Mnemonist Orchestra - Mnemonist Orchestra (1979)

Como todas las vanguardias experimentales, esta tampoco sería la excepción de ser una creación que proviene de un background retorcido, es más, esto fue creado por un grupo de amigos y colaboradores de diversos orígenes, incluidos músicos, artistas visuales y científicos. Emprendidos hacia la tarea de la experimentación y la libre ejecución, este grupo diverso pretendieron que el álbum fuera una exploración de los efectos de la saturación tecnológica en la sociedad, particularmente en los niños.

El grupo debuta discográficamente con un trabajo homónimo que sería ejecutado por una bandada de trece delirantes, entre lo que había trompeta, trombón, saxo alto, guitarra, piano, bajo, voz, percusión, etc., grupo fundado y liderado por compañeros científicos e ingenieros de radio comunitarios Mark Derbyshire y William Sharp, aunque también había en el grupo artistas, músicos y bohemios universitarios.

El álbum fue grabado en marzo de 1979 en Fort Collins, Colorado, EE.UU., y publicado el mismo año bajo el sello ‘’Dys Records’’. El registro contiene un inserto de 8 páginas con varias impresiones artísticas realizadas por el proyecto. LP en tapa gruesa pegada a mano. Limitado a alrededor de 100 copias. Mark Derbyshire es el manipulador de cintas que reúne cientos de fragmentos libres; Bill Sharp es el ideólogo y el portavoz. 

En esencia esto es un delirio hermoso creado por la música de libre ejecución y los vanguardismos causantes ramificados en varias direcciones dentro de lo que fue la experimentación para aquella década: musique concrète, free jazz, libre improvisación y noise, además de industrial, dark ambient, y elementos de música de cine ya que había expertos visuales metidos en el tema, lo que puede explicar esa capacidad extra sonora que tiene el disco y que hace que no solo sea una experiencia musical.

En suerte para el oyente y más aún para los amantes de la experimentación, este trabajo está dividido en cuatro piezas de alrededor de doce minutos cada una, una suerte de sinfónica caótica dividida en cuatro partes en la que el caos cacofónico, las lecturas existencialistas y la alteración de cintas de grabación son los elementos de se confabulan para que funciones y finalmente se edite este sonido. 

La música rara vez se vuelve hacia cierta superficie ‘’entendible’’ para el oído convencional, esto es más bien un caos colectivo cuasi interdisciplinario en el que varias ramas de la locura se unen para potenciar la misma locura, con algunas reminiscencias de lo que fueron las vanguardias hippies de hacía una década anterior a la que fue grabado esto, incluso con mucha similitudes como las lecturas de textos y los ruidos y alteraciones de cintas, aunque ya con nuevas miras para la época como lo industrial, y la cierta sofisticación en ejecución, aunque es caótica, demuestra estar en vanguardias bien instruidas académicamente.

Dicho esto, dos cosas vale aclarar, no hace falta estar instruido académicamente en musica para crear o ejecutar este tipo de caos (aunque cualquier instrucción pueda nutrir y dar posibilidades), además de que, se trata de una propuesta en realidad también bastante oscura, lo que sería otra diferencia con la vanguardia hippie de finales de los 60.

Los cuatro movimientos del disco se desarrollan de forma independiente, caóticamente libre y con la aleatoriedad del caso, con monólogos, improvisaciones de jazz (o free jazz), ruido, distorsiones de fondo, ruidos de juguetes, fanfarrias electrónicas, guitarras electicas, golpes, objetos rotos, tictacs de reloj, chapas golpeadas, percusiones libres, cacofónicas, además de las alteraciones del caso y la unión de un sinfín de piezas pequeñas en una sola cosa bastarda, lo que hace más inentendible y caótico el asunto. Aunque lo esencial aquí no es sentarse a entender nada sino dejarse llevar por el delirio colectivo y la música que, creada por el caos en conjunto, llega a recrearse en una sola cosa que no parece tener naturaleza terrena.

Esta música, aunque caótica, causa un efecto interesante, tiene cierta dosis acogedora que hace de la escucha un reposo en un lugar que no está saturado necesariamente como un sonido netamente noise, o cacofónico como lo sería un free jazz más clásico, y aunque sí hay caos, este caos reconforta y da la sensación de estar siendo acompañado. 

