Magic Brother & Mystic Sister - Magick Brother & Mystic Sister (2020)

Para los amantes del prog y fusión, este disco no puede ser más que una delicia: instrumentaciones precisas que se acercan al virtuosismo, búsquedas progresivas cambiantes en piezas con mucha preponderancia instrumental, atascos con buenas improvisaciones y adornos melódicos, jazz rock y fusiones con sabores varios, riffs pegadizos, psicodelia de alto vuelo, etc., todo un repertorio de buen gusto que genera al final un buen sabor musical y deja en el aire una escucha muy agradable que enaltece al presente del genero progresivo.

Aquí hay mucho por escuchar, hay atascos improvisados, estructuras cambiantes, también rock prog, influencia del Canterbury, y aunque la instrumentación es prístina por otra parte no se vuelven virtuosos al nivel de otras bandas frías y técnicas que no transmiten nada, aquí más bien utilizan la sofisticación a su favor, con sabores y fusiones utilizan la paleta sonora con riffs y elementos que invitan a bailar, a sentir y ser felices, e incluso hay en un par de pasajes algunos elementos que recuerdan al latin rock y enaltecen esa sensación de sabor y gusto por los buenos atascos.

El trabajo en general es entretenido, con su propia belleza característica y una especie de atemporalidad de esos discos modernos que no se sabe si salieron en realidad del presente o de hace cincuenta años atrás cuando las bandas no solo hacían prog rock sino que habían bebido de fuentes enormes para crear sus fusiones, esa es la sensación que deja Magic Brother & Mystic Sister, la de que no solo están bien formados técnicamente sino también la de estar bien informados sobre lo que pasó y pasa en el género progresivo y aledaños. 

Por momentos parece estar sonando Pink Floyd, o Santana, o cualquier banda de la época dorada del Prog o el Canterbury, pero también no parecen estar copiando burdamente a otros, sus composiciones complejas y sentidas dan prueba de ello, y todo su álbum se mantiene en ese nivel de sofisticación.

Las composiciones son realmente complejas y ofrecen una aventura en cada track, con una imaginación desbordante que hace de cada pista una aventura que recorre un sinfín de momentos internos. Los encargados de crear esta aventura son Eva Muntada en piano, sintetizadores, organo, mellotron y voz, Xavi Sandoval en bajo y guitarras, Marc Tena en batería y voz, y Maya Fernández en flauta.

Magick Brother & Mystic Sister son una banda oriunda de Barcelona, España. La historia de su origen se remonta al año 2000 cuando Eva (teclados/voz) y Xavi (bajo/guitarra) conocieron a Daevid Allen en un festival de Canterbury donde tocaban Gong, Kevin Ayers, Caravan y Arthur Brown. A ellos se le sumaron en 2013 Maya (flauta) y Marc (batería) para formar la banda completa como un cuarteto.

El nombre del grupo y de su primer disco homónimo, ‘’Magick Brother & Mystic Sister’’, proviene en realidad del primer disco de la banda inglesa Gong, también llamado ‘’Magick Brother & Mystic Sister’’, aunque esta no está ni cerca de ser una copia o un intento, de hecho no suenan tan parecidos a Gong. De todas formas la influencia del sonido Canterbury está clara, con trazas de jazz, improvisaciones y estructuras armónicas entre cambios y velocidades.

Este emprendimiento es una escultura de auras plasmadas en terrenos de jazz y rock, donde la alegoría espacial y las búsquedas canterburyanas fluyen en la sangre que también está compuesta por una belleza de flores campestres, psicodelia deliciosas y magias del bosque. Un bello sonido que nos confirma que la magia aun existe.

Cod: #1737

Can Am Des Puig - The Book of AM, Part One: Dawn And Morning (1978)

Esta fue una pequeña comuna hippie ubicada en Ibiza al momento de la grabación de este disco, pero que anterior y posteriormente han viajado por el mundo, una comuna integrada por algunos artistas de varias partes del mundo, como Escocia y España, unidos por el interés por el arte, la música, la búsqueda en esos terrenos, el interés espiritual, y por todos los quehaceres que hacen a los viajeros que recorren el mundo, buscar y encontrar nuevas y excitantes bellezas de cada lugar, para continuar nutriéndose de cada experiencia.

Pasaron dos años viajando por la India, desarrollando su sonido y su arte en general, y eso se aprecia al instante, por la instrumentación agregada y el clima espiritual de la música y la letra, hablando de ‘’transmutar la mortalidad’’ o frases similares que dejan ver que estaban envueltos, por lo menos de jóvenes, en ese estilo de vida, típico del hipismo, que busca debelar, desde la espiritualidad, la vida alternativa y el exotismo, el sentido de las cosas conocidas.

En sus viajes, no solo exploraron el mundo sino que también experimentaron con distintas religiones, tratando de no apegarse a ninguna y de obtener un aprendizaje de cada una de ellas, desde el budismo y su búsqueda de develar las ilusiones de la mente, el antiguo Egipto, el cristianismo, la poesía del norte de Islandia, la música del islam, los alquimistas y las transmutaciones, viajes emprendidos originalmente desde sus raíces escocesas y vascas.

Esta música contiene una belleza muy particular, comparable a otros colectivos hippies dedicados al folk y la espiritualidad, como A Cid Symphony, o artistas como Malachi o Peter Walker, quienes ponían en manifiesto su búsqueda espiritual, muy influenciada por culturas milenarias y sus filosofías, y la volcaban en la música de forma directa, a tal punto que sus músicas eran empresas vivientes de espiritualidad, búsquedas internas, momentos rituales, arte expresado en carne viva y en dosis muy intensas. Este era el campo perfecto para el florecimiento de la psicodelia, pero también para otras fusiones y experimentaciones, siempre en terrenos del folk espiritual.

