AVE DEL PARAISO (Bird Of Paradise, 1932 -King Vidor)

Muy buen ejemplar de primerizo film de aventuras y romance exótico, que casi fue asumido por King Vidor como un encargo de David O. Selznick al servicio de la rutilante Dolores Del Rio. El film combina, como digo, exotismo y trama aventurera, con un grupo en un yate que llega a una lejana isla de la Polinesia. Allí, un marinero —un jovencísimo Joel McCrea— se enamorará de una de las mujeres del lugar, interpretada por Dolores del Río (sensual y exuberante). A partir de ahí, la trama se desarrollará con elementos probablemente algo naíf y un exotismo muy “made in Hollywood”, pero que será conducido por Vidor con una elegancia muy notable, especialmente entonada en la segunda mitad del film, donde la sensualidad de la pareja, en la cima de su juventud, da lugar a momentos de erotismo que rápidamente serían abandonados por el cine debido a la censura de la década de los 30.

ESTACIÓN TERMINI (Stazione Termini, 1953 -Vittorio De Sica)

Algo así como una reversión de "Brief Encounter": Dos amantes despidiéndose en la estación Termini de Roma. Ella, una mujer casada con una hija y llena de remordimientos (Jennifer Jones); él, un hombre algo más joven que quiere mantener la relación adúltera (Montgomery Clift). La película, planteada por David O. Selznick como vehículo de lucimiento para la actriz, al parecer no terminó de convencer al productor, aunque se trata de una obra muy potente: un drama romántico muy bien tramado y escrito. Además, muestra al gran director de actores que fue Vittorio De Sica, quien en todo momento extrae lo mejor de ambos personajes, en una trama bien conducida y donde la tristeza y el poso amargo se mantienen a lo largo de un metraje tan corto como intenso.

ROMA A LAS 11 (Roma, ore 11, 1951 -Giuseppe De Santis)

 

Melodrama italiano ambientado en la ciudad de Roma y basado en una tragedia real ocurrida cuando más de 250 mujeres se agolparon en la escalera de un edificio para optar a un puesto de mecanógrafa. El peso de todas ellas acabó provocando el derrumbe del rellano, causando una muerte y numerosos heridos. A partir de este hecho, Giuseppe De Santis construye una película que combina con notable habilidad el drama social, el costumbrismo y ciertos elementos de neorrealismo, movimiento del que fue uno de sus nombres esenciales. Aunque por momentos incurre en un cierto subrayado melodramático, el director logra equilibrarlo con apuntes de humor y con un retrato coral de gran vitalidad. Puede que no alcance la rotundidad de otras obras capitales del género, pero sí vuelve a demostrar la enorme capacidad de De Santis para convertir conflictos colectivos en cine vibrante y profundamente humano. Continúa siendo un auténtico placer seguir descubriendo su filmografía.

CONFESSIONS OF AN OPIUM EATER (1961 -Albert Zugsmith)

Marcianada total dirigida por el productor y ocasional director Albert Zugsmith, y una película verdaderamente inclasificable que se basa muy libremente en la novela homónima de Thomas De Quincey, aunque aquí termina convertida en un extrañísimo relato de aventuras lleno de momentos surrealistas e inesperados. No me extraña que Joe Dante sea tan fan declarado de ella, y tampoco sorprendería imaginar a John Carpenter teniéndola muy presente en el imaginario de "Big Trouble in Little China". Aquí con Vincent Price como un aventurero que se adentra en un Chinatown lleno de recovecos oscuros y personajes extraños con la excusa de encontrar a un viejo amigo, mientras la trata y esclavización de mujeres sirve como trama principal, el film —con una fotografía espléndida de Joseph Biroc— acaba convirtiéndose en un título absolutamente inclasificable. Sorprende tanto por lo extraña que resulta su propia propuesta como por el desarrollo de una trama que nunca deja claro hacia dónde se dirige. Además, introduce elementos oníricos y cuenta con la presencia de un actor principal que parece disfrutar enormemente del producto en el que participa.

NO HAY PAZ BAJO LOS OLIVOS (Non C,e Pace Trai Gli Ulivi, 1950 -Giuseppe De Santis)

 

Extraordinaria combinación de drama rural, denuncia social y thriller campesino en la que Raf Vallone interpreta a un hombre que, tras regresar de la guerra a su pueblo natal, descubre que uno de los caciques locales —encarnado magistralmente por Folco Lulli— se ha apropiado de buena parte de los rebaños de la región, incluido el suyo. Desde esa premisa aparentemente sencilla, Giuseppe De Santis despliega una puesta en escena portentosa, llena de movimientos de cámara ambiciosos y secuencias colectivas rodadas con una energía admirable. El film quizá peque en algunos momentos de cierta tendencia al exceso dramático, pero queda ampliamente compensado por la fuerza visual, la intensidad de las interpretaciones y la capacidad del director para retratar un mundo rural miserable y violento sin perder nunca el pulso narrativo. Una muestra clarísima de cómo el neorrealismo podía convivir perfectamente con las estructuras del cine de género.

