Toshiyuko Miyama & His New Herd + Masahiko Sato - Yamataifu (1972)

Un disco de jazz de vanguardia para big band nada fácil de abordar debido a la tensión que marca la orquesta todo el tiempo, que hace de la escucha algo particular, sumando a esto las sofisticadas tres piezas que componen el trabajo tampoco hacen fácil la escucha para el oído de jazz más tradicional. Con composición del pianista Masahiko Sato y arreglos de Toshiyuko Miyama, un encuentro entre vanguardistas importantes y muy activos en el jazz japonés de la época cuya unión artística siempre ha dado resultados muy fructíferos y que esta no sería la excepción.

Las piezas son zonas de exploración y experimentación donde desfilan los arreglos orquestales, los toques de free jazz, el encuentro con el jazz fusión con acercamiento al sonido de la época pero que se logra diferenciar por lo experimental de la propuesta y por la utilización de la big band a la Toshiyuko Miyama. Hay algo que pareciera ser como un lema o conductor conceptual, una trama melódica de la orquesta que aparece a lo largo de todo el disco y dota al sonido de este toque tenso y difícil de abordar.

Y vale la pena resaltar otro elemento de la excursión que emprende el sonido a lo largo de las piezas y es la aplicación de lo electrónico, seguramente a partir de sintetizadores utilizados por Satoh, un elemento que aumenta el desafío de la escucha, eleva la sofisticación, y aumenta el nivel y calibre de la vanguardia presentada, seguramente se trate de la aparición electrónica única para el sonido de esta big band, y probablemente este sea uno de los pináculos en la era vanguardista de la New Herb de Toshiyuko Miyama, antes de volverse hacia la era más comercial.

La propuesta une partes orquestales tensas, abrasivas, con momentos más ajetreados de un fusión con dinamismo donde la banda se vuelca hacia la improvisación, con aplicaciones de viento en ráfagas atonales, secuenciadores electrónicos distorsionados y ritmos frenéticos de la batería que sumergen y someten a las pistas en auténticos atascos más libres en lo compositivo.

La primera parte del disco está compuesta por una sola pieza de veinte minutos de duración llamada ‘’Ichi’’, comenzando por una trama orquestal simbólica para luego continuar con una parte de sesión acercándose al jazz fusión sumado a florituras electrónicas que enriquecen la sesion, lo que termia derivando en partes compositivas finales.

Ya para el segundo lado del vinilo original aparecen, la pieza de doce minutos ‘’Ni’’ y una pieza más corta llamada ‘’San’’. En ‘’Ni’’ el campo de ejecución es más libre y casi nunca la pieza alcanza un terreno fijo y consistentes, manteniéndose siempre en la amplitud de la armonía, el free jazz orquestas y la libre ejecución que hace que los participantes construyan una suite libre que muta constantemente desde su comienzo al final, una delicia que termina de coronarse hacia el final con más florituras electrónicas. ‘’San’’ termina de cerrar el disco con más jazz libre y cacofonías de orquesta.

‘'Yamataifu’’, de 1972, se estrenó exactamente en el período más activo de la banda y ganó el premio Nippon Geijutsusai Yushu, muy honorable en Japón, además de ser tildado entre los cincuenta mejores álbumes del jazz japonés por Julian Cope.

La New Herd fue una importante orquesta japonesa nacida hacia finales de la década de los 50s, creciendo de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles, hasta llegar al jazz más vanguardista hacia comienzos de la década del 70, para llegar a crear algunos de los mejores álbumes del jazz japonés. Por aquellos años aparecerían otros discos vanguardistas de la banda como ‘’Four Jazz Compositions’’ de 1970, que abre paso a la era más vanguardista de la banda. Luego de este trabajo publicarían discos como ‘’Canto Of Aries’’ de 1971, ‘’Nio & Pigeon’’ y ‘’Eternity? Epos’’ de 1972, o ‘’Tsuchi No Ne’’ de 1973, entre tantas otras producciones más de por aquellos años.

Cod: #1679

Yamash'ta & The Horizon - Sunrise From West Sea ''Live'' (1971)

Stomu Yamashta se ubica entre una generación de vanguardistas japoneses de posguerra en la que aparecieron nombres como Masahiko Satoh o Toshi Ichiyanagi, todos personajes que tomaron la música tradicional de jazz y/o clásica y la retorcieron, desafiando las convenciones y proponiendo formas tan experimentales de creación que prácticamente se salieron de los estilos tradicionales de sus géneros de origen, para dar desarrollo así a sonidos nuevos, experimentales e inclasificables. Yamashta fue un abanderado de la vanguardia japonesa y uno de los músicos japoneses de su época que, partiendo desde la escena local de su país, supieron hacerse camino en la escena internacional, abriéndose paso y presentado proyectos junto a músicos de calibre internacional, como es el caso de su ‘’Yamashta's Go’’, banda liderada por Yamashta e integrada por glorias como Al Di Meola, Klaus Schulze, Michael Shrieve y Steve Winwood.

