Organ suite - episode 1 & 2

 Large church organ' compositions mixed by Amiel Balester for Epsilonia radio show.

 

EPISODE 1 

"in nomine lucis"  - Giacinto Scelsi  1974
"études pour orgue"  - Thomas Lacôte  2007
"Signal pour orgue" -  Florent Carro Darras   2020
"Organ Safari”  & ”Trophies of organ” - Arturas Bumsteinas  2010/2024
"Workout 4" ext. de "Five workouts” - Baba Noriko  2017
"Prelude - Vision in Flames" - Akira Nishimura  1996
"Negativo" - Lanza Mauro  2006
"Glacis, pour orgue et accordéon micro-tonal"  - Aurélien Dumont  2017
"Trophies of organ” - Arturas Bumsteinas 2024
"La Harpe de Marie, Les Laudes, op.5" - Jean-Louis Florentz  2021 
"Pas plus gros que le poing-Hommage à Doraemon" - Baba Noriko  2018
"Kalavinka" - Baba Noriko  2007
"Workout 1, ext. de Five workouts" - Baba Noriko 2017

 

&

EPISODE 2

"T Rex"   - Ana Sokolovic  2021
"Oniones Death pt1"  - Maria W Horn  2021
"Improvisation"  - Thierry Escaich   2023
"Litanic Cloth Wrung"  - Kali Malone  2019
"Hoquetus Animalis"  - Théo Merigeau  2021
"Improvisation 2"  - Benoit Mernier  2021?
"Cloudscape"  - Toshio Hosokawa   2000 

 

thanks to Olivier R. for contribution 

<___o!o___> 

Criteria of electronic music

© Copyright 1993 Karlheinz Stockhausen. Used by permission of Stockhausen-Verlag, 51515 Kürten, Germany
 

"Four criteria of electronic music" : excerpt of a lecture of Karlheinz Stockhausen for the Oxford Union in 1972.

                                                                   
 & more conference @ ***<>***

 

& in french langage : "composer" 

 

=+=+= 

The Riot of Spring

 

"Riot of spring" est une pièce captivante composée par Dmitri Kourliandski et ici dirigée par l'étonnant chef d'orchestre d'origine grecque Teodor Currentzis. Un concert "interactif" de cette composition qui m'évoque quelques-unes de certains des idées de Cornelius Cardew qui souhaitait abolir les frontières entre compositeurs, interprètes et public. 

 

"Riot of spring" is an amazing piece by the russian composer Dmitri Kourliandski and directed here by Teodor Currentzis. A concert in which the interactivity with the audience reminds me some theories of Cornelius Cardew accepting the idea of no borderlines in between performers, composer and public. 

  

Live Performance at Bochum - RUHRtriennale 2013

 

Dans le travail de chef d'orchestre de Teodor Currentzis, il est tout à fait remarquable qu'en situation de concert, il demande souvent aux musiciens susceptibles de pouvoir jouer debout leur instrument ce qui permet une expressivité musicale libérée de leur corps habituellement assis (on pense notament aux violons et altos et à certains vents et cuivres), transfigurant ainsi l'œuvre qu'ils sont en train d'interpréter. A cet égard, ne pas manquer de regarder et d'écouter sa superbe interprétation de la 9éme symphonie de Beethoven. Et aussi, autour d'un enregistrement des "Noces de Figaro" de Mozart, ne pas manquer de regarder son travail et ses idées sur la musique et le rôle du chef d'orchestre  

In Teodor Currentzis's work as a conductor, it is quite remarkable that, inconcert settings, he often asks musicians who are able to play standing up as this allows for a musical expressiveness liberated from their usually seated bodies, thus transfiguring the work they are performing. Don't miss his amazing interpretation of Beethoven's Ninth Symphony is not to be missed. And also his approach and "philosophy" surrounding a recording of Mozart's "The Marriage of Figaro". 

 

!..∆∑∏..! 

Momente

 "Je ne vis pas d'histoire, je ne vis que des moments."  Karlheinz Stockhausen à propos de "Momente"

"Momente" est une pièce pour soprano solo, 4 choeurs et treize instrumentistes composée par Karlheinz Stockhausen en 1962 et révisée en 1965.

