THE FIELD (Elmer Bernstein)

 

THE FIELD (1990)
Music Composed And Conducted By
ELMER BERNSTEIN

















Tracklist:

1 The Land 5:43
2 The Bird 2:18
3 To The Field 4:58
4 St. Anger 3:46
5 Auction 2:11
6 Revelation 5:08
7 Killing 2:59
8 The Widow and the Dance 1:51
9 Questions 2:33
10 Caravan 1:31
11 The Church 1:55
12 Discovery 2:54
13 The Cliffs and the Sea 3:16
14 Credits 3:46



Volvemos en este bonito mes de abril a Elmer Bernstein en este caso con una enorme banda sonora que compuso en la década de los 90 cuando su nombre volvió a llenarse de prestigio en una última etapa de su carrera verdaderamente maravillosa. Titulada en España "El Prado", "The Field" fue un intenso drama dirigido por Jim Sheridan, ambientado en la Irlanda rural de los años 30. 
La música de Elmer Bernstein, se centró en el drama humano y la lucha interior del protagonista... Utilizando elementos musicales Irlandeses pero sin abusar de ellos, combiando orquesta, ( con las inevitables ondes martenot ) y gaitas irlandesas en una composición de gran fuerza, que siempre se muestra al servicio del relato creando una atmósfera sombría.
Banda sonora que muestra/ demuestra como Bernstein, además a la de ser un buen creador de leitmotivs siempre tuvo gran capacidad para expresar emociones con certeza y a la vez siendo sutil.

Este fue uno de esos trabajos que aún fueron editados por el sello Varese en doble formato ( LP y CD) , se abre con el tema principal ("The Land") especialmente bello , establece comienzo la atmósfera sombría y poco convencional que Bernstein buscaba: la orquesta suena introspectiva, mientras las gaitas y los elementos electrónicos evocan un eco lejano y antiguo. Cuando el tema principal emerge, resulta de una belleza impactante, con un lirismo pastoral que reaparece con frecuencia a lo largo de la partitura.y aparece a lo largo de la banda sonora, que alterna momentos líricos con pasajes oscuros e intensos. A medida que McCabe pierde la cordura por su obsesión con el terreno, la música se vuelve más dramática, culminando en un final devastador que refleja su destrucción mental y personal.

Aunque el tema central es importante, la banda sonora no se limita a una sola idea. Bernstein combina cuerdas, metales, maderas, percusión, gaitas, ondes martenot y electrónica con gran flexibilidad emocional, pasando con rapidez de tonos ligeros a una oscuridad trágica. Esta variedad refleja el deterioro mental de McCabe y su obsesión creciente.
Entre los cortes destacados están “The Bird”, con energía y ritmos danzantes; “To the Field”, de carácter fúnebre; y “Stranger”, que introduce al rival estadounidense (Tom Berenger) con metales marciales. Piezas como “Auction”, “Killing” y “The Church” intensifican el dramatismo con metales contundentes, percusión agresiva y pasajes sombríos del tema principal en el más puro estilo del compositor Americano, que deja para el clímax  el corte “The Cliffs and the Sea” donde la música se vuelve intensa y desgarradora, utilizando potentes metales, percusión implacable y gaitas inquietantes para subrayar la tragedia y la caída en la locura del protagonista, el corte final del CD se titula “Credits” retomando el tono inicial y ofreciendo una  hermosa aparición del tema principal.

PICNIC (George Duning)

 

PICNIC (1955)

Music Composed By GEORGE DUNING

Conducted By
MORRIS STOLOFF













Tracklist:

1) Love Theme2:38
2) Hal's Theme1:58
3) The Owens Family4:15
4) Flo And Madge4:29
5) Hal's Boots2:17
6) Moonglow And Love Theme3:49
7) It’s A Blue World - Torn Shirt (Part 1)5:02
8) Torn Shirt (Concluded) - Hal's Turmoil 6:38
9) Rosemary Pleads - Rosemary Alone2:15
10) Culmination - Hal's Escape5:56
11) That Owens Girl - Millie1:35
12) You Love Me - Madge Decides 5:41

Entrada dedicada nuevamente a un clásico de la banda sonora americana: El compositor George Duning y su trabajo para el film Picnic (1955), dirigido por Joshua Logan.

Nacido en Indiana, Duning se formó en Cincinnati bajo la tutela de Mario Castelnuovo-Tedesco y se curtió tocando la trompeta en la orquesta de Kay Kyser. Morris Stoloff, productor musical de esta banda sonora clásica, lo incorporó a Columbia Pictures en 1946, donde Duning reinó como compositor de la casa. Entre sus títulos más emblemáticos se encuentran Bell, Book and Candle, Cowboy o 3:10 to Yuma, todas ellas ya comentadas anteriormente en este blog, además de desarrollar más tarde una extensa labor en televisión en series como The Naked City, The Big Valley o Star Trek.

Volviendo al film, nos encontramos ante un melodrama romántico de mediados de los años cincuenta y un clásico absoluto del género. La película consagró a William Holden y Kim Novak como pareja protagonista. Su estructura no oculta el origen teatral del material, pero está dirigida con elegancia y talento por Joshua Logan, de quien conviene recordar también la excelente "Bus Stop" . La trama narra un amor a primera vista entre un vagabundo que desea dejar atrás su vida disoluta (Holden) y la reina de la belleza de una ciudad de provincias (Novak), que oculta tras su fachada una profunda soledad. Todo ello se articula con gran refinamiento, apoyado por un magnífico conjunto de personajes secundarios —destaca una inmensa Rosalind Russell— y por algunas secuencias ya míticas, como el célebre baile nocturno entre Novak y Holden, auténtica antología de la historia del cine en la que la música de Duning cobra un papel esencial.

Y es que estamos ante una de las partituras más memorables del cine clásico estadounidense, repleta de delicadeza. Para ella, el maestro adoptó un enfoque de lirismo siempre contenido, elegante sin excederse, partiendo de melodías sencillas pero profundamente expresivas. El tema principal de Picnic ("Love Theme") es romántico y a la vez nostálgico, atravesado por una leve melancolía que, en el fondo, representa la tristeza de ambos protagonistas: La joven insatisfecha (Kim Novak) y el hombre que acaba de abandonar la juventud y empezar a entrar en la madurez (William Holden). A lo largo del film, este tema reaparece en distintas variaciones, adaptándose a los cambios emocionales de la historia -llegó incluso a adquirir popularidad fuera de la película- siendo regrabado por otros artistas.

Elmdisco muestra la maestría de Duning, donde tenemos cortes memorables ( "Culmination - Hal's Escape")  secuencia de persecución particularmente brillante, con el desenlace y una versión orquestal del gran tema de la seducción... Además obviamente de uno de los momentos más emblemáticos del film:  La escena del baile entre Kim Novak y William Holden, donde música e imagen se funden de manera casi inseparable. Duning construye aquí una atmósfera sensual y fluida, interpolando dos melodías simultáneamente —"Moonglow" y el tema de "Picnic"— en un pasaje que demuestra su delicadeza y maestría orquestal, sin subrayados evidentes, acompañando el despertar del deseo de forma natural y profundamente cinematográfica.

La banda sonora de Picnic consolidó a George Duning como uno de los grandes compositores y le valió una nominación al Óscar, demostrando que la contención, la elegancia y la sensibilidad podían ser tan poderosas como la grandilocuencia orquestal.

INTERRABANG (Berto Pisano)

INTERRABANG (1969)

Musiche di

BERTO PISANO

Tracklist:

1) A Piedi Nudi Sulla Spiaggia
2) La Scogliera Dell'amore
3) Il Colore Degli Angeli
4) Tema Di Valeria
5) Sabbia E Mare
6) Little Snack Bar
7)...e Il Sole Che Scotta
8) Tramonto Sulla Scogliera
9)La Vallata Sommersa
10) Luci Sulla Baia
11) Tema Di Valeria (2)
12)  Tema Di Valeria (3)
13) Tema Di Valeria (4)

Empezamos este nuevo año con una banda sonora que llevaba mucho tiempo queriendo analizar en el blog. Se trata de la composición del músico italiano Berto Pisano para la película Interrabang, una producción italiana de 1969 dirigida por Giuliano Biagetti, que, por desgracia, nunca he tenido ocasión de ver. Al parecer, estamos ante un drama erótico que necesitaba una banda sonora llena de sensualidad, capaz de transmitir la atmósfera del film con una sensibilidad musical sutil y elegante. La banda sonora fue editada originalmente en vinilo en su época, posteriormente reeditada en CD hace ya bastantes años y, más recientemente, ha vuelto a aparecer en una nueva reedición en vinilo.