‘’Sunrise From West Sea Live’’ de 1971 es otro de sus tantos lanzamiento en lo que fue una carrera discográfica muy prolífica, por lo menos en lo que a la década de los 70s respecta. Este trabajo continúa por la senda tomada por Yamashta por aquellos años, saliéndose del jazz convencional y experimentando más de la cuenta, desafiando los estándares y haciendo música verdadera, con espíritu creativo, con un aura de fulguraciones que lo ubicaba en la vanguardia en su época y de su país. Siendo un experto en lo que a la percusión respecta, Yamashta, con estos experimentos, dejaba bien en claro su versatilidad y sus habilidades y su capacidad de construir con ellas todo un mundo de eximias y prototipias sonoras, arremetidas sin nombre donde se cruzaba la espiritualidad, el ambiente ritual, el vanguardismo, la experimentación, la libre ejecución, la improvisación y demás búsquedas sonoras.

Esta es una exploración por tierras rituales con una especialización en percusiones lideradas por Yamashta, quien es el interlocutor principal del sonido y el líder que comanda las sesiones de libre ejecución y libre expresión. Yamashta tenía formación en música clásica recibida en el conservatorio Juilliard de Nueva York, formación en jazz que recibió en la Berklee School of Music, así como su conocimiento de la música tradicional de todo el mundo, esto lo convertía en el artista indicado para llevar este tipo de experimentos, convocando a referentes del genero los cuales recurrían a sus propuestas con prestancia y sabiduría de que se trataba de un referente, sus experimentos e innovaciones lo respaldaban.

Dos extensas sesiones configuran el disco en su totalidad, una a cada lado del vinilo original de época. En ellas este eventual grupo de superestrellas se avoca a una improvisación libre colectiva unificada bajo sospechosos parámetros de ejecución e improvisación, con una trama que no es de esperar por su peculiaridad, creando un sonido improvisado en su totalidad y que respondía a lo que cada músico podría expresar de manera espontánea en el momento del concierto. Hay muchos momentos por los que transita este viaje por tierras de libre ejecución, con pasajes más calmos, otros momentos ajetreados, aplicaciones del sonido típico étnico del Yamashta del ese momento, otras aplicaciones de distorsiones, a lo que se le suma el sonido del violín eléctrico de que también suma su peculiaridad a la sesión.

En este emprendimiento Yamashta es acompañado por grandes de la escena vanguardista del Japón, como el mítico pianista y compositor Masahiko Satoh que participa en órgano eléctrico y quien era un referente ineludible en lo que al jazz y el vanguardismo respecta en su época, Takehisa Kosugi en violín eléctrico quien era otro referente, creador del grupo The Taj-Mahal Travellers y referente en electrónica, a los que se le sumaba un muy interesante ejecutante de koto (instrumento de cuerda tradicional de la música japonesa) como lo era Hideakira Sakurai. De esa forma el grupo se nutría de todas las miradas posibles puestas en boga en esa época en la escena japonesa: improvisación libre, vanguardismo, música tradicional y percusión de punta. El trabajo fue grabado en vivo en el Yamaha Hall, en Tokyo, el 18 de Abril de 1971, y fue publicado ese mismo año por el sello London Records y bajo el nombre de ‘’Yamash'ta & The Horizon’’.

En ese momento Yamashta estaba en un momento prolífico por excelencia, habiendo publicado ha principio de la decada de los 70s una buen cantidad de trabajos, siempre experimentales y especializados en percusión, como ‘’Percussion Recital’’, otro trabajo junto a Masahiko Satoh como lo fue ‘’Metempsychosis’’, ‘’Red Buddha’’,  y ‘’The World Of Stomu Yamash'ta ‎1 & 2’’. Entre 1972 y 1973 publicaría don trabajos con otro proyecto llamado Stomu Yamash'ta's East Wind, además de crear su Stomu Yamash'ta's Red Buddha Theatre, grupo con el que publicaría un disco que era la banda sonora conceptual de un proyecto llamado "The Man From The East". También en 1972 apareció su ‘’Floating Music’’ en donde parece incursionar en fusiones con rock, y ya para 1975 aparecería su ya nombrado ‘’Yamashta's Go’’ junto a músicos estelares.

