MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

TRON (Wendy Carlos)

 

TRON (1982)

Music Composed By WENDY CARLOS

Electronics performed By WENDY CARLOS

Orchestra Conducted By DOUGLAS GAMLEY

Tracklist:

1. Creation of Tron (0:49)
2. Only Solutions - performed by Journey (3:41)
3. We've Got Company (2:19)
4. Wormhole (2:29)
5. Ring Game and Escape (2:57)
6. Water, Music, and TRONaction (2:25)
7. Tron Scherzo (1:46)
8. Miracle and Magician (2:40)
9. Magic Landings (3:44)
10. Theme from Tron (1:37)
11. 1990's Theme - performed by Journey (2:08)
12. Love Theme (2:07)
13. Tower Music - Let Us Pray (3:47)
14. The Light Sailer (2:37)
15. Sea of Simulation (3:23)
16. A New Tron and the MCP (5:10)
17. Anthem (1:40)
18. Ending Titles (5:16)
19. TRONaction (1:29)
20. Break In (For Strings, Flutes and Celesta) (5:34)
21. Anthem for Keyboard Solo (1:09)

Hoy en este blog toca un clásico: nada menos que la obra maestra musical compuesta por Wendy Carlos para la película de ciencia ficción de 1982, Tron.

En su momento, la banda sonora se editó en vinilo y durante años no estuvo disponible en CD debido a disputas contractuales y al deterioro de las cintas maestras. Finalmente, en 2002, Walt Disney Records la reeditó en CD, que es la versión que comento hoy.

Wendy Carlos (nacida Walter en 1939) es una compositora y pionera de la música electrónica estadounidense, reconocida por haber introducido los sintetizadores en la música popular y cinematográfica. Alcanzó fama internacional con el álbum Switched-On Bach (1968), en el que reinterpretó obras de Johann Sebastian Bach mediante el sintetizador Moog, demostrando que la música electrónica podía ser artística y accesible al mismo tiempo.

Su trayectoria en el cine no fue muy extensa, aunque destacó por su doble colaboración con Stanley Kubrick en las innovadoras bandas sonoras de A Clockwork Orange y The Shining. Para Tron, Walt Disney buscaba algo igualmente innovador, y Carlos se incorporó al proyecto por tratarse de una película pionera, donde los creadores querían una banda sonora que fusionara música orquestal tradicional con sonidos electrónicos de manera experimental y visionaria. Fue además la primera colaboración de Carlos con su pareja, Annemarie Franklin. La música combina sintetizadores analógicos Moog y el raro sintetizador digital Crumar General Development System (GDS), junto con pasajes orquestales interpretados por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Douglas Gamley.

La banda sonora refleja plenamente el espíritu experimental de Carlos. Aunque en su idea inicial buscaba diferenciar el mundo real del digital mediante una separación entre música orquestal y sonidos electrónicos, terminó integrando ambos lenguajes de manera compleja, logrando una fusión de elementos sintéticos y orgánicos que, escuchada hoy, sigue siendo única y fascinante.

La partitura se articula en torno a dos temas principales y un tercero secundario, que no se desarrollan plenamente hasta el tramo final. El punto culminante llega en los créditos finales ("Ending Titles"), donde coro, orquesta, órgano y sintetizadores se integran de manera natural y eficaz.

La obra comienza con piezas oscuras e introductorias ("Creation of TRON") y alterna entre momentos electrónicos opresivos ("We've Got Company", "Wormhole"), marchas marciales ("Ring Game and Escape") y temas épicos y orquestales ("TRON Scherzo", "Theme from TRON"). Destacan también composiciones donde Carlos combina vanguardia electrónica y elementos acústicos ("Magic Landings"con un aire que recuerda a Ligeti, "A New TRON and the MCP"), demostrando su capacidad de crear música que puede funcionar de manera independiente al film. A lo largo de toda la partitura se mantiene un equilibrio perfecto entre innovación y tradición. La banda sonora culmina con piezas más accesibles y solemnes ("Anthem", "Ending Titles"), retomando el tema central con sintetizadores y órgano.

Por poner un pero, las aportaciones de la banda rock Journey ("Only Solutions", "1990's Theme") resultan algo desubicadas y hoy se sienten un tanto obsoletas.

En conjunto, Tron es una obra históricamente fundamental y una verdadera obra maestra que ha resistido con creces la prueba del tiempo.

THE ISLAND OF DR MOREAU (Laurence Rosenthal)

 

THE ISLAND OF Dr. MOREAU (1979)

Music Composed And Conducted By

LAURENCE ROSENTHAL

Tracklist :

1. Main Title/The Jungle [5:24]
2. Maria and Friend/After Dinner/Doctor's Study [4:18]
3. On the Beach/More Questions [5:40]
4. Forest Murmurs/Dr. Moreau's Zoo/Moreau Explains [5:28]
5. Maria and Andrew [3:05]
6. Bear Man/To the Cave/In the Garden/Tiger Fight/Dead Tiger [7:32]
7. To the House of Pain/Funeral Pyre [4:33]
8. Involution [3:44]
9. Braddock's Cage/The Humanimals [3:57]
10. Moreau's Death [2:41]
11. Man and Beast [2:18]
12. The Holocaust [1:30]
13. The Real Maria/End Credits [2:41]
14. Jungle Pursuit [1:34]
15. To the House of Pain [2:44]

Siempre quise escribir sobre esta magnífica banda sonora. Se trata del trabajo de Laurence Rosenthal para la versión cinematográfica de la novela de H.G. Wells de 1979. Ene sta ocasión fue rodada en color obviamente y contó con la participación de Burt Lancaster como el inquietante Dr. Moreau, quien ejecuta experimentos bizarros mezclando humanos y animales que luego viven sometidos a la ley creada por el científico. El film, del que guardo un discreto recuerdo, no lograba del todo un tono intenso, tal vez por la dirección de una mano gris como la de Don Taylor, que no supo sacar buen partido de la trama.

Con todo, hay un elemento que sobresale muchísimo en la película: La extraordinaria partitura de Laurence Rosenthal, que en esta ocasión se atrevió a dar un paso diferente en su carrera y acercarse al género de terror-fantástico, con unos resultados soberbios y superiores. En su época fue editada en un vinilo pirata...Y con la llegada del CD ya recibió adecuadamente ediciones a apropiadas.

