COSSE. "It turns pale" (2023)

 

Si aún el término post rock tiene algo de sentido, es por bandas como la francesa Cosse, que sabe emanciparse de los viejos modismos del género, para de una manera equilibrada y eficaz construir a base de arrreones de guitarra, un complejo clima donde es fácil disfrutar de estos disturbios sónicos. 

"Tangerine" y "Crazy horse", son una buena muestra de este abanico que no juega al despiste, que es un frenesí para escabullirte, un oasis de sonidos que suben y bajan, de un viento que recorre como amenaza cada rincón de un fértil viaje hace muchas partes. 

"Evening" es un bello disparate, una especie de single feroz repleto de furia, sin domesticar, caligrafía electrocutada que mora en un frenesí brutal.  También "Easy things" participa de esa rabia escrita esta vez con ritmos pausados repletos de una amenaza siempre latente. 

"Braindow" usa las mismas artimañas que las que vimos en su anterior trabajo, el interesante "Nothing belongs to anyting" , para que la música de Cosse se te adose  a los sentidos. La que titula el disco es la más florida de un trabajo repleto de lirismo, acogedora, como un himno que te apacigua el ánimo si lo tienes en temporada baja de ilusiones. 

Cosse de intensidad andan sobrados. Te pones "Sinner god" y empiezan a caer claveles del cielo. El fin con "Slow divers" deja el listón bien alto, de una banda que ha conseguido, revivir un género totalmente momificado. 

BARK PSYCHOSIS. "///Codoneme:dustsucker" (2004)

 

El término post rock nació con ellos. Simon Reynolds fue el que con su crítica del primer disco de Bark Psychosis, "Hex" (1994), definió como post rock lo que la banda realizaba en un pedazo de disco, para mi quizás el mejor jamás grabado del género. 

Diez años después de ese maravilloso sobresalto, su líder Graham Sutton, ya sin sus compañeros, sacó este segundo y último disco del proyecto, donde aunque queda lejos el impacto de "Hex", nos encontramos con temas de grandes hechuras como "From what is said to when it's read" y sobre todo el inquietante "The Black Meat" que parece una evolución natural de lo que hacían hace 10 años. 

"Miss abuse" también conserva esa inquietante magia que te envuelve desde que empieza asomar el tema, pero aquí cambiando el lirismo antiguo por notas de experimentación. Envolventes suenan en "400 winter", con la tecnología tomando el mando de un crisol de susurros en medio de una niebla que impacta y te seduce. 

Quizás el disco adolezca de la redondez de "Hex" en su conjunto, que caiga algo más en lo disperso, pero siguen siendo valiosa la aportación de Bark Psychosis al género ("Burning the city" es otra muestra de ello). Es sin embargo en otras canciones como "INQB8TR" donde la faceta más experimental resta pegada a un trabajo que se nota que quiso continuar por la senda de "Hex" pero no termina de engancharnos con la poesía que tenía aquel.

"Shapeshifiting" levanta el vuelo con su casi noise suave para terminar el viaje con "Rose". En resumen, unos clásicos inolvidables, donde siempre tendrán a "Hex" como máxima referencia.

A.R. KANE. "69" (1988)

 

En el año 1988, este disco fue número 1 de las listas independientes del Reino Unido. No es de extrañar dada la calidad de la propuesta del grupo comandado por Alex Ayuli y Rudy Tambala. El que fuera el primer disco del grupo, es todo un cóctel estilístico donde se puede ya sondear apuntes de dream pop, de post rock, de shoegazing, de dub.... En fin un no parar. 

El comienzo con "Crazy blue" y sobre todo "Suicide kiss", con ese enjambre de distorsión temeraria, con esa sacudida sónica de ruido revoloteando en un mar de placer sónico, da paso en "Baby milk snatcher" a una experimentación dub sofocadora. 

No es de extrañar que Simon Reynolds regara elogios hacia ellos.  De esa época nadie suena como ellos. Incluidos en la primera hornada de bandas de post rock, cuando el género estaba en pañales, la necesidad vital del grupo de expandir sus coordenadas musicales, les llegaba a volar por minimales mundos devastadores ("Scab"), o acercarse a túneles de noise expansivo ("Sulliday"). 