ARROZ AMARGO (Riso Amaro, 1949 -Giuseppe De Santis)

Excelente film y título clave en la consagración internacional de Giuseppe De Santis. En esta obra, aunque el director se mantiene fiel a la estética neorrealista, comienza a distanciarse del canon para oscilar entre la denuncia social —el crudo retrato de las mondine en los arrozales italianos— y los mecanismos del cine de género. Se trata de un thriller cargado de un erotismo audaz para su tiempo, pero que se siente orgánico y nada forzado.La combinación resulta en una película visualmente poderosa y llena de hallazgos técnicos, donde la puesta en escena es impecable (destacando movimientos de cámara y planos con grúa magistrales)...En un conjunto que        también se eleva gracias a un reparto estelar en ciernes: Vittorio Gassman, Raf Vallone y una magnética Silvana Mangano, cuya presencia en esta cinta la elevó instantáneamente a la categoría de mito.

EL NÚMERO UNO (Number One, 1969 -Tom Gries)

 

Extraño drama deportivo dirigido por el malogrado Tom Gries tras su primera colaboración con Charlton Heston en "Will Penny", pero con un resultado menor que aquella excelente película. Probablemente esto se deba a un guion errático, que narra los últimos meses de una estrella del deporte que, al cumplir los cuarenta y estar castigado por las lesiones, debe tomar la decisión definitiva de retirarse. La idea da pie a un drama en el que se mezclan presente y pasado, así como el conflicto sentimental del protagonista, pero no acaba de cuajar como un conjunto plenamente armónico.
A pesar de su irregularidad, destaca por la presencia de Heston en un papel hecho a su medida, así como por un sólido reparto de secundarios que hacen del film un visionado agradable y curioso.

NOUVELLE VAGUE (2025 -Richard Linklater)

 Richard Linklater firma una auténtica declaración de amor al cine y, en particular, al espíritu de la Nouvelle Vague, reconstruyendo la gestación y el rodaje de "À bout de souffle", la obra fundacional de Jean-Luc Godard.

Rodada en un elegante blanco y negro, la película recrea con notable precisión el París de comienzos de los sesenta y captura el clima creativo de una generación empeñada en cambiar las reglas del lenguaje cinematográfico. Linklater no evita el academicismo, pero apuesta por una puesta en escena ligera y fluida, capaz de transmitir tanto la efervescencia artística como la precariedad casi improvisada del rodaje.

Más allá del evidente tono reverencial hacia la figura de Godard, el film acierta al mostrar el proceso creativo desde una perspectiva cercana y humana, deteniéndose en las tensiones, hallazgos y accidentes que terminarían definiendo algunos de los momentos más emblemáticos de la película original. El reparto, además, contribuye decisivamente a la credibilidad del conjunto...Si no fue así, tampoco importa, puede que los admiradores más ortodoxos del cineasta francés esperen una aproximación más analítica, más Godardiana o menos complaciente, pero Linklater opta deliberadamente por el entusiasmo cinéfilo. Y lo cierto es que su mirada resulta contagiosa: Pocas veces un homenaje al cine reciente consigue despertar con tanta fuerza las ganas de regresar , volver a ver, a la obra que lo inspira.

DELIUS: SONG OF SUMMER (1968 -Ken Russell)

 

Notabilísimo film de Ken Russell y un título que siempre recibió elogios desde su estreno en televisión. Es una película modesta, en blanco y negro, coescrita, producida y dirigida por Ken Russell para la serie Omnibus de la BBC. Retrata los últimos seis años de la vida de Frederick Delius, período durante el cual Eric Fenby vivió con el compositor y su esposa Jelka.
Bien rodada, participa de algunos elementos visuales marca de la casa, aunque aún muestra un estilo contenido por parte de un director que luego se convertiría en el enfant terrible del cine británico en los años setenta. Y que demuestra aquí su especial sensibilidad hacia los argumentos en los que la música y sus creadores son una pieza básica de la historia.