Dans une production de Pierre Schaeffer et du Groupe de Recherches Musicales du service de la recherche de l'ORTF, réalisé par Gérard Patris, ce film retrace avec brio une répétition de la version du 16 octobre 1965 à Donaueschingen avec la sublime et espiègle soprano Martina Arroyo et l'Orchestre et les Choeurs du West Deutcher Rundfunk, sous la direction de Stockhausen lui-même.
On y voit également Stockhausen exposer ses idées sur la pièce et aussi diverses considérations sur son travail et sa vie.

Ce film fait partie du formidable coffret de DVDs  "Les grandes répétitions".
"Momente": une vraie merveille à tous points de vue et d'ouïe. 

 

 

"Momente"  is a piece for solo soprano, four choirs, and thirteen instrumentalists, composed by Karlheinz Stockhausen in 1962 and revised in 1965. In a production by Pierre Schaeffer and the Groupe de Recherches Musicales of the ORTF research department, directed by Gérard Patris, this film brilliantly retraces a rehearsal of the version on October 16, 1965, in Donaueschingen with the sublime and playful soprano Martina Arroyo and the Orchestra and Choir of the West Deutscher Rundfunk, conducted by Stockhausen himself. It also shows Stockhausen expounding on his ideas on the piece and various reflections on his work and life. This film is part of the wonderful DVD set "Les grandes répétitions" (Great Rehearsals). "Momente" is a true marvel from every point of view and aural perspective.

 
 

et à Paris, une fin d'année (en décembre 2013) bien occupée par un "week-end  Stockhausen" à la Philharmonie de Paris: "Mantra", une splendide interprétation de "Gruppen" (pièce de 1958 pour 3 orchestres),  le "Klavierstück" remarquablement interprété par Pierre-Laurent Aymard, et aussi le dimanche 31 janvier, au Musée de la Cité de la Musique, un "Concert-promenade" au cours duquel j'ai exécuté "Stockhausen remix". 

 

& in Paris, a busy week in december 2013  with a "Stockhausen weekend" at the Philharmonie de Paris: "Mantra", a splendid interpretation of "Gruppen" (a 1958 piece for 3 orchestras), the "Klavierstück" remarkably interpreted by Pierre-Laurent Aymard, and also on Sunday January 31, at the Musée de la Cité de la Musique, a "Concert-promenade" during which I performed "Stockhausen remix".

 

!_°_!  

3 eclectic musical news

 

 

Figure phare de la musique actuelle québécoise,  René Lussier souligne ses 50 ans de carrière avec "Fiat Lux" , mais aussi et surtout une amitié créative avec le batteur Robbie Kuster. Le disque est sorti en juin 2025 sur Circum Disc.

Si les allumettes aux têtes siamoises figurant sur la pochette sont une idée de René Lussier, le crédit du titre (Fiat Lux, de la locution latine « que la lumière soit ») revient au musicien et ami Robert Marcel Lepage qui a perçu l’effet explosif de leur rencontre. Quand leur créativité se frotte, la lumière vient. Cette image décrit parfaitement Lussier et Kuster, qui collaborent depuis 2018. Entre improvisation et composition, les deux créateurs complices se sont donné un mot d’ordre: essayer! Une musique s’amusant à brouiller les pistes avec un instrumentarium éclectique: guitare, basse, batterie, égoïne, orgue à clou, archet sur cymbales, guimbarde, brosse à dent électrique et daxophone, cet indomptable instrument de la famille des idiophones à friction créé par Hans Reichel

- - -

For quite 50 years René Lussier, located in Montreal (Canada), is activating music in several fields as heavy rock, progressive experiences, improvisation, free, modern composition ... mainly as a guitar player. He was a founder member with Jean Derome of the famous label "Ambiances Magnétiques" .