Escuchar el disco de A.R. Kane hoy en el año 2025, después de tantos años, es algo reconfortante por la vigencia y actualidad de un sonido que desarma por su poder transgresor ("Spermhale trip over"). Volver al pasado para entrar en su laberinto poblado de sombras y aristas ("The Madonna is with child"), es todo un paseo por el lado mas inquieto de una época poblada de grupos a seguir. 

ARAB STRAP. "The red thread" (2001)

 
Partiendo de la idea oriental de que existe un hilo rojo invisible que vincula a los enamorados hasta el fin de los tiempos, el grupo formado por Aidan Moffat y Malcolm Middleton, construyó en el que fuera su cuarto disco, toda una biografía de lo que es ser un ser doliente. 

Desde el inicio con "Amor veneris" y "Last orders" con su melancólica compungida, nos sumergimos en una senda repleta de agujeros en cielos particulares de desasosiego, acompañados por reflexiones de tecnología siempre tenue ("Scenery"). 

"The devil-tips" es casi una experiencia de minimal post punk para en "The long sea" elevarse en la canción más experimental de disco, catarsis de post rock. "Love detective" es la manera que tienen Arab Strap de acercarse a un antihit y en "Screaming in the trees" caminan por senderos donde se voz a todas las obsesiones que ha marcado el devenir de la carrera de este duo de bohemios de la decadencia. 

Ya en la recta final de "The red thread", "Haunt me" y "Turbulence", ponen el punto final a este viaje por la desolación, entre pasajes de luces líricas y rugosidades suaves de un un grupo con una voz propia que hará las delicias de los insomnes de corazón. 

YNDI HALDA. "Under summer" (2016)

 

Cuatro discos sacó el grupo de Brighton, cuatro artefactos donde desgranan todo su arsenal de música para soñar, planeadora y lírica, post rock con ínfulas de épica, con himnos siempre de larga duración, donde es fácil dormirse soñando estrellas. 

En "Under summer", el que fuera su segundo largo, con solo cuatro temas, pero rozando la hora de duración, nos encontramos lo que ya vimos en el que fuera su mejor lp, "Enjoy eternal bliss", temas evocadores, con climax de guitarras que se enervan, con violines que se agitan  ("Together those leaves"). 

 "Golden threads from the sun" y sus catorce minutos largos es toda una puesta en escena de la eficaz manera que tenían Yndi Halda de ejecutar ese post rock que no se anda con rollos progresivos, que se acerca más a los dictados de Explosions in the Sky o a la lírica de unos Rachel's en versión desatada. 

Me gustan por su buenas maneras en el plan que tienen detallado, de ir poco a poco in crescendo, rodeándonos de voces y de un armazón casi neoclásico, vistiendo los temas de con un montón de guirnaldas tristes para días de esos siempre oscuros ("Helena"). 

Y para terminar este viaje por lugares de soledad y silencios pautados, "This very flight" y su monumental borrasca de sensaciones, para percutir en el oyente melancolías salvíficas, hogares de luces intermitentes para el placer del alma. 

THE ALBUM LEAF. "In a safe place" (2024)

La verdad es que desde que empieza a sonar la primera canción del disco, "Window", se nota la influencia que tuvo en la gestación del álbum, el ser grabado en los estudios de los islandeses Sigur Ros. Leve, lírica, tranquila, como una especie de Explosions in the Sky en posición slowcore. Aquí no hay distorsiones. Pero sí mucha emoción.

Y es que el grupo de Jimmy Lavelle, en sus ochos discos, dejaron buena muestra de como sirviéndose de espacios medio electrónicos, juntos a suspiros de post rock ("Thule"), se podía agitar la coctelera consiguiendo buenas canciones instrumentales para disfrutar. 

Como "On your way" y su ligereza expansiva, o ese himno llamado "Twentytwofourteen", pura adrenalina para el corazón. En "Over the pond" es cuando más se parecen a Sigur Ros, vamos que parecen calcados. Aquí si que meten voz. En "Another day (revised)" se te esconden en el bolsillo para acompañarte en esos paseos para meditar que te das cuando no quieres ver a nadie. 

