MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (Erich Wolfgang Korngold)

 

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (1938)

Music Composed By

ERICH WOLFGANG KORNGOLD

Conducted By

VARUJAN KOJIAN

Tracklist:

1 Prologue (Main Title) 1:34
2 Banquet At Nottingham Castle 1:52
3 Robin Enters The Great Hall 0:56
4 Escape From The Castle 5:09
5 Robin Meets Little John 1:38
6 The Oath And The Black Arrow 1:54
7 Robin And Friar Tuck 1:24
8 Ambush In Sherwood 3:01
9 Feast In The Forest 2:52
10 Robin And Marian 3:09
11 The Archery Tournament 3:04
12 Escape From The Gallows 2:13
13 Love Scene 5:40
14 Dagger Fight; King Richard In Sherwood 2:07
15 Coronation Procession 3:05
16 Duel, Victory And Epilogue 3:22

 

 Este mes ya tocaba la entrada de un clásico absoluto que, sorprendentemente, aún no había pasado por el blog: nada menos que Erich Wolfgang Korngold.

Korngold (1897–1957) fue un compositor austriaco y niño prodigio que destacó muy pronto en Viena, especialmente en el ámbito operístico, con un estilo de gran riqueza melódica y profundamente ligado al romanticismo tardío. En aquella década su fama era enorme y, en 1938, aceptó el encargo de Warner Bros., lo que le permitió salir de Austria justo antes del Anschluss y la invasión nazi. Gracias a este proyecto pudo trasladarse a Estados Unidos con parte de su familia, evitando así una situación cada vez más peligrosa en Europa. En Hollywood acabaría convirtiéndose en uno de los grandes maestros de la música cinematográfica.

Su trabajo en The Adventures of Robin Hood marcó un antes y un después en el cine de aventuras. Aplicó técnicas propias de la ópera —como el uso de leitmotivs y una orquestación muy expresiva— para construir una partitura que no solo acompaña, sino que narra y da forma a la historia. No fue el primero en hacerlo (Max Steiner o Franz Waxman ya lo habían demostrado), pero en el caso de Korngold esta técnica se lleva al extremo: cada personaje tiene su propio tema, la música guía las emociones y la orquesta despliega un sonido rico, vibrante y épico.

Compuesta en apenas seis semanas, estamos ante una obra cuyo resultado es una música heroica y lírica a partes iguales, perfectamente alineada con la energía de Errol Flynn como Robin Hood. La banda sonora le valió a Korngold su segundo Óscar y sentó las bases del sonido clásico del cine de aventuras, influyendo en generaciones posteriores de compositores.

Aunque actualmente ya se puede acceder a la grabación original y a varias regrabaciones, siempre he sentido verdadero cariño por esta versión: una edición de 1988 del sello Varèse Sarabande, producida por George Korngold, hijo del compositor, que incluso hoy (sin ser la más completa ni extensa) me parece una de las mejores versiones disponibles.

Es una versión que condensa los 80 minutos de la partitura original en un bloque de 43 minutos, priorizando el impacto emocional y la espectacularidad orquestal.

La grabación de Varujan Kojian destaca por su capacidad para sintetizar el complejo sistema de leitmotivs de Korngold en una narrativa sonora vibrante y directa. El recorrido comienza con el tema heroico de Robin Hood, una fanfarria de metales llena de optimismo que Kojian dirige con un tempo más ágil que otras versiones, acentuando el espíritu de aventura.

El primer corte, “Prólogo (título principal)”, arranca con una energía desbordante, casi juguetona, que deja claro desde el principio el tono aventurero de la película. Poco después aparece un tema más suave que anticipa la historia de amor, aunque sin perder del todo ese aire heroico. La pieza culmina con un cierre brillante y majestuoso que resume perfectamente el espíritu de toda la partitura.

Este heroísmo contrasta con la escena de amor, donde la orquesta se sumerge en un lirismo suntuoso basado en el tema de Lady Marian (“Robin And Marian”), mostrando la faceta más romántica de Korngold. La grabación brilla especialmente en la caracterización de los personajes secundarios a través de las maderas, como los temas juguetones para Little John y el fraile Tuck (“Robin Meets Little John”), repletos de gran comicidad musical. Más adelante, en los bloques de acción, Kojian resalta la brillantez heráldica de las trompetas en “The Archery Tournament” y culmina con “Duel, Victory And Epilogue”, una pieza de contrapunto magistral donde los temas de Robin y los villanos colisionan hasta desembocar en una resolución triunfal, cerrando una regrabación magnífica de una obra maestra de la música de cine.

 

THE FIELD (Elmer Bernstein)

 

THE FIELD (1990)
Music Composed And Conducted By
ELMER BERNSTEIN

















Tracklist:

1 The Land 5:43
2 The Bird 2:18
3 To The Field 4:58
4 St. Anger 3:46
5 Auction 2:11
6 Revelation 5:08
7 Killing 2:59
8 The Widow and the Dance 1:51
9 Questions 2:33
10 Caravan 1:31
11 The Church 1:55
12 Discovery 2:54
13 The Cliffs and the Sea 3:16
14 Credits 3:46



Volvemos en este bonito mes de abril a Elmer Bernstein en este caso con una enorme banda sonora que compuso en la década de los 90 cuando su nombre volvió a llenarse de prestigio en una última etapa de su carrera verdaderamente maravillosa. Titulada en España "El Prado", "The Field" fue un intenso drama dirigido por Jim Sheridan, ambientado en la Irlanda rural de los años 30. 
La música de Elmer Bernstein, se centró en el drama humano y la lucha interior del protagonista... Utilizando elementos musicales Irlandeses pero sin abusar de ellos, combiando orquesta, ( con las inevitables ondes martenot ) y gaitas irlandesas en una composición de gran fuerza, que siempre se muestra al servicio del relato creando una atmósfera sombría.
Banda sonora que muestra/ demuestra como Bernstein, además a la de ser un buen creador de leitmotivs siempre tuvo gran capacidad para expresar emociones con certeza y a la vez siendo sutil.

Este fue uno de esos trabajos que aún fueron editados por el sello Varese en doble formato ( LP y CD) , se abre con el tema principal ("The Land") especialmente bello , establece comienzo la atmósfera sombría y poco convencional que Bernstein buscaba: la orquesta suena introspectiva, mientras las gaitas y los elementos electrónicos evocan un eco lejano y antiguo. Cuando el tema principal emerge, resulta de una belleza impactante, con un lirismo pastoral que reaparece con frecuencia a lo largo de la partitura.y aparece a lo largo de la banda sonora, que alterna momentos líricos con pasajes oscuros e intensos. A medida que McCabe pierde la cordura por su obsesión con el terreno, la música se vuelve más dramática, culminando en un final devastador que refleja su destrucción mental y personal.