Es un ritual paranoico que e desarrolla bajo una moción emocional muy concreta, una desfiguración convulsiva que conduce al colpso psíquico por mediante el enrarecimiento progresivo de la materia y el espíritu. Es música ‘’absurda’’ que no responde a casi nada en el área, y aunque este tipo de vanguardias ya habían existido para entonces y más en los Estados Unidos, siempre el en esta área, por tratarse de algo creado bajo la premisa de la libertad total, tiene mucho que ofrecer y hasta parece ser una fuente inagotable de delirio y goce.

Cod: #1748

Francesco Messina & Raul Lovisoni - Prati Bagnati Del Monte Analogo (1979)

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ se encuentra a medio camino entre el minimalismo, el vanguardismo y el new age ambiental, tomando de todos estos aspectos elementos inconfundibles para explayarlos de manera personal en forma de experimento dentro de la vanguardia italiana.

Originalmente el álbum fue un intento de trabajo solista de Francesco Messina. Franco Battiato, el productor del disco, quiso publicarlo junto a una serie de lanzamientos bajo el sello Cramps. Messina propuso involucrar en el proyecto a Raul Lovisoni y Battiato aceptó, así se le fue otorgado a cada artista un lado del vinilo original.

El disco fue publicado originalmente en 1979 por el legendario sello Cramps, en el marco de una serie encargada y dirigida por el mismísimo Franco Battiato, quien es quien estuvo detrás de la producción de este disco, así como también de otros discos como ‘’Motore Immobile’’ de Giusto Pio.

Esta obra, de significancias intrínsecas y ocultas en lo onírico del ser, se inspiró abiertamente en la novela metafísica inacabada “Le Mont Analogue” del escritor francés René Daumal, autor que por muchos años fue estudiante y discípulo del enigmático maestro espiritual armenio Georges Ivanovich Gurdjieff, maestro quien a su vez, en ese momento, había cautivado a Battiato, quien, encargado de la producción, no dudó en dotar al sonido del disco de dichas influencias espirituales.

El disco es uno de esos trabajos que ofrecen una música que implica y exige una escucha atenta para poder apreciar la belleza que posee inmiscuida entre tanta imaginería compositiva. Es una música onírica, de ensueño, capas de trasportar al oyente a estados aun por explorar.

El estilo ofrece una creación que utiliza el minimalismo y las formas de drone para crear auras místicas, con ciertas reminiscencias a estilos también espirituales como la música hindú, utilizando la vanguardia y reutilizándola para dar forma a una creación de origen nuevo.

El sonido ofrece su encuentro con el vanguardismo pero este mismo no se vuelca de forma bruta o en forma de libre improvisación, sino que es también reinterpretado bajo miras espirituales, por lo que los elementos y aplicaciones son concebidos de forma calma, estando al servicio de una música de introspección.

El lado A del vinilo original está ocupado por ‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’, una pieza de veintitrés minutos de duración que abre el disco y plantea de antemano una suerte de viaje onírico entre sintetizadores y un piano que se fusionan en una danza enraizada de misterios y exotismo. El lado B del vinilo original estaba ocupado por las piezas ‘’Hula Om’’ consistiendo en el sonido de un arpa y ‘’Amon Ra’’ que funciona entre cantos y copas de cristal.

Se revela el minimalismo con una cara distinta a como se lo conoce, con una amplitud y una interacción armónica de como se lo conoce tradicionalmente, con melodías delicadas que varían sutilmente en el desarrollo, dando paso lentamente a un espacio abierto en constante expansión.

En cuanto a su rol dentro de la vanguardia el sonido marca una diferencia con los vanguardismos más rústicos de principios de la década, presentando un sonido seminal fino con roces con el new age que marcó un punto de inflexión para los sonidos venideros del vanguardismo italiano.

‘’Prati Bagnati Del Monte Analogo’’ filosófica y espiritualmente es un producto del interés de Battiato y Messina por Gurdjieff, aunque es llamativo el hecho de que a Lovisoni no le interesaba la filosofía de dicho autor. Este factor fue determinante en la falta de un mayor vínculo creativo entre Lovisoni y Messina, de hecho este álbum fue lo único que los mantuvo unidos en algo.