"Fiat Lux" is a duo with the drummer Robbie Kuster. The CD was issued a few days ago by Circum Disc. A playground of contemporary music that blurs the lines between improvisation and composition,  with an ecclectic instrumentarium: guitar, bass, drums, musical saw, and nail organ, cymbal bows, jaw harp, electric toothbrush and daxophone - the daxophone, invented by the experimental musician and luthier Hans Reichel, is an electric wooden experimental musical instrument of the friction idiophones category. 

 

**__---__**

 

 

Zeynep Toraman est une compositrice et chercheuse originaire d'Istanbul qui vit et travaille à Berlin. Ses recherches, fondées sur la pratique, explorent les interactions entre textes (au sens large du terme) dans le cadre plus large de compositions musicales.
Curieusement, son dernier opus, "A lifetime of annotations", évoque les travaux produits par le label suisse Discreet Editions qui mettent en valeur les artistes explorant les interactions entre musique contemporaine et anciennes traditions, "A lifetime of annotations" produit par le label texan Sawyer editions contient deux œuvres qui explorent la matérialité du répertoire orchestral du XIXe siècle, ré-imaginée à travers le prisme d'un lent mouvement (mahlérien) : une longue mélodie, une complainte, un soupir, un instant en voie de disparition - explorations fractales de lignes mélodiques trouvées ou inventées, la répétition comme structure, l'accumulation comme geste, visions extatiques d’harmonies empilées qui nous évoquent quantité d’images apaisantes.
Les deux pièces pour  instruments à cordes sont interprétées par des musiciennes confirmées comme les violonistes Biliana Voutchkova et Clara Levy (présente également sur le label suisse) et la violoncelliste Judith Hamann.  

D'autres pièces de Zeynep Toraman de 2013 :  "In a dark house"  à retrouver ICI.

- - -

Zeynep Toraman is a composer from Istanbul who lives and works in Berlin. Her practice-based research explores the interactions between texts (in the broadest sense of the term) within the broader framework of musical compositions. Curiously, her latest opus, "A lifetime of annotations" evokes the works produced by the Swiss label Discreet Editions, which showcase artists exploring the interactions between contemporary music and ancient traditions. "A Lifetime of Annotations" produced by the Texas-based label Sawyer editions, contains two works that explore the materiality of 19th-century orchestral repertoire, reimagined through the prism of a (Mahlerian) slow movement: a long melody, a lament, a sigh, a vanishing moment—fractal explorations of found or invented melodic lines, repetition as structure, accumulation as gesture, ecstatic visions of stacked harmonies which evoke a host of soothing images. The two pieces for string instruments are performed by established musicians such as violinists Biliana Voutchkova and Clara Levy (also featured on the Swiss label) and cellist Judith Hamann. 

 

Zeynep Toraman' 2013 works included on the CD "In a Dark House" can be found HERE.

 

**__---__**

 

L'album "Denial" du quartet russe Silence Quartet, sorti en juin 2025 sur le label Kotä Records, est une œuvre conceptuelle multi-genres. Le mot DENIAL dans le contexte de l'album reflète non seulement son sens littéral, mais aussi une condition humaine particulière : l'auto-illusion devient le seul moyen de faire face à la désillusion d'une réalité nécrocapitaliste ambiante. À la croisée de l'art sonore, de l'électronique et de la musique académique contemporaine, la musique a été enregistrée exclusivement de nuit. Nombre de ses choix sonores et compositionnels sont influencés par les œuvres de Xenakis, Cage, Stockhausen, Ligeti et Reich. 

 

"Si le Silence Quartet est loin d'être silencieux, son nom même révèle une vérité effrayante : dans de nombreux endroits, les citoyens sont incapables de s'exprimer, par peur des réactions. Les signaux contenus dans « Rave » sont rapidement étouffés ; la machinerie trébuche à nouveau et redémarre. Les cloches des églises sonnent longtemps après le départ des fidèles. Ici, l'ambiance et l'émotion expriment ce que les mots ne peuvent exprimer. Ironiquement, si l'album aborde le déni, il est clair que ces musiciens incarnent l'inverse."  

extrait d'une chronique de Richard Allen pour "a closer listen"

 

- - -

The june 2025' album "Denial" by the Russian Silence Quartet, published by the label Kotä Records, is a conceptual, multi-genre work. The word DENIAL in the album’s context reflects not only its literal meaning, but also a particular human condition — when self-deception becomes the only way to cope with the disillusionment of a surrounding necrocapitalist reality. At the intersection of sound art, electronica, and contemporary academic music, the music was recorded exclusively at night.
 Many of its sonic and compositional choices are influenced by the works of Xenakis, Cage, Stockhausen, Ligeti, and Reich.