Con "La isla del Dr. Moreau" (1977), Rosenthal salió de géneros más habituales y se puso a la obra de crear un fresco musical de misterio y terror, sumergiendo al oyente en una sinfonía, a la vez moderna y primitiva,("The hummanimals" ) que mezcla atonalidad,  ambiente tribal y un romanticismo temático( "The Island" bloque inicial que introduce al espectador en el misterio)...Es -en cierto modo- el "Planeta de los Simios" de Rosenthal, (bloques como "Forest Murmura/ Dr.Moreau,s  Zoo" "The Holocausto" o el memorable " The House Of Pain" con un trabajo a fondo de la percusión y sus toques a la" Bartók" ) son lo más cercano en orquestación y estilo al Goldsmith experimental que ha compuesto Rosenthal) más si tenemos en cuenta que es un compositor del que solemos estar más acostumbrados a escuchar composiciones más tonales y no tan agresivas...Y aquí también las hay, en concreto una melodía sencilla, que recuerda un poco el tema de amor de "Clash Of Titans") ("Maria And Andrew", retomada en cortes como "On the Beach") y que aparece como contraste mesurado entre explosiones de música agresiva y oscura de primera categoría.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

MEGALOPOLIS (Osvaldo Golijov)

MEGALOPOLIS

Music Composed By

 OSVALDO GOLIJOV

Tracklist :

New Rome (6:03)
The Map of Utopia (5:30)
The Catilinarian Conspiracies (3:05)
Suor Angelica: Senza mamma, o bimbo, tu sei morto (1:15)
Noir Love (4:34)
Kiss in the Heights (2:03)
Saturnalia: The Unveiling of Megalopolis (4:47)
Sunny Descends (1:26)
My Pledge (3:54)
Rope (2:25)
Entrance of the Gladiators (0:54)
Breathing Statues (3:12)
Sunny’s Room (2:34)
Time Shall Have No Dominion (2:40)
Cesar Descends (6:05)
Cesar Crosses the Styx (4:07)
No Turning Around (3:10)
Julia Sees the Future (1:56)
The Wedding of Wow and Crassus (2:14)
Catwalk (2:38)
Nush the Fixer (1:52)
In the Bathhouse (1:53)
Megalon Team (1:14)
Mother (1:43)
Julia Comes Home (1:09)
The Golden Aleph (0:46)
The Poison Letter (1:15)
Cicero Versus Cesar (1:04)
Insurrection (1:49)
Learning, Creating, Perfecting, Celebrating (0:58)
The Turn of the Seasons (1:22)
Esperanza (2:56)

La música de cine actual no está en su mejor momento, pero este mes merece la pena destacar la que probablemente sea la mejor banda sonora —o al menos una de las más destacadas— del año pasado: Megalópolis.

Se trataba de un proyecto largamente acariciado por Francis Ford Coppola, quien produjo la película y se lanzó al vacío sin red, obteniendo un resultado que ha generado división en la crítica cinematográfica. Mezcla de ciencia ficción, drama histórico e incluso metacine, es una obra que o te fascina o no te convence en absoluto, pero que, en cualquier caso, vuelve a demostrar el exquisito gusto musical de Coppola a la hora de elegir compositores para sus películas.

Golijov y Coppola ya habían colaborado en El hombre sin edad, Tetro (2009, con Maribel Verdú en el reparto) y Twixt (2011). En esta ocasión, su objetivo era dar vida a la visión musical de una épica romana moderna y reinventada para el futuro.

Afortunadamente, Megalópolis se aleja de las tendencias de la monótona y atmosférica música de cine actual y construye un paisaje sonoro ambicioso, repleto de múltiples influencias. Hay ecos de Miklós Rózsa, la intensidad de Bernard Herrmann, la sofisticación de Alex North e incluso la sensibilidad melódica del Romeo y Julieta de Prokófiev.

Golijov construye su partitura con orquesta a gran escala e instrumentación específica, como el uso de la sierra musical, la armónica de cristal, el órgano y una variada gama de percusiones.

Se abre el CD con una fanfarria dedicada a la ciudad (New Rome), que evoca el estilo de Rózsa (con algo de Alex North, algo que se nota incluso más en el corte The Catilinarian Conspiracies)  y le sigue un evocador tema, donde un saxo sensual es acompañado pro orquesta y cuerdas (The Map of Utopia) a continuación aparece un corte fabuloso, muy Northiano, llamado Insurrección donde la percusión muestra una fuerza imponente, a la vez que se utiliza un extravagante órgano electrónico, otro corte posterior Time Shall Have No Dominion puede recordar al Elliot Goldenthal de Titus. Banda sonora variadísima, también contiene un tema de amor jazzistico y sensual (Noir Love) con un solo de saxo excepcional...Estamos ante una excepcional banda sonora, a la vez muy ecléctica, con bloques de romanticismo épico (The Kiss In The Heights, con un fabuloso uso de el organo de iglesia), inspiraciones a la Prokofiev (Saturnalia) o incluso influencias del minimalismo a lo Michael Newman (Rope). También Golijov  utiliza canciones modernas compuestas para el film tales como Sunny Descends, interpretada por Johnny Gandelsman, y My Pledge, interpretada por Vesta Sweetwater. Finalmente, en este enorme trabajo también aparecen cortes de música ya conocida como Entrada de los gladiadores, de Julius Fučík; César cruza el Estigia, con un arreglo a partir de Franz Liszt, además de la obra de John Philip Sousa High School Cadets. Para finalizar la película y el segundo CD, la canción Esperanza, interpretada por Janne Thomsen cierra un trabajo de primera categoria

FIRST MEN IN THE MOON (Laurie Johnson)

 

FIRST MEN IN THE MOON (1964)

Music Composed And Conducted By

LAURIE JOHNSON

Tracklist :

1) Prelude 1:59
2) Modern Moon Landing 1:53
3) Newscasters / Union Jack / Journey to Dymchurch 2:02
4) Cherry Cottage / Kate and Bedford 3:08
5) Arguments 1:25
6) Cavor's Experiments 4:45
7) The Sphere 1:14
8) Love Theme 2:41
9)  To the Moon! 2:22
10) Lunar Landing / Moonscape / Weightlessness / Planting the Union Jack 1:33
11) Lens Pit / Shadows 1:56
12) Battle with the Selenites 2:15
13) Search for the Sphere / Kate in Peril 3:52
14) The Moon Beast 4:20
15) Lens Complex / Dismantling the Sphere / Cocooning Selenites / The Eclipse 3:05
16 ) End of the Eclipse / The Grand Lunar 3:41
17) Bedford Shoots at the Grand Lunar 1:28
18) Pursuit and Escape from the Moon / End Title 2:06

El reciente fallecimiento del gran Laurie Johnson (1927-2024), ¡a la edad de nada menos que 97 años!, me obliga a rendir homenaje a su figura. Han pasado muchos años desde la primera entrada que hice para su obra maestra "The Belstone Fox".