Franco Battiato descubrió a Gurdjieff gracias a Roberto Calasso, director de Adelphi, quien en 1977 le dio a Battiato una copia del libro ‘’Meetings with Remarkable Man’’. En 1985, junto con Messina, Battiato fundó la editorial L’Ottava, la cual publicó trabajos de Gurdjieff y otros autores devotos del tópico de la búsqueda espiritual.

Cod: #1614

Al Basim - Revival (1979)

Al Basim (Basim Al-Hashimi) nació y se crió en Bagdad. Descubrió su pasión por la guitarra y comenzó sus primeros pasos musicales allí, formando su primer grupo en 1970 y aprendiendo a tocar la guitarra al estilo de su ídolo Ilham al-Madfi, uno de los músicos de pop rock más exitosos de Irak. En 1978, después de emigrar a Estados Unidos, se instaló en Denver, Colorado, donde reunió a los músicos David Reskin (flauta), John Starrett (bajo), Phil Carter (batería) y George Keith (saxo) y comenzó a grabar el que sería su primer álbum como líder, ‘’Revival’’, publicado en 1979.

El sonido está especializado y se construye casi exclusivamente por medio de la guitarra de Al Basim, que es quien interpreta la misma haciéndose presente prácticamente en todo el trabajo, completando los espacios y volviéndose cuerpo principal de las estructuras de las pistas con una interpretación constante que se desarrolla a lo largo del tiempo, denotando su buena técnica y su estilo personal para ejecutar su instrumento.

Es en esa ejecución de la guitarra eléctrica donde  se puede percibir su estilo libre, con trazas de jazz, donde brotan además, especialmente, sus orígenes típicos que se hacen presente en melodías tomadas de la música típica de su país, la participación de la flauta también se suma a esa tendencia étnica, creando ambos instrumentos ambientes pastorales suaves donde fluye una suave brisa instrumental. ‘’One Camel in Alaska’’ es una pieza donde se nota más marcada esa sensación étnica de la guitarra, con una ejecución en batería que realza el estilo y lo acerca al jazz fusión.

En la mayoría del disco la construcción de las piezas se sumerge en un estilo de creación personal, continuando por una senda de elementos progresivos y siempre dentro de esa ramificación del espacio y el tiempo tejida por la guitarra eléctrica, por lo que el estilo se vuelve poco parecido a otras cosas de su época, continuando con la tradición progresiva/fusión de los años setentas que por aquel año de 1979 ya estaba terminando. Tal vez el momento más clásico y ‘’reconocible‘’ del álbum se encuentre en el último track, ‘’Espacio abierto’’, donde se suma una saxo al conjunto y todos toman una senda bien jazzera/fusión, con una intervención rabiosa de la guitarra eléctrica que demuestra que Al Basim también estaba a la altura de dejar muy buenos solos cuasi virtuosos, es el momento más jazzero del disco.

Es un álbum completamente instrumental compuesto por cinco piezas de acercamiento a lo progresivo y completado casi exclusivamente por la técnica particular desarrollada por su creador. Grabado poco después de que Al Basim emigrara a los Estados Unidos desde Irak y publicado en forma privada en 1979, el primer LP de Al Basim, ‘’Revival’’, es uno de los artefactos más buscados del progresivo oriental por parte de los coleccionistas y conocedores, el disco tuvo una tirada privada con muy pocas copias que salieron a la luz. Hoy en día es prácticamente inconseguible el disco.

Al Basim regresó a su carrera musical a fines de la década de 1990, junto con algunos miembros de  The Gypsy Kings. En 2006, lanzó "Songs from Iraq", un álbum de orientación acústica compuesto de poemas de Oriente Medio en arreglos musicales fuertemente influenciados por el flamenco.