Instrumentalmente el sonido está finamente ornamentado con finos trabajos de cuerdas acústicas de guitarra y voces, que funcionan armoniosamente entre sí y dan un aire místico a todo el asunto, a esto sumarle la aparición del sintetizador que brinda un aire innovador a todo el repertorio de folk pero que era totalmente entendible su aparición sónica ya para ese año de 1977/1978. Además aparecen arreglos de flautas y tamburas hindúes.

El estilo teje puentes hacia muchos emprendimientos similares, es ‘’música del universo’’ cuenta con un aura personal de espiritualidad concebida desde el autodescubrimiento, con sabores de todo el mundo, desde el exotismo hindú, imágenes de las montañas heladas de Islandia, y psicodelia hippie y todo su repertorio espiritual, místico, mágico, religioso y alquímico.

Pese a toda la búsqueda religiosa, no quedaron atrapados en ninguna religión, siendo fieles a su búsqueda creativa desarrollaron a The Book Of AM como su propia filosofía de vida, tratando de ser el centro creativo de su propio mundo.

The Book Of AM es un álbum conceptual muy ambicioso creado y publicado en varios tomos, originalmente apareció solo el libro, un libro de más de 100 páginas donde el grupo volcaba toda su experiencias y ‘’sabiduría’’. Luego, tras la negativa de las editoriales de publicar el libro, el grupo decidió crear una música que acompañara los textos, así nacieron las partes I y II de los discos. En 1978 fue publicado el primer disco conteniendo solamente la Parte I, el cual venía acompañado con el libro físico original.

Fue recién en 2006 que apareció una publicación de la Parte I & II conjuntas junto a una reedicion del libro original, publicado por  Wah-Wah Records de Barcelona. Y el álbum doble Parte III & IV, la continuación de las primeras partes, fue publicado recién en marzo de 2013, editado también por Wah-Wah Records, y cuenta con los mismos cantantes que en 1977, con la incorporación de Will Z. , como cantante y músico.

Cod: #1693

Jordi Sabatés - Ocells Del Més Enllà (1975)

Jordi Sabatés es un pianista y compositor de jazz, además de  estar licenciado en física. Sabatés ha combinado a lo largo de su trayectoria propuestas musicales de todos los tipos de géneros y estilos, del jazz al rock, pasando por la canción, el lied, canciones sobre textos de los trovadores provenzales, música de cámara, música sinfónica, música para teatro y cine, cuentos infantiles orquestados, flamenco, cinema en concierto, conferencias didácticas, etc.; todo ello con un grado de calidad y excelencia que lo han hecho valedor de un crédito internacional.

Sabatés inició su carrera con la banda de pop de los años 60 Pic-Nic , agrupación en la que también se encontraba el guitarrista Toti Soler , con quien colaboraría frecuentemente. Después de la ruptura de Pic-Nic, Sabatés y Soler fundaron la banda Om, con la que lanzaron un muy interesante álbum homónimo de jazz rock, posterior a haber acompañado a Pau Riba en su álbum de 1969 ‘’Dioptria’’.  A principio de la década de los 70s Sabatés dirigió el conjunto de jazz Jarka , que editó dos álbumes durante ese tiempo. También volvió a colaborar con Soler en un álbum de jazz en 1973 antes de embarcarse en una larga carrera en solitario. También ha colaborado con muchos músicos de renombre del panorama musical catalán a lo largo de los años.

En 1975 Sabatés presenta su álbum en solitario ‘’Ocells Del Mes Enlla’’ (Pájaros del más allá, en catalán), producido por el sello Edigs. El sonido general de este trabajo es sofisticado y fino, delicadamente elaborado, con el sello típico del flamenco que se vuelca en algunas melodías y armonías y especialmente por la participación estelar de Toti Soler, guitarrista junto al cual Sabatés había realizado anteriormente varios proyectos. Especialmente esta dupla es la que coordina el sonido total del trabajo, funcionando en una dualidad progresiva muy cohesiva que se las arregla para entretejer una serie de pasajes progresivos con sabor mediterráneo, donde destacan las armonías de Sabatés y la gran destreza de Soler para acompañar vertiginosos atascos fusión con su guitarra criolla. 

El primer track que aparece en el disco es una extensa composición de corte progresivo y con un deliberado acercamiento al fusión a la catalana, con un comienzo rabioso y muy acertado y unos aires de rock muy agradables, luego, el elemento flamenco que surge en forma de guitarra criolla cuasi virtuosa dejando una buenas improvisaciones alrededor de la mitad del tema, pieza que luego, hacia el final, gira un poco el timón, apareciendo inéditamente sonoridades y elementos de la música típica brasilera, transformándose la pieza en un cruce étnico de sabores y especias de diferentes costas.

Luego aparecen algunos cortes diversos, la vertiginosa ‘’Gingers’’, de métricas punzantes, la guitarra criolla siempre presente dejar sus sabores un wha-wha que marca el tempo constante de muchas partes de la composición. O también se destaca ‘’Acuario’’, una pieza sauve y volátil donde la banda abandona momentáneamente su estilo vertiginoso, para recaer en un vector de estilo místico donde pareciera que el tiempo se detuviera para dar rienda a esa atmosfera solvente de misterios luminosos. Algunos sabores de blues surgen en la pieza ‘’Tema para el Richmond's’’, con una guitarra eléctrica dibujando algunos yeites típicos, junto al rol del teclado que crea una amalgama interesante.

Refiriéndose a ese sabor mediterráneo, de melodías exóticas típicas, la brisa, las gaviotas, la dulce melancolía de la vida en libertad que ofrece la orilla del mar, tal vez ‘’Tryada’’ es la que refleja mejor ese aspecto, marcado con los elementales y siempre presentes arreglos de Soler, el sonido fusión con el flamenco, y ese atasco borrascoso del sintetizador con el que se abre la pieza, que carcome internamente dejando sabores típicos y especias de un enorme misticismo proveniente ‘’del más allá’’.  Es un álbum de gran nivel y despliegue que conjuga diversos sabores para enaltecerse como una obra importante para la música progresiva catalana.