Fue un prolífico compositor de bandas sonoras para televisión y cine, que incluyen"The Avengers", "This is Your Life" , "Hedda", "Captain Kronos", "Dr. Strangelove" o "Animal Magic". Además de una serie de trabajos sinfónicos memorables como The Royal Tour, The Wind in the Willows y La Sinfonía Synthesis que espero poder comentar en otra ocasión.

Para homenajeralo en esta ocasión, he decidido destacar su única colaboración con Ray Harryhausen en la película "La Gran Sorpresa" ("The First Men in The Moon", 1964). Aunque esta película no goza de la misma fama que otros títulos de sus creadores, es una adaptación entretenida de H.G. Wells con un aire completamente británico -tanto en el fondo como en la forma- ciertamente algo inferior a otros clásicos del dúo Schreer/Harryhausen, pero muy imaginativa a nivel visual y en ella el maestro de los efectos visuales exploró otras técnicas además del stop motion.

Lo obvio hubiera sido contar nuevamente con Bernard Herrmann para esta película, pero en ese momento su caché empezaba a ser demasiado elevado para los presupuestos que manejaba el cine de Harryhausen y el propio Herrmann recomendó fervorosamente a Laurie Johnson como su sustituto de altura (más adelante haría lo mismo con Jerome Moross para "The Valley Of Gwanji").  Laurie Johnson fue sin duda uno de los mejores amigos que el compositor norteamericano tuvo en Inglaterra y un gran apoyo en esos tiempos en los que Herrmann vivió exiliado de Hollywood en Inglaterra, donde además se le trató con categoría de maestro. La amistad perenne entre ambos se reflejó más adelante cuando Johnson regrabó obras de Herrmann e incluso trabajó en proyectos heredados tras su fallecimiento, como "It's Alive 2" (1976).

El trabajo de Johnson para la película de Nathan Juran es totalmente orquestal y claramente influenciado por el estilo de Herrmann. De hecho, podría haber sido firmado por aquel en una asimilación extraordinaria de estilo y necesidades.  Tiene una gravedad y una atmósfera que me recuerda mucho a "Viaje Al Centro de la tierra" y parte de un leitmotiv muy contundente y misterioso ("Prelude") que se repite a lo largo de la banda sonora en otros cortes tales como "The Sphere" o el final de "Pursuit and Escape from the Moon / End Title"

Los cortes de Johnson son muy descriptivos y atractivos ("Modern Moon Landing" o el posterior "Lunar Landing / Moonscape / Weightlessness / Planting the Union Jack" ) con una presencia elevada de las arpas. Incluye un tema romántico tan sencillo como bello ("Love Theme")  a la vez que bloques dinámicos muchas veces y con toque Brithish ("Newscasters / Union Jack / Journey to Dymchurch"), también con cortes juguetones y divertidos como "Cavour´s Experyments" y obviamente una música dramática y misteriosa que tiene su parte álgida en la aparición de los habitantes de la luna, para la que el compositor creó una marcha obsesiva ("Battle With The Selenites") en un conjunto como digo que supo estra a la altura del legado anterior y que sirve como recuerdo a un maestro que siempre mereció mayor reconocimineto

SOLAR CRISIS (Maurice Jarre)

 

SOLAR CRISIS (1990)

Music Composed, Performed And Conducted By 

MAURICE JARRE

Tracklist:

1 Prologue 4:05
2 Hear That Note? 2:34
3 Skytown 4:38
4 Helios Docking 4:54
5 Desert Oasis 0:57
6 Kelso Dropships 3:04
7 Permission Granted 3:37
8 Alex 0:38
9 It's Your Pick 2:51
10 Meeks' Demise 5:49
11 Concentrate On Living 2:27
12 Pursuit 7:31
13 Cancel Manual Detonation 1:40
14 Alex Sees The Light 8:48
15 End Credits 6:35
The Extra
16 It's Your Pick (Alternate) 2:49

"Solar Crisis· (1990) fue una película que combinaba ciencia ficción y thriller, dirigida por el veterano cineasta Richard C. Sarafian, conocido por películas como "Vanishing Point" o "The Man Who Loved Cat Dancing". Durante la postproducción, Sarafian optó finalmente por utilizar el seudónimo "Alan Smithee" en los créditos, lo que anticipaba que, a pesar de su potencial, la historia no lograría ofrecer una narrativa convincente.

La trama de esta coproducción entre Estados Unidos y Japón se centrbaa en la nave espacial Helios, embarcada en una misión crucial para salvar a la humanidad en el siglo XXI.

A pesar de contar con un impresionante elenco ( Tim Matheson, Charlton Heston, Peter Boyle o Jack Palance) y unos buenos efectos especiales a cargo del legendario Richard Edlund, la película fue un rotundo fracaso comercial y precisamente fue la banda sonora una de las principales afectadas  en los remontajes y los problemas de postproducción de la película. 

Escuchado el CD la contribución de Maurice Jarre es espléndida, el compositor se sumergió en la creación de una banda sonora electrónica con mixtura de elementos orquestales. Hay en ella una mezcla de varios estilos. Por un lado parted e un tema principal que se introduce a golpe de percusión ("Main Title") un tema recurrente de Jarre , con una base de percusión rítmica a la que añade secciones de viento, metales y creando un tono entre épico y militar.  También aparecen temas de aire místico y atmosférico, algunos de ellos fabulosos, por ejemplo "Hear That Note?", donde la electrónica de Jarre ofrece una sensación etérea y espacial. La combinación entre electrónica y orquesta aparece en otras partes, llegando a unos bloques finales, al menos en la versión en CD, en los que la música se convierte no solo en orquestal, sino esencialmente en una pieza coral, como el fabuloso "Alex Sees The Light" donde se nota una clara inspiración en el "Carmina Burana" de Carl Orff... (por cierto un bloque que Jarre aprovecharía enuna posterior composición dedicada al año del Jubileo). Finalmente, la pista de "Créditos Finales" recapitula este tema climático y ofrece una visión general de la músican que impregna toda la película.