Cod: #1593

Masahiko Sato - Holography (1970)

Masahiko Satoh es el godfather del jazz japonés, desde el comienzo de su carrera profesional, a mediados de la década de los 60s, hasta hoy, no ha dejado de producir y generar música, desde sus lanzamientos solistas, producciones, contribuciones, y formaciones en bandas, construyendo una carrera enorme que sigue viva hoy en día y ha dejado una huella imborrable en la música japonesa. Sus aportes a la música de su país han sido vitales en los campos del jazz, el vanguardismo, fusión, y hasta en el rock de su época, componiendo el material de ’’Electrum’’ para Count Buffaloes de Akira Ishikawa, o creando ’’Amalgamation’’ de 1971.

Tras graduarse en la Universidad de Keio, estudió composición y arreglos en el Berkeley College of Music entre 1966 y 1968. Tras regresar a Japón, editó su primer álbum Palladium con el que ganó el Japan Jazz Award de la revista especializada Swing Journal Magazine. También sería galardonado en dos ocasiones con el Award of Exellency at the National Art Festival of Japan por sus trabajos para big bands Four Jazz Compositions (1970) y Yamataifu (1972).

Trabajó con todos, hizo dúo con Jean-Luc Ponty en ‘’Astrorama’’ de 1970, trabajó con Stomu Yamash'ta en ‘’Metempsychosis’’ de 1971, participó junto a Toshiyuki Miyama & The New Herd en dos discos vanguardistas como ‘’Canto Of Libra’’  de 1970 y ‘’Canto Of Aries’’ de 1971. También hizo dúo con el pianista alemán Wolfgang Dauner para su disco colaborativo ‘’Pianology’’ de 1971. Colaboró con Karl Berger en ‘’With Silence’’ de 1974, y con Albert Mangelsdorff en ‘’Spontaneous’’ en 1972. También escribió música psicodélica para la banda sonora de la película de anime ‘’Belladonna of Sadness’’ de 1973 y participó de la composición de ‘’Four Jazz Compositions’’ que apareció publicada por Toshiyuki Miyama and His New Herd en 1970. Junto a Jiro Inagaki & His Big Soul Media publicó ''Bridge Over Troubled Water'' en 1971. Su carrera es extensa pero sus principales colaboraciones y producciones se remontan a esa época.

Publicado originalmente en Nippon Columbia en 1970, ‘’Holography’’ es otra de sus extravagantes publicaciones vanguardistas, ya que la misma consiste en su totalidad en un monologo del mismo Satoh en piano, él y solo él al piano en un parafraseo improvisado interminable de lado a lado del disco. Por momentos más apreciable y por momentos caótico, Satoh explora muchas de las posibilidades que se pueden obtener de un piano solista improvisado dentro del terreno del free jazz y rozando también con la libre improvisación.

Es una cacofonía que por momentos aumenta en su andanada de disonancias, funcionando en una técnica interminable aplicada en un continuo ejecutado de a dos manos en piano, lo que deja un dialogo de técnicas y armonía que se vuelcan en una misma unidad, alcanzando momentos muy ajetreados para también bajar la intensidad y pasar por momentos de sutilezas y silencios, todo en un mismo sonido. El disco se divide en dos partes sin nombre, solo son el ‘’Lado 1’’ y ‘’Lado 2’’, con una división inevitable por el formato del vinilo de época, con un track a cada lado que son arremetidas plenas en improvisación, demostrando la inventiva del compositor, su don para la libre improvisación en lo que es un sonido que representa toda una declaración de intereses artísticos, creativos y morales.

Es una consumación, una conclusión directa de su repertorio de jazz libre improvisado, de su aura que lo impulsaba siempre a la innovación, representando además el fin de una etapa y el comienzo de otra más determinada al jazz libre con conexiones a la música tradicional japonesa, lo que sucedió gracias a su colaboración en dúo con el guitarrista húngaro Attila Zoller, quien le mostró todo un mundo nuevo a Satoh al acercarle al jazz alemán y la determinación de los músicos alemanes de agregar elementos exclusivamente alemanes a su escena de jazz progresivo.