Aunque el tema central es importante, la banda sonora no se limita a una sola idea. Bernstein combina cuerdas, metales, maderas, percusión, gaitas, ondes martenot y electrónica con gran flexibilidad emocional, pasando con rapidez de tonos ligeros a una oscuridad trágica. Esta variedad refleja el deterioro mental de McCabe y su obsesión creciente.
Entre los cortes destacados están “The Bird”, con energía y ritmos danzantes; “To the Field”, de carácter fúnebre; y “Stranger”, que introduce al rival estadounidense (Tom Berenger) con metales marciales. Piezas como “Auction”, “Killing” y “The Church” intensifican el dramatismo con metales contundentes, percusión agresiva y pasajes sombríos del tema principal en el más puro estilo del compositor Americano, que deja para el clímax  el corte “The Cliffs and the Sea” donde la música se vuelve intensa y desgarradora, utilizando potentes metales, percusión implacable y gaitas inquietantes para subrayar la tragedia y la caída en la locura del protagonista, el corte final del CD se titula “Credits” retomando el tono inicial y ofreciendo una  hermosa aparición del tema principal.

BUFFALO BILL,S WILD WEST SHOW (George Fenton)

BUFFALO BILL'S WILD WEST SHOW (1992)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

Oh Susanna ........................................ 2:43
Auguste's Entrance .............................. 0:25
The Cavalcade and Maze ..................... 2:04
Buffalo Bill ........................................... 2:44
Annie Oakley (Little Missie) ............... 1:51
Chief Sitting Bull / Don Waboose .... 4:20
The Cattle Trail and Setting Up Camp ... 6:35
Dinner Time ............................................ 2:37
Sweet Betsy from Pike .......................... 2:22
Turkey in the Straw .............................. 2:00
Night to Day ........................................... 1:41
Waking Up .............................................. 2:04
The Buffalo Quest ................................ 2:41
Yankee Doodle ....................................... 2:27
The Opening of the Rodeo .................. 1:34
The Rodeo Games ................................ 4:31
The Medicine Ball Game ...................... 2:28
The Deadwood Stage ............................ 8:05
The Reward ............................................. 2:38
Home on the Range .............................. 2:15
The Final Review ................................... 1:44
Farewell to the West .............................. 7:02

Tal como comenté en la última entrada, tenía ganas de seguir reivindicando la figura de George Fenton y, para ello, en esta ocasión escribo sobre un curiosísimo CD que contiene la banda sonora no de una película, sino de un espectáculo para un parque temático. En este caso, se trata del show del Oeste de Euro Disney titulado “Buffalo Bill’s Wild West Show”, que, basado en el espectáculo original de 1895, fue retomado en el parque cercano a París con elementos modernizados, incluyendo música nueva compuesta por el maestro Fenton.

El show funcionó desde 1992 hasta 2020 (cerró con la pandemia) y recreaba la atmósfera del Oeste americano con toda su autenticidad. Escenas de la vida de los pioneros ilustraban temas como la caza del búfalo —actividad que le valió al coronel W. F. Cody su apodo de “Buffalo Bill”—, el Pony Express y el ataque a una diligencia y a una cabaña de pioneros por parte de los indígenas.

Editado por Walt Disney Records, el álbum recoge aproximadamente una hora de música concebida para acompañar en directo la recreación del mito del Salvaje Oeste, combinando composiciones originales con arreglos de melodías tradicionales americanas. Fenton construyó una partitura vibrante, colorista y muy narrativa, capaz de alternar momentos épicos —para escenas de acción como ataques a diligencias o exhibiciones ecuestres— con pasajes más líricos y evocadores que reflejan el espíritu pionero. La orquestación es rica y dinámica, con presencia destacada de metales, percusión y elementos folk que evocan la tradición musical estadounidense sin caer en clichés fáciles. Además, el compositor integra adaptaciones de canciones populares del imaginario del Oeste junto a temas completamente nuevos, logrando una continuidad musical que funciona casi como una suite sinfónica ligera. El resultado es una obra fresca, entretenida y técnicamente impecable, que demuestra la versatilidad de Fenton y su capacidad para dotar de identidad propia a un espectáculo temático.

El álbum, dedicado al espectáculo de Buffalo Bill, combina composiciones originales de George Fenton con melodías tradicionales del folklore estadounidense para recrear la atmósfera del Lejano Oeste, tales como “Sweet Betsy from Pike”, “Turkey in the Straw”, la patriótica “Yankee Doodle” y, en la parte final, “Home on the Range”, quizá la melodía más evocadora del folklore del Oeste. La música alterna constantemente entre piezas de acción, pasajes más tranquilos y adaptaciones de canciones populares que evocan el imaginario del western.

El disco se abre con “Oh Susanna”, uno de los temas folk más emblemáticos del Oeste, que establece inmediatamente el tono histórico y popular del conjunto. Como ya comenté, el CD alterna temas tradicionales con creaciones originales de Fenton. A esta introducción sigue “Auguste’s Entrance”, una breve fanfarria de carácter ceremonial que anuncia la aparición de uno de los personajes del espectáculo. A continuación llega uno de los highlights del CD: “The Cavalcade and Maze”, una pieza expansiva y dinámica que describe musicalmente el movimiento de caballos y el desfile de la troupe, convirtiéndose en uno de los pasajes más brillantes de la partitura. A continuación, “Buffalo Bill” introduce el motivo principal asociado al célebre showman, con un carácter heroico y representativo.

Posteriormente, la composición presenta el corte “Annie Oakley (Little Missie)”, con una música ligera y ágil que refleja la habilidad y rapidez de la famosa tiradora, mientras que “Chief Sitting Bull” adopta un tono más ceremonial y tradicional para acompañar la presencia del jefe indígena.

Le sigue “The Cattle Trail and Setting Up Camp”, que describe musicalmente la travesía y el establecimiento del campamento, combinando impulso narrativo con pasajes más descriptivos. Tras esta secuencia más movida, “Dinner Time” introduce una pausa tranquila que refleja la vida cotidiana del campamento. Entre los momentos más atmosféricos destacan “Night to Day” y “Waking Up”, que describen musicalmente la transición de la noche al amanecer y el despertar en el campamento con un tono más reposado.

El CD presenta también cortes de aire aventurero como “The Buffalo Quest”, mientras que “The Opening of the Rodeo” y “The Rodeo Games” introducen música rítmica y llena de energía, acompañando los números de rodeo. También en esa línea ligera y animada se sitúa “The Medicine Ball Game”. “The Deadwood Stage”, una de las piezas más largas del disco, adopta un carácter narrativo que acompaña el viaje en diligencia, mientras que “The Reward” sugiere el momento de resolución tras la aventura. Hacia el final llega “The Final Review”  una recapitulación ceremonial del espectáculo, mientras que “Farewell to the West” cierra el álbum con un aire de despedida que subraya la dimensión legendaria del mito de Buffalo Bill.