Su compositor, Berto Pisano (nombre real Umberto Pisano), fue un compositor, arreglista y director de orquesta italiano, nacido el 13 de octubre de 1928 en Cagliari (Cerdeña) y fallecido el 29 de enero de 2002 en Roma. Comenzó su carrera como músico de jazz, principalmente como contrabajista y trompetista, colaborando con figuras destacadas de la escena italiana antes de orientarse definitivamente hacia la composición. Es especialmente recordado por su trabajo en bandas sonoras de cine y televisión, con más de 50 partituras para películas y series, sobre todo dentro de los géneros thriller, policíaco, terror y comedia italiana de los años sesenta y setenta. Su estilo se caracteriza por orquestaciones elegantes, un uso expresivo de las cuerdas y una cuidada fusión de jazz, pop y música orquestal.

Volviendo al CD, se trata de una banda sonora no muy extensa, pero que constituye un ejemplo destacado del estilo lounge italiano de finales de los años sesenta.

Ya desde el primer corte, donde se introduce el tema principal (A piedi nudi sulla spiaggia), se repiten múltiples variaciones a lo largo de la banda sonora. Es prácticamente una BSO monotemática que, sin embargo, no da la sensación de serlo, gracias a los constantes arreglos que combinan instrumentación acústica —flauta, oboe, guitarra y cuerdas— con ritmos suaves de jazz. Aunque la partitura nunca adopta un tono excesivamente dramático, su elegancia y su marcado color mediterráneo refuerzan la estética visual de la película.

Pisano crea un paisaje sonoro evocador y atmosférico que acompaña las escenas de misterio, sol y mar del film. Predominan sonoridades suaves y refinadas: las cuerdas ofrecen un colchón fluido sobre el que se despliegan melodías claras y seductoras, con influencias de latin jazz y bossa nova. La presencia de la vocalista Edda Dell’Orso, con su voz cristalina, añade un sello distintivo y aporta una textura etérea que embellece muchos de los temas. De hecho, Pisano sabe utilizar muy bien los recursos vocales de la cantante, logrando un trabajo que no tiene nada que envidiar a las míticas colaboraciones entre Ennio Morricone y Edda Dell’Orso.

Un CD que se escucha del tirón, una auténtica delicia, y que se puede volver a disfrutar en bucle gracias a su equilibrada fusión de jazz italiano, estilos latinos y un refinado andamiaje orquestal.

HEART OF THE STAG (Leonard Rosenman)

HEART OF THE STAG (1984)

Music Composed And Conducted By

LEONARD ROSENMAN

Tracklist:

1) Opening Titles / Father and Daughter (3:38)
2) Peter and Cathy / Cleaning the Rifle (3:52)
3) Seeing the Stag / Hunting Story (4:25)
4) Herding The Sheep (3:06)
5) Memories / Kathy Looks in the Mirror (3:10)
6) Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:50)
7) Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:06)
8) Final Chase and The Stag Attacks (7:13)
9) Finale (2:41)
10) Lenny and The Band (3:28)

Regreso al gran maestro Leonard Rosenman con su magnífica partitura —editada en CD— para el filme Heart of the Stag, una película dirigida por Michael Firth y estrenada en 1984. La historia narra la vida de Peter (Bruno Lawrence), un trabajador rural en Nueva Zelanda que descubre que Robert (Terence Cooper), el granjero para quien trabaja, mantiene desde hace años una relación incestuosa con su hija Cathy (Mary Regan). A medida que Peter se involucra emocionalmente con Cathy, se ve obligado a enfrentar la oscura y turbulenta dinámica familiar. La película aborda el tabú del incesto con notable sensibilidad y honestidad, lo que le valió el reconocimiento de la crítica en su momento.

Es una película que no he tenido la oportunidad de ver, pero que parece un terreno perfecto para que Leonard Rosenman compusiera una partitura notable. En ella mezcla tonalidades tiernas, melódicas y melancólicas con su característica atonalidad agreste y sin concesiones. No es una obra extensa —apenas unos 35 minutos—, y el CD se completa con un corte jazzístico titulado “Lenny and the Band”.

El primer tema del disco nos presenta el motivo principal (“Opening Titles / Father and Daughter”), que comienza con el sonido de una caja de música y luego desarrolla un leitmotiv de belleza dolorosa, muy típico del maestro. Es un corte que recuerda al tema principal de Sybil, con un enfoque que combina pasajes melódicos y sensibles con elementos más disonantes. No es una banda sonora complaciente: los cortes alternan momentos de lirismo con otros perturbadores, conectando con la sonoridad clásica del compositor tanto en el drama psicológico (The Cobweb, The Chapman Report, Sybil) como en el cine fantástico (hay momentos que recuerdan a The Car o Prophecy).

Es una banda sonora que nos rodea con texturas ásperas, cuerdas que parecen gritar de dolor y armonías cortantes como cristal...Para de vez en cuando aparecer el lado más lírico de Rosenman, que brilla con fuerza aquí, (y también están las inevitables pirámides tonales), pero siempre bajo ese dolor musical que expresa el maestro hay música realmente hermosa (como en “Attempted Rape / Mother’s Death”). Es una partitura cargada de contrastes: tensión, intimidad, drama, persecución y violencia emocional. Temas como “Final Chase and the Stag Attacks” o “Hunting the Stag / Murderous Thoughts” transmiten una intensidad dramática que subraya la oscuridad del relato.

EXODUS (Ernest Gold)

 

EXODUS  (1960)

Music Composed By ERNEST GOLD

Conducted By NIC RAINE

Tracklist:

CD 1)

01. Prelude (2:42)
02. Summer in Cyprus (1:55)
03. Escape / The General (2:06)
04. Ari (3:49)
05. On the Beach* (2:06)
06. The Tent – Karen / Lorries / The Convoy* (4:13)
07. The Star of David* (0:40)
08. Odenheim’s Death / Karen’s Story *(4:02)
09. Approaching Haifa / The Oath* (3:03)
10. Kitty *(2:02)
11. Akiva’s Hideout (1:41)
12. Love is Where You Find It / The Valley of Jezreel * (6:08)
13. Yad El / He is Dead* (2:26)
14. Goodbye / Intermission Music – Fight for Survival (2:44)
15. Karen’s Father (In Jerusalem) ((3:51)
16. Akiva’s Arrest* (3:21)
17. Execution Chamber / Don’t Let My Brother Die* (1:36)
18. Acre Prison / The Chess Game (Conspiracy)* (5:41)
19. D-Day / The Bombs (Prison Break)* (7:43)

CD 2)

01. The Arsenal* (1:26)
02. The Operation *(1:47)
03. Children on the Hill* (2:04)
04. Dawn / Finale – The Fight for Peace (6:45)
05. Exit Music - Hatikvah (3:30)
06. EXODUS – This Land is Mine (Lyrics by Pat Boone) (2:20)

BONUS TRACKS
07. IT’S A MAD, MAD, MAD, MAD WORLD - Exit Music (2:06)
08. SHIP OF FOOLS = Candlelight and Silver Waltz (5:11)
09. JUDITH – Main Title Music - Sol Kaplan (4:09)

Suite from QB VII Composed by Jerry Goldsmith
10. Main Title (2:02)
11. The Holocaust (2:52)
12. Visit to the Sheikh (2:14)
13. The Wailing Wall (3:15)
14. Kaddish for the Six Million (3:20)

SCHINDLER’S LIST - John Williams
15. Schindler’s List (4:18)
16. Remembrances (5:55)

17. CAST A GIANT SHADOW – Prelude - Elmer Bernstein (3:00)
18. CAST A GIANT SHADOW – Land of Hope - Elmer Bernstein (3:21)
19. EXODUS - Rhapsody for Cello and Orchestra (6:56)
20. EXODUS – Concert Overture (4:28)

Parece mentira, pero en todos estos años no había abordado nada del gran Ernest Gold. Por eso, creo apropiado reivindicar esta regrabación de su obra más conocida: Exodus, la película dirigida por Otto Preminger que lo catapultó al estrellato musical, a pesar de que ya llevaba muchos años "picando piedra" en Hollywood.