Triste es "Streamside" y "Eastern glow", la más especulativa del lote, dan buenas señales de lo que le gusta eso de jugar con la tecnología. En conclusión, una buena banda The Album Leaf que nunca nos aburrió con sus trabajos. 

DO MAKE SAY THINK. "You, you're a history in rust" (2007)

 

Do Make Say Think fueron mi grupo favorito del famoso sello Constellation, hogar de los aclamados Godspeed You Black Emperor. Digamos que lo que siempre hizo Do Make Say Think es hacer del post rock algo lejano del tostón instrumental a lo que se sometió el género con el paso de los años. Ellos no, ellos siempre tuvieron algo más que decir. 

El quinto disco, el primero cantando, es desde que empieza "Bound to be that way" un abanico de posibilidades sonora, todas plácidas, donde los arreones de distorsión se mecen en una amalgama de sonidos para soñar. 

"A with living" es una postal lírica repleta de sitios donde gozar a gusto, bien lejos del coñazo soporífero de buena parte del cancionero de sus paisanos GYBE. "The Universe!" es todo un pelotazo, con los vientos corriendo entre la electricidad de quizás uno de las mejores canciones de su carrera. Trotona y explosiva de principio a fin. 

"A tender history in rust" es quizás la más especulativa de un enorme y monumental trabajo, con burradas del tipo de "Herstory of glory" con su constante progresión, arquitectura de un post rock bien armado, repleto de colores, de ritmo, vivo, en plena forma. 

"You, you're awesome" es triste y a la vez vital, y "Executioner blues" , resume a la perfección la capacidad que siempre tuvieron los de Toronto de crear climas donde la épica descansa sobre bellas filigranas instrumentales. Grupo a seguir sí o sí. 

BIKINI ATOLL. "Moratoria" (2004)

 

Solo sacaron dos discos (el segundo, "Liar's exit" bajo la siempre exitosa producción de Steve Albini), y la verdad es que la banda londinense dejó su huella particular facturando un post rock con tintes de post punk siempre melancólico. El tema que titula el disco es buena muestra de ello. 

"Then amplify" suena como un disparo certero de Swans, minimal y cautivador, y "Cinnamon" , una de las cumbres del disco,  donde se muestran arrebatadores, con una intensidad que te deja boquiabierto. Me gusta la tranquilidad que rezuma "Black river falls", tierna hasta un manojo de lágrimas, eficaz como para componer una oda durmiendo. 

No me extraña que Simon Raymonde de Cocteau Twins les cogiera la matricula.  Apabullan, como esa esdrújula distorsión de "Black Dog", y sobre todo con la mejor del lote, "Cheap trick", un torbellino de post punk para días aciagos. 

"Perfect method flawed" es otra gema de ternura envolvente que cede el puesto a "Desolation highway" simplemente irresistible. "Clear water gravity" también participa de esta desmesura de un post rock amable, con tintes siempre que hechizan. 

Un gran grupo, con una vida efímera, que dejaron un buen reguero de canciones para que los sintamos muy adentro. 

MONO. "Oath" (2024)

 

Quizás el sonido de Mono ya no nos deslumbre como cuando los conocimos, pero siguen siendo una apuesta segura para arrebatarte el alma con su post rock con gotas siempre de clasicismo, y algún arrebato de esos marca de la casa a los que nos tienen tan bien acostumbrados como la que titula el cd. 

El grupo japonés comandado por Goto y Yoda siguen dando razones para que sigamos disfrutando de sus discos por esa capacidad que tienen de expandir siempre su lírica extrema, como "Run on" y esos teclados que se mecen para preparar la tormenta que se avecina, los sonidos de las guitarras que levemente se aúpan en una progresión silenciosa de sonidos. 