TIMELINE (Jerry Goldsmith)

TIMELINE (2003)

Music Composed And Conducted By

 

JERRY GOLDSMITH











Tracklist :

1. The Dig 4:08
2. Cornflakes 2:01
3. No Pain 3:08
4. To Castlegard 2:35
5. Find Marek 1:54
6. The Rooftop 4:18
7. A Hole in the Wall 2:25
8. Move On 6:55
9. Be Careful 1:25
10. Ambushed 1:10
11. Setting up 2:10
12. Greek Fire/Light the Arrows 2:32
13. Prepare for Battle/Victory for Us 11:10
14. To My Friends 1:40


En esta ocasión toca reivindicar una banda sonora que marca la mala suerte que tuvo Jerry Goldsmith en uno de los últimos proyectos en los que trabajó. Estoy escribiendo acerca de "Timeline" (2003)  adaptación cinematográfica de una novela de Michael Crichton que fue dirigida por Richard Donner.

En un principio el hecho de reencontrar a Richard Donner y a Jerry Goldsmith en un proyecto sobre viajes en el tiempo y situado en época medieval prometía un trabajo de grandes dimensiones -recordemos "The Omen" (1976) - y no fue este el caso , no tanto por la música del maestro, sencillamente espléndida y una de las mejores que firmó en los últimos años antes de morir trágicamente a consecuencia del cáncer , sino por el hecho de que el proyecto tuvo mucho problemas, amen de contar con un Donner menos inspirado...también es cierto que el film resultante fue un fracaso económico y  recibió demasiados palos críticos (tampoco era para tanto, más si lo comparamos con las basuras digitales actuales) pero que realmente no está a la altura de lo que uno podía esperarse.

Además el film fue musicado originalmente por Goldsmith pero luego problemas en la edición y el remontaje obligaron prácticamente a sustituir toda la música que finalmente fue encargada nuevamente a otra compositor -en este caso un Brian Tyler que paradójicamente y mi gusto firmó una de sus mejores bandas sonoras, cuando era un autor muy prometedor 8no en al actualidad-

Volviendo al trabajo original de Goldsmith es complicado poder valorar la música del compositor sin las imágenes del film aunque claramente pertenece a la etapa de los 90 es decir una época en la que dejó la creatividad y la frescura en favor de una gran solidez y estilo indiscutibles , así estilísticamente esta banda sonora se hermana mucho en sonoridad y orquestaciones a los trabajos que hizo Goldsmith en películas como "The 13th Warrior" o "First Knight"

El Cd fue editado unos años después de la muerte del maestro y muestra una buena selección de su música "rechazada" , los títulos principales aparecen en el corte  titulado "The Dig", se abren con una serie de densos acordes de cuerda puntuados con metales que doblan el tono...También tenemos un bellísimo tema romántico ("Cornflakes") que de nuevo demuestra la enorme capacidad lírica que tenía el compositor, una pieza para cuerdas que acompañan piano, flauta.  El resto de cortes son ejemplares, Goldsmith introduce un leitmotiv amenazador que explora desde el siguiente corte, en un buen ejemplo de música misteriosa y contundente alternada con elementos de acción y percusión ("No Pain" con una excelente cambio de ritmo en su segunda mitad y la incursión sintetizadores que crean una sonoridad casi animal, leitmotiv amenazador que aparece también en "To Castelgard")

Todo el trabajo es un ejemplo preciso de la fuerza y contundencia orquestal del mejor Goldsmith, con algún corte que es casi autohomenaje ("A Whole In The Wall" es casi una variante reducida del "Ice Chase" de "Chain Reaction"  de unos años antes), bloques de lirismo extremo (la flauta que aparece en "Move On"), auqnue ciertamente todo el Cd es un disfruite para cualquier fan del maestro y claramente está pensado para ofrecer al final de su audición  dos últimos cortes que son la guinda del pastel, se trata de  "Prepare for Battle/Victory For Us" , un bloque de 11 minutos en los que el músico californiano sabe entremezclar los dos principales temas de acción  y los combina con fanfarrias de metales/percusión y un último corte titulado "To My Friends", que casi es como una pieza epitafio, en la que el Goldsmith retoma el leitmotiv romántico de "Cornflakes" y lo expande en un bloque suave y a la vez muy emocionante que cierra esta grabación de modo maravilloso.

FUGA DAL BRONX (Francesco De Masi)

FUGA DAL BRONX (1983)

Music Composed And Conducted By

FRANCESCO 

De MASI

Tracklist :

1. Comanche rock 0:23

2. Escape Sequence 1 1:50
3. Escape Sequenze 2 0:54
4. Escape Sequence 3 1:15
5. Escape Sequence 4 2:40
6. Escape Sequence 5 1:06
7. Escape Sequence 6 1:14
8. Escape Sequence 7 0:52
9. Escape Sequence 8 0:48
10. Escape Sequence 9 0:59
11. Escape Sequence 10 0:56
12. Escape Sequence 11 0:54
13. Escape Sequence 12 1:06
14. Escape Sequence 1 1:02
15. Escape Sequence 14 1:11
16. Escape Sequence 15 2:02
17. Escape Sequence 16 0:23
18. Escape Sequence 17 1:11
19. Escape Sequence 18 1:13
20. Escape Sequence 19 1:41
21. Escape Sequence 20 1:11
22. Escape Sequence 21 2:02
23. Escape Sequence 22 1:10
24. Escape Sequence 23 1:50
25. Escape Sequence 24 1:00
26. Escape Sequence 25 2:19
27. Escape Sequence 26 2:09
28. Escape Sequence 27 0:16
29. Escape Sequence 28 1:11
30. Escape Sequence 29 0:33
31. Escape Sequence 30 0:44

Original LP sequence:
32. Escape Sequence 1 1:57
33. Escape Sequence 2 0:52
34. Escape Sequence 3 1:13
35. Escape Sequence 4 2:43
36. Escape Sequence 5 1:43
37. Escape Sequence 6 1:16
38. Escape Sequence 7 0:52
39. Escape Sequence 8 0:45
40. Escape Sequence 9 1:03
41. Escape Sequence 10 1:19
42. Escape Sequence 11 0:55
43. Escape Sequence 12 1:08
44. Escape Sequence 14 1:11
45. Escape Sequence 15 2:01
46. Escape Sequence 16 0:22
47. Escape Sequence 17 1:11
48. Escape Sequence 18 2:31
49. Escape Sequence 19 1:42
50. Escape Sequence 21 1:04
51. Escape Sequence 22 1:08
52. Escape Sequence 23 1:50
53. Escape Sequence 24 1:02
54. Escape Sequence 25 2:19
55. Escape Sequence 26 2:12
56. Escape Sequence 27 0:14
57. Escape Sequence 28 1:12
58. Escape Sequence 29 0:33
59. Escape Sequence 30 0:44

Llevaba toda una eternidad  sin poner entrada alguna del maestro Francesco de Masi...Y aprovecho esta reciente edición en CD de una obra suya para volver a su figura, nunca suficientemente valorada, al ser un autor cuya carrera casi siempre transcurrió en territorios de cine más comercial y productos de serie B., donde demostró una categoría enorme que hubiese merecido mayor reconocimiento.

