La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz pionero en la fusión entre el rock y el jazz. Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente co-fundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds Of Fire (1973).
El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de "Mahavishnu" con el que se daría a conocer.
McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.
En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción "Noonward Race") hasta piezas más calmadas, como "A Lotus On Irish Streams" y "Thousand Island Park", que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., "Open Country Joy").
En 1973 la banda empezó a enfrentar algunos problemas. Luego de un concierto en el Central Park de Nueva York (grabado y lanzado como Between Nothingness and Eternity) las tensiones empezaron a surgir. Para 1973 y 74 McLaughlin, Cobham, y el legendario guitarrista Carlos Santana comenzaron la gira Love Devotion Surrender. Los 3 tocaron varias canciones que luego aparecerían en el álbum homónimo y en otro más de Cobham. Éste último abandonó el proyecto antes de que el álbum fuera editado en el estudio.
Luego, Mahavishnu Orchestra estuvo en Londres tocando en un puñado de conciertos y grabando algunas canciones, pero una disputa de regalías y el material producido por el grupo (que hasta ese momento había sido atribuído por completo a Mahavishnu) surgió a lo interno del grupo.
El resto del grupo consideró que merecían más dinero y reconocimiento del que habían obtenido, y disolvieron la Mahavishnu Orchestra original. Las grabaciones de Londres no se lanzaron al mercado en ese momento por problemas de derechos de autor, lo cual finalmente cambió y en 1999 se lanzaron al mercado bajo el nombre de The Lost Trident Sessions (Sony).
Tras la disolución del grupo, McLaughlin formó uno nuevo en 1974: Jean-Luc Ponty (ex Frank Zappa and the Mothers) al violín, Gayle Moran en teclados, Ralphe Armstrong en el bajo, y Narada Michael Walden en percusión, entre otros. Al frente de esta "nueva" Mahavishnu Orchestra (a la cual McLaughlin supuestamente se ha referido como la Mahavishnu Orchestra "real"), tocó en Barcelona, el 13 de julio de 1974, antes de convertirla en cuarteto y grabar el álbum de 1975 Inner Worlds.
Tras la separación de esta segunda versión de la orquesta, McLaughlin formó Shakti para explorar su interés en la música de la India. Luego formó otros grupos: The One Truth Band & The Translators, y un trío con los afamados Al Di Meola y Paco de Lucía.
En 1984, McLaughlin volvió a formar la Mahavishnu Orchestra con Bill Evans en saxofones, Jonas Hellborg en el bajo, Mitchell Forman en teclados, y un miembro fundador, Billy Cobham en percusión, aunque fue reemplazado por Danny Gottlieb para fines de presentaciones en vivo. Jim Beard también estuvo involucrado en algún punto. Esta versión de la orquesta sonaba diametralmente distinta de la original, sobre todo por el uso de sintetizadores Synclavier de parte de John.
Billy Cobham hizo carrera en solitario, y también fue parte de la gira de George Duke Band por muchos años. Hoy en día sigue impartiendo clases de percusión.
Jan Hammer, junto con Narada Michael Walden estuvo en el álbum Wired de Jeff Beck, y también compuso el tema de Miami Vice.
Rick Laird tocó con Stan Getz y Chick Corea. También lanzó un disco en solitario, pero desde 1982 se dedica exclusivamente a la fotografía.
Danny Gottlieb era el baterista de American Garage de Pat Metheny y formó parte de the Blues Brothers que giró a principios de los 90 por Europa.
Y despues de todo este rollo aleccionador que wikipedia nos ha ofrecido, solo tengo que decir que disfruteis de este genial disco. Un saludo vikingo.
Buscar: PajarosArdiendo.

miércoles, 7 de abril de 2010

Al Di Meola - Elegant Gypsy (1977 US Jazz Fusion)





Al DiMeola (Jersey City, 22 de julio de 1954), guitarrista estadounidense de jazz. DiMeola es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es considerado un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.

DiMeola estudió durante un breve periodo de tiempo en la Berklee School of Music en Boston a comienzos de los años setenta, antes de reemplazar en 1974 al guitarrista Bill Connors en el grupo de fusión Return to Forever (un grupo que incluía instrumentalistas como el teclista Chick Corea y el bajista Stanley Clarke). Con su presencia, el grupo obtuvo un gran éxito comercial, con discos como Where Have I Known Before, de 1974; No Mystery, de 1975, y Romantic Warrior de 1976, que llevó a que DiMeola iniciase carrera en solitario.