Nacido como Ernst Gold en Viena, Austria (13 de julio de 1921 – Santa Mónica, California, 17 de marzo de 1999), fue un compositor austriaco naturalizado estadounidense. Compuso cerca de un centenar de partituras originales para cine y televisión entre 1945 y 1992, además de un musical para Broadway en 1968: I'm Solomon (Soy Salomón). También incursionó en la música clásica, con piezas como un concierto para piano, un cuarteto de cuerdas y una sonata para piano.

El doble CD que nos ocupa representa la mejor y más completa versión de la banda sonora de Exodus, que ganó el Óscar y, en 1961, el Grammy a la "Canción del Año".

La música regrabada, al presentarse en su totalidad, resulta una auténtica revelación. Más allá del célebre tema principal, el resto de la partitura había recibido escasa atención en grabaciones anteriores, y su calidad solía sonar discreta. Además, gran parte de la música fue recortada o directamente eliminada en el montaje final de la película. Esta edición nos permite disfrutar de una partitura magistral y muy variada, que el sello Tadlow regrabó con precisión y respeto.

El compacto se abre con el "Prelude", que introduce el inolvidable tema principal de Gold: una melodía mítica que musicaliza el viaje a la "tierra prometida". Es uno de los temas más conocidos y grabados de la historia del cine, y aquí recupera todo su esplendor en una versión robusta y noble. Este leitmotiv aparece también en otras variaciones y arreglos como "Ari" y "Akiva´s Hideout" o en "The Valley of Jezreel" donde recibe un desarrollo más extenso.

Gold no se limitó al tema principal. Compuso también una delicada melodía titulada Karen, que aparece por primera vez en "The Tent" interpretada por un acordeón solista, y que luego retoma toda la orquesta. Este leitmotiv también se emplea con gran sensibilidad en "Karen’s Father". Por otro lado, Gold demuestra su habilidad para el dramatismo con pasajes orquestales intensos como "The Bombs" o "The Conspiracy".

Dado que se trataba de una superproducción de larga duración, la grabación incluye los cortes correspondientes al intermedio (Intermission) y a la salida de sala (Exit Music). Incluso en esta banda sonora de tono tan épico hay espacio para piezas más ligeras, como Kitty, de aire lounge, que aporta frescura y contraste al conjunto. La partitura, profundamente emotiva, también refleja una esencia judía a través del uso de escalas y armonías características de la música hebrea.

Como es habitual en Tadlow, el CD doble incluye generosos bonus. En este caso, se suman piezas adicionales de Ernest Gold, como dos cortes de sus emblemáticas "It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World" y "Ship of Fools". También se presentan selecciones de películas con una temática similar, como "Judith" de Sol Kaplan, una magnífica suite de "QB VII" (con música de Jerry Goldsmith), la mítica "Schindler’s List" de John Williams, e incluso un corte de Elmer Bernstein con espíritu judío: Cast a Giant Shadow. Todo esto convierte a este doble compacto en una edición de gran valor musical y cultural.

El cierre perfecto llega con un regreso a la música de Gold para Exodus, incluyendo la excelente "Rapsodia para violonchelo y orquesta" y la "Obertura de concierto", ambas desarrolladas a partir de su partitura original.

ZULU DAWN (Elmer Bernstein)

 

ZULU DAWN (1979)

Music Composed And Conducted By

ELMER BERNSTEIN

Tracklist:

01. Morning & Main Title (00:59)
02. The Chase (02:06)
03. Regimental March (02:06)
04. River Ccrossing (04:47)
05. Scouting (01:03)
06. The Hunt (02:31)
07. Stand to (01:45)
08. Error (01:59)
09. Escape (01:31)
10. Zulus (02:30)
11. Men of Harlech (02:21)
12. More Zulus (04:28)
13. Glory (02:29)
14. Formation (02:34)
15. Into Battle (01:14)
16. Isandhlawana, Part 1 (02:13)
17. Isandhlwana, Part 2 (02:24)
18. Durnford (01:40)
19. Saving the Colors (03:48)
20. Aftermath (02:09)

Regresamos a Elmer Bernstein, esta vez para adentrarnos en su magnífica partitura para Zulu Dawn ("Amanecer Zulú", 1979), una película dirigida por Douglas Hickox. Este film funcionaba como una precuela del clásico Zulu (Cy Endfield, 1964) y narraba la trágica batalla de Isandlwana, donde las fuerzas británicas sufrieron una derrota completa a manos del ejército zulú. Aunque la película es bastante notable —con un reparto impresionante y una factura técnica impecable—, no logró alcanzar la fama ni el impacto de su antecesor.

En esta ocasión, Bernstein tomó el relevo de John Barry, cuya breve pero icónica banda sonora fue fundamental en la película original. La música que Bernstein compuso para Zulu Dawn adopta un enfoque claramente distinto: en ningún momento intenta imitar a Barry. De hecho, esta partitura pertenece a una etapa gloriosa de su carrera, cuando regresó con fuerza al sinfonismo tras una década —los años setenta— en la que trabajó en proyectos quizás menores. Sin duda, fue uno de los grandes beneficiados del renacer sinfónico impulsado por el éxito de Star Wars y el estilo orquestal de John Williams.

La partitura es, en mi opinión, sencillamente magnífica. Con orquestaciones memorables de Christopher Palmer (quien embellecía toda obra en la que participaba) e interpretada por la Royal Philharmonic Orchestra, esta banda sonora se erige como una de las grandes joyas del maestro.

Destaca por su uso de una orquesta sinfónica completa, con metales, cuerdas y percusión que evocan tanto el poder imponente del Imperio Británico como la energía vibrante del continente africano. Bernstein establece una contraposición brillante entre temas marciales británicos y ritmos tribales zulúes, logrando evitar caer en estereotipos y resaltando el profundo trasfondo cultural del conflicto.

Editada primeramente en un LP y posteriormente en dos ediciones en Compacto, el CD se abre con el breve tema “Morning”, con un destello de percusión que sugiere la calma de un amanecer africano....Es un corte muy "Bernstein", inmediatamente después, aparece “The Chase”, con tambores resonantes y un coro que imita las voces zulúes, aportando una gran intensidad. El “Main Title” establece el tono solemne del film con una mezcla imponente de coros y percusión. Temas como “The Chase” y “Final Attack” brillan por su dinamismo, capturando con gran eficacia la energía de las escenas de combate. Bernstein demuestra aquí su maestría para traducir el ritmo visual en un lenguaje musical envolvente.

Es un CD apoteósico donde también encontramos pasajes de carácter marcadamente patriótico, como “Regimental March” o el espléndido “River Crossing”, que inicia como una marcha vibrante y desemboca en una versión heroica del tema principal: uno de los momentos más destacados de toda la obra y un corte inolvidable también en la película. Otros cortes muy notables son “Escape”, que transmite el terror y la desesperación de la huida, desembocando en el enfrentamiento devastador de “Zulus”. Luego viene “More Zulus”, con una acción aún más vertiginosa e implacable, pero también con un destello de heroísmo y giros rítmicos electrizantes. “Formation” es otra poderosa pieza de batalla, con un coro masculino sin palabras que aporta una inmensa gravedad. Finalmente, el disco cierra con “Aftermath”, un lamento profundo hacia la muerte. 

Como ya comenté, es una de las grandes obras maestras de Bernstein, y la partitura mantiene un nivel sobresaliente de principio a fin, consolidándose como una de las mejores del género de acción y aventura de finales de la década de los setenta.