Cod: #1587

Stomu Yamash'ta & Masahiko Satoh - Metempsychosis (1971)

 ‘’Metempsychosis’’ es la culminación del trabajo surgido del encuentro de dos grandes vanguardistas japoneses del jazz de los 70s. Por un lado estaba Stomu Yamash'ta, un percusionista académico de enorme nivel que se avocó en gran parte de su carrera a la experimentación y la búsqueda sonora; por otro lado aparece Masahiko Satoh, todo un prócer del jazz japonés, quien por entonces era muy requerido por la escena tanto de jazz como también de rock de su país por sus profundos conocimientos teóricos dentro del jazz, además de su formación clásica, lo que lo ponía en un lugar elevado como promotor de fusiones inéditas para el momento. Ambos trocan sus habilidades, intercambian sus visiones y juntos convierten la sedienta escena vanguardista japonesa en un fértil encuentro de mundos en cierta forma disimiles pero que fácilmente se fusionarían en un sonido de punta.

Quién precede a quién? Quién acompaña a quién? La subducción de capas y estratos percusivos y armónicos son el fundamento de este sonido conformado por distintos ámbitos que se sumergen en la misma oda creacionista. Por un lado, el mundo ‘’sinfónico’’ de Satoh es el encargado de dibujar, por momentos, diversas florituras orquestales, por momentos, caos cacofónicos libres; sea cual fuere el caso esa sustancia orquestal está presente precediendo o subyugando en un sonidos que conoce de diversos estados y que en parte es gracias a esa sustancia orquestal que es capaz de conceder con crecer sus arremetidas varias. Este sentir orquestal en cuasi uno de una autentica big band porque todo un elenco de elementos brillantes de la escena participan del trabajo, más de quince músicos se hacen presentes entre saxos, trombones, y trompetas, entre los que aparecen, por ejemplo,  Toshiyuki Miyama y su New Herd, formadores y creadores de un vanguardismo jazzero orquestal con un estilo propio, lo que asegura en este trabajo la presencia de una calidad excepcional en lo que orquestación y el free jazz acontece.

Y por otra parte, la participación de un Stomu Yamash'ta que se vuelca con todo su dinamismo y versatilidad posibles, ya que su labor ya no es el de un solista, como en otros de sus trabajos donde participa solo, sino que esta vez se tiene que encargar de acompañar a toda una orquesta, y no solo eso, a una orquesta que muchas veces se desborda y recae en caos cacofónicos colectivos, además de sublimarse y apaciguarse en otros estados varios más tranquilos y diversos, lo que le exige a Yamash'ta una performance estricta, puntillosa, delicada, con tiempo para hacer lo que él es mejor capaz de hacer, la libre improvisación y la creación libre con percusión, pero también con momentos donde se tiene que volver estricto y conciso, sabiendo figurar, acompañar y hasta sobresalir en medio de una orquesta; su rol compone la mitad del espíritu de toda la obra, no solo por ser un ideólogo de la misma sino también por su rol como ejecutante.

El trabajo final es una combinación de atmosferas instrumentales compuestas por, como se dijo antes, percusiones diversas y mundos sinfónicos; de este encuentro surge un quehacer innovador que explora todas las posibilidades del vanguardismo académico dentro del jazz, el free jazz, y la aparición de la influencia de la música clásica sinfónica. Estos elementos crean ambientes que por momentos se mantienen en un limbo pulsional, un estado mínimo de vanguardia donde se sostienen trazando suaves líneas melódicas, ramificándose en un sinfín de estados prototípicos medios de diversa intensidad, hasta llegar a esos caos, que por momentos aparecen en el disco, donde toda la orquesta se vuelca en un desorden colectivo finamente organizado y diversificado, esos son los momentos en los que el sonido más se acerca de una forma de free jazz rasa. El álbum está compuesto por dos extensas piezas de cerca de veinte minutos cada una, no se esperen ningún estándar sino puro vanguardismo, la escuela del jazz japonés de los 70s funcionado en su máximo esplendor.

Cod: #1478

Kosuke Ichihara & Masahiko Satoh - Rumour (1973)

No es de extrañar que Masahiko Satoh esté detrás de este proyecto, él participó de muchos de los discos contemporáneos, siendo un impulsor e ideólogo fundamental para que la floreciente escena japonesa de jazz vanguardista tuviera vida y alcanzara lo que alcanzó en la década de los 70s. Este proyecto comenzó con la idea ocasional de Kohsuke Ichihara, quien había estado muy inmerso en una novela corta titulada ‘’Dema’’, escrita por Yasutaka Tsutsui, y trajo esta novela a Masahiko Satoh para persuadirlo de crear una suite que musicalizara el concepto del libro. Satoh se interesó en este proyecto y compuso material para él. 