Un disco que destaca por su eficaz mezcla de música original y canciones tradicionales, alternando momentos de acción, pasajes contemplativos y melodías populares para recrear con eficacia el espíritu del espectáculo del Oeste americano.

Hoy en día, el CD es una pieza apreciada por coleccionistas y aficionados a las bandas sonoras poco convencionales, no solo por su rareza, sino también por la calidad musical que encierra.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

HIGH SPIRITS (George Fenton)

 HIGH SPIRITS (1988)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON

Tracklist:


1) High Spirits Overture (4:37)
2) Prologue & Main Title/Castle Plunkett (5:00)
3) Plunkett’s Lament/Prayers For Freedom (2:16)
4) Ghost Bus Tours (3:36)
5) Ghostly Reflections (1:04)
6) She is Far from the Land (1:39)
7) Bumps in the Knight (3:42)
8) Mary Appears/Windstorm/A Night for Lovers (5:27)
9) I Could Love You, Sir Jack/Shower Surprise (2:37)
10) Knight Time at Castle Plunkett (3:27)
11) The Wedding Night/Jack Saves Mary (2:34)
12) Restless Spirits/The Seastorm (6:12)
13) Madness on All Hallows Eve (4:41)
14) Falling in Love (4:22)
15) The Lovers Dance (Finale) (1:32)

Si tengo un propósito claro en los próximos tiempos es reivindicar la figura de George Fenton, compositor británico no siempre suficientemente valorado y que, en mi opinión, merece ser reconocido en toda su dimensión.

Si nos remitimos a la fecha de composición de esta banda sonora, nos situamos en uno de los momentos álgidos de la música de cine: la última gran época dorada, aproximadamente entre 1977 y 1999. En ese periodo, el nivel de calidad de las composiciones en Hollywood (y también en Europa) era realmente espectacular. En ese contexto, esta partitura de Fenton es, sin duda, una obra maestra que merece ser recuperada.

En mi caso, he vuelto a redescubrirla tras revisar nuevamente la película, una comedia muy irregular dirigida por Neil Jordan que pretendía satirizar el género de las casas encantadas. Ambientada en un hotel irlandés supuestamente embrujado que debe venderse para saldar deudas, su dueño —un excelente Peter O'Toole— contrata a varios actores para fingir ser fantasmas, aunque auténticos espíritus también rondan el lugar. El fantasma principal, Mary, está interpretado por Daryl Hannah.

La idea funciona con solvencia en el primer tercio del filme, pero posteriormente pierde fuerza, ya que el guion nunca termina de encontrar un foco claro. Se introducen múltiples tramas románticas y personajes secundarios poco desarrollados que debilitan la narración. El resultado es un producto desordenado y fallido en lo narrativo, pese a sus buenos acabados técnicos y, sobre todo, a la espléndida música de Fenton, que eleva el conjunto muy por encima de sus limitaciones cinematográficas. Publicada en su día por GNP Crescendo Records en LP y CD, hoy es una edición difícil de encontrar en formato físico (más accesible en digital). La partitura se grabó en Múnich con la Orquesta Sinfónica Graunke —que en aquellos años trabajaba con frecuencia en grabaciones de bandas sonoras— bajo la dirección del propio Fenton, y contó con la colaboración de solistas irlandeses como Paul Brennan (gaita irlandesa), Dermot Crehan (violín) y la vocalista Catherine Bott.

Como en los mejores tiempos de la banda sonora clásica, a lo Max Steiner, Fenton —que ya había colaborado con Jordan en The Company of Wolves— compuso varios leitmotivs que vertebran el conjunto y que son presentados en el primer corte, el increíble “High Spirits Overture”, una pieza que no aparece como tal en el filme —pues funciona más bien como suite de presentación— y en la que la orquesta y la energía contagiosa de los solistas marcan el rumbo memorable del trabajo.

Los distintos temas se desarrollan posteriormente a lo largo del CD. El tema del Castillo Plunkett (“Prologue & Main Title/Castle Plunkett”) es un motivo lírico y juguetón, cercano a un vals suave y refinado. Más adelante reaparece en “She Is Far from the Land”, donde se retoma en clave elegante y romántica.

Asimismo, encontramos el tema de Mary, de carácter melancólico y gran belleza, con una magnífica y cristalina interpretación vocal de Catherine Bott. De manera especialmente inspirada, el compositor combina el tema del castillo y el de Mary en “Plunkett’s Lament/Prayers for Freedom”, logrando uno de los momentos más emotivos del álbum. Este romanticismo también se prolonga en los dos últimos cortes del compacto: “Falling in Love” y “The Lovers Dance (Finale)”, este último recuperando por última vez el tema del castillo en un elegante cierre en compás de vals. También encontramos pasajes más atmosféricos, en los que se combina la electrónica con instrumentos acústicos y la propia orquesta para evocar lo espectral, como “Ghostly Reflections” o el inicio de “Mary Appears”.

Fenton ofrece igualmente bloques de acción que resultan espléndidos —en un autor que no se ha prodigado con frecuencia en el género—, como “Windstorm”, “The Wedding Night/Jack Saves Mary” y “Knight Time at Castle Plunkett”. No obstante, todo alcanza su apoteosis en el excepcional “Madness on All Hallows Eve”, un bloque repleto de energía, abundante percusión y poderosos metales que constituye, sin duda, una demostración plena de las habilidades de su creador.

Una obra variada y brillante, que destaca por su capacidad de evocar emociones diversas —desde la alegría y el humor hasta la ternura y el misterio—, siempre con influencias celtas o folclóricas, como en los estupendos “Ghost Bus Tours” o “Bumps in the Knight”, con melodías de clara raíz celta.

En definitiva, un trabajo descomunal que merece ser redescubierto y disfrutado —más aún en la actualidad—. Repleto de riqueza temática, exuberantes orquestaciones de sabor irlandés y un fino sentido del humor, constituye una demostración del talento extraordinario de su autor… al que probablemente vuelva en la siguiente entrada.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

TRON (Wendy Carlos)

 

TRON (1982)

Music Composed By WENDY CARLOS

Electronics performed By WENDY CARLOS

Orchestra Conducted By DOUGLAS GAMLEY

Tracklist:

1. Creation of Tron (0:49)
2. Only Solutions - performed by Journey (3:41)
3. We've Got Company (2:19)
4. Wormhole (2:29)
5. Ring Game and Escape (2:57)
6. Water, Music, and TRONaction (2:25)
7. Tron Scherzo (1:46)
8. Miracle and Magician (2:40)
9. Magic Landings (3:44)
10. Theme from Tron (1:37)
11. 1990's Theme - performed by Journey (2:08)
12. Love Theme (2:07)
13. Tower Music - Let Us Pray (3:47)
14. The Light Sailer (2:37)
15. Sea of Simulation (3:23)
16. A New Tron and the MCP (5:10)
17. Anthem (1:40)
18. Ending Titles (5:16)
19. TRONaction (1:29)
20. Break In (For Strings, Flutes and Celesta) (5:34)
21. Anthem for Keyboard Solo (1:09)

Hoy en este blog toca un clásico: nada menos que la obra maestra musical compuesta por Wendy Carlos para la película de ciencia ficción de 1982, Tron.