CAZA TRÁGICA (Caccia Trágica, 1947 - Giuseppe De Santis)

 

Debut de  Giuseppe De Santis tras la cámara y una de las propuestas más sólidas del neorrealismo italiano de posguerra, aunque filtrada a través de una estructura claramente cercana al thriller.La trama arranca con el robo del dinero destinado a una cooperativa de trabajadores, detonante de una persecución que pronto trasciende el suspense para convertirse en un retrato áspero de una Italia marcada por la miseria, las tensiones sociales y la fragilidad moral de la reconstrucción. De Santis combina el pulso del cine criminal con un marcado trasfondo político y social sin que ninguno de los elementos anule al otro.Lo más admirable del film quizá sea su energía visual. La cámara se mueve con una libertad impropia de una ópera prima, y el director demuestra una notable capacidad para dotar de tensión y dinamismo a cada secuencia. El resultado es una película seca, intensa y profundamente comprometida con su contexto histórico, capaz de conjugar discurso social y emoción cinematográfica con extraordinaria naturalidad.

MEGALÓPOLIS (2024 -Francis Ford Coppola)

 

Última película de Francis Ford Coppola, un proyecto largamente gestado por el cineasta, que aquí se lanza al vacío sin red - ni miedo al ridículo, sin concesiones- a una propuesta ambiciosa y personal: Un relato barroco y excesivo, a veces desbordado y en otras ocasiones cercano a lo risible, pero también profundamente valiente. Coppola construye una mezcla de drama y ciencia ficción poblada por numerosos personajes, donde conviven momentos brillantes con otros claramente fallidos. El film cuenta con un reparto destacado, que incluye a figuras como Dustin Hoffman, Talia Shire, Shia LaBeouf y Adam Driver. Dando resultado a una obra ambiciosa, irregular, excesiva y a veces paródica, que alterna lo fascinante con lo cuestionable. En una muestra del empeño de Coppola por hacer un cine distinto al del mainstream actual, asumiendo riesgos incluso financiando el proyecto por sí mismo...En un fracaso crítico/ comercial que supongo cerrará su carrera.

ANATOMY OF A PYSCHO (1961 -Boris Petroff)

 

Rarísimo ejemplar de thriller psicológico que podría haber dado pie a una película más que notable en su retrato de un auténtico psicópata. Sin embargo, termina convirtiéndose en un producto cercano a la exploitation —ni siquiera una serie B con encanto— debido a su pobre puesta en escena de Boris Petroff y a un elenco actoral que, en ocasiones, parece casi amateur. El film se mantiene al filo de lo aceptable, aunque cuenta con algunos momentos de violencia inesperada y el uso de una música de stock que, si no me equivoco, es la misma que se empleó en la famosa Plan 9 del espacio exterior de Ed Wood

STRANGE FASCINATION (1952 -Hugo Haas)

 Uno de esos fascinantes y reivindicables pequeños films rodados por el inclasificable Hugo Haas en la década de los 50; una serie B muy bien tramada, que combina fatalismo y bajo presupuesto, con buenos acabados que muestra a un actor-realizador que merece aún ser recuperado totalmente para la historia del cine (todo lo que he visto de él suele ser interesante y notable).Aquí nos presenta el drama de un pianista triunfador en Europa que decide emprender el sueño americano y termina entrando en una espiral de decadencia. Es un drama centrado en la música con toques de cine negro, que marcó la colaboración actoral entre el propio Haas y la actriz Cleo Moore (con quien repetiría varias veces). Una película que discurre dejando un poso de sensación amarga a pesar de un final relativamente feliz —tal vez forzado—, que es probablemente lo menos conseguido de la cinta.

THE FEMALE ANIMAL (1957 -Harry Keller)

 

Última película interpretada por la bella y talentosa Hedy Lamarr. Un melodrama ambientado en el mundo de Hollywood que narra los problemas amorosos de una actriz madura con una hija joven, y cómo ambas acaban enamorándose del mismo hombre (George Nader), un figurante que trabaja en el estudio al servicio de la actriz.Cabe señalar que, pese a tratarse de su despedida cinematográfica, Lamarr aún conservaba la belleza y el magnetismo que la caracterizaron a lo largo de su carrera.

Producción de la Universal, nuevamente beneficiada por la espléndida fotografía de Russell Metty que, sin alcanzar el nivel de los melodramas de Douglas Sirk para la productora, posee el empaque y los cuidados acabados propios de las producciones del estudio en los años cincuenta.