En 1973, Ichihara y Masahiko Satoh se unieron en aras de este proyecto. El pianista Satoh participó junto a su banda ‘’Garando’’, compuesta además por Keiki Midorikawa en bajo y Hozumi Tanaka en batería. Por su parte, el saxofonista Kohsuke Ichihara participó con su banda ‘’All Stars’’, integrada por Kimio Mizutani y Takao Naoi en guitarra eléctrica, Akira Ishikawa en batería, Masaoki Terakawa en bajo y Hideo Ichikawa en piano.

De esta manera ‘’Rumour’’ surgió como un proyecto colaborativo, compuesto por Satoh y traído a vida en conjunto por muchos músicos de la crema del jazz vanguardista japonés del momento, en el cual había experimentados ejecutores de jazz, jazz libre, jazz rock y experimentación; y es exactamente de eso de lo que se trata este trabajo, una incursión por terrenos de vanguardismo y experimentación, incluyendo trazos de diversos elementos para así conformar un sonido que nace puramente desde y se dirige hacia una extraña dirección que solo ellos supieron concebir.

Este disco es un gran elemento del vanguardismo jazzístico japonés de la época, publicado por un gran sello discográfico japonés, CBS, en 1973. Este trabajo presenta en esencia una enorme suite de 30 minutos de duración, dividida en dos partes, ubicándose cada parte a cada lado del vinilo original. Esta suite representa todo un tránsito por diversas tramas de jazz. Ambas partes comienzan desde estados más tranquilos tipo free jazz, los que poco a poco van incrementando en intensidad, las baterías se aceleran y sutilmente aparecen algunas bases con influencia rock, hasta eclosionar en estados efusivos y bulliciosos, atascos repletos de diversos agregados sonoros.

El disco abre y cierra con dos piezas menores, el prólogo del comienzo y el epilogo del final, dos piezas cortas que insinúan muy bien sobre el contenido interno del trabajo, como resguardándolo del afuera y siendo la carta de presentación ideal para este sonido de jazz vanguardista. El sonido comienza poco a poco y lleva un tiempo para que el bullicio jazzero remonte vuelo, pero una vez que lo hace, se sentirá como ese bebé que se precipita por el espacio. 

Es un interjuego entre diversos motivos de jazz, jazz libre, libre improvisación, jazz rock, además de agregados electrónicos con sintetizadores, todo aunado para funsionar como un sonido que se va mutando a sí mismo sin perderse en ningún momento. El primer lado del vinilo original presenta luminarias de escena como Akira Ishikawa y Kimio Mizutani. El lado dos presenta una alineación completamente diferente, centrada en Mashahiko Sato y su banda.

Cod: #1459

Masahiko Satoh & Soundbreakers - Amalgamation (Kokotsu No Showa Genroku) (1971)

Masahiko Satoh, un reconocido pianista de jazz japonés, nació en Tokio el 6 de octubre de 1941. Después de graduarse en economía de la Universidad de Keio, Masahiko estudió composición y arreglo en el ‘’Berklee College of Music’’, de 1966 a 1968. Al año siguiente lanzó su álbum debut, ‘’Palladium’’, de 1969, que ganó el Premio de Jazz Japonés patrocinado por Swing Journal Magazine, y lo empujó al estrellato en la escena del Jazz Japonés.

Al año siguiente Masahiko formó un proyecto fugaz llamado The Soundbreakers y lanzó un único álbum, ‘’Amalgamation (Kokotsu No Showa Genroku)’’, en 1971, con mucha colaboración de muchos músicos talentosos japoneses, como por ejemplo, Kimio Mizutani en guitarra, Hiro Yanagida en órgano, y Masaoki Terakawa en bajo, 

‘’Amalgamation’’ es uno de esos inventos vanguardista que tan solo Masahiko Satoh podría crear, sus visiones eran más que adelantadas para la época y quedan plasmadas en sus tantas producciones y álbumes lanzados en la época, y esta no sería la excepción. Sato, en su época, fue un pionera que encabezó la vanguardia de jazz japonés, este una de sus tantas incursiones, en las que siempre se destaca la experimentación orquestas (era compositor) y el jazz de vanguardia y/o free jazz.

Este disco consta de dos extensas piezas, ocupando una a cada lado del vinilo original. Las dos piezas, que son auténticas sesiones, aunque ambas vanguardistas, guardan marcada diferencia entre sí. La primera de ellas tiene que ver más que nada con una extensa incursión que se acerca primordialmente al rock, una extensa sesión de rock psicodélico plagado de diversos agregados, aparecen entre medio de las sesiones de rock varios arreglos orquestales, además de escucharse algunos sonidos de guerra, como aviones y disparos, y discursos de Shigenobu Okuma o Adolf Hitler.