L,HOMME PRESSE/LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (Carlo Rustichelli)

-L,HOMME PRESSE (1977)

-LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (1978)

Musique de

CARLO RUSTICHELLI

Tracklist:


01. Generique – La quietude (1:53)02. L’Homme presse [Theme 2] (2:29)
03. L’Homme presse [L’affrontement] (1:32)
04. L’Homme presse [Theme 3] (3:28)
05. L’Homme presse [Venise] (0:56)
06. L’Homme presse [Les fouilles] (1:11)
07. L’Homme presse [L’Afrique] (0:58)
08. L’Homme presse [L’appartement] (1:35)
09. L’Homme presse [La course] (1:09)
10. L’Homme presse [Le cardiologue] (1:15)
11. L’Homme presse [Theme d’amour] (1:54)
12. L’Homme presse [Le vase Etrusque] (1:33)
13. L’Homme presse [La naissance] (1:27)
14. L’Homme presse [Vente aux encheres] (1:35)
15. Generique fin – La conquete (2:07)
16. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique] (1:43)
17. Le beaujolais nouveau est arrive [La banlieue] (2:03)
18. Le beaujolais nouveau est arrive [L’aventure] (2:15)
19. Le beaujolais nouveau est arrive [Le restaurant] (2:05)
20. Le beaujolais nouveau est arrive [La quete] (2:50)
21. Le beaujolais nouveau est arrive [L’idylle] (1:26)
22. Le beaujolais nouveau est arrive [La bagarre] (2:10)
23. Le beaujolais nouveau est arrive [Sacre Gaston] (0:58)
24. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique fin] (3:12)



Llevaba mucho tiempo sin compartir en este blog una banda sonora de Carlo Rustichelli, así que aprovecho para presentar un CD editado, ya hace unos años, por Music Box Records que incluye dos de sus trabajos: L'Homme pressé (El hombre apresurado, 1977), dirigida por Édouard Molinaro, y Le beaujolais nouveau est arrivé (Ha llegado el Beaujolais nuevo, 1978), dirigida por Jean-Luc Voulfow.

Basada en la novela del escritor francés Paul Morand, L’Homme pressé contaba la historia de un ocupado marchante de antigüedades parisino luchando contra el paso del tiempo, viviendo cada momento de su existencia al máximo. La película estaba protagonizada por Alain Delon, Mireille Darc, Michel Duchaussoy y Monica Guerritore. Contiene una banda sonora de Carlo Rustichelli que pivota siempre desde un fuerte tema melancólico que se presenta en diversas variaciones. Tema muy emotivo, ("L’Homme presse -L’affrontement") permite que la música se adapte a las diferentes emociones y situaciones del protagonista. La música de Rustichelli subraya la energía, pero también la posible tristeza o reflexión que puede surgir de esa constante prisa. La introducción del motivo principal (" Genèrique- La quietude") en el primer corte tiene un aire bucólico que Rustichelli transforma rápidamente en una melodía profundamente melancólica, cuyas primeras notas incluso pueden recordar a una de las obras más conocidas del compositor: "Bubu de Montparnasse".

Y es que durante los años setenta, hubo una corriente interesante entre compositores que trabajaban en bandas sonoras, basándose en un único tema principal que luego se reutilizaba en diferentes orquestaciones y tonos. Rustichelli, en estos dos trabajos, emplea este sistema de manera brillante. Logrando da un carácter especial a cada corte mediante sutiles cambios en la orquestación y en los instrumentos, haciendo que suene prácticamente como nuevo en cada pieza. Una banda sonora que resume el lirismo apasionado y, a la vez, sutil de este magnífico compositor.

Por otro lado, el trabajo presentado para "Le Beaujolais nouveau est arrivé" era para una road movie al estilo francés, vagamente basada en la novela homónima de René Fallet. Película protagonizada por Jean Carmet, Michel Galabru y Pierre Mondy...Y aquí también una melodía recurrente, descrita como un “ritornello muy ligero”( "La Banlieule"). Esta melodía funciona como un hilo conductor musical que acompaña las aventuras del trío protagonista  durante su viaje por carretera.

Este ritornello adquiere un carácter ligero,  alegre o incluso un poco nostálgico, para encajar con el tono de comedia y aventura de la película. Es una melodía sencilla y pegadiza que evoca la sensación de recorrer la campiña francesa, descubriendo nuevos lugares ( "La Quete") y viviendo experiencias juntos.

En resumen, un par de trabajos excelentes que me permiten retornar a escribir sobre este gran compositor, demostrando nuevamente la grandeza sin par de Rustichelli.

MEGALOPOLIS (Osvaldo Golijov)

MEGALOPOLIS

Music Composed By

 OSVALDO GOLIJOV

Tracklist :

New Rome (6:03)
The Map of Utopia (5:30)
The Catilinarian Conspiracies (3:05)
Suor Angelica: Senza mamma, o bimbo, tu sei morto (1:15)
Noir Love (4:34)
Kiss in the Heights (2:03)
Saturnalia: The Unveiling of Megalopolis (4:47)
Sunny Descends (1:26)
My Pledge (3:54)
Rope (2:25)
Entrance of the Gladiators (0:54)
Breathing Statues (3:12)
Sunny’s Room (2:34)
Time Shall Have No Dominion (2:40)
Cesar Descends (6:05)
Cesar Crosses the Styx (4:07)
No Turning Around (3:10)
Julia Sees the Future (1:56)
The Wedding of Wow and Crassus (2:14)
Catwalk (2:38)
Nush the Fixer (1:52)
In the Bathhouse (1:53)
Megalon Team (1:14)
Mother (1:43)
Julia Comes Home (1:09)
The Golden Aleph (0:46)
The Poison Letter (1:15)
Cicero Versus Cesar (1:04)
Insurrection (1:49)
Learning, Creating, Perfecting, Celebrating (0:58)
The Turn of the Seasons (1:22)
Esperanza (2:56)

La música de cine actual no está en su mejor momento, pero este mes merece la pena destacar la que probablemente sea la mejor banda sonora —o al menos una de las más destacadas— del año pasado: Megalópolis.

Se trataba de un proyecto largamente acariciado por Francis Ford Coppola, quien produjo la película y se lanzó al vacío sin red, obteniendo un resultado que ha generado división en la crítica cinematográfica. Mezcla de ciencia ficción, drama histórico e incluso metacine, es una obra que o te fascina o no te convence en absoluto, pero que, en cualquier caso, vuelve a demostrar el exquisito gusto musical de Coppola a la hora de elegir compositores para sus películas.

Golijov y Coppola ya habían colaborado en El hombre sin edad, Tetro (2009, con Maribel Verdú en el reparto) y Twixt (2011). En esta ocasión, su objetivo era dar vida a la visión musical de una épica romana moderna y reinventada para el futuro.

Afortunadamente, Megalópolis se aleja de las tendencias de la monótona y atmosférica música de cine actual y construye un paisaje sonoro ambicioso, repleto de múltiples influencias. Hay ecos de Miklós Rózsa, la intensidad de Bernard Herrmann, la sofisticación de Alex North e incluso la sensibilidad melódica del Romeo y Julieta de Prokófiev.

Golijov construye su partitura con orquesta a gran escala e instrumentación específica, como el uso de la sierra musical, la armónica de cristal, el órgano y una variada gama de percusiones.

Se abre el CD con una fanfarria dedicada a la ciudad (New Rome), que evoca el estilo de Rózsa (con algo de Alex North, algo que se nota incluso más en el corte The Catilinarian Conspiracies)  y le sigue un evocador tema, donde un saxo sensual es acompañado pro orquesta y cuerdas (The Map of Utopia) a continuación aparece un corte fabuloso, muy Northiano, llamado Insurrección donde la percusión muestra una fuerza imponente, a la vez que se utiliza un extravagante órgano electrónico, otro corte posterior Time Shall Have No Dominion puede recordar al Elliot Goldenthal de Titus. Banda sonora variadísima, también contiene un tema de amor jazzistico y sensual (Noir Love) con un solo de saxo excepcional...Estamos ante una excepcional banda sonora, a la vez muy ecléctica, con bloques de romanticismo épico (The Kiss In The Heights, con un fabuloso uso de el organo de iglesia), inspiraciones a la Prokofiev (Saturnalia) o incluso influencias del minimalismo a lo Michael Newman (Rope). También Golijov  utiliza canciones modernas compuestas para el film tales como Sunny Descends, interpretada por Johnny Gandelsman, y My Pledge, interpretada por Vesta Sweetwater. Finalmente, en este enorme trabajo también aparecen cortes de música ya conocida como Entrada de los gladiadores, de Julius Fučík; César cruza el Estigia, con un arreglo a partir de Franz Liszt, además de la obra de John Philip Sousa High School Cadets. Para finalizar la película y el segundo CD, la canción Esperanza, interpretada por Janne Thomsen cierra un trabajo de primera categoria

BIRTH (Alexandre Desplat)

BIRTH (2004)

Music Composed And Conducted By

ALEXANDRE DESPLAT

Tracklist:

1) Prologue 4:00
2) The Engagement 2:52
3) The Rendez-vous 3:11
4) Under A Spell 2:37
5) The Wedding 5:10
6) Letter 1:44
7) The Kiss 4:29
8) Mr. Reincarnation 1:07
9) Day Out 3:38
10) Knights At Night 1:16
11) Timpani 1:30
12) Another Lifetime 1:09
13) My Dead Husband 1:32
14) Elegy 6:13
15) Birth Waltz 2:36

Segunda entrada dedicada al compositor Alexandre Desplat, centrada en su trabajo para Birth, la banda sonora de la película homónima dirigida por Jonathan Glazer y estrenada en 2004.