"While Silence Quartet is anything but silent, their very name speaks a frightening truth; in many locations, citizens are unable to speak out, afraid of the response.  The signals embedded in “Rave” are quickly squashed; the machinery stumbles again and restarts.  Church bells ring long after the worshippers have left.  Here, mood and emotion convey what words cannot.  Ironically, while the album addresses denial, it’s clear that these musicians embody the opposite."  excerpt of a Richard Allen's review for "a closer listen"
 

 

/≠Ω≠\

Shoot the player piano

 

Annie Gosfield vit à New York et joue du piano et du sampler avec son propre groupe. Elle compose également pour de nombreux ensembles et solistes : John Zorn, Elliott Sharp, Ikue Mori, David Moss, Marc Ribot, Davey Williams et bien d'autres.  

"Shoot the Player Piano" est une œuvre vidéo et musicale de 1999 : un orchestre imaginaire d'instruments mécaniques anciens et inhabituels. La quasi-totalité des sons entendus ne proviennent pas des instruments d'accompagnement à l'écran (à deux exceptions près : le bruit du rouleau de papier qui tourne et le trémolo du banjo). Pour cette pièce, elle a utilisé une vaste bibliothèque d'échantillons désaccordés, modifiés, édités et arrangés.

Annie Gosfield lives in New York City and uses to play piano and sampler with her own group and composing for many ensembles and soloists: John Zorn, Elliott Sharp,  Ikue Mori, David Moss, Marc Ribot, Davey Williams & many others.
"Shoot the Player Piano" is a 1999 work work for video and music: an imaginary orchestra of aged and unusual mechanical instruments. Almost all of the sounds that you hear did not come from the accompanying instruments on the screen (with two exceptions: the sound of the paper roll turning, and the banjo tremolo). For this piece, she used a large library of samples detuned, altered, edited, and arranged.

/≠Ω≠\

Città notte

The proloific italian composer Egisto Macchi, who joined with Ennio Morricone the Gruppo di Improvvisazione di Nuova Consonanza in the late 60s, founded the IRTEM  for musical theater researches and the "Sound Archive for Contemporary music".
He wrote several music for movies (Padre Padrone, The assassination of Trotsky ... ) and described his music as "dionysian".

an excerpt of his numerous "library music"

 

 

<______I______>

Anna Þorvaldsdóttir

© Sophie Laly - Islande, 2012

 

 Anna Þorvaldsdóttir, née en 1977 à Reykjavik, est une compositrice islandaise dont les oeuvres sont jouées par de nombreux orchestres internationaux. L'univers musical qui l'habite est fortement influencé par la violence et l'énergie des espaces de son île natale: "Des nappes aériennes à la frontière du son et du silence, balayées de lignes mystérieuses. Des cordes qui claquent dans de grands espaces solitaires. Des basses nébuleuses et grondantes. La musique d’Anna Thorvaldsdottir est souvent contemplative et planante..." (Patrick Leterme pour la RTBF) 

"Même s'il est difficile de s'analyser, je sais qu'avoir grandi en Islande, dans un pays avec tant d'espace autour, peu de population, et une proximité permanente avec la nature, a forgé en partie ma manière de voir la musique. Notamment l'espace en musique." Anna Thorvalsdottir

© Anna Maggý / Aldeyjarfoss, Islande, 2018

Anna Sigríður Þorvaldsdóttir (Anna Thorvaldsdottir) born 11 July 1977 is an Icelandic composer. She has been called "one of Iceland's most celebrated composers" from Björk. She studied composition at Iceland Academy of the Arts (BA in Composition), and later attended the University of California, San Diego. The musical universe that inhabits it is strongly influenced by the violence and energy of the spaces of its native island.