De Masi tuvo una buena colaboración con el director Enzo G. Castellari (me atrevería a decir que fue con quien trabajó más veces) y "Fuga del Bronx" no supuso una excepción. El film visto en la actualidad es todo un festival del entretenimiento y la buena serie B italiana de los ochenta que conforma una de las mejores -sino la mejor- de las producciones exploit italianas de rollo futurista que mezclaba ideas y estética de "1997 Rescate en Nueva York y "The Warriors". Le beneficia una puesta en escena muy elaborada del gran Enzo G. Castellari (artesano de platino, que rodó de todo pero que en films de acción era especialmente competente) y que aquí facturó una secuela independiente del éxito de "1990 Los guerreros del Bronx" (1982) musicada con gracia por Francesco DeMasi y con el mismo protagonista (un pétreo Mark Gregory) enfrentado a una corporación que literalmente quiere barrer/eliminar a todos los habitantes del barrio Neoyorkino y en la que trabaja un villano sin escrúpulos que encarna el gran Henry Silva...Como digo un puro entretenimiento, que luego sería asimismo plagiado en el esquema argumental de "Robocop 3".

 El trabajo parte de un tema principal ("Escape Secuence") con leitmotiv interpretado por la guitarra eléctrica, que define la rebeldía del protagonista (el pétreo Mark Gregory) . Este tema es utilizado en múltiples versiones que el compositor va variando en orquestación como "Escape Secuence 4" (en un ritmo más lento), "Escape Secuence 9" (en una versión más larga del primer tema) o bien "Escape Secuence 13". Además de este tema, tenemos bloques de música de suspense tales como "Escape Secuence 14" donde De Masi explora las posibilidades del sonido del saxofón para dar tensión a la escena. Hay incluso un segundo tema, otro leitmotiv, más épico incluso "Escape secuence 19" y que da todavía más variedad al trabajo, en una bso, divertida, rítmica, palpitante, donde se demuestra que tanto con gran orquesta como con recursos limitados, el creador de "Lone Wolf Mcquade" sabía sacar oro de su sapiencia en las orquestaciones. 

En su época la bso fue editada en el LP original de la época y más adelante algunos cortes aparecieron en un recopilatorio del maestro en compacto...Es por ello supongo que también aparece la versión del vinilo en la segunda mitad del CD. Un título imprescindible para sus seguidores y para todo aquel amante de las italianadas ochenteras de ciencia ficción y fantasía.

AD ASTRA (Max Richter, Lorne Balfe, Nils Frahm)

AD ASTRA (2019)

Music Composed By 

MAX RICHTER

Additional Music By 

LORNE BALFE and NILS FRAHM

Tracklist:

MAX RICHTER

1 To The Stars 3:30
2 Encounter 5:183 Cosmic Drone Gateway 2:57
4 I Put All That Away 3:27
5 A Trip To The Moon 4:36
6 Terra Incognita 2:49
7 Ex Luna Scientia - Requiem 5:17
8 Journey Sequence 3:20
9 The Rings Of Saturn 2:57
10 The Wanderer 4:50
11 Erbarme Dich 3:38
12 Forced Entry 2:27
13 Preludium 4:02
14 Resonantia 3:00
15 Let There Be Light 2:18
16 Ursa Minor - Visions 3:14
17 Event Horizon 6:13
18 Musurgia Universalis 3:05
19 You Have To Let Me Go 5:56
20 Tuesday (Voiceless) 21:08


LORNE BALFE
21 Opening 2:37
22Briefing 2:32
23 Space Journey 2:39
24 Rover Ride 2:51
25 Pirate Attack 2:48
26 Orbs 3:44
27 Underground Lake 2:15
28 Trip To Neptune 5:02


NILS FRAHM
29 Says 8:18


Despedimos este año de pandemia con una buena banda sonora de los últimos tiempos, en este caso el excelente score compuesto a tres manos por Max Richter, Lorne Balfe y Nils Frahm para el film de ciencia ficción de James Gray "Ad Astra" (2019)

Película ciertamente irregular, en la que para mi gusto la puesta en escena y la fuerza visual es mucho más potente que la propia base argumental y el desarrollo del guión (básicamente una variación de "El corazón de las Tinieblas" de Conrad, con un hijo astronauta -correcto Brad Pitt- que va en busca de un padre (Tommy Lee Jones) perdido (o no) cerca del planeta Neptuno-. Una pena porque el film acaba dejando un poso de insatisfacción, aunque es innegable el estilo y las formas del autor de buenos films anteriores, perjudicado aquí por una trama nunca acaba de atrapar -aunque tiene bloques y secuencias aisladas muy potentes- y a la que el uso de la voz en off en algunos pasajes tampoco ayuda


Si algo destaca de toda la película y ayuda mucho a que en algunos momentos fascine es la especial y particular bso que tiene. El priemr CD ocupa las piezas de Max Richter, un compositor que estudió en la Royal Academy Of Music y ha trabajado con bandas de música electrónica como "Future Sound"... En cine ha trabajando entre otras en "Hostiles", "The Leftovers", o " The Gift. En esta bso que comentamos tenemos el añadido de piezas compuestas por Lorne Balfe (el CD 2) tales como "Space Journey" o bien "Trip To Neptune" y también la ayuda de Nils Frahm en un tema (el excelso "Says" que cierra el álbum, para algunos el mejor corte de todo este doble CD)..A pesar de esta diversidad , los tres autores mantienen una gran unidad estilística en un álbum que contiene incluso más música que la utilizada en el film, construyendo una excelente experiencia auditiva en el oyente.