La película, protagonizada por Nicole Kidman, narraba la historia de una mujer que, años después de la muerte de su esposo, se encuentra con un niño que afirma ser la reencarnación de su difunto marido. Este thriller psicológico, cargado de una atmósfera inquietante, subyugante y misteriosa, debe gran parte de su impacto emocional a la música de Desplat, que desempeña un papel crucial en la creación de ese ambiente.

Fue a finales de los años noventa y durante la primera década del nuevo milenio cuando el maestro Desplat comenzó a destacar con algunos de sus mejores trabajos. La partitura de Birth marcó un punto de inflexión en su carrera, consolidándolo como una figura importante en la música de cine más allá de Francia, donde ya había sido reconocido durante más de una década. Este reconocimiento internacional lo llevó a ser nominado regularmente al Óscar a partir de 2007, obteniendo finalmente dos estatuillas en años posteriores.

En Birth, el compositor francés aplica un estilo elegante, minimalista y atmosférico, utilizando cuerdas repetitivas y motivos sencillos que evolucionan a lo largo de la partitura. Este enfoque crea una tensión sostenida y un sentimiento de inevitabilidad que impregna la narrativa ("Prologue"). La música refleja tanto la belleza como la intriga emocional de la historia en bloques sublimes como "The Engagement" con el tema principal a piano 

El tema principal, titulado "Prologue", se repite en diferentes variaciones a lo largo del álbum y es especialmente memorable por su combinación de sutileza y profundidad emocional. Este motivo central también aparece en un magnífico vals titulado "The Wedding". La orquestación de la banda sonora es notable por su delicadeza, destacando el uso prominente del piano y las cuerdas, tambien de elementos sutiles como arpa y celesta, para evocar una sensación de misterio y elegancia, como el excelente corte "Day Out "

Desde su aparición este CD fue ampliamente considerado una de las mejores obras de su creador, ampliamente elogiado por su capacidad para complementar la narrativa de la película, aportando una atmósfera envolvente y cargada de emoción en una obra independiente de gran belleza que se cierra con el magnífico "Birth Waltz"

THE PERFECT STORM (James Horner)

THE PERFECT STORM 

Music Composed And Conducted By 

JAMES HORNER

Tracklist:

1. Coming Home from the Sea
2. "The Fog's Just Lifting..."
3. "Let's Go, Boys"
4. To the Flemish Cap
5. The Decision to Turn Around
6. Small Victories
7. Coast Guard Rescue
8. Rogue Wave
9. "There's No Goodbye... Only Love"
10. Yours Forever (Theme from The Perfect Storm) (performed by John Mellencamp)

El James Horner post-Titanic nunca fue santo de mi devoción. Supongo que, tras consagrarse con el éxito de Titanic de James Cameron, el maestro decidió reducir el ritmo de inspiración, aunque no de trabajo, dedicándose a elaborar bandas sonoras menos destacadas.

Fue una época extraña en su carrera, con trabajos bien acabados, pero algo rutinarios. Sin embargo, de manera sorpresiva, apareció esta joya del año 2000. Su composición para The Perfect Storm (La Tormenta Perfecta, 2000) marcó un regreso a las esencias de James Horner: una obra majestuosa que recuperaba lo mejor del autor de Brainstorm, capturando la intensidad, el dramatismo y la emoción de la infravalorada película dirigida por Wolfgang Petersen.

La película, basada en hechos reales, narraba la historia de la tripulación de un barco pesquero enfrentándose a una tormenta catastrófica en el Atlántico Norte.

Horner, conocido por su capacidad para crear música profundamente emotiva y épica, compuso una partitura grandiosa y expansiva, con temas que empleaban una gran orquesta y coros para representar la magnitud de la tormenta.

El tema central, "Coming Home From The Sea", refleja tanto la majestuosidad del océano como el sentido de tragedia que impregna la historia. Es una de las piezas más recordadas de la película. De este leitmotiv, Horner extrajo una canción para los títulos finales, "Yours Forever". Tras el éxito de Titanic, parecía inevitable que dejara alguna canción como recuerdo...

El resto del score equilibra acción y emoción de manera magistral en temas impecables ("Small Victories", "Coast Guard Rescue"), donde reutiliza motivos y orquestaciones de obras anteriores (una práctica habitual en Horner), pero que funcionan muy bien en la tensión emocional y narrativa del film. La banda sonora culmina de manera magnífica con "There’s No Goodbye... Only Love", un ejemplo perfecto de cómo Horner sabía complementar la narrativa y la tensión de las películas con su música.

MIRAGE (Quincy Jones)

MIRAGE 

Music Composed And Conducted By

QUINCY JONES

Tracklist:

3. Mirage (Vocal Version)
2. Boobie Baby
3. Shoot To Kill
4. Dead Duck
5. Purple Rose
6. Main Title
7. Mirage (Instrumental Version)
8. Turtle`s Last Lap
9. A Shot In The Park
10. Kinda Scary1
11. End Title

Este mes de noviembre nos dejó con la triste despedida del gran Quincy Jones, un compositor habitual en este blog, al que quiero rendir homenaje comentando la banda sonora de Mirage (1965). Dirigida por Edward Dmytryk, la película es un thriller psicológico interesante, aunque fallido en su desarrollo. El guion no logra ofrecer un giro sólido a su premisa original: la historia de un hombre (Gregory Peck) que, de repente, descubre que partes de su pasado están ocultas debido a una amnesia que le impide llevar una vida normal. Una idea que, bien ejecutada, podría haber dado lugar a un clásico del género, pero que en esta película se queda en algo irregular. A pesar de ello, está bien dirigida por Dmytryk y cuenta con una excelente banda sonora de Quincy Jones.

La música de Jones en Mirage es una obra notable que refleja su talento y versatilidad como compositor. Fusiona elementos de jazz, pop y música orquestal, creando una atmósfera intrigante que complementa perfectamente la narrativa del thriller psicológico.

La banda sonora se abre con el tema principal titulado "Mirage", que se inspira en el estilo de Henry Mancini, quien dominaba los años 60. Incluye unos coros que cantan la letra, un detalle que no es casual, ya que Mancini fue uno de los principales mentores de Jones y uno de los compositores que recomendó su talento para acceder a películas de prestigio. Este leitmotiv vuelve a aparecer más adelante en la grabación, en una versión instrumental, y curiosamente es el tema de los títulos de crédito (titulado "Mirage").

Siendo una banda sonora típica de los LPs de la época, que rara vez superaban los 30 minutos, incluye temas más ligeros, como el segundo corte titulado "Bobbie Baby", una estupenda pieza de jazz, o bien casi al final un tema de aire blues titulado "HKinda Scary".

En la grabación encontramos cortes espléndidos de acción y suspense, como "Shoot to Kill" y "Dead Duck", con un trabajo de ritmo excepcional y una instrumentación que marca el estilo personal de Jones, el cual le permitió convertirse rápidamente en uno de los principales renovadores de la música en el thriller en cine y TV.

Jones utiliza una variedad de instrumentos y arreglos para evocar emociones y tensiones a lo largo de la película. El magnífico corte titulado "Purple Pose", con un uso memorable del clavicémbalo, demuestra cómo dominaba el género, con imaginación y sin renunciar a su estilo característico.

La parte final del film se refleja en los ritmos sofisticados y la tensión de "A Shot in the Park", que aportan vida a las escenas. Es un gran trabajo y el testimonio del profundo impacto que Quincy Jones tuvo en la industria musical, dejando una huella imborrable en numerosos artistas.