Cod: #1540

Firyuza - Firyuza (1979)

El grupo ‘’Firyuza’’, de Turkmenistán, se reunió en 1978 en Ashgabat en torno al baterista multi-instrumentista de origen ruso Dmitry Sablin. Sablin trabajó para ‘’Gunesh’’, otra banda también de Turkmenistán, a principios de la década, y después de su servicio militar formó su propio trío llamado ‘’Sablins’’ con sus dos hermanos. Estos, acompañado de varios cambios de alineación, se expandieron a ‘’Firyuza’’ a fines de la década, nombre bajo el que estuvieron activos por primera vez en junio de 1978.

La formación participó en una competencia de bandas soviéticas a finales de año, que finalmente ganaron. El premio consistía en la grabación y publicación de su propio disco. Así es como ese mismo año,  Firyuza  fue invitada a Moscú para grabar su primer y, desafortunadamente, último álbum. Los músicos comenzaron a grabar con sus propios fondos, las autoridades locales ni siquiera los apoyarían para cubrir sus gastos de viaje y alojamiento. La grabación tuvo lugar en el ‘’All-Unión Estudio’’. Su primer álbum, el homónimo ‘’Firyuza’’ fue lanzado en 1979 por el sello estatal ‘’Melodiya’’.

Este álbum consiste en una música fina, delicada, que roza con lo virtuoso, y esto se aprecia inmediatamente desde los primeros instantes, se puede percibir que se trata de algo que se va presentando sutilmente, todo de manera instrumental, para adentrarse en piezas muy complejas, de calidad progresiva,  enriquecidas a puro e inconfundible jazz fusión, y enarboladas con un sabor que evoca a melodías folklóricas típicas de la región; es todo un encuentro y una presentación que se pueden hallar en este manifiesto fusión.

El estilo tan complejo y propio que proponen recuerda mucho a las bandas del movimiento de Rock In Opposition, por la sofisticación desenvuelta en piezas extensas que van transitando, casi sin mirar atrás, por nuevas y continuas progresiones nacidas de fusiones y experimentos compositivos. El resultado final no responde ni corresponde a nada, solo es una música propia, creada bajo sus propias reglas, una aventura progresiva que funciona bajo sus propias leyes.

En la portada del trabajo se puede apreciar a los músicos posando vistiendo sus telpeks tradicionales (sombreros altos de piel), esto marca que llevaban orgullosamente su pasado y sus raíces y los presentaban sin temor, y esto claramente se releja en el concepto del álbum que está embebido en melodías, motivos y estilos tomados directamente de la música típico turcomana y que desfilan en el disco de forma directa, a veces en forma de melodía y a veces en forma en que lo músicos emulan, con sus instrumentos de rock, a instrumentos típicos de su país, obteniendo un sonido muy particular.

La banda se terminaría separando poco después del lanzamiento de su primer álbum, agobiados por el poco apoyo y las restricciones que pesaban sobre las bandas locales bajo el dictatorial gobierno de la URSS de turno. Su paso no duró mucho pero fue un ejemplo de la subversión de la juventud que, pese a las negativas imperantes, se las arregló para destacar con un sonido de alta calidad, accediendo a un sonido que había sido de turno para el mundo occidental pero que para ellos había sido delegado y restringido casi sistematicamente. A principios de los años 80, las banda se separara, duraron un año y luego se disolvieron.

Cod: #1437

Arsenal - Jazz-Rock Ensemble (1979)

Arsenal es una creación de Alexey Kozlov, un arquitecto profesional ruso, además de saxofonista y compositor autodidacta. Tocó jazz desde los años 50, con un profundo conocimiento de diferentes estilos, miembro de numerosas bandas, participó además en festivales de jazz en la URSS y en el extranjero (Polonia, Checoslovaquia, Hungría) y hasta los 70s tuvo una buena reputación en el jazz círculos. Pero como músico de mentalidad abierta, siempre estuvo (y sigue siendo) interesado en diferentes estilos de música. Es asi como escuchando la música de bandas como Chicago, Mahavishnu Orchestra, Blood, Sweet And Tears, Pink Floyd, King Crimson, y otros, le dieron la idea de ir en una nueva dirección y formar una banda capaz de interpretar una fusión de estos estilos.