Cod: #1500

Pan & Regaliz - Pan & Regaliz (1971)

 ‘’Pan & Regaliz’’ comienza su carrera alrededor de 1967 como un grupo de folk con estilo autóctono, surgidos en el barrio de Gracia, Barcelona. Poco les duraría esta etapa ya que pronto comenzaría a recibir algunas influencias de todo lo que estaba aconteciendo en el exterior. Bandas como Jethro Tull, Soft Machine o Pink Floyd serían de gran influencia para ellos, por lo que deciden electrificarse y tomar rumbo hacia esos sonidos puestos en boga por la bandas más importantes del momento, o sea que entran en ese bucle fusión donde la psicodelia y la música progresiva aparecen como características principales. Comienzan bajo el nombre de ‘’Els Mussols’’, pero en 1969 cambian su nombre por el de ‘’Agua y Regaliz’’, electrificándose y comenzado a crear su propio repertorio cantado en inglés.

Bajo el nombre de ‘’Agua y Regaliz’’ firmarían un contrato para el sello ‘’Als 4 Vents’’, publicando un único single, "Agua de Regaliz", en 1970.  En 1971 participan con gran éxito en el Festival de Música Progresiva de Granollers, junto a grupos como Maquina!, Cerebrum, Los Brincos, Smash, etc. Se codearon con éxito con las mejores bandas progresivas españolas del momento, lo que les trajo la oportunidad de que el sello ‘’Dimensión’’ (discográfica especializada en el rock progresivo) se les acercara y les propusiera un nuevo contrato, esta vez para graba un LP. 

Firman un nuevo contrato con este sello pero se topan con el contrato que habían firmado anteriomente, lo que les provoca una fuerte disputa que, entre juicios y conciliaciones, se logra resolver, acordando que podían grabar para ‘’Dimensión’’ pero bajo un nombre diferente, por lo que la banda pasaría ahora a llamarse ‘’Pan y Regaliz’’. En mayo de 1971 graban, en los estudios Gema, el LP homónimo “Pan y Regaliz”, publicado ese mismo año.

Al estilo que desarrollan lo desparraman en un álbum que se caracteriza por temas cortos pero con mucha eficacia. El homónimo ‘’Pan Y Regaliz’’ se compone casi en su totalidad de piezas cortas pero muy efectivas que rondan entre una mermelada de jazz y rock, donde aparece la psicodelia como un elemento que considerablemente se desparrama en muchos momentos del trabajo, alcanzando su punto culmine en la pieza ‘’Today It Is Raining’’, una pieza de nueve minutos de duración que de alguna manera corta con el estándar del resto de los temas y se presenta con un sonido extenso, con mucha improvisación y delirio sonoro, uno de los momentos más exquisitos del disco.

El resto de los temas se presentan como variantes y alteraciones de un sonido de rock nutrido por el caldo de cultivo típico desarrollado en la época, bluesy/jazzy rock, con una serie de variantes y visiones dentro de ese espectro que dejan la impresión de lo enormemente versátil que era la banda a la hora de componer y ejecutar. Todas las piezas rondan por entre un mismo estilo pero ninguna pieza se parece en demasía a la otra, se trata de un sonido que sorprende y cautiva desde el comienzo y deja una sensación muy agradable en el ambiente.

Desde la potente ‘’When You Bring Down’’ que comienza como un blues rock potente y se transforma en una sesión de jazz-rock, hasta la pegajosa ‘’Waiting In The Monsters Garden’’ que abraza con un ritmo muy agradable, o la deliciosa ‘’A Song For The Friends’’. El sonido general es muy dinamico, apareciendo el jazz más que nada por parte de la batería y la flauta, tomando la guitarra eléctrica el rol de desperdigar sus riffs y rolos rockeros.

Cod: #1480

Salvador Dalí - Être Dieu (Ópera-Poema) (1974)

El movimiento del surrealismo no se manifestó tan considerablemente en la música como sí lo hizo en la literatura y la pintura, pero vale la pena recalar en esta obra que es uno de los grandes hitos que el movimiento supo dar en materia sonora y que a la vez es un trabajo que reivindica enormemente al surrealismo. En 1927, Salvador Dalí comenzó a escribir el libreto para su autoproclamada opera-poema ‘’Être Dieu’’, junto con Federico García Lorca, pero esta, por varias razones, quedó trunca, y no sería sino hasta principios de los 70s cuando retomaría el proyecto, al cual le daría vida definitivamente.

Estamos hablando de un muy ambicioso proyecto musical ideado por Dalí, una autentica opera experimental de un tamaño gigantesco y que conoce de una producción de un nivel exquisito. Se trata de una ópera poema audiovisual dividida en seis partes y con libreto no solo de Dalí sino también de Manuel Vázquez Montalbán, ambos terminarían de escribir el libreto luego de extensas charlas que tendrían juntos. La música de la obra fue compuesta por Igor Wakhevitch, un brillante compositor francés reconocido por sus innovadores trabajos y por ser un gran compositor de música de cámara y un innovador incansable de músicas experimentales, electrónicas, etc., Wakhevitch era el compositor ideal para musicalizar esta obra.

A lo largo de los seis episodios que dura la obra se explora incansablemente las posibilidades de la composición sinfónica y de la creación sin fronteras que combina cuanto elemento se les haya ocurrido. Cada parte cuenta con su propia forma y sus propios delirios: arreglos de cuerda, percusiones, electrónica, discursos dramáticos, poesía surrealista, coros celestiales, arreglos vocales, rock y efectos especiales; todo esto mezclado y volcado en una única música tan diversa y rupturista como surrealista, provocativa, mística y decadente.