Una de mis favoritas, casi pudiera ser un single para una mala temporada de tu corazón, es "Reflection" con el piano piando, con la masa para construir un cuerpo de ensueño en pleno apogeo. "Hear the wind sing" es otra bella estancia en un lugar poblado de lagos y cartas perdidas de amores jamás encontrados y en "Hourglass" roza el ambient confiando siempre en el goce de una sonido que apabulla y te deja en constante estado de paz. 

Así son Mono. Nunca han dado ningún paso en falso, son una propuesta que no caduca, son el banderín de enganche de un género el post rock, que hace tiempo pasó a mejor vida ("Moonlight drawing"). Así que no nos queda otra que ponernos "Holy winter" y "We all shine on" para cerrar el círculo de una trabajo que se disfruta por lo que siempre nos ha dado Mono. Razones para la emoción no faltan cuando te adentras en el misterio de sus canciones. 

CYANN & BEN. "Sweet beliefs" (2006)

 

Es una pena que la existencia de Cyann & Ben durase tan solo 3 años. Y lo digo porque después de la escucha de la canción que abre el disco, "Words", merecen todos los elogios, y que cojamos las palas para desenterrar del ayer, tesoros como los de este grupo parisino, con su post rock ensoñador, repleto de lírica, de canciones que son himnos que duelen, que afilan sus garras cuando los escuchas. 

Vaya sonido. "Sunny morning", la segunda de este el que fuera su último disco,  se alarga en un larga sinfonia que roza el dream pop y que da la voz a la que titula el disco, con el piano como eje principal de una sensacional composición de aires casi slowcore, corriente abajo de sentimientos siempre duraderos. Fantásticos. 

"In union with" es triste hasta en los dorsales de sus segundos que acuden a tu ayuda para apaciguar tu pena con ondas de calor extenso. En "Guilty" se escoran  hacia el post rock más ortodoxo, para en "Recurring" seguir el juego del escondite con su tristeza siempre elevada al cuadrado. 

"Let it play" es la mejor forma casi al final de llegar a "Sparks of love", con casi 9 minutos constantes de delicadeza, de psicodelia, de fulgor inmenso. Enorme banda los franceses. A recuperar sí o sí. 

DISCO INFERNO. "D.I. Pop" (1994)

Fueron uno de mis grupos preferidos dentro de esa primera andanada de grupos de post rock, que en los 90 salieron a mansalva (Moonshake, Laika, Seefel, Labradford....). Liderados por Ian Crause, su propuesta no tiene parangón en aquella época, con esas pinceladas de post punk que aperecen en "In sharky water" pero siempre dentro de un verdadero enjambre sónico de esos que te llama la atención y consigue reptar en tus sentidos. 

Pioneros en el uso del sampler digital junto a instrumentos de rock habituales, sus composiciones son una amalgama de caos y proeza estilística ("New clothes for the new world"), de ruidos que van y vienen y que tienen el punto fuerte en quizás el tema más famoso de su discografía, "Starbound , all bunt out and nowhere to go", donde parece que una ejercito de duendes burlones están en una discoteca disparando zarpazos brutos. 

Las composiciones de Disco Inferno, nunca fueron de fácil asimilación, son como una corriente disparada de viento que penetra en tus oídos y los hace implosionar ("A crash at every speed"). Juegan y se divierten creando mapas donde es fácil perderse, con melodías raras que crean confusión, como un antipop sumergido en ácido ("Even the sea sides against us"). 

"Next year" con ese bajo amenazante, es otra de las joyas de este "D.I. Pop", álbum desgarrado, que ha pasado la prueba de los años vencidos con una juventud total, con su amplia gama de tonalidades que despiertan al oyente una cantidad desorbitada de sensaciones. 

Para rematar la jugada, "Footsprints in the snow", una delicadeza para tranquilizarnos el alma después de tanta tormenta de rayos y truenos, después de toneladas de expresiones para volar desgarramiento. Necesaria en estos tiempos, la escucha de esta gran banda. 

THE AMERICAN ANALOG SET. "For forever" (2023)

 

18 años llevaban The American Analog Set sin sacar un disco cuando editaron este portentoso "For forever". Se dice pronto. 18 años. Y además con la misma formación de "Know by heart" (2001), el que para mi es el mejor disco de su interesante carrera. 