Ya para la segunda pieza, la que ocupa el lado B del vinilo, se trata de otra extensa sesión, pero esta vez el sonido gira hacia el jazz, free jazz más precisamente. Siempre experimental, la sesión se construye con un sonido tipo jazz libre, con percusiones y sonidos salidos de diversos instrumentos, y con agregados vocales de voces femeninas que aparecen dispersas soltando algunas melodías; esta composición posiblemente no suene tan pegadiza como la primera, pero es una gran ilustración de un lado un poco diferente de la música del proyecto de The Soundbreakers.

Las dos sesiones son realmente diferentes entre sí pero reflejan el espíritu japonés de la época, marcado por el jazz de vanguardia y, por supuesto, el rock, que por entonces estaba en auge, manifestándose en diversas ramas y diversos tipos. Satoh no es bien conocido para los fanáticos del jazz de vanguardia o free jazz, y es una pena. Después de su graduación en Berklee School of Music, de 1966 a 1968, regresó a Japón y se convirtió en uno de los experimentadores más activos en la escena japonesa de jazz.

Cod: #1405

New Herd + M. Togashi - Canto Of Aries (1971)

Desde un auspicioso comienzo en 1958, el japonés Toshiyuki Miyama y su New Herd, crecieron de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles. Los orígenes del grupo originalmente tienen lugar por 1950, cuando Miyama forma la banda de jazz Jive Aces, como líder y miembro del grupo, interpretando el saxo. Miyama se había unido a la banda militar/naval japonesa en 1939 y jugó en la cubierta de muchos buques de guerra japoneses durante la segunda guerra mundial, lo que le dio una gran experiencia.

A pesar de que comenzaron como una banda de jazz para pista de baile, a comienzo de los 50s, fue en la década de los 60s cuando, luego de incluir a varios músicos convirtiendo al grupo en una big band, se establecieron en la escena del jazz moderno japonés, volviéndose unos auténticos referentes de la época. Hacia finales de la década de los 60s supieron acercarse hacia el jazz rock, pero las tendencias del jazz mundial y la moda de free jazz que llegaba de los Estados Unidos, hicieron que la banda cambiara el rumbo. Su primer lanzamiento discográfico apareció en 1969, Perspective, que tuvo un dejo de jazz rock y un estirpe principalmente de big band y jazz vanguardista moderno.

Para los siguientes trabajos esto se acentuaría aún más, tomando deliberadamente un rumbo hacia la fusión entre el jazz de vanguardia y free jazz, cosa que se puede apreciar en su Canto Of Aries, publicado en 1971, un trabajo de jazz de big band, con participación del mítico Masahiko Satoh, un pianista y arreglista, también japonés, con mucha actividad en la época como arreglista, quien es el cargado de la composición y orquestación de este Canto Of Aries.

New Herd y Satoh ya habían colaborado en un álbum lanzado un año antes, Canto Of Libra, y en este caso continúan por la senda experimental del free jazz orquestal, con un sonido tan desquiciado como antes. En comparación con su predecesor Canto Of Libre, en Canto Of Aries la banda se siente mucho más suelta y las composiciones no están tan marcadas y determinadas, en este caso el free jazz tiene una vía libre más determinada y las composiciones son mucho más sutiles.

No se trata simplemente de libres ejecuciones, las marcas y las intensidades están determinadas, las piezas tienen formas sutiles de convergencia que se conducen siempre con el delirio instrumental moderado de la big band que es dirigida por caminos en forma de suites sutiles, bien planeadas e ideadas. El nivel de ejecución es exquisito debido a los grandes ejecutantes presentes en la banda, donde se destacan Masahiko Togashi en percusión y Masahiko Sato en piano.

El envión por el interés sobre el free jazz/jazz de vanguardia no le duraría demasiado tiempo más a la banda, lanzando además bajo esta línea Yamataifu en 1972, este último funcionando la orquesta a sonidos electrónicos, disco que ganó el honorable premio ‘’Geijutsusai Yushu’’, muy apreciado en todo el mundo del arte japonés. Aunque, pronto, luego volverían una vez más hacia el jazz orquestado más convencional y fácil de escuchar. New Herd grabó con Charles Mingus en 1971 y realizó giras por todo el mundo durante los años 1970 y 1980, como por ejemplo participando del Monterey Jazz Festival en 1974 y una gran gira por Sudamérica en 1978, junto a Satoh.