En su momento, la banda sonora se editó en vinilo y durante años no estuvo disponible en CD debido a disputas contractuales y al deterioro de las cintas maestras. Finalmente, en 2002, Walt Disney Records la reeditó en CD, que es la versión que comento hoy.

Wendy Carlos (nacida Walter en 1939) es una compositora y pionera de la música electrónica estadounidense, reconocida por haber introducido los sintetizadores en la música popular y cinematográfica. Alcanzó fama internacional con el álbum Switched-On Bach (1968), en el que reinterpretó obras de Johann Sebastian Bach mediante el sintetizador Moog, demostrando que la música electrónica podía ser artística y accesible al mismo tiempo.

Su trayectoria en el cine no fue muy extensa, aunque destacó por su doble colaboración con Stanley Kubrick en las innovadoras bandas sonoras de A Clockwork Orange y The Shining. Para Tron, Walt Disney buscaba algo igualmente innovador, y Carlos se incorporó al proyecto por tratarse de una película pionera, donde los creadores querían una banda sonora que fusionara música orquestal tradicional con sonidos electrónicos de manera experimental y visionaria. Fue además la primera colaboración de Carlos con su pareja, Annemarie Franklin. La música combina sintetizadores analógicos Moog y el raro sintetizador digital Crumar General Development System (GDS), junto con pasajes orquestales interpretados por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Douglas Gamley.

La banda sonora refleja plenamente el espíritu experimental de Carlos. Aunque en su idea inicial buscaba diferenciar el mundo real del digital mediante una separación entre música orquestal y sonidos electrónicos, terminó integrando ambos lenguajes de manera compleja, logrando una fusión de elementos sintéticos y orgánicos que, escuchada hoy, sigue siendo única y fascinante.

La partitura se articula en torno a dos temas principales y un tercero secundario, que no se desarrollan plenamente hasta el tramo final. El punto culminante llega en los créditos finales ("Ending Titles"), donde coro, orquesta, órgano y sintetizadores se integran de manera natural y eficaz.

La obra comienza con piezas oscuras e introductorias ("Creation of TRON") y alterna entre momentos electrónicos opresivos ("We've Got Company", "Wormhole"), marchas marciales ("Ring Game and Escape") y temas épicos y orquestales ("TRON Scherzo", "Theme from TRON"). Destacan también composiciones donde Carlos combina vanguardia electrónica y elementos acústicos ("Magic Landings"con un aire que recuerda a Ligeti, "A New TRON and the MCP"), demostrando su capacidad de crear música que puede funcionar de manera independiente al film. A lo largo de toda la partitura se mantiene un equilibrio perfecto entre innovación y tradición. La banda sonora culmina con piezas más accesibles y solemnes ("Anthem", "Ending Titles"), retomando el tema central con sintetizadores y órgano.

Por poner un pero, las aportaciones de la banda rock Journey ("Only Solutions", "1990's Theme") resultan algo desubicadas y hoy se sienten un tanto obsoletas.

En conjunto, Tron es una obra históricamente fundamental y una verdadera obra maestra que ha resistido con creces la prueba del tiempo.

THE MOUNTAINS OF THE MOON ( Michael Small)

THE MOUNTAINS OF THE MOON (1990)

Music Composed By MICHAEL SMALL

Tracklist

1. Main Title (01:41)
2. Journey (01:15)
3. Sandy Camp (01:36)
4. The Market (02:03)
(Traditional, arranged by Michael Small)
5. Escape to England (02:31)
6. Isabelle (02:38)
7. Return to Africa (02:14)
8. Mabruki and the Lion Shoot (03:54)
9. The Long Walk (01:37)
10. Burton Sings (The Lone Rock) (01:51)
(Traditional, arranged by Michael Small)
11. Desert Trek (04:12)
12. It's the Lake (00:50)
13. Poison Water (01:41)
14. Dark Caravan (03:12)
15. Ambush (00:45)
16. Ngola's Court (01:44)
17. Speke and the Great Lake (04:03)
18. Farewell to Mabruki (01:42)
19. Journey Home (02:06)
20. The Wedding (Isabelle's Theme) (01:26)
21. The Decision (02:11)
22. Burton's Theme (02:02)
23. Journey Finale (02:22)

Primera entrada dedicada al gran compositor Michael Small (1939–2003), destacado autor estadounidense especialmente activo durante las décadas de 1970 y 1980. Se caracterizó por un estilo versátil que combinaba jazz, música orquestal y minimalismo. Compuso bandas sonoras para películas emblemáticas como Klute (1971), The Parallax View (1974) y Marathon Man (1976), donde su música intensificaba la tensión psicológica. Fue colaborador habitual de directores como Alan J. Pakula y John Schlesinger, destacando siempre por su uso inteligente del silencio y las texturas sonoras para generar suspense.

La banda sonora que nos ocupa pertenece a su colaboración con Bob Rafelson, tras The Postman Always Rings Twice ("El cartero siempre llama dos veces", 1981) y Black Widow ("Viuda negra", 1987). Para esta película, la música adoptó un enfoque más orquestal y aventurero, siendo una de las pocas partituras de Small publicadas en álbum simultáneamente con el estreno del film. Asimismo, es una de las escasas partituras sinfónicas tradicionales que compuso a lo largo de su carrera. En su época, su sonoridad fue muy celebrada, acercándose en ocasiones a lo que podría haber firmado James Horner en la misma década.

El CD se abre con el espectacular tema principal, "The Journey", un leitmotiv muy horneriano que Small reutiliza más adelante, especialmente en el emotivo final: el corte reflexivo "The Decision" y su versión sublime en el arreglo de concierto de "Burton’s Theme". El último tema, "Journey Final", es una magnífica repetición ampliada del tema principal, con una orquesta más extensa.

Además de este tema central, el CD incluye un tema romántico: "Isabelle" y "La Boda", donde Small muestra su faceta más lírica, con flautas y arpas delicadas acompañadas por elegantes cuerdas, ambas culminando en finales de gran belleza. Estos momentos contrastan con los elementos africanos presentes en cortes como "Return to Africa", donde se mezclan tambores, maracas, instrumentos de viento y orquesta. También destacan las voces y coros en "The Long Walk", "Desert Trek", "Dark Caravan" y "Ngola’s Court".