FILM AND TELEVISION MUSIC (Angela Morley)

 THE FILM AND TELEVISION MUSIC OF ANGELA MORLEY (2003)

Music Composed By 

ANGELA MORLEY

Orchestra Conducetd By JOHN WILSON

Tracklist:

1) Introduction And Waltz From (The Film) The Slipper And The Rose 4:36
2) Transformation Music And Wedding March 1:54
3) Theme From (The) TV Film Madame X 4:28
4) Theme From (The) Film When Eight Bells Toll 2:39
5) A Tender Mood 3:17
6 Theme From (The) Film The Looking Glass War 3:32
7 White Wing, From (The) TV Series Hotel 3:50
8 Snow Ride 2:56
9 Blues For Alexis, From (The) TV Series Dynasty 2:19
10 Rotten Row 2:01
11 My Autumn Love 4:20
12 A Canadian In Mayfair 3:18
Music From The Film Watership Down
13 Venturing Forth 2:27
14 Through The Woods 2:43
15 Kehaar's Theme 2:40
16 Final Struggle And Triumph 3:49
17 Captain Nemo And The Undersea City 5:35

Desde hace años he querido rendir homenaje a Angela Morley y como su discografía no es extensa, he optado por el recopilatorio "The Film and Television Music of Angela Morley", publicado hace 20 años, que resume lo mejor de esta gran compositora británica.

Angela Morley (Leeds, 10 de marzo de 1924 - Scottsdale, 14 de enero de 2009) fue compositora y directora de orquesta. Nacida como hombre, en la década de 1950 se destacó en la BBC Radio bajo el nombre de Wally Scott. En 1972, hizo la transición de género y vivió abiertamente como mujer en Scottsdale. Siempre reconoció la influencia del compositor canadiense Robert Farnon en su carrera.

Morley ganó tres premios Emmy por sus arreglos musicales, así como dos nominaciones al Oscar por Mejor Partitura Original, destacando su trabajo en "El Principito" (1974) y "The Slipper and the Rose" (1976).

El CD incluye una selección de sus composiciones más notables. Abre con el vals de "The Slipper & the Rose", que incorpora fragmentos de canciones de Richard y Robert Sherman. La pieza "Transformation Music And Wedding March" acompaña la transformación de Cenicienta en princesa. El tema de "Madame X" (1981) presenta un solo de piano, mientras que "When Eight Bells Toll" es un tema compuesto a principios de los 70 es uno de mis cortes favoritos, ya que tiene un cierto aire a lo John Barry y sus temas para al saga de 007. "A Tender Mood", para violín solo y cuerdas, fue creada para Chappell en las décadas de 1950 y 1960.  Las melodías de "The Looking Glass War" y "White Wing" (esta última para la de la serie Hotel) nos ofrecen elegancia y sensibilidad musical marca de la casa. Morley en los años 70 y 80 trabajó mucho en televisión, por ejemplo en la serie "Dinastía", aquí aparece un fabuloso tema llamado  "Blues for Alexis" es una recopilación de temas . 

Otros cortes excelente son los de "Rotten Row" y  "A Canadian In Mayfair" (1950), esta ultima primera composición de la autora, basada asimismo  en "Portrait of a Flirt" de Robert Farnon. 

Los platos fuertes del CD quedan en la parte final, presentando una suite de cortes de "Watership Down", la célebre película de animación de los años 70,  con cuatro extractos: "Venturing Forth", que marca el comienzo de la aventura; Through the Woods, que acompaña a Hazel y su grupo en un viaje a través de un bosque aterrador; Kehaar’s Theme, escrita para el gaviota Kehaar; y "Final Struggle and Triumph", una compilación de momentos dramáticos.

Finalmente, el compacto se cierra de modo esplendoroso con  "Captain Nemo and the Undersea City", obra compuesta en 1969, presentando temas que representan la aventura y la noble visión del mudo y las intenciones del capitán Nemo...En un disco altamente recomendable, que vale por una vida entera dedicada a la música de cine y televisión

EL 7º DÍA (Roque Baños)

 

EL 7º DÍA (2004)

MÚSICA COMPUESTA Y DIRIGIDA POR

ROQUE BAÑOS

Tracklist:


1 Campos De Extremadura 3:29
2 El Incendio 3:44
3 Al Salir Del Cole 3:54
4 La Familia Y El Hogar 1:43
5 ¿Lo Hizo Mi Padre? 3:24
6 La Locura De Los Hermanos 1:24
7 Alimentan Su Odio 2:09
8 Domingo Matinal 1:22
9 Asesinatos 5:46
10 Entierros 2:25
11 Recuerdo A Mis Hermanas 3:28
12 Foto De Familia 1:44

La revisión de este memorable filme de Carlos Saura de 2004 me ha permitido recuperar para este blog el magnífico trabajo de Roque Baños en su composición musical.

Este thriller, rudo y áspero, reconectaba a Carlos Saura con el paisaje seco y árido del campo español. Sin duda, es una de las mejores películas de su larga carrera. La historia, con guion de Ray Loriga, se inspiraba claramente en los crímenes de Puerto Hurraco. El filme, narrado con una fuerza expositiva y contundencia enormes y con la sobriedad típica del mejor Saura, funciona de manera magistral. Su fuerza se basa en un elenco excelente, donde el quinteto formado por Juan Diego, José Luis Gómez, Ana Wagener, Ramon Fontseré y Victoria Abril se convierte en una familia de perturbados alimentados por el odio. Realizan interpretaciones memorables, retratadas por un director con un pulso narrativo de primera, para crear un ambiente tenebroso que evoca a Federico García Lorca. A la vez, ofrece un oscuro retrato de los conflictos, las pasiones humanas y los odios arraigados, todo apoyado por una magnífica banda sonora de Roque Baños de inspiración flamenca.

Y es que el flamenco como inspiración musical es una idea fabulosa, no solo para situar geográficamente el lugar, sino también por el uso de instrumentos autóctonos como la guitarra y el grito desgarrado del cante. Para esta composición, Baños reutilizó una pieza musical compuesta para el anterior filme de Saura, "Salomé", en concreto la "Sevillana para Carlos". Esta pieza fue reutilizada y reorquestada para que en el film pueda trabajar a dos niveles. Así, la música del maestro es por un lado bucólica ("Campos De Extremadura", "Retrato de Familia") y por el otro trágica ("La Locura de los Hermanos", "Alimentan su Odio"), logrando instantes de fuerza potente y estremecedora ("Asesinatos"). En un trabajo muy efectivo , no excesivamente extenso en duración, que cumple perfectamente en la narrativa del film y que para mi gusto es un puntal bríllante en al carera de su compositor

MÚSICA PER A VENTURA PONS (Carles Cases)

 

MÚSICA PER A VENTURA PONS

MÚSICA COMPUESTA POR 

CARLES CASES

Tracklist:

1) Voluntat (Film: El perquè de tot plegat 1995)
2) Submissió (Film: El perquè de tot plegat 1995)
3) Obertura I (Film: Amic/Amat. 1998)
4) Obertura II (Film: Amic/Amat. 1998)
5) Irina (Film: Animals ferits 2005)
6) Moderato (Film: Anita no perd el tren 2000)
7) Finale presto (Film: Anita no perd el tren 2000)
8) Music of The Beauty (Film: Food of love 2001)
9) Amor idiota (Film: Amor Idiota 2004)
10) Trio (Film: Actrius 1996)
11) Efigenia (Film: Actrius 1996)
12) No morir (Film: Morir o no 1999)
13) Resurecció (Film: Morir o no 1999)
14) Forasters (Film: Forasters 2008)
15) Ruleta Rusa (Film: La vida abismal 2006)
16) Rosita please! (Film: Rosita, please! 1993)

Esta edición es una alegría porque recupera lo mejor de un compositor indispensable del que la industria ya no se acuerda: el gran Carles Cases. Ha creado un CD que se convierte en un tributo esencial al director de cine que le ofreció más oportunidades a lo largo de su carrera.

"Música per a Ventura Pons" es una recopilación de dieciséis versiones originales de las bandas sonoras que Cases compuso para las películas del cineasta Ventura Pons entre 1991 y 2011.  Como dato decir que de las treinta y tres películas dirigidas por Pons, Cases creó la música para dieciséis de ellas en una colaboración muy profunda.