"For forever" es un compendio de todo lo mejor que ya sabíamos de The American Analog  Set.  Post Rock con costuras emocionales ("Camp don't count"), soberbias reflexiones circulares donde se destapa la capacidad creativa de la banda de Andrew Kenny ("Screaming for vengeance"). 

Hasta las dulces veleidades con aroma pop como "Konika & Maliko" tienen un aire de esos que se te queda en la retina auditiva con deseo de perdurar. Aires de kraut en "Over the jeans", es un torbellino de belleza matemática que da paso a "Long limbs" quizás la más experimental de un disco amable, repleto de islas donde regodearse del clima musical creado. 

Mi favorita es "By the bridge", un hit instantáneo,  golosinas para el paladar, prácticas de sueños en construcción. Simplemente rutilante. Como la que titula el álbum, un compendio de galimatías sónicos relajados, un torbellino de disfrute inmediato. 

"The Quiet dark" es otra de las gemas que conforman este cuadro de música para apadrinar suspiros. La música de The American Analog Set siempre tuvo ese aire cautivador que hace que a la primera escucha caigamos rendidos ante ellos, y este disco es otra soberbia muestra de ello. 

RACHEL'S. "Handwriting" (1995)

 

"Handwriting" fue el primer disco de esta portentosa banda de postrock, de música de cámara con aires de grandilocuencia espectacular. Y dentro de su discografía, es el trabajo que se permiten explosiones controladas de distorsión  como en "M. Daguerre", hecho que no es para nada habitual en una carrera cargada de pianos, vientos y odas de espacios siderales.

"Southbound to Marion" es una delicia que te hiela el corazón con ese inicio que repta y conecta con tus nervios del sentir y "Saccharin" es otro recipiente donde la calma cruza la calle de la mano con la tristeza en un paseo de intensidad asegurada. 

Y es que los 8 trabajos de Rachel's se caracterizan  sobre todo en esa forma de construir un neoclasicismo que rastrea los suspiros de ese minimalismo de Michael Nyman que tanto nos hechizó en su momento. Rachel Grimes (piano) y su grupo, siempre supieron conmocionarnos. Y es en temas como "Frida Kahlo", donde Rachel se erige como protagonista de un arte que te sacude y te emociona. 

La que titula el cd, es otra de las expresiones máximas de fragor compositivo, deambulando entre racimos de suspiros, oyendo el aleteo de ruiseñores posados en un alambre de aliento. ¿Qué más decir de Rachel's? A disfrutarlo toca. 

PIANO MAGIC. "Life has not finished with me yet" (2012)

 

"Life  has not finished with me yet", fue el penúltimo disco de la carrera de esta brillante banda inglesa comandada por Glen Johnson desde últimos de los 90. Y como no podía ser de otro manera, y como en su dilatada discografía, este trabajo es otra obra de esas tejida con elegancia y una cantidad de registros musicales que hacen que caigamos rendidos desde la primera escucha. 

Comenzando por "Judas" y ese aire que recuerda a unos Dead Can Dance inflados de tecnología y versos sueltos, o "The slightest of threads" con su gótico aire a mansalva de misterio sobrecogedor con una abrupta distorsión que te deja ko, todo es belleza a raudales, todo es dinamita para el corazón. 

Ya lejos de ese indie pop electrónico (muy particular siempre eso sí) de sus inicios, este lp puede resumir la capacidad de sorprendernos de un grupo que siempre nos cautivó. "Chemical" es minimal y radiante, y "Lost antiphony" es una tristeza que embauca y te aprieta fuerte. 

La que titula este portento de viaje, es otra sucesión de versos sueltos de confort, que radian y tejen láminas de sabor a un folk oscuro de historias, tristes. Apabullante. Como "(The way we treat) the animals" y esas cuerdas volátiles, o la sugestión que provoca "Jar of echoes".

En "Higher definition" se escoran más a la electrónica, y  "You don't need me to tell you" es una pieza de orfebrería rebosante de encanto y que da la voz a "A secret never told" otra daga sentimental. Lo dicho Glen y sus chicos, siempre abrazando el misterio. Una delicia. 