El álbum presenta además una variación del tema africano: un motivo más ligero y acogedor para el personaje de Mabruki, guía de Burton y Speke, que aparece en "Mabruki and the Lion Shoot" y "Farewell to Mabruki". La música de acción, aunque escasa, se representa con intensidad en el breve pero impactante "Ambush".

Cabe destacar también las dos piezas de música incidental incluidas en el álbum: "The Market", un canto tribal africano tradicional con nuevos arreglos de Small, y "Burton Sings (The Lone Rock)", una versión vocal de la canción tradicional irlandesa Carraig Aonair, con gaita y flauta, interpretada por Patrick Bergin en su papel protagonista.

Michael Small dejó una huella duradera en el cine estadounidense gracias a su enfoque atmosférico e innovador. Con esta esta partitura que hoy reivindico, algunos tienen un excelente punto de partida para descubrir la obra de un compositor formidable y muy añorado.

DEADFALL (John Barry)

 DEADFALL (1968)

Music Composed And Conducted By

JOHN BARRY

Tracklist:

   1 My Love Has Two Faces (Vocal)

                       Vocals – Shirley Bassey 3:52
2 The Meeting 2:45
3 Statue Dance 2:44
4 The Last Deadfall 6:13
5 My Love Has Two Faces (Instrumental) 3:16
6 Romance For Guitar And Orchestra
Soloist [Guitar] – Renata Tarrago* 14:12
7 My Love Has Two Faces (Male Vocal) 3:32
8 My Love Has Two Faces (Instrumental Demo) 3:18

Clásico esencial de John Barry que nunca puse en el blog y hoy me apetecía especialmente, hoy escribo sobre Deadfall ,una obra maestra del compositor creada en un periodo especialmente inspirado de su carrera (recién acababa de componer  "Boom!" y  enlazaba con su obra magna "El león en invierno") marcando el punto culminante de su madurez creativa. Fue además la última de las seis colaboraciones entre John Barry y el director Bryan Forbes. 

Esta banda sonora fue publicada originalmente por el sello de 20th Century Fox en vinilo y fue reeditada en CD en 1997, por el mítico sello FSM con una versión ampliada que incluye tomas alternativas de la canción.

Rodada en Mallorca, la película presentaba a Michael Caine como un ladrón que, junto a Eric Portman, intenta asaltar una mansión mientras su dueño asiste a un concierto, es un film muy curioso, perjudicado por tramas paralelas que no ayuda y que resulta  ciertamente fallido, que si se sigue recordando es por la famosa secuencia de robo. Para ella Forbes propuso a Barry su mayor reto: Escribir un concierto para guitarra que acompañara una secuencia de robo de quince minutos sin diálogos.

Barry compuso la pieza “Romance para guitarra y orquesta”, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres con la guitarrista catalana Renata Tarragó como solista y el propio Barry dirigiendo. Forbes filmó la ejecución y la entrelazó con las imágenes del robo, creando una de las secuencias más originales de su tiempo logrando una de las fusiones más audaces entre música clásica y cine de la década de 1960.

Está pieza aparece en el sexto corte del CD ( originalmente abría la cara B del vinilo) “Romance para guitarra y orquesta” consta de dos movimientos: un andante, que sugiere el sigilo y la tensión del robo, y un largo, que gana intensidad a medida que la acción se complica. Los clímax orquestales acompañan momentos de riesgo y culminan con el tema principal interpretado por toda la orquesta...Es una pieza fabulosa y memorable que ya forma parte de las joyas del maestro. 

Ademas, el resto de la partitura es también de una altura enorme, girando en torno a un tema romántico, una canción singular e hipnótica titulada “My Love Has Two Faces”, con letra de Jack Lawrence e interpretada magistralmente por Shirley Bassey combina el lirismo característico del compositor con un tono melancólico y sofisticado., curiosamente en el CD aparecen dos cortes finales con versión alternativa , arreglo inicial diferente y voz masculina.

Esta melodía es utilizada por Barry en otros cortes, combinado ademas bloques de corte mas diegético ("Statue Dance" un delicioso corte bailable de ritmos sixty ), aunque mi momento favorito de esta obra opulenta y singular del maestro es el largo corte "The Last deadfall", una tema lleno de intriga y misterio, donde Barry llega a la cima de su minimalismo formal, repitiendo pequeños motivos musicales y creando capas de armonías y acorde misteriosos sensacionales. Compuesta en el mejor periodo de su carrera, Deadfall ocupa un lugar especial en la trayectoria de Barry, y aunque la película haya caído en el olvido, su música sigue siendo un testimonio de la ambición artística de Barry y su clara maestría en la musica de cine

Agradecimiento especial a Enrique Moreno 

NOTRE DAME DE PARIS: THE MUSIC OF MAURICE JARRE (Maurice Jarre)

 

NOTRE DAME DE PARIS

Music Composed By

MAURICE JARRE

The City of Prague Philharmonic Orchestra & Chorus

Conducted by
NIC RAINE













Tracklist:
CD 1:
World Premiere Recording
Symphonic Dances from NOTRE DAME DE PARIS
1.Prelude 2:13
2.Fête de fous (The Feast of Fools) 3:22
3.Grimace de Quasimodo (Entrance of Quasimodo) 2:01
4.Marche du roi – Le Tour de la ville (The King’s March) 2:35
5.La Belle et la Bête – Pas de deux (Beauty and the Beast) 5:46
6.La Cour des miracles (The Court of Miracles) 6:16

Maurice Jarre and the Orient Suite
7.TAI PAN – Overture 5:40
8.SHOGUN – Mariko’s Theme 3:36
9.SHOGUN – Tea and Jealousy 5:28
10.THE PALANQUIN OF TEARS 2:47

World Premiere Recording
THE MESSAGE – Concert Suite
11.The Declaration 2:09
12.The Hegira and Expulsion 2:57
13. Building the First Mosque 2:31
14.The Prayer and The Spread of Islam 4:41
15.Entry into Mecca 2:22

World Premiere Recording
THE BLACK MARBLE
16. True Romance (Dark Eyes) and End Titles 5:41

TT: 60:13

CD 2
A PASSAGE TO INDIA
1.Bombay March 2:34

THE PRINCE AND THE PAUPER (CROSSED SWORDS)
2.Main Title and The Prince and The Pauper 5:30

MOURIR A MADRID
3.To Die in Madrid 4:47

BEHOLD A PALE HORSE
4.Spain Regained 3:26
5.March from Behold a Pale Horse 2:52

World Premiere Recording
THE COLLECTOR – Concert Suite
6.The Collector / The Catch / End Titles Music 7:41

A WALK IN THE CLOUDS
7.The Harvest 2:56

World Premiere Recording
UPRISING – Concert Suite
8.Out of the Sewers / Uprising / I Am Lucky 8:00

POPE JOAN
9.Overture 4:18

World Premiere Recording
TWO BITS (unused score)
10.Two Bits 3:26

THE NIGHT OF THE GENERALS
11.Lieutenant General Tanz / On the Terrace at Versailles 4:01

THE BRIDE
12.THE BRIDE 4:40 PLAY

GIUBELIO – Cantata for Orchestra & Chorus
13.Heri (Yesterday) 4:05
14.Hodie (Today) 4:01
15.Semper (Always) 4:05

TT: 66:32



El genio francés Maurice Jarre regresa a nuestro blog, en esta ocasión con una regrabación que el sello Tadlow nos regaló hace unos años. Lamentablemente, este tipo de proyectos ya no se realizan con tanta frecuencia.