Según Alexey Kozlov, él quería crear una banda de virtuosos, que pudieran interpretar, improvisar, tener el ‘’sentimiento del blues" y apreciar diferentes estilos de música. No fue tan fácil encontrar músicos para la nueva banda. La mayoría de los jazzeros experimentados eran escépticos sobre el rock y no lo consideraban música seria. La música rock en la Unión Soviética estaba entonces en estado embrionario y se mantenía casi totalmente en la clandestinidad, incluso la palabra "rock" estaba asociada con influencias occidentales hostiles. El equivalente oficial de la música rock existía en forma de conjuntos vocales, grupos profesionales cantando "canciones de compositores soviéticos", sin ningún espíritu rebelde, tan típico del rock. Y por otro lado, los músicos de rock existentes en el país se mostraron entusiastas, pero no pudieron tocar piezas complejas, muchos de ellos incluso no sabían leer música.

El primer ensayo de ARSENAL se llevó a cabo el 12 de noviembre de 1973. La formación inicial consistió en 4 cantantes y sección de vientos, también se usaron instrumentos de rock estándar. La banda comenzó a interpretar fragmentos de la ópera "Jesus Christ Superstar", composiciones de Chicago, Blood, Sweet And Tears, Tower Of Power y música escrita por Alexey Kozlov, y, obviamente, comenzaron desde el under. Dieron conciertos ocasionales, sin ser pagados por ellos, porque era ilegal obtener dinero para conciertos si los artistas no estaban trabajando en alguna organización oficial de conciertos. La solución llegó al reclutar jóvenes estudiantes de conservatorios, estos sabían de música, y no solo estaban interesados en música clásica, sino que eran entusiastas y estaban interesados en cruzar las fronteras musicales hacia el rock.

Las principales piezas de este ‘’Jazz Rock Ensemble’’ se grabaron en 1977, el comienzo mismo de la actividad filarmónica oficial de "Arsenal", cuando lograron salir del under al ser contratados oficialmente por la Filarmónica de Kaliningrado, lo que le dio la posibilidad al grupo dar conciertos por todo el país, la banda se hizo profesional desde el punto de vista oficial. Comenzaron las giras a diferentes regiones de Rusia, sin el derecho de hacer actuaciones en Moscú. Además, se les permitió ingresar a las regiones bálticas. Así fue como llegaron a Riga, Letonia, donde dieron cinco conciertos en la casa filarmónica local. Durante ese período, a pesar del poder soviético en la región del Báltico, había cierto disgusto oculto por todo lo que provenía de Rusia. Las represiones de Stalin, particularmente en Letonia, eran profundas en la mente del pueblo báltico. 

Luego del primer concierto dado en Riga, consiguieron un contrato de grabación al contactarse con Alexander Griva, el director de una compañía discografía, quien les hace una oferta inesperada para grabar varias piezas en los próximos días y quien a la vez funcionó de guía y director en las sesiones de grabación. Grabaron cuatro piezas durante tres sesiones, ‘’A dangerous game’’, ‘’Suite in A flat major’’, ‘’An Ivory tower’’ y ‘’A Tree’’, lo que terminaría siendo la piedra angular del primer lanzamiento del grupo, piezas bastante complicadas por sus formas y no fáciles de interpretar. 

Eran tiempo políticos tumultuosos en esos días en Rusia, hasta entonces no se les había permitido tocar en vivo en Moscú, pero ahora, en 1980, se les permitió hacerlo, para un programa cultural organizado, por los juegos olímpicos celebrados en Moscú. Lanzaron su primer disco con el material grabado en Riga, y luego, en otoño del mismo año en que se les permitió ir a el mayor festival Europeo «Berliner Jazz Tage», celebrado al oeste de Berlín.