”I know that my roots in Iceland are very strong; I always feel very Icelandic, so that is a very big part of my identity, and I think it always will be, even though I have lived abroad for many, many years. I wasn’t thinking so much about this ten or twenty years ago, but it does amplify within over time, in a sense. For example, in Iceland you can generally see quite far on the horizon and there is a lot of open space... So I can easily identify that part of myself as probably very Icelandic; all this space that I need and that I feel internally. Probably this is, in one way or another, present in my music, although it is of course very difficult for oneself to identify a musical trend and how it is translated to where you are from."  Anna Thorvalsdottir (source)

 

"Metacosmos" - 2017 - with Iceland Symphony Orchestra

Other pieces to listen to:  

"Aeriality" - 2011 - with Iceland Symphony Orchestra

"Catamorphosis" - 2023 - with Elbphilharmonie Hamburg 

& on her website

as well the amazing "Aerial" CD  released by Sono Luminus in 2022

 

>ö<!_!>ö<

Une rencontre avec Xenakis

Vincent Dehoux fait des études de musicologie à l'Université de Vincennes au milieu des années 70. En 1975, il rencontre Xenakis qui évoque brillamment son passé de résistant, explique avec philosophie son parcours d'architecte et de musicien, sa façon de combiner mathématiques et composition.

Vincent Dehoux deviendra au sein de la Société Française d'Ethnomusicologie un brillant chercheur  étudiant et enregistrant notament les polyphonies des Pygmés Gbaya et publiant nombres d'articles. Une belle archive à ne pas manquer!

(<->)

1968: Non consumiamo Marx

 
"Non consumiamo Marx" è stata composta da Luigi Nono nel 1969.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dedicated to Carlos Franqui, the revolutionary Cuban poet, this 18 minutes' piece for tape includes some audio recordings of the political boycott of the 1968's Venice Biennale.
Considered as a "fortress of bourgeois art" by invited artists and students who protested, this edition of the Biennale was seriously altered by contestations, galleries occupation and violent riot police confrontation.
Luigi Nono himself, as a member of the Central Committee of the Italian Communist Party, was part of this Biennale's boycott.

 

Dédiée à Carlos Franqui, le poète révolutionnaire cubain, cette pièce pour bande de 18 minutes comprend des enregistrements audio du boycott politique de la Biennale de Venise de 1968. Considérée comme une « forteresse de l'art bourgeois » par les artistes invités et les étudiants qui protestaient, cette édition de la Biennale a été sérieusement altérée par les contestations, l'occupation de galeries et de violents affrontements avec la police anti-émeute. 

Luigi Nono lui-même, en tant que membre du Comité central du Parti communiste italien, a participé au boycott de cette Biennale.

Outside of the french pavillion, the cybernetic artist Nicolas Schöffer wrote on a paper at the entrance : "Chiuso" and showed beside a picture of police charges during the Paris May protest.

 

A l'extérieur du pavillon français, l'artiste cybernétique Nicolas Schöffer a écrit sur un papier à l'entrée : "Chiuso" et a montré à côté une photo des charges policières lors de la manifestation de mai à Paris.

The piece was premiered in France (Châtillon sous Bagneux) at "Fête de l’Huma" in 1969, the annual French Communist Party festival, where Nono was invited as a member of the Central Committee of the Italian Communist Party.

 

La pièce a été créée en France à Châtillon sous Bagneux dans le cadre de la "Fête de l’Huma" en 1969, le festival annuel du Parti communiste Français, où Nono a été invité en tant que membre du Comité Central du Parti communiste italien.



 

& more Nono's music to listen to

 

post initialement publié en mai 2018

 

*0_!_0*

I went to the house...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 as a tribute to Kafka, dead one century ago! the 4 of june 1924,

 

"I went to the house but did not enter", an excerpt of the piece by Heiner Goebbels
with Hilliard Ensemble - 2008
Texts by T.S.Eliot, Maurice Blanchot, Franz Kafka and Samuel Beckett

 

“Le regard ne s'empare pas des images, 

ce sont elles qui s'emparent du regard. 