El propósito de este CD era rescatar al Maurice Jarre de los inicios de su carrera, una época en la que compuso una gran cantidad de música para teatro, conciertos y obras de cámara. Tres años después de su gran éxito con Lawrence de Arabia, en 1965, presentó la música para la producción de ballet Notre-Dame de Paris, de Roland Petit, basada en la obra de Victor Hugo. Este ballet es una de las composiciones más ambiciosas de Jarre, pero debido a sus grandes requerimientos orquestales y corales, rara vez se interpreta en su totalidad.

Este álbum de Tadlow incluye una suite de 22 minutos, con la que abre el primer CD. Se compone de seis movimientos basados en las danzas sinfónicas, destacando los momentos más memorables de la obra. La pieza es un testimonio del talento de Jarre y muestra una gran variedad de estilos, que incluyen pasajes vanguardistas y el dramatismo que caracteriza su trabajo cinematográfico.

La suite comienza con una apertura solemne en el "Prelude", donde el sonido de una campana de catedral marca el inicio. El siguiente movimiento, "Fête de fous", tiene un carácter agresivo, con una percusión sobresaliente. En el encantador "La Belle et la Bête – Pas de deux", la pieza ofrece una delicada y romántica danza para Quasimodo, muy típica del autor de Doctor Zhivago. El clímax dramático de la obra aparece en el corte "La Cour des miracles", un crescendo de tensión y belleza que demuestra la grandeza creativa de Jarre, quien en esos años se encontraba en pleno esplendor artístico.

El resto del primer CD está dedicado a obras memorables del autor, específicamente piezas relacionadas con Oriente, de ahí el título "Maurice Jarre and the Orient Suite". La colección de temas comienza con la obertura de Tai-Pan, una de sus obras maestras indiscutibles de la maravillosa década de los ochenta, la cual exhibe una grandiosidad única en su trabajo. De la serie televisiva Shogun aparecen dos temas: el delicado "Mariko’s Theme" y "Tea and Jealousy". La suite culmina con el tema final de The Palaquin of Tears, una pieza romántica y exótica, ambientada en un contexto chino. En todas estas piezas se aprecia el talento del compositor para incorporar instrumentos exóticos y percusión tradicional, dándole un matiz auténtico al conjunto.

Le sigue su nominación al Óscar en 1977 por Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), la ambiciosa película sobre el profeta Mahoma. Jarre fue seleccionado por su prestigio y el éxito de Lawrence de Arabia, pero en este trabajo la música de Jarre, excepcional, fue más allá, logrando una fusión del estilo sinfónico occidental con elementos auténticos árabes y obteniendo resultados insuperables.

El disco uno concluye con otra grabación inédita: Una suite corta de The Black Marble, una comedia de 1980 (no la conozco) para la que compuso una bonita danza de vals.

El segundo CD presenta una serie de composiciones que varían enormemente en estilo y tono. Se abre con el famoso "Bombay March" de A Passage to India, seguido por el tema principal de The Prince and the Pauper, con su leitmotiv vibrante, expansivo y maravilloso. También hay espacio para el lado más sutil e intimista de Jarre en dos cortes relacionados con la Guerra Civil Española: Mourir à Madrid, con su sutil tema de guitarras, y Behold a Pale Horse, una pieza tan sencilla como evocadora y elegante.

Más adelante encontramos el tema principal de The Collector, otra pieza maravillosa del maestro. Otros cortes memorables que se incluyen son la obertura de Pope Joan, con una melodía majestuosa y un toque litúrgico que realza la seriedad del tema, así como las composiciones de The Night of the Generals, The Bride, "The Harvest" de A Walk in the Clouds o el sombrío tema de Uprising, la última película para la que Jarre compuso.

Finalmente, Giubelio cierra el álbum con tres piezas encargadas por el Vaticano en el año 2000. Curiosamente, algunas de las piezas ya habían sido compuestas por Jarre para la película de ciencia ficción Solar Crisis, aunque esto no le resta espectacularidad a una obra que explora los contrastes entre la luz y la oscuridad.

En resumen: Este es un álbum sobresaliente, al que tenia ganas de volver y reivindicar, no solo por la reveladora suite de ballet, sino también por las diversas suites y temas de películas que permiten apreciar la amplitud y la riqueza de la música de Jarre.

THE ISLAND OF DR MOREAU (Laurence Rosenthal)

 

THE ISLAND OF Dr. MOREAU (1979)

Music Composed And Conducted By

LAURENCE ROSENTHAL

Tracklist :

1. Main Title/The Jungle [5:24]
2. Maria and Friend/After Dinner/Doctor's Study [4:18]
3. On the Beach/More Questions [5:40]
4. Forest Murmurs/Dr. Moreau's Zoo/Moreau Explains [5:28]
5. Maria and Andrew [3:05]
6. Bear Man/To the Cave/In the Garden/Tiger Fight/Dead Tiger [7:32]
7. To the House of Pain/Funeral Pyre [4:33]
8. Involution [3:44]
9. Braddock's Cage/The Humanimals [3:57]
10. Moreau's Death [2:41]
11. Man and Beast [2:18]
12. The Holocaust [1:30]
13. The Real Maria/End Credits [2:41]
14. Jungle Pursuit [1:34]
15. To the House of Pain [2:44]

Siempre quise escribir sobre esta magnífica banda sonora. Se trata del trabajo de Laurence Rosenthal para la versión cinematográfica de la novela de H.G. Wells de 1979. Ene sta ocasión fue rodada en color obviamente y contó con la participación de Burt Lancaster como el inquietante Dr. Moreau, quien ejecuta experimentos bizarros mezclando humanos y animales que luego viven sometidos a la ley creada por el científico. El film, del que guardo un discreto recuerdo, no lograba del todo un tono intenso, tal vez por la dirección de una mano gris como la de Don Taylor, que no supo sacar buen partido de la trama.

Con todo, hay un elemento que sobresale muchísimo en la película: La extraordinaria partitura de Laurence Rosenthal, que en esta ocasión se atrevió a dar un paso diferente en su carrera y acercarse al género de terror-fantástico, con unos resultados soberbios y superiores. En su época fue editada en un vinilo pirata...Y con la llegada del CD ya recibió adecuadamente ediciones a apropiadas.

