Dutch Futurismo - Festival of Misfits

Año: 2016
Sello: Ektro Records
País de origen: Hungría

De la tierra de Bela Bartok nos llega éste fantástico dúo de experimentadores del sonido, quienes han creado, para ésta ocasión, un encantador trabajo en homenaje al aniversario número 100 de Dada. O sea, una obra inspirada en el manifiesto y creaciones dadaísta, a cargo de los audaces artistas llamados Éva Polgár y Sándor Vály.
En la tradición de dicha corriente de pensadores y artistas vanguardistas, el dúo húngaro, junto a Nea Lindgren y Mikael Jurmu, nos invitan a un paseo en donde no hay estructuras convencionales, en el cual el proceso creativo está basado en la improvisación, abordando los formatos de las ¿canciones? con arreglos y búsquedas tan peculiares como cautivantes, y capturando buena parte de los sonidos aquí registrados usando solamente un micrófono como testigo de tamaña exhibición de arte.
Al mejor estilo de maestros como John Cage, Dutch Futurismo, quienes están claramente influenciados por el Manifiesto Futurista escrito por Filippo Tommaso Marinetti a fines de 1908 (además de usar "instrumentos" improvisados, objetos de la vida cotidiana, que los posicionan dentro del llamado Arte Povera o Arte Pobre), Polgár y Vály rompen estructuras para crear nuevas formas, manipulando la música que hay en el ambiente, en los objetos, pero que no muchos logran percibir dentro del caudal de sonidos que la gran mayoría jamás consideraría como potables para hacer música.
El disco comienza con tres piezas tan indescifrables como llenas de un magnetismo inmenso. "Dutch Futurismo" (la canción), "Manifeste Cannibale" y "Enemy Alien", muestran al conjunto en un estado de trance absoluto al instante de parir y darle forma a sus obras, aunque pareciera que nunca las formas son definitivas. Siempre dejan espacio para que la mente llene esos espacios silenciosos, los silencios que dicen tanto o más que los sonidos, para que el oyente juegue con la imaginación y los llene usando la misma.
En cuanto al trabajo vocal, pues consiste en recitados de poemas dadaístas de Hans Arp, Hugo Ball, Kurt Schwitters y Francis Picabia, todos entonados de manera cuasi inexpresiva, pero, nuevamente, manipulando esa supuesta inexpresividad en pos de lograr una atmósfera que desafía la lógica, lo convencional. Dicho todo esto, debo admitir que me encanta éste disco, al punto de que voy a empezar a seguir a estos húngaros de ahora en más, sin perderles pisada alguna.

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Brain Tentacles - Idem

Año: 2016
Sello: Relapse
País de origen: USA

Debo admitir que me cuesta dejar de escuchar éste disco. A veces debo tomar la decisión de alejarme del reproductor de audio y no escuchar música por un rato, pues siento la tentación de volver a escuchar éste fabuloso disco. Es que debo escuchar material para reseñar, y enfocarme en un solo álbum sería dejar de lado otros discos cuyas reviews me han sido encargadas. Pero me cuesta, se me hace difícil salir del trance en el cual entro cada vez que el disco autotitulado de éste genial trío comienza a sonar.
Dije Genial y Trío ¿cierto? Ambas palabras van a cobrar sentido ahora mismo. El trío está integrado por un muchacho llamado Aaron Dallison (Keelhaul), quien toca el bajo, el sintetizador y aporta voces, un tipo talentoso de verdad. El baterista...pues el baterista es una leyenda viviente: Dave Witte. ¡Joder! ¡Es el mismo tipo que destroza/destrozaba parches y platillos y baquetas en Discordance Axis, Municipal Waste, Birds of Prey y la lista sigue; un percusionista excepcional. Y la tercera pieza, pero no por eso menos importante, es el señor Bruce Lamont, a quien todos conocen, o debieran conocer, gracias a sus fenomenales trabajos junto a Yakuza, Corrections House y Bloodiest, quien aquí, como siempre, toca el Saxo e instrumentos de viento varios, además de meter voces y tocar el sintetizador y el piano. Ahora sí, díganme si no hay motivos para sentir una atracción enfermiza hacia ésta banda. ¿Aun no? Ok, sigo explicando y explayándome.
Si escucharon a los adorables Painkiller (los creadores de ese gran disco llamado "Guts of a Virgin") o a Naked City (¿nunca los escucharon? ¿en serio? Jódanse), o bien, al magistral John Zorn, pues entonces ya deberían saber de qué estoy hablando. Estoy hablando de Avantgarde, de Jazz, de Psicodelia, de Noise e improvisaciones hipnóticas. Estoy hablando de música a la cual resulta imposible ponerle la etiqueta Rock...afortunadamente. Hablo de un desafío sonoro que escapa a los cánones convencionales del mundo actual, ese en el que lo retro se ha convertido en Ley, y donde la audacia ha quedado relegada al mejor lugar del Universo: el Undeground.
Por suerte, hay músicos como estos tres genios, y hay sellos como Relapse, quienes son capaces de crear y lanzar, respectivamente, un disco tan alucinante como éste. Un disco en el cual hay intensidad, locura, caos, belleza, rupturas, inteligencia, buen gusto y ganas de mandar a cagar a todos y a todo. Un disco en el cual hay canciones impresionantes como "Cosmic Warriors Girth Curse", con un comienzo entre violento y demencial, que luego deviene en un trance psicodélico digno de los mejores momentos del KrautRock. O bien, hay piezas como "The Spoiler" y su perturbadora intensidad, seguido del caos retorcido en "Sleestack Lightning". O bien...todo el disco, toda la placa es una incómoda y excitante obra de arte.
¿Ahora me entiende? ¿Ahora dejé en claro por qué éste disco de Brain Tentacles me cautiva y me deja como si hubiera sido sometido a una sesión de hipnosis provocada por la ingesta de ácido lisérgico? ¿No, aun no me entiende? Pues, entonces escuchen el disco debut de tan alucinante trío y déjense de joder.