Elles inondent la conscience.”

 

 

!!!___---___!!!

Martin Matalon

 

Martin Matalon, né en1958 à Buenos Aires, est un compositeur argentin, installé à Paris depuis 1993.  Il suit les cours d'Olivier Messiaen et de Pierre Boulez au Centre Acanthes durant les étés 1987 et 1988. 

Les champs et les genres musicaux que son travail traverse sont nombreux: théâtre musical, musique mixte, contes musicaux, ciné-concerts, musique vocale, installations, musique et poésie, œuvres chorégraphiques, opéra. Il travaille avec des orchestres tels que l’Ensemble Modern, MusikFabrik, Barcelona 216, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’orchestre d’Auvergne, Court-circuit, l’Ensemble Intercontemporain, Accroche Note et bien d'autres.

Son travail articulé autour des questions de couleurs et d'alliages de timbres induisent l'ensemble des pièces pour instruments solo et électronique "Traces", ainsi que les musiques concertantes pour la série de "Trames". 

Martin Matalon, born in 1958 in Buenos Aires, is an Argentine composer, based in Paris since 1993. He took classes with Olivier Messiaen and Pierre Boulez at the Centre Acanthes during the summers of 1987 and 1988. The musical fields and genres that his work investigates are numerous: musical theater, mixed music, musical tales, film concerts, vocal music, installations, music and poetry, choreographic works, opera. His work, based around questions of colors and timbre alloys, leads to all the pieces for solo and electronic instruments "Traces" as well as the concertante music for the "Trames" series.

*** 

Ne pas manquer quelques pièces remarquables: "La rosa profunda" de 1992 autour de la figure de J.L.Borges,  "Le Scorpion"  2004  une musique pour le film "L'Age d'or" de Luis Buñuel, de nombreuses "Traces", à écouter ICI. Sans oublier la musique pour le "Metropolis" de Fritz Lang avec à voir et écouter les Scène 1, scènes III & IV, scènes VII & VIII, et Moloch

&

"La Carta" (2015) avec l'Ensemble Accroche Note en février 2021

 

&

"Rugged - pour double orchestre" (2018) avec l'orchestre philharmonique de Radio France

 ”La ligne et l’espace ont été deux problématiques importantes de cette pièce. Ces deux paramètres évolueront et seront réinterprétés tout le long des cinq mouvements enchaînés. La disposition de l’orchestre divisé en deux groupes est séparée par un troisième composé essentiellement par la section des cors, au centre de la scène et entre les deux groupes orchestraux. Les cors auront, à certains moments de l’œuvre, un rôle protagoniste… Chaque nouvelle section, dans Rugged, chasse la précédente sans jamais revenir en arrière… Trois types d’articulation temporelle ont été au cœur de mes préoccupations : le flux sonore (une sorte de masse mouvementée souvent chaotique, irrégulière et constante), la pulsation atomisée (une articulation régulière mais dont le timbre, le registre et l’instrumentation changent à chaque instant) et un temps suspendu dont l’évolution du timbre et la qualité du grain sonore sont les composantes principales.”

Martin Matalon à propos de "Rugged"

 

¡-58ooozooo58-¡

Ritratto di Città

"Ritratto di Città" is an experimental radio show written by the ethnomusicologist Roberto Leydi in 1954.

Build in "Studio di Fonologia Musicale di Milano" of the RAI Radiotelevisione Italiana, with music scored by Luciano Berio &  Bruno Maderna, this piece is a real avant-garde of what this kind of composed radioplay could be at that time as well the first electronic music piece ever recorded in that studio.