Con "La isla del Dr. Moreau" (1977), Rosenthal salió de géneros más habituales y se puso a la obra de crear un fresco musical de misterio y terror, sumergiendo al oyente en una sinfonía, a la vez moderna y primitiva,("The hummanimals" ) que mezcla atonalidad,  ambiente tribal y un romanticismo temático( "The Island" bloque inicial que introduce al espectador en el misterio)...Es -en cierto modo- el "Planeta de los Simios" de Rosenthal, (bloques como "Forest Murmura/ Dr.Moreau,s  Zoo" "The Holocausto" o el memorable " The House Of Pain" con un trabajo a fondo de la percusión y sus toques a la" Bartók" ) son lo más cercano en orquestación y estilo al Goldsmith experimental que ha compuesto Rosenthal) más si tenemos en cuenta que es un compositor del que solemos estar más acostumbrados a escuchar composiciones más tonales y no tan agresivas...Y aquí también las hay, en concreto una melodía sencilla, que recuerda un poco el tema de amor de "Clash Of Titans") ("Maria And Andrew", retomada en cortes como "On the Beach") y que aparece como contraste mesurado entre explosiones de música agresiva y oscura de primera categoría.

SPY KIDS (Robert Rodriguez, John Debney, Danny Elfman,Gavin Greenaway, Heitor Pereira / Harry Gregson Williams)

 

SPY KIDS (2001)

Music Composed And Conducted By

ROBERT RODRIGUEZ,

 JOHN DEBNEY, 

DANNY ELFMAN, 

GAVIN GREENAWAY,

 HEITOR PEREIRA,

 HARRY GREGSON-WILLIAMS



Tracklist:

1) Gavin Greenaway / Heitor Pereira / Harry Gregson Williams – Cortez Family (01:39)

2) Danny Elfman – My Parents Are Spies (02:09)
3)  Los Lobos & Rodriguez, Robert – Spy Wedding (02:11)
4) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Kids Demonstration (01:07)
5) Debney, John / Elfman, Danny / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Parents On Mission (01:17)
6) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Kids Escape House (03:14)

7) John Debney / Danny Elfman / Harry Gregson Williams – Pod Chase (01:38)
8) Debney, John & Elfman, Danny – The Safehouse (00:47)
9) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – The Third Brain (01:00)
10) Danny Elfman – Buddy Pack Escape (01:39)
11) Robert Rodrigurez,David Garza & Tito Puente – Oye Como Spy (02:59)
12) Danny Elfman – Floop’s Song (Cruel World) (00:59)
13) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Go Round (02:11)
14) Boardman, Chris / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert – Minion (01:03)
15) Danny Elfman – Sneaking Around Machetes (00:36)
16) Debney, John & Elfman, Danny – The Spy Plane (01:29)
17) Chris Boardman – Floop’s Castle (01:29)
18) Harry Gregson-Williams – Final Family Theme (01:44)
19) Fonda – Spy Kids (Save The World) (02:20)

Hace años que quería escribir sobre la bso de esta película, que fue (y sigue siendo) una de las propuestas más divertidas de Robert Rodríguez en toda su filmografía. Spy Kids lograba fusionar una temática dirigida a niños con un homenaje a las películas de agentes secretos. Marcó el inicio de una curiosa tetralogía que Rodríguez, un director multifacético capaz de lo mejor y lo peor, que en esta ocasión pensó y diseñó un film para un público infantil que se hace muy ameno también para el espectador adulto.

Rodríguez, además de director, siempre ha demostrado ser un hombre orquesta que maneja muchas facetas del cine. Para este proyecto, decidió componer parte de la música por sí mismo, con la colaboración de varios compositores que aportaron su grano de arena. Lo más curioso es que, tanto en la película como en el estupendo CD de la banda sonora, la música resulta tan vibrante, ecléctica y llena de energía como la propia película. Además, tiene una unidad y coherencia sorprendentes, considerando que hasta seis compositores trabajaron en ella. Esta armonía sonora refuerza el espíritu lúdico y aventurero del film. También hay que señalar que algunos de ellos, especialmente John  Debney volverían a repetir experiencia con Rodríguez en las secuelas y en otras producciones de director.

Desde el primer instante, estamos ante un remix musical con una mezcla contagiosa de estilos, en primer logar temas de aire "Espionaje" de toda la vida (como un cruce entre John Barry y Lalo Schifrin) con acción trepidante en pistas como "Pod Chase" o "Parents on Mission", con orquestaciones ágiles y ritmos intensos, hasta pasajes más íntimos o cómicos que muestran la versatilidad de los compositores. La capacidad de este grupo de músicos para mantener una identidad sonora cohesiva, a pesar de la intervención de varios autores, es notable. Hay claras influencias del universo sonoro de Danny Elfman, especialmente en temas como "My Parents Are Spies" o "Floop's Song (Cruel World)", donde su toque orquestal y peculiar, con elementos excéntricos, es inconfundible. Estas piezas capturan perfectamente el encanto del villano Floop y la atmósfera de fantasía y peligro que rodea a los Cortez. También existe una enorme influencia latina en temas como "Cortez Family" o "Oye Como Spy" (una ingeniosa adaptación del clásico de Tito Puente "Oye Como Va", interpretada por Los Lobos junto a Robert Rodríguez y David Garza), canciones que ambientan la herencia cultural de los protagonistas y añaden un ritmo/ vitalidad esenciales para el dinamismo de la película...En un álbum divertido,  que funciona tanto dentro como fuera de la pantalla y que demuestra que a veces, el trabajo en conjunto, puede dar grandes resultados.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

ZULU DAWN (Elmer Bernstein)

 

ZULU DAWN (1979)

Music Composed And Conducted By

ELMER BERNSTEIN

Tracklist:

01. Morning & Main Title (00:59)
02. The Chase (02:06)
03. Regimental March (02:06)
04. River Ccrossing (04:47)
05. Scouting (01:03)
06. The Hunt (02:31)
07. Stand to (01:45)
08. Error (01:59)
09. Escape (01:31)
10. Zulus (02:30)
11. Men of Harlech (02:21)
12. More Zulus (04:28)
13. Glory (02:29)
14. Formation (02:34)
15. Into Battle (01:14)
16. Isandhlawana, Part 1 (02:13)
17. Isandhlwana, Part 2 (02:24)
18. Durnford (01:40)
19. Saving the Colors (03:48)
20. Aftermath (02:09)

Regresamos a Elmer Bernstein, esta vez para adentrarnos en su magnífica partitura para Zulu Dawn ("Amanecer Zulú", 1979), una película dirigida por Douglas Hickox. Este film funcionaba como una precuela del clásico Zulu (Cy Endfield, 1964) y narraba la trágica batalla de Isandlwana, donde las fuerzas británicas sufrieron una derrota completa a manos del ejército zulú. Aunque la película es bastante notable —con un reparto impresionante y una factura técnica impecable—, no logró alcanzar la fama ni el impacto de su antecesor.