PAN AMERICAN. "A son" (2019)

 "A son" fue el penúltimo disco de la carrera del proyecto del ex-Labradford, Mark Nelson, y es quizás el disco que más te llega, el más paisajista de todos los que se engloban bajo la marca de Pan American, lejos de las veleidades electrónicas de otros trabajos como "Quiet city". 

"A son" es una delicia desde que empieza a sonar "Memphis Elena", o esa rutilante canción llamada "Sleepwalk guitars", puro post rock de ese que deja huella, que te mece en un ambiente de calma siempre extrema. 

Y es que oyendo "A son", y temas como la tierna "Brewthru" aun confías en que ese género difunto llamado post rock, cobre vida, confeccione algún arma más para que podamos sentir ese frescor que nos aprieta el alma ("Dark birds empty fields"). 

Todos los temas de "A son" rezuman tranquilidad,  son apabullantes desde su sencillez ("Drunk father"), un amalgama de cirios en procesión hacia cándidas luces romances para soñar nubes bajas ("Muriel spark"). 

Discos como este, perduran en el tiempo, son una artesanía atribulada con conexiones a la parte más íntima de nuestros deseos. Grande Nelson en su proyecto, dejó un disco como ave fénix de un vuelo sin peligro para extraviarse en espejismos. 

MONO. "Hymn to the immortal wind" (2009)

 

¿Qué pasa cuando se unen la banda japonesa Mono y el mago de los estudios de grabación Steve Albini? Pues lo que suele pasar en estos casos, que Mono graban el mejor disco de su carrera, incrementado la de por si efectividad emocional de su post rock, con un sonido de esos que quita el hipo ("Ashes in the snow"). 

Y es que escuchar este disco a fecha de hoy, con el post rock ya en estado terminal (salvo contadas excepciones), es participar en una bacanal de climas interiores, de ráfagas de guitarras apalabrando citas con el sonido de cuerdas que te acunan y miman. 

"Burial at sea" es grandilocuente, la máxima expresión de una banda que sabe como trasladar las emociones a lugares donde es fácil perderse entre laberintos y sendas repletas de musgos evocadores, de suspiros que abrazan ("Sileng flight, sleeping dawn"). 

Y luego te topas de bruces con "Follow the map" y "The Battle to heaven", y sientes que si, que no es un milagro de lluvia y rocío embarazado, que esta música viene sin condimento posible, con alas en cada cadencia sónica que te estremece y te hace llorar. El mejor disco de Mono, un trabajo que hay que tener sí o sí. 

HOOD. "Outside closer" (2005)

 Ahora que el post rock ha quedado reducido a género (salvo alguna contada excepción) maniatado por su poca dedicación a la evolución, siendo más una especie de rock sinfónico para modernos, es todo un placer volver a éste el que fuera el último disco de la banda de Leeds, plagado de toda una colección de canciones que destilan belleza por todos los costados posibles ("The negatives"). 

Si en el anterior y quizás con más repercusión "Cold house" (2001), coqueteaban con la indietrónica de una manera más que evidente, aquí a parte de ese juego con la tecnología que tan  bien se les daba, ("Any hopeful thoughts arrive"), se las apañan de maravilla para elaborar una jugada maestra de sueños melancólicos ("End on train working"), y de toboganes emocionales donde todo está de tal manera enhebrado que es una maravilla enredarse en sus ruidos siempre envolventes ("Winter 72"). 

"Still rain fell"  es otra delicia de esas que te atraviesa los sentidos, cálida y efectiva, solvente y repleta de situaciones calmosas para perder el tiempo con placidez en silencios de flores y moras. Hipnóticos, cautivadores, Hood te tocaban la fibra, repartiendo motines de abstracción por doquier (L. fanding hills"), silbando profecías de lugares donde es fácil fabricar luces para el sueño ("Clousure"). 

"Outsider closer", la muestra de una forma artesanal de llenarte de burbujas y de ternura, pétalos que rubrican placidez y confort del bueno. Brillantes Hood. 