Cod: #1384

Masahiko Sato Trio - Deformation! (1969)

Masahiko ato pertenece a la escuela de jazz y jazz fusión japonesa, que tantos grandes frutos y valores ha dado, y a la cual él ha influenciado, tanto con arreglos directos, participaciones, como con su sonido personal y con su extenso trabajo discografico. Nacido en Octubre de 1941, en Tokyo, Sato, es un influyente pianista japonés de jazz, arreglista y compositor. 

Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y a los 17 ya era profesional. En 1967 se muda a los Estados Unidos, para estudiar en la universidad de Berklee. Se mantenía trabajando en una casa de comidas y tocando el piano en un Hotel. Pasó dos años allí, estudiando arreglos y composición musical. 

En 1969 publica sus dos primeros álbumes, el primero sería ‘’Palladium’’. El segundo, que nos compete en esta ocasión, es ‘’Deformation!’’, grabado en vivo el 4 de julio de 1969, en el Sankei Hall, en Tokio. Este es un trabajo de free jazz en trio, con una dosis de experimentación, ya que a las sesiones del trio se le agregan cintas pregrabadas con sonidos electrónicos, que rompen con el sonido convencional del trio y le dan un toque vanguardista al asunto.

En la segunda mitad del disco, siguen jugando con cintas pregrabadas, esta vez usando música de cámara clásica y piezas de coro, que se fusiona al free jazz del trio, resultado un sonido realmente inquietante, música clásica y free jazz. Todo esto fue presentado en un evento en vivo, grabado en vivo, en una presentación conceptual que pretendía llevar la música más allá de sus límites, con un juego de luces y una ejecución por demás vanguardista combinada con un collage de sonidos y efectos.

Sato demuestra ser un líder musical muy versátil y además, como su experiencia como músico de sesión y arreglista lo demuestra, refleja siempre su fina dosis de versátil ejecución y fresca ideación de las piezas, desplegando un repertorio amplio dentro del género. Sato ya era todo un experto arreglista para la época, participando de incontable cantidad de discos como invitado y arreglista, como por ejemplo para Count Buffaloes o Stomu Yamash'ta. El trio para este concierto estaba integrado por Masahiko Sato en el piano, Yasuo Arakawa en el bajo y Masahiko Togashi en bateria

Luego de este lanzamiento, seguiría con el trio, con el cual lanzaría tres álbumes mas durante los primeros años de los 70s, pero su talento le permitiría participar a la vez en innumerable cantidad de discos, dúos, trabajos como invitado, arreglos para otros discos, música para películas, televisión y publicidad, además de sus discos lanzados en modo solista, que recorren todas las décadas desde principio de los 70s hasta la actualidad.

Cod: #1342

Toshiyuki Miyama & His New Herd + M. Sato - Canto Of Libra (1970)

Desde un auspicioso comienzo en 1958, el japonés Toshiyuki Miyama y su New Herd, crecieron de manera inusitada a lo largo de la década de 1960, como un grupo de acompañamiento que al comienzo pasó por varios estilos, desde latin jazz, pop, twist, hasta covers de los Beatles. Los orígenes del grupo originalmente tienen lugar por 1950, cuando Miyama forma la banda de jazz Jive Aces, como líder y miembro del grupo, interpretando el saxo. Miyama se había unido a la banda militar/naval japonesa en 1939 y jugó en la cubierta de muchos buques de guerra japoneses durante la segunda guerra mundial, lo que le dio una gran experiencia.

A pesar de que comenzaron como una banda de jazz para pista de baile, a comienzo de los 50s, fue en la década de los 60s cuando, luego de incluir a varios músicos convirtiendo al grupo en una big band, se establecieron en la escena del jazz moderno japonés, volviéndose unos auténticos referentes de la época. Hacia finales de la década de los 60s supieron acercarse hacia el jazz rock, pero las tendencias del jazz mundial y la moda de free jazz que llegaba de los Estados Unidos, hicieron que la banda cambiara el rumbo. Su primer lanzamiento discográfico apareció en 1969, Perspective, que tuvo un dejo de jazz rock y un estirpe principalmente de big band y jazz vanguardista moderno.

Para los siguientes trabajos esto se acentuaría aún más, tomando deliberadamente un rumbo hacia la fusión entre el jazz de vanguardia y free jazz, cosa que se puede apreciar en su Canto Of Libra, publicado en 1970, un trabajo de jazz de big band, con participación del mítico Masahiko Satoh, un pianista y arreglista, también japonés, con mucha actividad en la época como arreglista, quien es el cargado de la composición y orquestación de este Canto Of Libra.