Como su nombre lo indica, aquí nos encontramos con un auténtico ‘’ensamble de jazz-rock’’ que, lejos de ser un pequeño combo o un sutil proyecto, despliega una serie de elementos y factores a lo largo de las extensas piezas que presenta, volviéndose un auténtico experimento del género, proveniente de un país que, por lo pronto, no ha dejado tanta tela por cortar en la materia. Un sonido bastante ambicioso, además de entretenido, que no escatima en esfuerzos compositivos y exploratorios, con un jazz fusión instrumentado por vientos, fanfarrias al estilo de ‘’Ian Carrs & Nucleus’’, alcanzando todo un costado orquestal. Se trata de jazz fusión pero este no se caracteriza por los típicos atascos con improvisaciones del fusión más clásico, sino que presenta una cara más delicada e intimista, abocada a la composición orquestal, las estructuras complejas, con cambios progresivos y paso por distintos estados, distintas partes, con momentos más calmos, algunos arreglos vocales, aunque la mayoría del tiempo se mantienen por caminos instrumentales. Sin duda mantienen también algunas ideas sinfónicas, esto se refleja en lo complejo de algunas de sus composiciones.

Luego del primer lanzamiento el Ministerio de Cultura de la URSS les ofreció grabar más material, y así la banda se fortaleció como un conjunto oficial y profesional de jazz rock, y no solo como un energico fenómeno del under de su país. Sus adversarios, una cantidad de funcionarios, entendieron que no había ningún peligro ideológico en su música y que no tenían intenciones políticas en juego, ya que hasta entonces el rock en Rusia era visto como una cultura invasiva. El grupo continuó funcionando durante una década más, publicando más álbumes, siempre dentro de un estilo fusión, combinando su música con funky, elementos de folk, música clásica e incluso reggae. Pero a finales de la década de los 80s, con el declive del imperio soviético, se generó un momento difícil para muchos artistas, la presión ideológica cambió a dictadura de la economía del mercado. El año 1991, cuando la Filarmónica de Kaliningrado despidió a Arsenal, fue el final de la primera era de la banda. Alexey Kozlov trabajó en diferentes proyectos, lanzó algunos álbumes solistas a principios de los 90 y, justo cuando fue posible, revivió ARSENAL con nuevos músicos más jóvenes, desde alrededor del año 2000.

Cod: #1304

Arachnoid - Arachnoid (1979)

Nacido en los suburbios de París, este grupo ha transitado, desde finales de los 60s, el ámbito francés, con distintas formaciones. Comienzan como un duo con Patrick Woindrich en bajo y voz, y Michel Pilot en guitarra, transformándose eventualmente, durante la década de los 70s, a formación de banda, con la adición de nuevos miembros. El grupo sufriría de varios cambios en su formación, para terminar siendo un grupo de rock progresivo, establecido más consistentemente desde mediados de la década.

Un grupo desencajado para su época, accidental musicalmente, que no supo asentarse en pleno apogeo progresivo, para comenzar a grabar su primer, y único, álbum recién en 1977. Para esa ocasión la formación consistía en François Faugières en órgano, voz, Pierre Kuti en piano y sintetizador, Marc Meryl en voz y pandereta, Bernard Minig en batería y percusión, Nicolas Popowski en guitarra y voz, y Patrick Woindrich en bajo, guitarra y voz. 

El álbum homónimo, Arachnoid, fue lanzado en 1979, en pleno apogeo del movimiento punk, en una pequeña etiqueta, Divox, tratándose de rock progresivo sinfónico, en general más sinfónico que progresivo, con un gran despliegue de atmosferas electrónicas que dan un aire de espacialidad, con sintetizadores, y otros agregados electrónicos que constituyen gran parte del pilar sonoro por el que se sostiene el trabajo. 

Pese a lo accidental de su historia, este grupo logra un sonido inspirador aquí, con influencias no muy marcadas, que pueden circulan más que nada entre el mismo ámbito francés, Ange, Magma, Pulsar, con la cuota de teatralidad típica de la escena francesa, y con un uso de los elementos sinfónicos por los cuales se los podría comparar con muchos de sus antepasados. 

Afortunadamente reorganizan sus influencias de manera muy personal, presentando un concepto como de electrónica oscura, impulsado tanto por el sonido como por la portada del disco, una imagen de cierto futurismo oscuro y electrónico, circuitos, tecnología irreconocible venida tal vez de otro mundo, arañas robóticas, electrónica ecléctica oscura con roces con lo absurdo y tenebroso.