La música sirve perfectamente para ilustrar los paisajes sobre los que Dalí recita sus escritos y además improvisa en el momento con sus ocurrencias y delirios varios, tanto en español como en francés, haciendo ‘’Gala’’ de su típico estilo excéntrico y elocuente, por demás rupturistas y provocativo. Durante la grabación, Dali se negó a seguir el texto de Montalban palabra por palabra y comenzó a improvisar alegando que "Salvador Dali nunca se repite". 

El trabajo se llama ‘’Ser Dios’’ y justamente se presenta a Dalí como Dios. Sus salidas de tono llegaban a incluir parlamentos propios atacando con saña las reivindicaciones más urgentes del momento: la democracia, el divorcio o el aborto, todo ello, téngase en cuenta, en un texto firmado por Vázquez Montalbán. El libreto es un reflejo de la propia personalidad de Dalí, tratando temas además como la creación, el nacimiento, la muerte, reencarnación y demás temas metafísicos objeto de estudio del pintor español. Si bien la obra se grabó en 1974, no fue sino hasta 1985 cuando fue publicada, y no fue para nada un éxito comercial, tuvo una tirada de apenas 500 copias, y además venía con un extenso booklet, hoy se convirtieron en inconseguibles piezas de coleccionismo.

Ya que Dalí es quien encabeza esta enorme producción podría decirse que se trata de una obra ‘’surrealista’’,  ya que de otra manera no sería posible consignar esta música bajo una etiqueta concreta, es tal el grado de experimentación y delirio de estos sonidos que para concebirlos teóricamente habría que detectar los distintos condimentos que se unieron para dar vida a la enorme masa creativa que es el producto final.

La obra fue ideada varias décadas antes de su lanzamiento por el mismo Dalí pero si no fuese por la participación de Igor Wakhevitch tal vez la obra no hubiese sido posible, Wakhevitch era tan talentoso creando músicas ‘’surrealistas’’ e innovadoras tanto como lo era Dalí para crear sus pinturas; esa presencia en la composición dio lugar a que todo el ideario e imaginario musical que Dalí tenía en mente se pudiera hacer realidad. 

La presencia de Dalí no solo fue importante por ser quien ideó gran parte de la obra sino que al ser una personalidad tan fuerte atrajo a innumerable cantidad de otros personajes notables. De la obra participaron, la notable soprano Eva Brenner, las actrices Delphine Seyring y Catherine Allegret, musicos como Jean Pierre Castelain y Francois Auger, sin olvidar la presencia de Brigitte Bardot y Marilyn Monroe, y por supuesto, la orquesta sinfónica de París. 

Cod: #1401

Máquina! - Why? (1970)

La macchina aveva uno spazio e di tempo

Musica dal vivo e il suo significato per chi cammina tormentato da ansia di non essere

Eppure io credo!

Trascendono la macchina, lasciando la semplice condizione di animale razionale per diventare la scintilla eterna che protegge la libertà del vento grigia ...

Ho credere!

En primer lugar hablemos de los orígenes de Máquina!, Jordi Batiste y Enric Herrera eran parte de la banda de acompañamiento de los diversos grupos que formaban el Grup de Folk durante el año 1968; en especial del cantante Jaume Sisa, con el que tocaban bajo el nombre de La Companyia, SL. Jordi Batiste provenía de un grupo llamado Els Tres Tambors.

En palabras de Enric Herrera:

“Yo trabajaba en diversos grupos en aquella época. Saltaba de uno a otro. Con uno de ellos estuvimos más de un año de gira en Europa y Túnez. Al terminar la gira el grupo se disuelve. Cosa habitual. Y al volver a Barcelona, me encontré con "El grup de folk" en apogeo y dada mi amistad con Sisa empecé a colaborar con los diferentes intérpretes y grupos que lo formaban.”

Luego de la disolución del Grup de Folk, Jordi Batiste y Enric Herrera deciden formar su propio grupo. Pero esta afirmación puede ser un tanto incierta ya que el grupo comenzó como tal luego de la primera grabación, no fue premeditado.

Nuevamente en palabras de Enric Herrera:

“Máquina nació un poco artificialmente. Un grupo de músicos, que colaborábamos en casi todas las grabaciones de Els 4 Vents decidimos grabar un disco a nuestro gusto. Si no recuerdo mal, primero grabamos y después empezamos a actuar”.

En cuanto a la alineación, primero entra el baterista Santiago García “Jackie”, con quien graban el primer single. Según explica Herrera en el libro “Barcelona, del rock progresivo a la música layetana”, la intención inicial era ser un trío en el que él tocaría guitarra y teclado, como Steve Winwood en The Spencer Davis Group, pero la llegada de Lluís Cabanach “Luigi”, forzó un cambio de planes y la banda pasaría a ser un cuarteto.

La alineación final sería: Jordi Batiste, bajo, voz y flauta; Enric Herera, piano, órgano Hammond y arreglos musicales; Luigi, guitarra; Jackie, batería. Las mayoría de las canciones las componían juntos Batiste (letra) y Herrera (música).

Ahora, hablemos del sello Als 4 Vents. Fue un sello discográfico catalán fundado por Ángel Fábregas en 1967 con el objetivo de promover la música folk en catalán. Publicó varios discos del ya nombrado Grup de Folk y de diferentes miembros que formaban parte de este grupo, como Jaume Arnella, Albert Batiste, Xesco Boix, Falsterbo 3 y Jaume Sisa. Más adelante, en una segunda etapa, usó los sub-sellos Diábolo y Apolo Records para publicar discos de Máquina! y Música Dispersa , Ia & Batiste y diferentes grupos de la llamada “música progresiva”.

Justamente con el apoyo de Ángel Fábregas y su sello Als 4 Vents, donde trabajan a cambio de grabaciones y promoción, editaron su primer single en agosto de 1969: "Lands of Perfection/Let’s Get Smashed".

En su presentación en Madrid en el mes de septiembre fueron echados de varios clubs por el tipo de música que hacían. La presentación en Barcelona, en el San Carlos Club, en octubre, fue mucho mejor recibida.