La composición de Ad Astra surgió de conversaciones entre el compositor, el director James Gray y Brad Pitt , en un trabajo con el que empezó a crear piezas cuando solo existía un guion primitivo, esbozando ideas sin imágenes, explorando los temas de la pérdida, la soledad, lo desconocido ("Terra Incognita" con influencias del vanguardismo o el fascinante "The Rings Of Saturn") ,el amor ("I Put All That Away") , el infinito ("Journey Sequence")...Ad Astra muestra la combinación de lo clásico con la tecnología moderna (escuchando por ejemplo el corte" A Trip To The Moon" de Max Richter podemos identificar plenamente este estilo ecléctico, puramente fascinante, que da tanta personalidad a toda la obra

En definitiva, una gran banda sonora para un época en la que no son tan habituales composición que refleja fascinación y soledad empleando la electrónica, las cuerdas y la voz para intensificar las emociones en pantalla

FROM THE MOVIES (Les Baxter)

FROM THE MOVIES 

Music Composed And Conducted By

LES BAXTER

Tracklist:

1 Hot Cars - Main Title
2 The Black Sleep - Main Title
3 Revolt At Fort Laramie - Main Title
4 The Invisible Boy - Music From The Motion Picture
5 Tomahawk Trail - Main Title
6 Voodoo Island - Main Title
7 Pharoah's Curse - Main Title
8 War Drums - Main Title
9 The Storm Rider - Main Title And End Credits
10 Outlaw's Son - Main Title
11 The Bride And The Beast - Main Title
12 Fort Bowie - Main Title
13 Macabre - End Credits 

Goliath And The Barbarians
14 March (Main Title)
15 Landa (Love Theme)
16 Sword Dance 

La Ciudad Sagrada (The Sacred Idol)
17 Temple Of Gold
18 Acapulco 

House Of Usher
19 Main Title
20 Buried Alive 

21 Escape To Paradise (Lost Battalion) - Farewell Scene And End Credits
22 Goliath And The Dragon - Main Title And End Credits 

23 Black Sunday - Main Title And End Credits 

24 Alakazam The Great - Finale 

25 The Pit And The Pendulum - Main Title

Master Of The World 

26 Overture
27 Topage
28 Mediterranean
29 Balloon Waltz 

30 Marco Polo - Main Title
31 Tales Of Terror "Morella" - End Credits
32 Panic In Year Zero - End Credits

Segunda entrada que hago en este blog dedicada al gran Les Baxter...De hecho creo que este autor hubiese merecido bastantes, siendo un error que intentaré compensar en el futuro. Aprovecho pues el reciente descubrimiento de esta curiosa edición en CD -que recopila un montón de trabajos para el cine- para reivindicar su figura como uno de los grandes compositores que trabajaron en el cine de género de los años 50 y 60, especialmente ligado a la productora America International y a algunas obras maestras cinematográficas del director Roger Corman

Leslie Thompson (Les) Baxter (14 de marzo de 1922 - 15 de enero de 1996) fue un músico y compositor estadounidense. Después de trabajar como arreglista y compositor para bandas de swing, desarrolló su propio estilo de música "Easy Listening", conocida con el nombre de "Exótica". Baxter estudió piano en el Conservatorio de Detroit antes de mudarse a Los Ángeles para realizar más estudios en el Pepperdine College.

En la década de los 50 fue director de Capitol Records y trabajó para Nat King Cole (en "Mona Lisa" y "Too Young") empezando a colaborar en el cine en 1953. En esos años empezó a crear y componer álbumes "Conceptuales" algo así como bandas sonoras de films inexistentes, siempre ambientados en lugares lejanos y exóticos  con sus propias suites orquestales, nacía pues el estilo "Exótica" con discos memorables como"Le Sacre Du Sauvage", "Festival Of The Gnomes", "Ports Of Pleasure" y "Brazil Now", en plena popularidad por este nuevo estilo Baxter también se empezó a dedicar cada vez más al medio cinematográfico...Y cuando la "Exótica" pasó de moda Baxter siguió trabajando en partituras para el estudio de cine American International Pictures, donde compuso para las películas de Roger Corman  del ciclo Edgar Allan Poe ("House of Usher", "The Pit and the Pendulum", "The Raven"  y "Tales Of terror"), además de multitud de films comerciales de todo tipo.  En los años setenta sus trabajos en cine se irían espaciando y Baxter acabó dedicándose más plenamente a la televisión, donde puso música en series y telefilms de todo tipo.

Este compacto, editado por Factory Of Sounds (editora que no tengo claro si es totalmente legal o No) aunque el CD es un CD  de fábrica, ha hecho un buen recopilatorio que recoge temas emblemáticos de su obra durante la década de los cincuenta y sesenta.  La mayoría son temas pertenecientes a los títulos de crédito de los films indicados...En un ejemplo de la variedad temática y estilística del maestro a lo largo de las dos décadas (50 y 60, las más importantes de su obra) aquí representadas.

Se abre con "Hot Cars" con su dinámico tema principal de jazz rápido, de este estilo más jazzy encontramos otros cortes como el último que cierra el disco "Panic In year Zero" (en una versión más lenta). Asimismo cortes que van de lo orquestal ("Pharaons Curse", con un tema principal muy amenazador y acordes y armonías arábigos para marcar la ubicación de la historia) también a sonido más Western (como en "Revolt At Fort Laramie" y "Tomahawk Trail"). Encontramos su obra cumbre dentro de American international "Master of The World" para una adaptación de Julio Verne interpretada por Vincent Price  y un leitmotiv en forma de vals que se puede comparar en calidad a cualquiera de Victor Young. 

Obviamente hay una buena selección de músicas para peliculas de terror de todo tipo: Por ejemplo "Macabre" con un tema para los títulos finales que es una especie de melodía ligera inspirada en el Dies Irae y que de alguna manera es una especie de adelanto la aproximación "comica" a la música para films de miedo de lo que sería su trabajo en la posterior película de Roger Corman "The Raven" (aquí por cierto no representada)

Puramente en el cine de terror encontramos los títulos de crédito de "Black Sunday" una melodía tenebrosa y amenazadora para toda orquesta en una curiosa banda sonora que tuvo la versión de Baxter para EEUU y la versión de Roberto Nicolosi para Europa. En cuanto a sus gloriosas colaboraciones con Roger Corman aparecen aquí representados varios tracks: Los memorables títulos principales de "House Of Usher"-con una de las melodías inolvidables de su carrera , al igual que "The Pit And The Pendulum" con otro también arrebatador leitmotiv para los créditos finales.

Finalmente señalar que también aparecen representadas en la grabación obras mucho más conocidas y más emblemáticas, como por ejemplo su contribución al género épico con "Goliath And The Barbarians", una espectacular y excelente banda sonora con la que de algún modo puso en solfa todos los recurso estilísticos de orquestación que había ensayado en sus discos de Exótica de los años cincuenta, también "Alakazam The Great" o "Marco Polo" ambas producciones donde se nota la facilidad con la que era capaz de construir melodías muy memorables. Un disco tan variado y curioso, como imprescindible para conocer todos los recursos y talentos de su compositor.