El sonido se fundamenta por la gran presencia electrónica, pero la guitarra también juega un papel importante, estando a la altura con muy buenos acompañamientos, aplicando algún sonido cerca de lo psicodélico y dejando sonidos que por momentos son alucinantes, por momentos sobrepasando el protagonismo de los sintetizadores. En general ambos, guitarra y sintetizador, se aúnan a la perfección, dando vida al concepto que desean llevar adelante, oscuridad electrónica y arreglos muy intensos. 

El gran despliegue los lleva a presentar estructuras complejas, donde aparecen arreglos con piano, arreglos progresivos, partes cantadas, intenciones de avant-prog con voces de niños o extraños momentos vocales, piezas de variada duración, sin dejar jamás de transitar por pasajes sombríos. El trabajo abre con una gran pieza sinfónica, de 13 minutos de duración, que refleja gran parte del concepto del álbum, pero durante el resto del trabajo aparecen otras piezas, donde se sumergen en ambientes más progresivos, nacidos de esa misma maza electrónica lúgubre y mortecina.

Un trabajo muy esmerado y bien logrado, especialmente por tratarse de una época en el que el rock progresivo, de los supuesto grandes del género, ya había decaído y se encontraba en decadencia. El sonido de este disco se encuentra entre el fin de la primera gran camada del progresivo, de los 70s, y el paso hacia nuevas generaciones progresivas, dadas en la década de los 80s, un sonido que refleja influencias del pasado, con momentos hasta con roces con lo psicodélico, y a la vez con un brillo electrónico y eléctrico propio de los nuevos sonidos que estaban surgiendo. Lamentablemente, luego del lanzamiento del disco, el grupo se separa definitivamente.

Cod: #1274

Igra Staklenih Perli - Igra Staklenih Perli (1979)

‘Igra Staklenih Perli’ nace en la década de los 70s en Belgrado, actualmente Serbia, en aquel momento era Yugoslavia (conocida en aquel entonces mejor dicho como ‘República Federal Socialista de Yugoslavia’ compuesta por seis repúblicas socialistas), y es, junto a ‘Buldozer’ (otra banda yugoslava), una de las bandas pioneras del género, en el under de su país. Sus orígenes tienen lugar en 1976, en un principio como un dúo con una guitarra y percusión, y posteriormente ampliada por un bajista. 

Los comienzos musicales del grupo los sitúan  en un carácter más psicodélico, aunque tardíos para la época ya que se encontraban a mediados de los 70s casi a finales de la década. En su primera aparición en vivo en Belgrado (principios de 1977) la influencias psicodélicas eran evidentes, con el uso de trajes de teatro y elaborados espectáculos de luz, y esto obviamente también era reflejado por su música, eran más bien under y experimentales. En esa etapa grabaron un disco, pero parece ser que, por alguna extraña razon, no fue lanzado sino hasta muchos años más tarde.

Luego de experimentar y hacerse de más experiencia en escenarios, logran publicar su primer disco, este ya no tanto psicodélico sino que refleja otras influencias. ‘Igra Staklenih Perli’ sería este primer trabajo, homónimo, que lanzarían, y se trataría de un trabajo con un sonido de rock espacial oscuro, progresivo pero sin caer en la necesidad del tipico tipo sofisticación compositiva del prog, sino que más bien un sonido de avanzada, de evolución desde la espacialidad, desde los ambientes espaciales y algo lisergicos. La influencia de Floyd es innegable, y esa influencia mezclada con el rock espacial que hacen pareciera por momentos que se tratase de alguna fusión entre Floyd y Hawkwind.

Esta reedición del disco, en cd, trae un bonus adicional, un plus de 8 temas que serían los temas del disco ‘Inner Flow’, temas que fueron publicados en un lp en 1992, y que consisten en grabaciones primarias que dejó la banda en un comienzo y que por alguna razón desconocida no fueron publicadas como un primer material. 

Allí se puede apreciar más los comienzos de la banda, los sonidos experimentales, no sé si tanto progresivos, más bien lisérgicos, casi ‘Floyd-eanos’, siempre oscuros y místicos; como una extensión de los sonidos del Floyd de ‘A Saucerful of Secrets’, que demuestran que la banda anduvo por terrenos más psicodélicos en un comienzo pero que tomó un camino de progresión musical, que fluyó y avanzó fusionando indeterminadamente las distintas influencias adquiridas, psicodelia, progresivo y space rock, estos tres factores no dejan de estar presentes tanto en sus materiales primarios, como en su primer disco y en los siguientes también.