En la contraportada del compilado “Música progresiva española vol.1” de 1971, Enric Herrera cuenta lo siguiente (texto incompleto):

«En agosto del 69 salió a la luz pública el primer disco de nuestro grupo MÁQUINA! y en setiembre nos íbamos a Madrid (por aquello del centralismo). Allí empezamos a entrar en ambiente: radio, entrevistas, etc. "¿Qué opináis de la música progresiva? ¿Cuál es el propósito de esta música? ¿Hacéis música underground? ¿Creéis que en España...?". Actuamos en un club: nos echaron. En otro, también. Al fin, en un cuarto club nos quedamos cuatro o cinco días: "¿No tocáis aquella de los...? ¡Tocad más flojo!": nos echaron igualmente. Cuando regresábamos (unos en la furgoneta entre los bafles, yo tuve que quedarme como rehén (no secuestro), en la pensión esperando un giro), allí comprendimos que "aquello" no tenía nada que ver con nosotros y empezamos a sospechar que sí, que hacíamos música progresiva.

Creo que la música progresiva española nació hace mucho tiempo, allí en la época de los godos o los visigodos, cuando, en un guateque, hubo un músico al que se le ocurrió tocar una melodía que él, en su casa y con toda la ilusión del mundo, había preparado cuidadosamente. No pudo acabar: una pata de cordero asado y a medio comer le pasó rozando la cabeza: "¡Toca algo más divertido o te cuelgo de los pies!". Aquél fue el primer músico progresivo (frustrado, claro); pero su intento no fue en vano. También fue el primero en cobrar por esta música: los restos de la pata de cordero».

Tengamos en cuenta que Henric Herrera tenía aproximadamente 23 años en 1971 y hoy en día su punto de vista respecto a la llamada “música progresiva” ha cambiado de manera notoria. Pero ese es un pequeño debate del que se hablará en adelante. Sin más prosigamos con la historia de la banda.

A finales de 1969 y ya con un nuevo baterista, Josep Maria Vilaseca “Tapioles” o “Tapi”, publicarían el single "Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness".

Se dice que Máquina! se convirtió rápidamente en el grupo de referencia dentro de las corrientes alternativas de la época. En diciembre de 1969 muchas publicaciones los consideran el grupo de moda. Ya en el delirio de la palabra se afirma que la banda se había convertido en el símbolo del “progresivo español”, un gran desfase que deja en claro nuestra necesidad de encasillar y mitificar.

Existe un punto interesante en la historia de la banda y es precisamente el concierto realizado el 22 de febrero de 1970 en el Salón Iris de Barcelona, un local de gran capacidad dedicado a combates de boxeo y bailes de salón. Se dice que este recital atrajo una enorme atención en el ambiente cultural de la ciudad, asistiendo un gran número de periodistas, músicos y personalidades relevantes de la cultura. Y nuevamente aparecen los fantásticos redactores de la historia de la banda afirmando que este concierto supuso el nacimiento oficial del “rock progresivo” en España. ¿Desde cuándo la palabra “rock progresivo” sirvió para calificar a toda banda que haga música alejada de todo éxito notorio y en una linea underground? Señores sinceramente aquí algo anda mal…  

Pero de momento prosigamos este repaso de la historia de Máquina!, ya llegará el momento de quitarnos la sal en esta reseña.

Se dice que Jordi Batiste tenía un gran dominio de escena, convirtiendo el concierto en un verdadero espectáculo mientras que Henric Herrera era mucho más centrado y “técnico”. Pero supieron convivir con sus diferencias.

Respecto a este tema Jordi Batiste dijo lo siguiente en unas declaraciones recogidas por Jesús Ordovás en su libro Historia de la música pop española: 

«En un comienzo estábamos totalmente inspirados por Julie Driscoll y Brian Auger, aunque también nos gustaba la improvisación y hacer una nueva forma de show escénico para enrollar a la gente. Enric era el músico y yo el del enrolle. Por supuesto que a mí me parecía demasiado rígido el concepto que tenía él de lo que debía ser un grupo en 1969, y naturalmente él opinaba que lo que yo hacía desvirtuaba nuestra calidad musical. A pesar de todo eran diferencias que sabíamos dominar porque en el grupo había libertad total.

Si Máquina! hubiera durado muchos años es casi seguro que se habrían acusado, pero al marcharme yo al servicio militar al año de comenzar, no hubo tiempo para ninguna complicación. Entró José María París y entonces sí, la idea musical fue ya la única que prevaleció, porque París era un tío serio como Herrera. La gente siguió disfrutando, pero en mi opinión ya no existía trempera sana... «Máquina! alcanzó la mitificación, sí, esto está claro y es una lógica histórica al mismo tiempo: estaba todo, absolutamente todo. Lo teníamos todo para que pasara algo y ese algo pasó con nosotros porque fuimos los primeros, lo cual también es una cosa de lógica. Hubo un tiempo en el que la gente quería cosas como las que oía fuera. Por ejemplo, todo eso de los happenings que se montaban los americanos, o los "shows psicodélicos" de los ingleses. La gente quería "enrollarse" y Máquina! le dio el motivo con una música hecha aquí que sonaba bien. Hubo una ilusión tremenda y hoy mismo estoy convencido de que fue algo muy grande, y me siento orgulloso de haber estado en primera fila como miembro de Máquina!. La misma gente se dio cuenta de que aquello la movía y les identificaba. Creo que éramos un montón de tíos sanos...»

La decadencia de Máquina! vino cuando se metió demasiada música en su contexto y se olvidaron la trempera y el "enrolle" visual. Hubo gente que siguió fiel y gente que se alejó. Después, al desaparecer Máquina!, coincidió todo y el bajón fue total. Yo pienso que fue falta de tacto en torno a la música que se había creado. Todo el mundo se apuntó al underground y la idea se dervirtuó por completo, es decir, se quemó. Pero naturalmente, no sólo fue eso, sino un verdadero montón de cosas, como la falta de potencia de Els 4 Vents (la compañía discográfica), la inestabilidad de los grupos, por culpa de que a cada momento se iba alguien al servicio militar...»