Su carrera está repleta de brillantes ejemplos de discos de jazz fusión basados en la guitarra: 1976: Land of the Midnight Sun, 1977: Elegant Gypsy y Casino, 1979: Splendido Hotel. Obtuvo gran repercusión musical el trío que formó con otros dos guitarristas, John McLaughlin y Paco de Lucía, para grabar en 1980 Friday Night in San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, Di Meola aumentó su prestigio, tocando con artistas como Paul Simon, Jean Luc Ponty, Stanley Jordan, Chick Corea, Stanley Clarke, Paco de Lucía, y John McLaughlin. Durante los años 90, Di Meola se concentró en la guitarra acústica para abordar las llamadas músicas del mundo (World Music).




"Elegant Gypsy" es el segundo album de Al Di Meola. Se caracteriza por su fusion entre el rock (en algunos momentos hard rock) mezclado con componentes latinos y flamencos, todo en una fusion jazzistica. En este disco podemos oirle tocar con Paco de Lucia (guitarra ritmica) en "Mediterranean Sundance". Ademas le acompañan Anthony Jackson al bajo; Jam Hammer a los teclados en "Flight Over Rio" y "Elegant Gypsy Suite"; Mingo Lewis en la percusion y teclados; Barry Miles teclados en "Midnight Tango" y "Race With Devil..."; Stee Gadd: Bateria en "Flight ..." y "Elegant..." y Lenny White: Bateria en "Midnight..." y "Race With Devil..."

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Herbie Hancock - Mr. Hands (1980 US Jazz)


Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a la música de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.

Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento, no el pasado.
(De Wikipedia)




En Mr. Hands, Herbie Hancock toca: EMu Polyphonic Keyboard, Clavitar, Waves Minimoog, Minimoog, Prophet 5, Oberheim & Voice, Yamaha CS-80, ARP 2600, Hohner Clavinet, Rhodes 88 Suitcase Piano, Sannheiser Vocoder, Linn-Moffett Drumm Synthetizer, Modified Apple II Plus Microcomputer y Piano.

A1 - Spiraling Prism
Leon "Ndugu" Chancler: Drums; Byron Miller: Bass; Bill Summers: Percusion.
A2 - Calypso
Tony Williams: Drums; Ron Carter: Bass; Sheila Escovedo: Percusion.
A3 - Just Around The Corner
Alphonse Mouzon: Drums; Freddie Washington: Bass; Wah Wah Watson: Guitar; Sheila Escovedo: Percusion.
B1 - 4 AM
Harvey Mason: Drums; Jaco Pastorius: Bass; Bill Summers: Percusion.
B2 - Shiftless Shuffle
Harvey Mason: Drums; Paul Jackson: Bass; Bill Summers: Percusion; Bennie Maupin: Tenor Saxophone.
B3 - Textures
Herbie Hancock: All instruments.
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sábado, 3 de abril de 2010

Hasta siempre Entre A Mi Mente!!!




Amigos, queria comentarles que en el dia de ayer 29 de Marzo del 2010, Entre a mi Mente fue cerrado sin previo aviso. Con sensaciones encontradas de impotencia, enojo, pero tambien alegría (por haber conocido gente realmente excelente, haber aprendido, haber enseñado y haber hecho rememorar tiempos pasados y felices a muchas personas) escribo este pequeñisimo anuncio para decirles gracias de parte de todos los que hicimos Entre a mi Mente por convertirlo en un lugar ameno, un lugar de enseñanza, aprendizaje y conmemoración para todos aquellos artistas que por una u otra razon hoy por hoy se encuentran olvidados.
Como lo dije mas arriba, Entre a mi Mente vivió, nos ayudo a enseñar, aprender, conocer gente muy buena con la cual logramos una solida amistad.
Esto es todo amigos, Entre a mi Mente llego hasta aquí.
Un abrazo.
Psicodelia Pura
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No me gusta tener que llegar a pedir...
No me gusta tener que llegar a protestar....
No me gusta ver sufrir...
A un amigo por cortar su libertad.
Pero tienes juventud, eres inquieto y de unas cenizas nace otra vida, te deseo lo mejor Psico.
Y como no me gusta protestar que lo haga Joan Baez por mi.
El boxeador es el que lucha no solo por ser el mejor sino por dejar una vida de incertidumbre y querer simplemente ser como todos. Se siempre eso, un luchador.
Vikingo
Joan Baez - Tour Europea (1982 USA Folk)
A1-The Boxer
A2-Don't Cry For Me Argentina
A3-Gracias a la vida
A4-The Rose
A5-Maria Dolores
A6-No nos moveran
B1-Diamonds And Rust
B2-Rossinyol
B3-Soyuz Druzyei
B4-Cambodia
B5-Here's To You
B6-Blowin' In The Wind
Grabado en directo por su tour europeo en las siguientes localidades:
Colmar - Francia
Barcelona y Alicante -España
Wurzburg y Loreley - Alemania.
Musicos:
Greg Poree: Guitarra
Mel Martin: Flauta
Mickey Hart: Bateria
Joan Baez: Sintetizador, guitarra y voz.



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