THE OMEGA MAN (Ron Grainer)

THE OMEGA MAN (1971)
Music Composed And Conducted By 
RON GRAINER

















Tracklist :
1. "A Summer Place" (1:41)
2. "The Omega Man" (3:23)
3. "Surprise Party" (1:41)
4. "Needling Neville" (3:38)
5. "Swinging At Neville's" (2:17)
6. "The Spirits Still Linger" (4:33)
7. "Where Did Lisa Go?" (3:39)
8. "'Round Midnight" (2:19)
9. "Jumped By The Family" (2:18)
10. "On The Tumbril" (6:06)
11. "Bad Medicine For Richie" (2:20)
12. "All Through The Night" (3:51)
13. "Zachary Makes His Move" (4:53)
14. "Hope Springs Eternal" (4:05)
15. "Richie On The Roof" (2:04)
16. "Neville Crashes Through" (7:12)
17. "Matthias The Victor" (5:09)
18. "Dutch Takes Over" (3:12)


Repasando el otro día las entradas al blog me percaté del fallo descomunal de no tener ninguna dedicada al gran Ron Grainer y su indudable obra maestra "The Omega Man"

Grainer fue un compositor nacido en Australia  en 1922 , que se hizo un nombre en Inglaterra creando músicas y sintonías para series de TV como "Man In A Suitcase", "Steptoe and Son", "Doctor Who" y  especialmente "The Prisoner" (que lo acercaron mucho al público de los EEUU). En cine trabajó en films como "The Assassination Bureau" y "To Sir, With Love", desgraciadamente y a pesar del logro de "The Omega Man" tuvo problemas de salud y vista que limitaron mucho su trabajo posterior y murió muy joven con apenas 59 años en Sussex, Inglaterra.

El film, titulado en España "El Último Hombre...Vivo!" fue la segunda adaptación de la novela mítica de Richard Matheson "I,am Legend", que a pesar de sus errores, se deja ver con bastante encanto. Ayuda mucho el carísma de un Charlton Heston recién salido de su periplo simiesco y reconvertido de héroe histórico a lo largo de los 50 y 60 a representante de superviviente futurista (posteriormente acabaría en el cine catástrofista).Ciertamente le perjudica una puesta en escena poco inspirada (Heston quería a Orson Welles, pero el proyecto cayó en manos de un director mediocre) con zooms feuchos, estética televisiva y algunos planos que espantan...Además de un guión que pasa por encima de los elementos más auténticos de la novela (muy suavizados). Con todo acaba siendo un entretenimiento digno, animado por la estética de serie B que tiene, el ritmo constante y una música de Ron Grainer absolutamente "cool" que es la que comento hoy.

El Cd que comento es la segunda edición que se hizo por parte de Lukas Kendall de dicha bso con el mismo tracklist y diferente portada (y que tienen un sonido mejorado y mejor mezclado). El trabajo de Grainer es melódico y pegadizo, al contrario de las sonoridades  fuertes y disonantes que dominaban las películas de ciencia ficción de la época. El sonido es espectacular -mucho mejor que en músicas actuales- gracias a las orquestaciones de Grainer y a una grabación cuidada del ingeniero de Warner Bros Dan Wallin, que grabó la orquesta en tres pistas, izquierda-centro-derecha, y los sintetizadores en una cuarta pista que luego fue doblada con la orquesta. 

Desde el principio sorprende mucho un tema principal lírico y a la vez sombrío, que muestra la soledad de su personaje principal y a la vez le da una perspectiva elegíaca ("The Omega Man"). 

Grainer además de este leitmotiv (Que va apareciendo en otros tracks como "Where Did Lisa Go?" escribió melodías distintas: Para la familia ("Surprise Party"),  para la relación romántica de Neville con Lisa, un tema para la comunidad de niños que ella y el pastor holandés ("Dutch Takes Over" un tema optimista para un final done el héroe es sacrificado), y música encantadora y reflexiva para la recuperación de un joven de la peste ("Richie On The Roof"). La partitura muestra pues un ambiente pop ligero acorde con la música de la época, sin dejar de ser altamente dramática y efectiva, a la vez que hace curiosos experimentos instrumentales ("Neville Crashes Out"). También contiene una buena selección de standarts musicales como "Round Midnight" o "A Summer Place" que Grainer tuvo el detalle de regrabar especialmente. En conclusión, escuchando esta joya de CD descubrimos un curioso y atractivo híbrido de partitura cinematográfica convencional,  algo de ópera rock sin palabras y música muy dramática, inolvidable para todos aquellos que hayan visto el film


:

DEF CON 4 (Christopher Young)

DEF-CON 4
AVENING ANGEL
THE TORMENT
THE TELEPHONE

Music Composed By CHRISTOPHER YOUNG








Tracklist :

Def-Con 4

1 Def-Con 4 (Main Title) 1:39
2 Forced Landing 2:21
3 The Liberation Of Fort Liswell 2:36
4 Armageddon 2:14
5 Ghost Planet 2:02
6 Gideon's Law 1:41
7 The Terminals 1:05
8 A New Man's Destiny 2:33
9 Defense Condition 1 2:18
10 The Juggernaut 1:32
11 Electronic Ocean 2:20
12 A Message From Home 2:00
13 I Can't Go On 2:12
14 The New Dark Age 2:11

Avenging Angel
15 Kit Carson 3:26
16 Overdrive 2:16
17 Molly Mey 2:23
18 Ratamacue 2:42
19 Dark Angel 4:22
20 Never 1:04
21 Bughouse Bust 2:07
22 Good Golly Solley 2:39

Torment
23 Thanatos 10:25

The Telephone
24 Vashti Blue 3:22
25 Definitely Not Manhattan
26 Pantomime 3:24
27 Christmas In July

Excelente CD editado por Intrada en su primera etapa y que presentaba diversos trabajos del genial Christopher Young en su época de la década de los ochenta. Además de contener trabajos para cuatro producciones distintas, es un gran muestrario estilístico de su talento efervescente y creciente en aquellos años, con una capacidad camaleónica para trabajar en diferentes géneros y dar lo mejor de si mismo.