El legado cinematográfico de Ventura Pons (1945-2024) no sería el mismo sin las contribuciones musicales de Carles Cases en todas sus películas entre 1991 y 2011. La colaboración entre Pons y Cases se extiendió a lo largo de dieciséis filmes, incluyendo títulos como "Aquesta nit o mai" (1992), "¡Rosita, please!" (1993), "El perqué de tot plegat" (1995), "Actrius" (1997), "Caricies" (1998), "Amic/Amat" (1999), "Morir (o no)" (2000), "Anita no perd el tren" (2001), "Food of Love" (2002), "Amor idiota" (2004), "Animals ferits" (2005), "La vida abismal" (2006), "Barcelona (un mapa)" (2007), "Forasters" (2008), "A la deriva" (2009) y "Mil Cretins" (2010).

 El álbum condensa esos veinte años en dieciséis temas pertenecientes a once películas distintas. El compacto se abre con el emblemático tema "Voluntat", una pieza que es ya un clásico en el repertorio de Cases, con una construcción de aire minimalista y a la vez clásica, sencillamente magnífica. Le sigue el tema reflexivo "Submissio", donde ya se nota la querencia del maestro por las cuerdas. Otro corte de estas características es el de "Beauty", para la película "Food Of Love", con un leitmotiv de aire Morriconiano. O bien el "Trío", una composición inigualable creada para el film "Actrius". La música de Cases nunca ha ocultado sus raíces clásicas, con influencias barrocas, como las dos sublimes piezas que creó para "Amic/Amat", aquí presentadas como "Obertura 1" y "Obertura 2", de clara influencia clásica e interpretadas de modo impecable por las cuerdas.

También es importante destacar que a lo largo de la escucha se aprecia cómo el jazz es otra de las pasiones del maestro, por lo que tenemos cortes más cercanos a los ritmos y armonías del estilo, piezas espléndidas como "Irina" (Animales Heridos) o el aire blues de "Ruleta Rusa" perteneciente a "La Viad Abismal".

En definitiva, un CD imprescindible que vuelve a determinar la grandeza de la música de Cases (y el pena que no trabaje en el cine actual) en una definición de cómo de grises son los tiempos actuales y cuánto talento gigantesco no se aprovecha.

THE LIFE AHEAD (Gabriel Yared)

 

THE LIFE AHEAD

Music Composed By

GABRIEL YARED

Tracklist;

1) Madame Rosa 4:00

2) People Call Me Momo 0:56

3) Police Raid 2:05

4) Momo Sketches 1:04

5) Olive Tree Grove 1:33

6) Picking Up Drugs 1:23

7) Hospital Breakout 1:40

8) Illness 2:04

9.Helping Rosa 1:41

10.Momo Cries 2:25

11.Momo and Rosa 5:47

12.Drug Dealing Montage (Bonus Track) 1:17 

Hasta ahora, nunca había dedicado una entrada al gran Gabriel Yared. Me he decidido por este trabajo corto en duración pero profundo y exquisito, como casi toda la obra del compositor. Yared nació en Beirut el 6 de octubre de 1949, aunque lleva afincado en Francia desde su juventud y está muy ligado a la cinematografía gala desde los años ochenta, donde ganaría fama con joyas como "Betty Blue" y "Camille Claudel". Su consagración llegaría al colaborar con el director inglés Anthony Minghella, ganando un Premio Oscar y un Premio Grammy por su trabajo en "El paciente inglés" (1996) y recibiendo nominaciones por "El talento de Mr. Ripley" (1999) y "Cold Mountain" (2003).

Yared es prácticamente un compositor todoterreno que siempre sorprende de manera positiva, y el trabajo que nos ocupa, "The Life Ahead", es un ejemplo perfecto de sus grandes habilidades. Se trata de una película dramática italiana de 2020 dirigida por Edoardo Ponti, basada en un guion escrito por Ponti y Ugo Chiti. Es la tercera adaptación de la novela de 1975 "The Life Before Us" de Romain Gary. La película cuenta con la actuación de Sophia Loren, en lo que podría ser su última interpretación en la pantalla grande, junto a Ibrahima Gueye y Abril Zamora, y está ambientada en Bari, Italia.

La banda sonora de Gabriel Yared para "The Life Ahead" no es muy extensa (el álbum no llega a los treinta minutos) pero es una expresión emotiva que parte de un leitmotiv principal ("Madame Rosa") que define a la protagonista. Es una pieza casi clásica, con aire judío y una cuerda solista que complementa a la perfección la narrativa íntima y emotiva de la película. Yared muestra su eclecticismo al mezclar sonoridades muy clásicas y elementos modernos, como en "People Call Me Momo" con un leitmotiv casi de silbido y base rítmica, o bien en "Drug Dealing Montage" con unas percusiones modernas y sintetizadores.

La banda sonora se mueve siempre por el terreno de la sutilidad, como por ejemplo la exquisita melodía del corte "Momo And Rosa", interpretada únicamente al piano en la primera parte y a la que le añaden cuerdas y flautas en su desarrollo. Aunque los bloques no son muy extensos, tienen una gran fuerza emotiva, como en "Momo Cries", en un trabajo que vale su peso en oro y que nos muestra cómo la aportación de Yared es un elemento que contribuye a la narrativa emocional del film.

THREE DECADES OF TV THEMES (Paul Lewis)

 

THREE DECADES OF TV THEMES

Music Composed And Conducted By 

PAUL LEWIS

Tracklist: 

1)  The Prisoner of Zenda, television serial~Theme 02:48

2)  Spring & Autumn, television sitcom~Autumn Love 04:20
3)  Brendon Chase, television mini series~Theme 04:02
4)  Arthur of the Britons Suite~Flourish for a King 01:36
5)  Arthur of the Britons Suite~Celtic Horns / The Longship 03:28
6)  Arthur of the Britons Suite~Revelry 01:50
7)  Arthur of the Britons Suite~Kai the Saxon / Skirmish and Rout 02:09
8)  Arthur of the Britons Suite~The Fair Rowena 02:21
9)  Arthur of the Britons Suite~Chase! 02:58
10)  The Big Knife, romance for piano & strings 07:07
11)  King's Royal, television mini series~Theme 03:00
12)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Maud 04:20
13)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~The Ball 03:20
14)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Madame de la Rougierre 02:17
15)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra

       ~Valse d'amour and Death of Silas 06:05
16)  The Benny Hill Waltz 02:47
17)  c, a mood picture for soprano & orchestra 09:59
18)  Woof!, fantasy for harmonica & orchestra 04:13
19)  Wreckers at Deadeye, overture 07:28

Esta entrada está dedicada a esos compositores de los que nunca nadie se acuerda, los especialistas en la televisión que han brindado trabajos espectaculares. En esta ocasión estamos ante un autor Ingles, se trata de Paul Lewis. 

Nacido en una familia de músicos profesionales en Brighton, Inglaterra, en 1943,  fue educado en Brighton College, donde comenzó a aprender piano a los nueve años. Su pasión por la música se despertó a la edad de doce años cuando vio la película de Laurence Olivier sobre "Ricardo III" de Shakespeare con música de William Walton. 

 A los diecinueve años, sus composiciones orquestales comenzaron a ser grabadas por varias bibliotecas de música de producción, y a los veinte años se convirtió en Asistente Asesor Musical de ABC Television. Durante casi cincuenta años, trabajó en más de 150 series y programas únicos para televisión y en 1995 fue el tema de un documental de ITV.

Su trabajo televisivo abarcó muchos géneros. Ha compuesto más de 130 obras diferentes para programas y series de televisión, desde dramas intensos (con Peter O'Toole en "The Dark Angel") hasta comedias infantiles (la serie de larga duración "Woow!"). Paul también ha compuesto obras de concierto y de cámara, especialmente en los últimos diez años, creando un catálogo de más de 150 obras publicadas (la mayoría de ellas Todas ellas tonales y generalmente de naturaleza romántica) desde conciertos hasta música de cámara.