En mayo de 1970, en medio de la preparación de su primer LP, Jordi Batiste es llamado al servicio militar. Para suplir su baja entra el guitarrista Josep Maria París, que volvía de una larga estancia en Suecia. Pero la sustitución real de Batiste sería el guitarrista original de la banda, Luigi, que pasaría a tocar el bajo y cantar. Por consiguiente en la contraportada del disco salen las caras de los cinco componentes que intervinieron en la grabación.

En septiembre de 1970, Enric Herrera abandona el grupo y poco después, en septiembre u octubre, se incorporó al ejército debido al servicio militar obligatorio de la época. Sin embargo, a finales de ese mismo año comenzó a formar una nueva Máquina! junto al trío llamado Crac: Emili Baleriola, guitarra; Salvador Font, batería; Carles Benavent, bajo.

A principios de 1971 se conocen los planes de Enric Herrera de formar una nueva banda. Herrera inicia trámites legales para conseguir los derechos para editar en exclusividad bajo el nombre de Máquina!  y finalmente lo consiguió.

La Máquina! inicial sigue funcionando como trío durante un tiempo, con la colaboración temporal del tecladista Álvaro Is Rojas. Con esta formación tocarían en el Primer Festival Permanente de Música Progresiva en noviembre y diciembre de 1970. Luigi es llamado al servicio militar a principios de 1971. Entonces tras quedar reducidos a dúo y sin cantante, París decide volver a Suecia y Tapi forma su propia banda, Tapiman. Y es así como la banda inicial se desintegra definitivamente.

Finalmente, se sabe que Salvador Dalí fue muy afín a su música y que la portada del álbum Why? generó en él un gran impacto provocando varios elogios hacia la misma.

Ahora, hablemos del álbum en cuestión, hablemos de una era llena de todo menos de verdaderos oyentes de música. Hasta este momento ya he leído varias reseñas de esta obra y sinceramente todas y cada una de estas me han decepcionado. Pareciera que la música no hizo más que cosquillas en nuestros oídos, pareciera que el “oyente” se convirtió en un pseudo-crítico musical con la capacidad de puntuar un álbum con la misma destreza de un comensal que juzga la “calidad” de un local que acaba de visitar. ¿Escuchar álbumes se ha vuelto en un deporte?, uno está más concentrado en dar una calificación a la canción que acaba de escuchar, estamos calculando si es un 8/10 o un 8.5/10. Escuchar álbumes se convirtió en un juego, donde encontrar todas las “influencias” habidas y por haber te hacen un gran melómano. Se parece a…suena como la…tienen clara influencia de…

En ese sentido yo creo que es hora de hablar de la llamada “música progresiva”. Y no veo mejor referencia para empezar que las propias palabras de Enric Herrera (entrevista del año 2006):

Pregunta: Música Progresiva. ¿Cómo la definirías?

Enric Herrera: “Es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi siempre totalmente ajenos a los artistas.”

Pregunta: ¿Intentabais imitar la música de fuera por el hecho de demostrar que no erais tan diferentes a ellos? 

Enric Herrera: “La verdad es que, al igual que pasa con las etiquetas, nosotros no intentábamos nada. Solamente tratábamos de hacer lo que nos gustaba y lo mejor posible, dentro de nuestras posibilidades técnicas del momento.”

Es notorio que el punto de vista de Herrera es distinto al que manejaba en los años 70 y esto queda claro en el ya mencionado texto de la contraportada del compilado “Música progresiva española vol.1” de 1971.

La idea de que Máquina! es un grupo de “rock progresivo” es algo que supuestamente no se podía refutar, el hermetismo de los defensores de la teoría del rock progresivo tenían todas las de ganar. La música tenía nombre y etiqueta como un producto enlatado que compras cualquier día en un supermercado.

Nuestra ignorancia es inmensa hasta que el mismo músico pone nuestros pies sobre la tierra, ese verdadero músico que siente y sabe que su arte no se puede clasificar por más que las etiquetas se impongan como supuestas premisas para guiar a la gente. Enric Herrera fue absolutamente claro con su afirmación y para mí es una clara confirmación de que los supuestos géneros no son más que extensiones de una constante búsqueda de mecanización del arte. Aprovechando ciertos patrones y cierto contexto que permita clavar una etiqueta condicionando a la música como un producto enlatado que ofrece una serie de sabores predeterminados.

Otro aspecto es querer mitificar a un artista, a una banda. ¿Es necesario hacerlo?, o es el reflejo de que no se entendió la propuesta del artista en su momento y para compensar esa culpa le ofrecen el título de “leyenda” de la música española… Sinceramente estaríamos hablando desde la ignorancia, Máquina! no fue la primera banda “underground” de España, donde queda Pau Riba, Smash, Música Dispersa, Cerebrum, Evolution, Los Brincos en su última etapa, etc.

En líneas generales, yo sé que este blog está plagado de etiquetas, yo sé que un “prog head” necesita saber que influencias tiene un álbum, que si King Crimson, que si Genesis, etc. Yo me amoldo a las reglas del blog, las respeto pero no las comparto. La música no llega por supuestas referencias, la música llega por una verdadera necesidad de encontrar pequeños destellos de libertad en el arte, saber que no es una utopía la llamada trascendencia, saber que la música es una manera de trascender a la máquina, al animal racional…

Por último les dejo unas notas que iban junto al titulo de las canciones que aparecen en el LP original:

1. I Beleive: Compulsión, retención, pulsación, insociabilidad, nerviosidad, ansiedad… (J.M. Paris) 

2. Why?: Los auriculares me apretaban mucho, luego no sé… (Luigi), por primera vez disfruté entre panales... de rica miel (J.M. Paris) 

3. Let Me Be Born: (...) 

Os recomiendo con esta maravillosa obra…

Cod: #1281

It - Viaje (Música Electrónica Libre) (1976)

Tengo el placer de compartir esta joyita electrónica española, y lo hago gracias a la contribución de Sergio Bujez Fernández, quien nos manda, desde Guadix, un ripero exclusivo de una copia del vinilo que tiene un su poder, un ripeo de gran calidad sonora que nos manda para que lo compartamos en el blog, muchas gracias amigo!