The movie and the two voices of the two italian actors Nando Gazzolo & Ottavio Fanfani just send you in a lyrical journey across a city, even if you don't understand well the italian langage.

in 3 parts



Second part here
and third part here

 

 

-_-M-_-

Working title: Phill Niblock

RIP Phill Niblock (octobre 1933 - janvier 2024)

 

A travers une vingtaine d'essais de musicologues, critiques et historiens de l'art, et d'entretiens avec Phill Niblock, directeur de la fondation "Experimental Intermedia", cet excellent ouvrage offre un panorama des activités, depuis les années 1960, de l'artiste-musicien new-yorkais, compositeur majeur du courant minimaliste américain et artiste multimédia.

"Le changement se produit de telle sorte qu'on entend pas fondamentalement  un changement de note mais un changement dans la manière dont on entend cette note."
Robert Ashley about Phill Niblock's music

Le livre en bilingue (french & english) est édité par les Presses du réel et contient deux DVDs offrant environ 8 heures de films.

disponible chez  Souffle Continu  &  Bimbo Tower

 

 

ce post a été publié originellement en 2013

 

voir aussi "MAX" , un film "portrait" de Max Neuhaus par Phill Niblock

 

***

Klang

 L'orchestre Ensemble Klang, basé à La Haye aux Pays-Bas, a été fondé en 2003. Sans chef d'orchestre, il réunit 6 musiciens (3 cuivres, 1 piano, 1 percussioniste et 1 guitariste) qui interprètent de nombreuses compositions qui leur sont dédiées par des artistes tels que Heiner Goebbels, Tom Johnson, David Lang, Kate Moore, Peter Adriaansz, Pete Harden et bien d'autres.

Un splendide moment pour le concert "Chaos & Waves"  donné du 27 septembre dernier à La Muse en Circuit, comprenant 3 compositions de compositeurs néerlandais: Yannis Kyriakides, Alison Isadora et Peter Adriaansz. Ces 3 oeuvres explorent polyphonies, pulsation électronique, contrepoint, les questions de la temporalité et la perception musicale.

 

Ensemble Klang orchestra, based in The Hague in the Netherlands, was founded in 2003. Without a conductor, it brings together 6 musicians (3 brass players, 1 pianist, 1 percussionist and 1 guitarist) who perform numerous compositions which are dedicated to them by artists such as Heiner Goebbels, Tom Johnson, David Lang, Kate Moore, Peter Adriaansz, Pete Harden and many others. An amazing concert titled "Chaos & Waves"  showed these last 27 september at La Muse en Circuit,, including 3 compositions by Dutch composers: Yannis Kyriakides, Alison Isadora and Peter Adriaansz. These 3 works explore polyphonies, electronic pulsation, counterpoint, questions of temporality and musical perception.

"Chaoids" Kyriakides - "Cornish Pasty" Isadora - "Waves 5-7" Adriaansz

oh!-_-!ho

Treis

 

"Treis"  trio pour violon, violoncelle et piano de Christophe Bertrand (1981-2010)

"Pianiste formé au conservatoire de Strasbourg (classes d'écriture et de musique de chambre), il a longtemps détesté... toute la musique de ces cinquante dernières années ! Il éprouvait même des difficultés à entrer dans l'oeuvre de Claude Debussy, un comble pour un pianiste ! Un beau jour, la curiosité l'a tout de même poussé à acheter un enregistrement de musique contemporaine.... le hasard l'a fait choisir le "Concerto de chambre", de Ligeti. Une révélation absolue. "Déblocage, plutôt", tempère-t-il... La musique de Christophe Bertrand est toujours placée sous le signe d'une haute virtuosité... avec une même fulgurance de la geste instrumentale; le même déluge sonore qui enfle jusqu'à donner un sentiment de rupture ou d'explosion; la même tension inquiète zébrée d'éclairs. Et surtout, la même minutie implacable de la forme, ciselée au micro-intervalle près, toujours soumise à des contraintes précises"    source

 

 Christophe Bernard, élève de Ivan Fedele, est un formidable compositeur à la brève carrière et au catalogue impressionnant, dont j'ai eu le plaisir d'entendre "La chute du rouge"  interprété dans le cadre de ARCo-23 au GMEM par 4 musiciens des membres du collectif  "Ensemble Multilatérale" 

 

 Ici à ecouter son trio "Treis"

 I-I_I-I