Para esta entrega, que sería prácticamente el primer intento de free jazz por esta big band, las composiciones no son tan ambiciosas, pero se presenta sí una lista de composiciones de variada concepción, en sus formas e intensidades, se nota la mano de Satoh en la composición, que hacen que el sonido no sea un mero atasco caótico de instrumentos agolpados y atonales, típico del free jazz; cosa que, por un lado, sí sucede en el primer tema pero que en general no se recae en esto como un vicio. 

El primer track, el Canto 1, sí se trata de una pieza con un sonido crudo, no tan cohesivo o medido, con tonalidades agresivas y arreglos entrecruzados interpretados por trompetas y trombones, es que se trata de una autentica fanfarria, aquí los metales son los instrumentos de mayor presencia en el sonido y en la orquesta en sí. Cosa que se mantiene en el resto del disco, los vientos son los mayores protagonistas en las interpretaciones, aunque por ahí pueda aparecer alguna batería, algún piano o contrabajo. Para el resto de los tracks o Cantos, el sonido parece más medido, no se trata de atascos ni de ruidos sino que el aire de vanguardia moldea las composiciones y ordena la banda, se juega con distintas intensidades, sutilezas en los arreglos, algunos monólogos de instrumentos sonando en solitario, los instrumentos ya no están presentos todos juntos sino que van apareciendo en secuencia y en partes, y, por supuesto, siempre, la fanfarria, la sección de metales, presente, aportando el cuerpo principal para los distintos pasajes en las composiciones.

El envión por el interés sobre el free jazz/jazz de vanguardia no le duraría demasiado tiempo más a la banda, lanzando bajo esta línea el Canto Of Aries en 1971, y Yamataifu en 1972, este último funcionando la orquesta a sonidos electrónicos, disco que ganó el honorable premio ‘’Geijutsusai Yushu’’, muy apreciado en todo el mundo del arte japonés. Aunque, pronto, luego volverían una vez más hacia el jazz orquestado más convencional y fácil de escuchar. New Herd grabó con Charles Mingus en 1971 y realizó giras por todo el mundo durante los años 1970 y 1980, como por ejemplo participando del Monterey Jazz Festival en 1974 y una gran gira por Sudamérica en 1978, junto a Satoh.

Cod: #1317

Masahiko Sato Trio - Palladium (1969)

Masahiko Sato pertenece a la escuela de jazz y jazz fusión japonesa, que tantos grandes frutos y valores ha dado, y a la cual él ha influenciado, tanto con arreglos directos, participaciones, como con su sonido personal y con su extenso trabajo discografico. Nacido en Octubre de 1941, en Tokyo, Sato, es un influyente pianista japonés de jazz, arreglista y compositor. 

Comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y a los 17 ya era profesional. En 1967 se muda a los Estados Unidos, para estudiar en la universidad de Berklee. Se mantenía trabajando en una casa de comidas y tocando el piano en un Hotel. Pasó dos años allí, estudiando arreglos y composición musical. 

En 1969 volvería a Japón y lanzaría su primer trabajo, ‘Palladium’, en una formación liderada por él mismo, un trio compuesto por Sato en piano, Yasuo Arakawa en bajo y Masahiko Togash en batería. Todas las composiciones del trabajo le pertenecen a él, a excepción de una formidable reversión de ‘Michelle’, de los Beatles.

En este trabajo debut presenta sus primeras piezas en piano, que se mantienen dentro del espectro del jazz contemporáneo típico de la época, hardbop, post bop, y con un toque de free jazz para abrir las sesiones y para nutrir las piezas a la hora de la improvisación. Son piezas delicadas y estilizadas en piano, que denotan la influencia directa de Duke Ellington.

Siempre correcto y elegante, se va adentrando tímidamente en un sonido algo hermético y descontracturado, con su temible habilidad… con la que demuestra sus capacidades en armonía y sus excelente uso de fraseos y acordes en la improvisación; las piezas son prominentes, de un muy buen nivel, y le valieron a Sato un comienzo promisorio en la escena del jazz japonés, ya con sus primeros trabajos obtendría algunos premios y reconocimientos.

Luego de este lanzamiento, seguiría con el trio, con el cual lanzaría tres álbumes mas durante los primeros años de los 70s, pero su talento le permitiría participar a la vez en innumerable cantidad de discos, dúos, trabajos como invitado, arreglos para otros discos, música para películas, televisión y publicidad, además de sus discos lanzados en modo solista, que recorren todas las décadas desde principio de los 70s hasta la actualidad.

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