 

HIPERSON. "Bildungsroman" (2020)

 Merito tiene que dentro de la opacidad de la sociedad china, salgan cosas como lo que nos ofrece este quinteto de Chengdú, que abre el disco con una de esas canciones que meterías en cualquiera buena recopilación que se precie ("Spring breeze"). 

Chen Sijang, su cantante, que aparece en la portada del disco, tiene una voz de esa que sobrecoge, y la catarsis que produce con esa mezcla de post rock, con elementos de la música tradicional de su país (el uso de la flauta es casi mágico), hace que su escucha sea un goce de esos altamente disfrutable.

El disco es muy completo, y se mueve entre reflexiones más tranquilas y sosegadas como "Xindu people", y explosiones radioactivas que son una muestra del poder devastador de su sonido ("I am in a period of desperation"). 

"Daily march", es otro de puntos fuertes de un disco que la verdad es una delicia. Aquí parecen Mogwai de viajes de negocios por Oriente. Vibrantes y expansivos. En "Crashing into daylight" se escoran hacia un post punk cercano a la new wave, para en "From birth to the present" destemplarnos con su furia sin contención. 

Que calidez nos muestran en "Our ballad", que torbellino "I don't want another life" y su épica dulce, carta oceanográfica de murmullos y estampas de festejos íntimos continuos. En resumen, algarabía asegurada con este grupo ensoñador. 

SONNA. "We sing loud, sing soft tonight" (2001)

 Que pena que la vida discográfica de Sonna, se quedase en este disco y en "Smile and the world smiles with you" (2002). Los de Baltimore supieron realizar en estos dos grandes trabajos una enorme digresión estilística donde se unían el postrock, el slowcore, el shoegazing de manera envolvente, radiante, espectacular. 

Este, su primer largo, producido por Steve Albini, se abre de manera magistral con "The opener", una suculenta y lírica especulación de guitarras que flotan, sonidos lunares para la tranquilidad y el confort de la retina auditiva. 

"Low and to the slide", es una tormenta que se desata con discreción y "We sing loud" es una catarsis de donde demuestran la capacidad para dejarnos sin palabras, donde transitan en lugares comunes para que la emoción se convierta en una excusa  para vivir en un sueño. 

Y el colapso total llega con "Sing soft tonight", donde parece que estamos ante una versión remozada de Codeine, lentitud y salmos, guitarras con morfina, tensión crujiente en espacios naturales para el silencio y la duda. 

Las dos últimas gemas del disco, "Sleep on it" y "Real quiet", vienen a confirmar que la serenidad es el motor de un dichoso trabajo, que hará las delicias de todos los que degustamos la calma, las cítaras compositivas, el ardor del silencio. 

ULRIKA SPACEK. "Compact trauma" (2023)

 

Tras seis años en barbecho, UlriKa Spacek vuelve por todo lo grande con este "Compact trauma". Uniendo el krautrock, con el dream pop y con pinceladas de shoegazing, han conseguido una buen conjunto de canciones de disfrute inmediato. 

Empezando con la distorsión apabullante de la inicial "The sheer drop", pasando por los paisajes psicodélicos de "Accidental momentary blur",  "Compact trauma" es un catálogo de sonidos bien conseguidos, una celebración desde su particular atalaya de magos del indie más revoltoso. 

"It will come sometime" te envuelve a la primera de cambio, y "Lounge angst" tira de madurez pop, de melodías para sofás de cariño, para flores mustias pero eternamente hermosas. "Diskbanksrealism" se escora hacia parámetros más krrautrock, sintetizando su amalgama sónica en un apabullante fuego de artificio sónico. 

Luego "If the wheels....." la más redonda del trabajo, donde sale a relucir su vena más shoegazing, en un motín de sonidos que son un perfecto salvoconducto para viajes gratuitos a galaxias lejanas, donde podamos esparcirnos con gracia. 

La que titula el cd nos mete de lleno en un torbellino avasallador que tiene su perfecta continuación con los diez minutos sublimes de "Stuck at the door". ¿Alguien da más? Pues a disfrutar toca.