LA CARTA QUE NUNCA FUE ENVIADA (Неотправленное письмо, 1961 -Mikhail Kalatozov)

 Apoteósico film de Mikhail Kalatozov, rodado tras su consagración en "Cuando pasan las cigüeñas" y un film radicalmente diferente que narra la expedición de un grupo de geólogos a una región perdida en la Tundra Siberiana para encontrar yacimientos de diamantes que acabará siendo un desastre...Visualmente soberbia, aquí ya directamente el director se apoya en la forma para sostener un fondo muy sencillo, construyendo algo parecido a una survival movie poética rodada con una puesta en escena de quitarse el sombrero, que deviene otro de esos clásicos inmortales del autor de "Yo Soy Cuba"

PICKUP (1951 -Hugo Haas)

 

Debut en la dirección del checoslovaco Hugo Haas, en un film que él mismo produjo e interpretó, y que fue un éxito económico gracias al apoyo de Gregory Peck, William Wyler y el productor Harry Cohn. Se trata de una modesta producción de serie B que narra una trama con claros ecos de cine negro. Basado en la novela de 1926 de Josef Kopta, narra la historia de un jefe de estación (Haas) que contrae un matrimonio de conveniencia con una joven (Beverly Michaels) que intrigará para conseguir su dinero... y que tras un accidente queda sordo (o eso cree su joven esposa, que tramará un plan para matarlo). Con esos mimbres, Haas rueda un film muy sólido que para nada parece obra de un debutante; muestra a un cineasta con buenas ideas visuales y que (gracias a su éxito y eficacia) permitió a este actor-director seguir rodando pequeños (y estupendos) melodramas criminales en esa misma década.

SOMBRAS EN LA NOCHE (The Unguarded Moment, 1958 -Harry Keller)

 

Un a ratos notable thriller del eficiente Harry Keller, que mezcla thriller:  Una maestra atractiva ( estupenda Esther Williams) acosada por un muchacho adolescente ( John Saxon), con algo de drama generacional a lo " Rebelde sin causa". Rodado con solvencia, es otro de esos productos bien acabados de la Universal de los años 50, que entretiene y deja alguna secuencia perturbadora ( el acoso nocturno en la escuela) que aún hoy inquieta lo suyo.

SOY CUBA (1964 -Mikhail Kalatozov)

 

Fascinante film de Mikhail Kalatozov que, con la excusa de rodar una obra de carácter panfletario sobre el triunfo de la revolución comunista en Cuba, y con la suerte de poder tener los medios suficientes para explotar sus ideas, se sacó de la manga un apabullante ejercicio de puesta en escena y de cámara. Creada en un casi continuo de planos secuencia verdaderamente prodigiosos, la gramática cinematográfica queda elevada constantemente sobre las intenciones político-didácticas del film (de hecho, no gustó a los dirigentes rusos ni cubanos, que lo consideraron demasiado artístico). Y es que la película, hipnótica y narrativamente adelantada a su tiempo, es un mosaico de cuatro historias: La chica que se prostituye en la Habana prerrevolucionaria, el campesino de caña que pierde su tierra, el estudiante universitario enfrentado a la represión y, finalmente, la toma de conciencia del agricultor. que son el tapiz para que el director ruso ruede todo ello con un aire poético y lírico, con una fuerza y una convicción en la imagen que lo convierten en un clásico absoluto del cine y en una obra clave para reivindicar a este maestro.

ESCRITO SOBRE EL VIENTO (Written On The Wind, 1955 -Douglas Sirk)

 

Una de las cumbres del melodrama de Douglas Sirk en la década de los 50, y una de esas películas de construcción y ejecución prácticamente irrepetibles. Parte de un reparto de enorme solidez, con Lauren Bacall, Rock Hudson, Robert Stack y Dorothy Malone.
A ello se suma un guion que funciona casi como un manual sobre cómo construir una trama de estas características, y que probablemente sirvió de referencia para el desarrollo posterior de muchas telenovelas. La espléndida fotografía de Russell Metty y la inspirada puesta en escena de Sirk elevan la película a una de las grandes obras de uno de los mejores periodos del director.
El resultado es un melodrama cargado de elementos perturbadores que se sitúa, sin duda, entre los títulos más destacados del género.

EL ÍDOLO DE BARRO (Champion, 1949 -Mark Robson)

 

Drama deportivo centrado en el mundo del boxeo, con la crónica del ascenso de un púgil ambicioso ( Kirk Douglas en un papel a su medida) que antepone todo en favor de su triunfo deportivo y económico. Producida por Stanley Kramer, con una atmosfèrica fotografia en Blanco y negro estamos ante una obra muy bien tramada y rodada, con un reparto de secundarios maravilloso (Ruth Román, Arthur Kennedy entre otros) y contiene un montón de tópicos sobre este deporte que luego han sido probablemente la inspiración directa al Sylvester Stallone de la saga "Rocky". Film muy solido, le beneficia una sólida direcció de Mark Robson, director bregado en la serie B y las producciones de Val Lewton  (curioso que en el mismo año su compadre en la RKO Robert Wise rodase su obra maestra sobe también el boxeo " Nadie puede vencerme).