Este CD fue editado por primera vez en 2002 y más tarde reeditado en 2018, siendo un magnífico muestrario de su música televisiva y se centra en ofrecer el abanico estilístico de un compositor que adora el clasicismo y la melodía, como perfecto seguidor de autores al estilo de Malcolm Arnold, Richard Rodney Bennett o John Scott

Es una generosa selección de algunas de las mejores partituras para televisión y se han grabado suites considerablemente amplias. Ahí está la épica "Arthur Of The Brittons" obra claramente heroica y tiene influencias de Malcolm Arnold ("Flourish for a King") y también Aaron Copland, mostrando un maravilloso tema romántico y lírico ("The Fair Rowena").

Otra suite presentada es para "The Dark Angel" , una partitura compleja con enfoque orquestal más variado y rico y que el compositor ha convertido en un bloque de melodías y  ritmos de vals se varían sutilmente según la trama o los personajes y que suena totalmente delicioso.

Lewis logra mantener su propia identidad, como en la encantadora fantasía corta "Woow!"  y el magnífico "The Island" pieza sublime para soprano y orquesta, todo un poema tonal  que recuerda mucho a los paisajes marinos compuestos pro Arnold Bax. 

Finalmente se cierra el Cd en un homenaje a Malcolm Arnold: la brillante obertura "Wreckers at Deadeye, overture" que finaliza una escucha maravillosa

WOLF (Ennio Morricone)

 

Tracklist :

1) Wolf And Love 3:32
2)   The Barn 1:59
3)  The Dream And The Dear 9:15
4)  The Moon 5:28
5)  Laura Goes To Join Wolf 2:20
6)  Laura And Wolf United 1:24
7)  First Transition 1:28
8)  The Howl And The City 3:21
9)  Animals And Encounters 4:37
10)  Laura Transformed 3:36
11)  Wolf 2:48
12) Second Transition 1:17
13) Will's Final Goodbye 1:31
14) Chase 5:44
15) Confirmed Doubts 3:41
16) The Talisman 3:27
17) Third Transition 0:57
18) A Shock For Laura 2:43
19) Laura And Will 2:26
20) Laura 2:37

Hacía tiempo (cuatro años!) que no dedicaba una entrada al maestro Ennio Morricone y hoy he decidido centrarme en su excelente trabajo para la película "Wolf" de 1994, protagonizada por Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer y por lo general una película bastante extraña e infravalorada... Que sin ser nada del otro mundo tenía muchísimos elementos de interés. Fue el regreso del maestro al genero de terror en un film rodado en los EEUU y para ello Morricone utilizó un estilo jazzístico noir, mezclado con orquesta y sintetizadores electrónicos. 
Escuchando el CD podemos detectar como Morricone se enfoca en los elementos atonales de la música, aunque respeta en ocasiones un marco más melódico ("Wolf and Love") con unas cuerdas exuberantes que dan sensación de calidez y amor, a las que luego añade un leitmotiv en el que los sintetizadores electrónicos con instrumentos orquestales orgánicos y crean una gran inquietud. En esta gran obra aparece un segundo leitmotiv , se trata de "The Barn", con un acompañamiento de arpa y cuerdas y una melodía interpretada por el saxofón sensual...Es probablemente uno de los grandes temas del maestro, que eso si, siempre intenta  lo largo de la obra crear una música angustiosa y llena de tensión, como por ejemplo "Animals and Encounters" -excelente pista con elementos de terror y en el que el ritmo de los tambores marca una tensión magistral.

"The Chase" es uno de los grandes temas del compacto, un tema vibrante donde se emplean intensivamente metales junto con el saxofón combinado con un ritmo constante y palpitante...Aunque como tema/bloque que defina y resuma perfectamente este gran trabajo personalmente elegiría "The Dream And the Dear" un larguísimo bloque de nueve minutos donde la composición explora elementos fantásticos, drama, terror y tensión, a la vez que retomo los leitmotivs citados con resultados sencillamente supremos.

En definitiva una banda sonora excelente, que en la actualidad merece ser recuperada entre el catalogo de su obra en los noventa,  una de esas bandas sonora que escuchada en la actualidad es muy disfrutable y que aunque ofrece melodías, se acerca más a la atonalidad y lo atmosférico, al Morricone más vanguardista y experimentador.

BORN THE FOURTH OF JULY (John Williams)

BORN ON THE FOURTH OF JULY

(1989)

Music Composed And Conducted By 

JOHN WILLIAMS

Tracklist:

1) A Hard Rain’s a-Gonna Fall (written by Bob Dylan, performed by Edie Brickell & New Bohemians) (4:58)

2) Born on the Bayou (written by John Fogerty, performed by The Broken Homes) (4:54)

3) Brown Eyed Girl (written and performed by Van Morrison) (3:07)

4) American Pie (written and performed by Don McLean) (8:32)

5) My Girl (written by William Robinson and Ronald White, performed by The Temptations) (2:43)

6) Soldier Boy (written by Luther Dixon and Florence Greenberg, performed by The Shirelles) (2:39)

7) Venus (written by Ed Marshall, performed by Frankie Avalon) (2:21)

8) Moon River (written by Henry Mancini and Johnny Mercer) (2:41)

9) Prologue (1:22)

10) The Early Days, Massapequa, 1957 (4:57)

11) The Shooting of Wilson (5:07)

12) Cua Viet River, Vietnam, 1967 (5:02)

13) Homecoming (2:38)

14) Born on the Fourth of July (5:44)

Me apetecía cerrar el año dedicando una entrada al último de los grandes que nos queda, el legendario John Williams (1932) y en concreto escribir sobre una de sus apasionantes obras, me refiero a su composición memorable y mayestática para el film de Oliver Stone "Nacido el 4 de Julio" (1989).

La película es notable film biográfico sobre el descenso a los infiernos del veterano de Vietnam Ron Kovic (una esforzada interpretación de Tom Cruise) La película se ve ocasionalmente lastrada por la tendencia al efectismo de Stone, pero también es muy brillante en otras secuencias (especialmente todos los momentos de drama intimista) conformando un film en esencia atractivo donde obviamente destaca y mucho el inolvidable y conmovedor score de John Williams.

La partitura de "Nacido el Cuatro de Julio" de John Williams  fue la primera de las tres películas en las que colaboró con Stone, las otras siendo "JFK" en 1991 y "Nixon" en 1995. Williams. Para esta obra el maestro decidió no componer un score excesivamente extenso -En el álbum de la banda sonora solo hay 25 minutos de partitura, teniendo en cuenta que Stone además utiliza muchas canciones y temas estándar para ilustrar el film.

Al parecer tras visionar el film y de común acuerdo con el director, Williams decidió utilizar una orquesta de cuerdas  a los Samuel Barber -como ya hizo anteriormente Georges Delerue en "Platoon"- y así mostrar los horrores de la guerra, contando además con una trompeta solista para ilustrar la juventud feliz, inocente perdida en las selvas lejanas de Vietnam.

El disco afortunadamente ofrece tras una buena selección de canciones la obra de Williams. Esta se abre con un "Prologue" que muestra el tema de apertura, una elegía profunda y sencilla, en una interpretación magistral de la trompeta (Tim Morrison). La obra sigue con "The Early Days, Massapequa, 1957" , toda una evocación musical de la juventud idílica de su protagonista, en una muestra musical del llamado  sueño americano que Williams expone en con una orquesta pletórica...Y el maestro ya va marcando dentro de este corte momentos en los que la música adelanta el horror y la oscuridad posterior, como en el siguiente corte "The Shooting of Wilson"" una pieza que subraya la escena donde la compañía de Kovic masacra accidentalmente a una casa llena de granjeros vietnamitas inocentes. La música nos muestra un estilo de Williams más cercano a "The Fury"o "Images"  donde la disonancia disonancia orquestal recalca la tragedia de la guerra. 

La próxima pieza, "Cua Viet River, Vietnam, 1967", marca la tragedia melancólica de protagonista, con un Williams que marca el disparo que cambia la vida de Kovic, utilizando cuerdas , piano, sintetizadores incluso voces fantasmales que crean un tono muy desesperado. Tras este corte llega la penúltima pieza, "Homecoming", donde el tono de Williams es más esperanzador, aunque los altibajos anímicos están muy bien expresados...Llegando al corte final : "Born on the Fourth of July" , el bloque que acompaña los créditos finales, donde de nuevo la música -soberbia- de John Williams estalla en todo su esplendor sinfónico, cerrado una de sus más memorables y emocionales bandas sonoras