 ‘’It’’ fue un dúo electroacústico compuesto  por el español Eduardo Polonio y el argentino Horacio Vaggione, quienes juntos desarrollaron un concepto electrónico muy personal y experimental.

Horacio Vaggione es un compositor argentino de música electroacústica e instrumental. Fue co-fundador del Centro de Música Experimental de la Universidad de Córdoba (Argentina), y ha estado activo como músico, profesor y organizador en América del Sur y Europa. En 1986 fundó el CICM (Centro de Investigación de Informática y Création Musicale / Centro de Informática Musical Investigación) de la Universidad de París VIII. Sus artículos han aparecido en Contemporary Music Review, Computer Music Journal, Interface y Musica Realta.

Eduardo Polonio nacido en Madrid en 1941, es un compositor y músico español, de música electrónica y experimental. Se retiró de la Escuela de Ingeniería de Telecomunicaciones y para asistir a Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde estudió piano, armonía, contrapunto y composición. También estudio enseñanza de la composición e instrumentación. En 1969, comenzó a trabajar con el laboratorio Alea en Madrid.  

En 1976, se trasladó a Barcelona, donde trabajó en estrecha colaboración con el Laboratorio Phonos. Ha participado de innumerables proyectos en vivo y compuesto varios trabajos solista, entre ellos dos óperas, dejando una huella importante en el desarrollo de la música electrónica española. Es también uno de los fundadores de la Asociación Española de Música Electroacústica - fue su presidente desde 1988 hasta 1994. En 1994, fue galardonado con el Magisterio de la Gran Premio Internacional de Música Electroacústica de Bourges (Francia).

‘’Viaje’’ es una legendaria obra maestra electrónica, lanzada en el año 1976, un trabajo elaborado con dos sintetizadores, guitarras eléctricas, órganos y bajos, para plasmar con ellos un caos electrónico psicodélico, una anomalía caótica, delirante, atemporal, abstracta, esmeradamente elaborada, un orgasmo electrónico único en su clase.

Este trabajo plasma una serie de paisajes electrónicos, los cuales nacen de una exploración puntillosa y delicada, plagada de acoples y pequeños sonidos que se multiplican por millares, y van creando así un sonido misterioso y vanguardista, como asemejándose a un especie de insectario electrónico, como millares de diminutos cantos de insectos, o como si fuera un sonido ambiente de una selva electrónica, humera, con su sonido ambiente, y plagada de bichos y otras alimañas diminutas que van soltando sus ruidillos y sonidos típicos.

Es elaborado todo a base de dos sintetizadores, y una guitarra que trata de estar a la altura de la experimentación y que va soltando, también, sus sonidos y rasgueos. Por momentos transitan caminos más placenteros para el odio, alcanzando sonidos dulces, aunque van mutando las sesiones, pasando por otras partes que son más atroces y ruidosas, frenéticas, como si la maquinaria perdiera control y se adentrara en un ruido descontrolado y tenso.

El disco se divide en tres secciones, las dos primeras volcadas en el lado A del disco, las cuales duran alrededor de 10 min. cada una y que parecieran guardar cierta relación entre sí, con sus frenetismos y sus atrocidades electrónicas, y sus cambios de clima. La tercera parte, de alrededor de 20 min. de duración, que ocupa todo el lado B, y que se diferencia de las otras, con una concepción más minimalista aun, ya que se va construyendo a base de pequeños sonidos y ruiditos, como si se tratara de computadores de alguna antigua central de monitoreo, plagada de máquinas registradoras, radares y aparatejos, constantemente registrando eventos de algún tipo. Cada lado del disco tiene su marcada personalidad, diferente e individualizada de la otra.

Cod: #1111

Orquesta De Las Nubes - Me Paro Cuando Suena (1983)

‘Orquesta de las Nubes’, es un grupo vanguardista y experimental, un trio nacido en España, formado en 1980 y liderado por el polifacético Suso Saiz, un compositor experimental, guitarrista, arreglista, bajista y productor musical, y uno de los pioneros de la música de vanguardia en este país, nacido en Cadiz, en 1957. 

Saiz cursó estudios de guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid de 1972 a 1977. Hizo experiencia en grupos de jazz y estudió con el músico electro-acústico Luis de Pablo. Se formó con base más clásica pero pronto comenzaría a tomar caminos más experimental y vanguardistas, su música recorrería caminos inexplorados antes, caracterizándose por su tremenda imaginaciones, la espontaneidad y extravagancia.

La formación de la banda se completa con, María Villa, cantante soprano y productora, y Pedro Estevan, percusionista. El proyecto  surgió con un concepto musical libre y experimental, con la idea de desarrollarse por caminos de vanguardia, utilizando elementos poco convencionales para establecer las bases de su sonido.

Su primer disco fue '’Me paro cuando suena' ‘, grabado en Enero de 1983, en los estudios ‘Trak’, y lanzado ese mismo año. Un disco compuesto por distintas secciones diferenciadas e independientes las unas de las otras, en las que cada una se distingue por su sonido particular y su intencionalidad especifica. 