En esta ocasión, Bernstein tomó el relevo de John Barry, cuya breve pero icónica banda sonora fue fundamental en la película original. La música que Bernstein compuso para Zulu Dawn adopta un enfoque claramente distinto: en ningún momento intenta imitar a Barry. De hecho, esta partitura pertenece a una etapa gloriosa de su carrera, cuando regresó con fuerza al sinfonismo tras una década —los años setenta— en la que trabajó en proyectos quizás menores. Sin duda, fue uno de los grandes beneficiados del renacer sinfónico impulsado por el éxito de Star Wars y el estilo orquestal de John Williams.

La partitura es, en mi opinión, sencillamente magnífica. Con orquestaciones memorables de Christopher Palmer (quien embellecía toda obra en la que participaba) e interpretada por la Royal Philharmonic Orchestra, esta banda sonora se erige como una de las grandes joyas del maestro.

Destaca por su uso de una orquesta sinfónica completa, con metales, cuerdas y percusión que evocan tanto el poder imponente del Imperio Británico como la energía vibrante del continente africano. Bernstein establece una contraposición brillante entre temas marciales británicos y ritmos tribales zulúes, logrando evitar caer en estereotipos y resaltando el profundo trasfondo cultural del conflicto.

Editada primeramente en un LP y posteriormente en dos ediciones en Compacto, el CD se abre con el breve tema “Morning”, con un destello de percusión que sugiere la calma de un amanecer africano....Es un corte muy "Bernstein", inmediatamente después, aparece “The Chase”, con tambores resonantes y un coro que imita las voces zulúes, aportando una gran intensidad. El “Main Title” establece el tono solemne del film con una mezcla imponente de coros y percusión. Temas como “The Chase” y “Final Attack” brillan por su dinamismo, capturando con gran eficacia la energía de las escenas de combate. Bernstein demuestra aquí su maestría para traducir el ritmo visual en un lenguaje musical envolvente.

Es un CD apoteósico donde también encontramos pasajes de carácter marcadamente patriótico, como “Regimental March” o el espléndido “River Crossing”, que inicia como una marcha vibrante y desemboca en una versión heroica del tema principal: uno de los momentos más destacados de toda la obra y un corte inolvidable también en la película. Otros cortes muy notables son “Escape”, que transmite el terror y la desesperación de la huida, desembocando en el enfrentamiento devastador de “Zulus”. Luego viene “More Zulus”, con una acción aún más vertiginosa e implacable, pero también con un destello de heroísmo y giros rítmicos electrizantes. “Formation” es otra poderosa pieza de batalla, con un coro masculino sin palabras que aporta una inmensa gravedad. Finalmente, el disco cierra con “Aftermath”, un lamento profundo hacia la muerte. 

Como ya comenté, es una de las grandes obras maestras de Bernstein, y la partitura mantiene un nivel sobresaliente de principio a fin, consolidándose como una de las mejores del género de acción y aventura de finales de la década de los setenta.

THE OTHER (Jerry Goldsmith)

 

THE OTHER (1972)

Music Composed And Conducted By 

JERRY GOLDSMITH

Tracklist:

1. Main Title (“The Other”) 1:39
2. Summer Fun 1:26
3. The Apple Cellar 3:07
4. The Well 2:20
5. The Flight 2:19
6. The Finger and Free Admission 1:35
7. The Game :56
8. The Ice Truck :58
9. Alexandra 2:03
10. The Pond 2:19
11. Mother Knows 3:38
12. The Portrait 1:21
13. The Cemetery 2:55
14. The Casket 5:26
15. No More Games and A Visit with Mother 4:05
16. Angel of Fire 3:06
17. End Title (“The Other”) 1:35
18. Oriental Source (Chan-Yu) 2:33
19. Main Title (“The Other”) (Alternate) 1:40

Regreso en este blog al gran Jerry Goldsmith, en este caso con la reciente edición en CD de una de sus obras maestras indiscutibles: Su excelente trabajo para el film de Robert Mulligan 'The Other'.

Estamos ante una de las partituras de terror más originales de Goldsmith y esta es la primera vez que aparece de modo completo, anteriormente fue lanzada en una suite extendida  junto con el score completo de "The Mephisto Waltz" en el ya lejano 1997...Finalmente es en esta edición Deluxe donde se presenta la banda sonora estéreo completa en una nueva restauración de audio que suena como si se hubiera grabado hoy.

En cuanto a la película para mi es un titulo interesante, pero sobrevalorado (es mi opinión, se que voy a la contra). Y que partiendo de un guion-libro de Tom Tryon y coprotagonizada por Uta Hagan y Diana Muldaur, creo que es un film bastante decepcionante para lo atrevido de su propuesta: A medio camino del drama y la historia de misterio, Mulligan rodó este curioso film, bastante desigual para los resultados reales que propone. Una historia curiosa sobre un niño y su (otro) hermano, que funciona más o menos a lo largo de su desarrollo, pero siempre está perjudicada por una vulgar, feísima y televisiva puesta en escena, con abuso de zoom in y zoom out casi por corte, amén de una total falta de valentía al abordar un tono realmente fantástico. Aun no entiendo la fama que tiene, aunque sin duda lo mejor se encuentra en la magnífica partitura de Jerry Goldsmith que sustenta el film y su credibilidad por sí solo.

El maestro estaba en la cima creativa (¿alguna vez no lo estuvo en el periodo 1960-1990?) y logró combinar los polos opuestos del film en una unidad perfecta: Hermosa música para el nostálgico escenario de la película y la intimidad de la infancia y melodías oscuras para los horrores indescriptibles de las revelaciones de la historia. Banda sonora que referencia la dualidad de los hermanos. Parte de un tema principal de una belleza melancólica irreprochable: Inocencia y nostalgia del entorno rural (" Main Title -The Other”). Un leitmotiv a menudo interpretado con instrumentos de cuerda y piano, establece una atmósfera lírica y entrañable ("Summer Fun", con aire a lo Elmer Bernstein), donde la música navega fluidamente en la calidez de la infancia ("Alexandra", "The Aple Cellar" ) que contrasta fuertemente con los horrores que se van revelando en la trama donde aparecen melodías oscuras y disonantes para el terror,  en bloques como "The Game" o el sublime "The Cemetery"...Donde el maestro sabe generar un escalofrío del misterio a través de sus armonías.

Esta edición añade además música más incidental y diegética también fabulosa (como el corte de la feria titulado "Oriental Source (Chan-Yu)") que deja el sabor global de un trabajo maravilloso, original y admirable que vale la pena escuchar muchas veces.