Los primeros catorce cortes pertenecen a la banda sonora del film de ciencia ficción "Def-Con 4". Es una composición de corte orquestal en la que juega mucho con el experimentalismo , asumiendo mucha influencia de Jerry Goldsmith (en concreto el corte titulado "Gideon's Law" es un claro homenaje a "The Planet of the Apes" o bien la marcha militar de  aire Rambístico que aparece en "I Can't Go On"), ya marcado desde un vibrante leitmotiv -repleto de estallidos orquestales y uso de percusiones- que aparece en  "Def-Con 4 Main Title" o bien en un corte enérgico y vibrante como el que aparece en "Forced Landing". estamos ante una obra muy notable que apuesta siempre por experimentar, con piezas muy atonales -inquietantes como  "Ghost Planet" o "The Terminals"- también bloques de acción muy potente como en "The Liberation of Fort Liswell" con un leitmotiv que aparece más tarde en "The Juggernaut" y que pone en aviso al oyente de que estamos ante un autor de envergadura

Los siguientes ocho cortes pertenecen a "Avening Angel" ("Angel 2" en España) la secuela de de "Angel" que directamente tiraba hacia el lado del thriller intrascendente y de claro aroma ochentero... Con una magnífica banda sonora del primerizo Young que utiliza un estilo de corte Pop/Jazz rítmico muy cercano al James Horner de "48 Hours", "Commando" en tracks vibrantes como "Overdrive", "Ratamacue" y "Good Golly Solley"...Frente a estos también tenemos bloques curiosos como la orquestacion más sonido Jazz vintage de "Bughouse Bust" o el magnífico y burlesco tema titulado "Kit Carson" dedicado a uno de los personajes del filmEl tercer bloque lo ocupa un único corte titulado "Thanatos" perteneciente a la película "Torment", es una suite de diez minutos de sonido atonal, oscuro y asfixiante asombrosa e inquietante verdaderamente sensacional en el que utiliza cuerdas, percusiones, piano y un conjuto que llama "Metallic Sound Sculptures". 

El disco se cierra con una perla, cuatro piezas de aire jazzístico compuestas para "The Telephone". Son bloques muy sensibles y románticos ("Vashti Blue", "Definitely Not Manhattan","Pantomime" y "Christmas In July") que dejan un sabor de boca excelente en el oyente y muestran al autor de "Hellraiser" como un camaleón capaz de abordar diversos estilos sin perder ápice de originalidad

COLOSSUS: THE FORBIN PROJECT (Michel Colombier)

COLOSSUS: THE FORBIN PROJECT (1970)

Music Composed And Conducted By 
MICHEL COLOMBIER








Tracklist:

1. Main Title 4:05
2. All Systems Go 1:27
3. Set Up Communications 2:15
4. Colossus to Guardian 1:19
5. Guardian to Colossus 0:51
6. A New Language 2:15
7. Missile Launched 3:03
8. Rendezvous in Rome 1:47
9. Goodbye Kupri 3:06
10. Nuclear Blackmail
11. Under Surveillance 3:55
12. Schedule for Today 1:48
13. Mistress Arrives 1:05
14. Forbin’s Hi-Fi 1:19
15. Peeping Tom 2:35
16. Personal Contact 1:37
17. Missile Realignment 2:16
18. Overload 1:42
19. Dr. Frankenstein 1:10
20. World Control 1:48
21. The Final Word 3:11
22. End Title 0:36
23. Kupri Source 3:08

Primera entrada (y no será la última) para celebrar la gran iniciativa de Universal Pictures de sacar a la luz en CD una serie de bandas sonoras no editadas o ilocalizables. Se abre la veda con "Colossus: The Forbin Project" una joya compuesta por Michel Colombier en 1970 para un interesante film de Ciencia Ficción setentera, que se erige como un cruce entre las posteriores "Juegos de Guerra" y "La Amenaza de Andrómeda"...Con un científico (Eric Braeden) que construía un enorme computador denominado Colossus que acababa adquiriendo inteligencia propia y poniendo en peligro la seguridad de las relaciones entre los USA y la URSS. Aunque la película no remataba sus posibilidades mostraba un tipo de relato sólido, con una puesta en escena de Joseph Sargent  más elegante y dinámica de lo habitual -utilizando mucho juego de pantallas y cámaras- y con un final muy de acorde con la tendencia de la SF de aquellos años.

Michel Colombier (1939-2004) nació en Francia y fue un niño prodigio que con catorce años había descubierto ya el jazz y a los veintidós años fue contratado como director musical del sello Barclay Records. Se introdujo en el mundo del ballet con una de las obras maestras de Maurice Béjart, "Messe Pour Le Temps Present", donde contó con la colaboración del legendario compositor de vanguardia Pierre Henry. Estableció una larga asociación con el legendario Serge Gainsbourg y colaboró asimismo con algunos de los más prestigiosos artistas franceses. Como creador combinaba frecuentemente elementos de la clásica europea con elementos del jazz y otras músicas del mundo. Trabajó para una serie interminable de artistas, recorriendo prácticamente todo el espectro estilístico de la música occidental, escribiendo además la banda sonora para más de cien películas, tanto en cine como en televisión.

A priori si uno no ha visto el film, le puede sorprender la elección de Michel Colombier en un proyecto tan Americano, pero ya se sabe que en aquellos años era habitual arriesgarse mas en las elecciones musicales y los resultados obtenidos fueron espléndidos. Estamos ante una banda sonora que juega por un lado con el sinfonísmo, las formas más clásicas incluso jugando con técnicas heredadas del ya citado Pierre Henri ya la música concreta, jugando con el Pop y el jazz en un combinado sensacional.

El Cd se abre con un nervioso tema que combina la melodía principal en órgano y una acompañamiento de cuerdas en pizzicato ("Main Title") esta melodía, que define perfectamente el mundo de los ordenadores y la transmisión de información, luego será retomada en otros bloques igualmente sensacionales como "Colossus To Guardian" o "Missile To Realigment". Asimsimo Colombier también compone bloques dramáticos de gran tensión con un uso de cuerdas digno de Bernard Hermann  en los sensacionales "Missile Launched" o "Dr Frankenstein" incluso se atreve con momentos de romanticismo inesperado en los cortes "Peeping Tom" o "Personal Contact". Obra pues que cuanto más se escucha más se disfruta en la que esa atrevida combinación de clasicismo y modernidad se muestra sin tapujos en "Under Surveillance" un fastuoso corte que parece casi un cruce de Lalo Schifrin y el citado Herrmann y que muestra al compositor en una endiablada inspiración y es retomada en otra variante más potente en el corte  "End Title". Como bonus, aparecen además intercalados varios temas de música diegética -todos sensacionales- que van del Pop al Jazz ("Kupri Source", "Forbins Hi-Fi" o bien "Schedule For Today") y que muestran la capacidad creativa de un autor que estaba en plena cresta de su obra. Que una bso de hace 50 años sea tan moderna y válida en la actualidad da mucho que pensar en como hemos retrocedido con los creadores actuales