Realmente se trata de música poco convencional, elaborada en base a estructuras e ideas estrictamente vanguardistas, propias de la banda. En general tiene una característica como de sesión o ritual, ya que las distintas piezas circundan repetitivamente por yeites percusivos e instrumentales, un tanto oscuros y se mantienen de esa forma hasta que terminan. Sería difícil encasillarlo un género en particular, talvez seria folk experimental, o new age, todo engarzado y mantenido con una intencionalidad un tanto avant garde, desapresurada y rustica pero prolija, con agregados de todo tipo, algunos gemidos, y sonidos extraños, percusiones atípicas y ruidos percusivos, arreglos suaves en guitarra eléctrica, vibráfonos, etc…

Afortunadamente el disco está elaborado bajo esa directriz de libertad compositiva, por lo que, por momentos nos encontramos con jazz llevado a cabo solo por voces, también vemos pasajes percusivos tipo tribales, o también melodías suaves y voces hipnóticas revoloteando el área. Suenan anticuadamente modernos, rústicamente espirituales, suavemente desgastantes, hipnóticamente minimalistas; gustosos al oído, incluso si este está poco acostumbrado a sonidos tan poco convencionales.

Cuando el disco termina queda una especie de sensación extraña, por haber transitado por tantos diversos pasajes y sonidos, sin duda es un álbum para escuchar y re escuchar varias veces, y degustar detenidamente.

El grupo permaneció junto hasta el año 1989, durante ese tiempo lanzaron otros dos álbumes más, ‘’ El Orden Del Azar’’ de 1985 y ‘’Manual Del Usario’’ de 1987. En 1993 aparece un último disco de la banda, en este caso un recopilatorio titulado 'Orquesta de las nubes 1981-1993'.

Cod: #1210

Om - Om (1971)

'Om' fue una banda española, pionera en sonidos progresivos encaminados más hacia el jazz-rock y las composiciones sobre ese género. La banda fue fundada por prestigiosos músicos españoles, como el guitarrista Toti Soler y el teclista Jordi Sabatés…

Om lanza su primer y único disco en 1971, el homónimo “Om”. El álbum fue grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971 en los estudios Gema contando con el propio Toti Soler como productor. En esta grabación Om estaba compuesto por el bajista Manolo Elías, Peter Hodgkinson a la batería, Martí Soler, hermano de Toti, a los teclados y percusiones, Toti con la percusión y las guitarras, Romà Escales a la flauta, Jordi Sabatés al piano y Jordi Llorens con los metales. Además contaron con colaboraciones puntuales como la del contrabajista Alfonso de Lucas, futuro componente de Jarka, junto con Jordi Sabatés y Pedro Van Eeckout, que también tocaría la batería en este disco y que provenía de Pan y Regaliz.

El sonido jazz rock español ya tenia un precedente, ya que la banda ‘’Maquina!’’ lanzaba ya un año antes su álbum debut ‘’Why?’’, obra pionera que introdujo en España sonido fusión y ayudó a levantar el estatus del underground, ya que partía de unas estructuras similares a Om, la fusión del rock con elementos progresivos y jazzeros y con acercamientos a la psicodelia. Aunque Om por su parte, se deja llevar mas por la improvisación.

El homónimo ''Om'', de 1971, es un trabajo plagado de momentos de improvisación, una obra de jazz-rock bastante ecléctica y experimental que presenta varias caras y posibilidades dentro de un sonido jazzero, con elementos de rock, experimentacion y toques de vanguardismo.

Originalmente el disco contaba de cuatro tracks, dos temas por lado, siendo cada tema un viaje de ida, una exploración que alcanza momentos bastante experimentales y que emprende un desarrollo a lo largo del camino. Cada lado del disco cuenta con un track de doce minutos, estos son autenticas sesiones, con una estructura algo estándar pero enriquecidos por que en su intermedio  parte de improvisación se extiende y se convierte en autenticas sesiones. 

La cara B del disco se abre con “Zitro's ache”, el corte más denso, vibrante y experimental del álbum, en el cual la banda introduce como elementos novedosos los teclados, el crótalo y el violoncello para darle al tema un aire asfixiante. Representa el lado más libre de Om. Y para finalizar el álbum nos encontramos con “Excusa num. 1”, una de esas piezas de extension, (de doce minutos de duración), donde el grupo sigue inmiscuido en la plena improvisacion, incluyendo elementos de rock en las partes introductorias y finales.

Según Toti Soler el álbum es un ensayo improvisado, que está grabado con prisas y no es representativo del sonido del grupo en directo, pues con todo y con eso el disco es uno de los mejores de dicha escena, y es que hay veces que no hace falta mucha preparación, sino dejarse llevar por las sensaciones para lograr una grabación notable.

En septiembre de ese mismo año lanzan el single “Vindrà la Llum / Waiting of Godot” (Edigsa, 1971). En estos dos temas Om incorpora como miembros definitivos tanto a Alfonso de Lucas como a Pedro Van Eeckout. Para su grabación contaron con la ayuda de Xavier Batllés a los bongos, Francesc Pi De La Serra con las maracas y las voces como Rafael Poch, que también participó como ingeniero y a las percusiones, y Xavier García con la trompeta.

Finalizando el año Om se vuelven a meter al estudio de grabación para dar formar a su segundo disco que se hubiera llamado “La Mariposa de la Muerte”, en cuya sesiones se encuentran Paul Stocker al saxo, Manolo Elías al bajo, Peter Hodgkinson a la batería y los hermanos Toti y Martí Soler a las guitarras. Pero estas grabaciones nunca vieron la luz por lo que después de una breve reaparición al año siguiente se disolvió la formación.

Posteriormente Toti Soler se centró en su carrera en solitario al igual que Jordi Sabatés. Pero antes Jordi montó el grupo Jarka, donde también participaran Alfonso de Lucas y Pedro Van Eekout. Manolo Elías sigue vinculado al mundo del jazz colaborado con gente como por ejemplo el danés Kai Winding, mientras que Paul Stocker siguió colaborando con músicos de la escena barcelonesa como Orquesta Mirasol, donde también se encontraba Xavier Batllés u Ovidi Montllor.

Cod: #1083