Publican oficialmente solo dos álbumes, el ya nombrado "Igra Staklenih Perli" de 1978 y ‘’Vrt Svetlosti" (Jardín de la Luz) de 1979. Los planes de los musicos con mantener la banda estaban presentes pero no pudieron plasmarlo por el advenimiento de la guerra civil en su país. El último concierto público del grupo fue en 1985 en Sava Centar, Belgrado, Serbia. A principios de la década de 1990 tres discos de su material antiguo fue lanzado por el sello aleman Kalemegdan. El grupo se reúne de vuelta en 2011, pero después de los conciertos de reunión dados se vuelven a separar, esta vez en dos facciones. La original "Igra Staklenih Perli’’ y otro sub-grupo denominado ‘‘ISP: The Next Generation’’.

Cod: #1167

Tantor - Tantor (1979)

Héctor Starc y Rodolfo García ya se presentaban juntos aún antes de la disolución de Aquelarre, la banda en la cual militaban. Durante la extensa estadía en España (1975-77), Starc le enviaba por correo los temas instrumentales que componía, para que Machi le agregara las partes del bajo. La presentación oficial de Tantor fue en diciembre de 1978 y grabaron al año siguiente, con Leo Sujatovich y Lito Vitale como músicos invitados. ''(El disco) no tuvo ninguna repercusión porque la música instrumental acá nunca pegó'', reconoce Starc.

Las dos reuniones de Almendra (y las consiguientes giras nacionales) tuvieron ocupado momentáneamente a García, por lo que Tantor vio frenado su crecimiento de popularidad. En 1981 quedaron reducidos a un dúo, tras lo cual se incorporaron Babú Cerviño (teclados) y Marcelo Torres (bajo). Con esta formación tocaron en B.A.Rock '82 y grabaron el segundo disco. La presentación en el Festival de La Falda '83 fue la última del grupo.

El disco homonimo ''Tantor'' fue el primer álbum de la banda, grabado en 1979. Los ex-integrantes de Aquelarre, Héctor Starc y Rodolfo García se reunieron con Carlos Alberto ''Machi'' Rufino, ex Invisible y bajista de Luis Alberto Spinetta en el cd Spinetta a 18' del sol. Además de estos tres integrantes el disco Tantor cuenta con Lito Vitale y Leo Sujatovich (posteriormente se vincularían a una de las grandes bandas de lo 80' encabezada por Luis Alberto Spinetta, Spinetta Jade). 

El disco esta compuesto por una base de jazz de gran nivel, jazz fusión de una excelsa calidad, que se encuentra entre la élite del fusión argentino. Aunque el disco no logró tener éxito entre el público, sus composiciones son sutiles y muy atinadas. Todos los temas son de Héctor Starc, quien participa increíblemente en guitarra. La base rítmica de Machi y Rodolfo García es sólida y efectiva, sin alardes de ningún tipo. El trabajo de Sujatovich y Vitale en las teclas es brillante.

La placa cuenta con solo dos temas cantados y los demás instrumentales. El sonido del disco en general cuenta con una fiereza y una firmeza que hace del sonido por momentos arrollador y muy contundente, con solos cuasi virtuosos en velocidad. Pero aparecen algunas composiciones más sutiles que le dan otro aire al disco, como ''Halitos'', con composiciones en piano y partes con sintetizador y guitarra eléctrica, una pieza sutil con una muy buena sesión de improvisación interna.

La encuesta anual de la revista Pelo los consagro como banda revelacion de 1979, pero para entonces Tantor interrumpio su labor por el alejamiento de Machi y Rodolfo Garcia (este ultimo se unio al historico regreso de Almendra). A mediados de 1981, Garcia y Starc reflotaron el nombre y armaron un cuarteto con la presencia de Marcelo Torres en bajo y Babu Cerviño en teclados. En octubre Tantor ya habia terminado un segundo disco, que veria la luz antes de fin de año..

Cod: #1201