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Solinaris - Deranged

Año: 2016
Sello: Cimmerian Shade Recordings
País de origen: Canadá

Esto prometía ser bueno, y lo es, no se quedó en promesa. Solinaris es una buena banda y "Deranged" es un buen disco. Claro, ahora debo explicar el motivo que me llevó a tener cifradas expectativas en el debut discográfico de este quinteto canadiense ¿cierto? Pues bien, ahí tenemos una palabra clave: Canadá. Ok, palabra y lugar clave. Es que soy un enamorado de buena parte de la música pesada que se hace en dicho país, porque poseen una cualidad que no muchos poseen: saben sacar provecho de su virtuosismo aquellos músicos superdotados. Solinaris no son la excepción a la regla, tocan terriblemente bien y no se quedan en el exhibicionismo estéril, saben componer también.
Además, tengo un gran respeto hacia el sello Cimmerian Shade Recordings, por lo que había motivos por partida doble para entusiasmarme.
Veamos ¿qué etiqueta le ponemos a esta banda? ¿Avant-Garde Metal? ¿Progressive Death Metal? ¿Todo junto? Podría ser, pues acá hay un elevado nivel de eclecticismo derivado de la necesidad de estos canadienses por moverse, encontrar diferentes caminos para soltarse y dejar volar la imaginación en su formato compositivo musical. Y es justamente la imaginación musical del conjunto lo que le da un valor agregado a "Deranged", sacando las castañas del fuego en los momentos en los que parecieran caer en un bache, y dotando de color a los pasajes más grises. Porque sí, aun siendo una placa extremadamente agradable, "Deranged" tiene sus altibajos, algo propio de bandas integradas por virtuosos, pues a veces, y en su afán por tocar todo lo que puedan tocar en el menor tiempo posible, tienden a convertirse en presos de sus propios errores e indulgencia. Sin embargo, aquí es un detalle menor ese, "Deranged" tiene demasiados momentos interesantes como para prestarle sobrada atención a los escasos instantes de debilidad que podemos encontrar en el disco.
Un tratamiento vocal que combina voces guturales a la Luc Lemay (Gorguts. Por cierto, cuando tocan Death Metal tienden a irse para ese lado) con armonías vocales prístinas que los ponen de lleno en el mundo del Rock Progresivo. Guitarras que manipulan texturas de todo tipo, y que alcanzan su zenit en el instrumental "Chloroform", en donde sacan sus guitarras acústicas y apelan al Flamenco como eje de una de las composiciones más exquisitas del disco. Incluso, y aquí lo Avantgarde cobra mucha fuerza, tienen en la participación de Alexandra Lacasse en saxofón el detalle distintivo, la cereza sobre la torta de su faceta Avantgarde; escuchen "Torture Chronicles" y deliren de placer con los eximios aportes de Lacasse, mientras la banda pasa de momentos acústicos muy elaborados, a un insano arrebato de Death Metal complejo y retorcido hasta la médula, y lo hacen como si nada, con una naturalidad asombrosa.
Y así podría seguir enumerando momentos que valen su peso en oro, pues "Deranged" tiene muchos pasajes en los que hay que detenerse para comprenderlos, conocerlos a fondo y disfrutarlos a rabiar una vez que lograste introducirte de lleno en ellos. Ok, ya dije que hay algún que otro bache en el camino, mas eso es algo normal. Al fin y al cabo, hablamos del primer disco de la banda, por lo que es necesario entender que al camino aun le falta trabajo. No todo el camino está pavimentado correctamente, y ni siquiera está terminada la senda sobre la cual se trabajará encima. Así que, vayan disfrutando de este buen disco, mientras la banda sigue construyendo su camino.

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TOMetal
 

Costin Chioreanu - The Quest For A Morning Star

Año: 2015
Sello: Avantgarde Music
País de origen: Rumania

El 30/10/2015, una tragedia golpeó a la escena metalera mundial debido a la muerte de 60 personas en el Club Colectiv, ubicado en Bucarest, Rumania, en donde se presentaba la banda Goodbye To Gravity. Con el propósito de brindar una ayuda económica a las víctimas, sobrevivientes y familiares de los desaparecidos, el artista Costin Chioreanu se juntó con gente tan talentosa como él y pergeñaron este excelso álbum, en donde las etiquetas quedan al margen en pos de crear algo distinto, cautivante y libre de ataduras. Para llevar a cabo dicho trabajo, Costin se juntó con gente que sabe lo que se debe hacer a la hora de experimentar con sonidos, elaborar texturas no convencionales y manipular atmósferas. Los nombres de sus compañeros son Attila Csihar (sí, cantante de Mayhem y otrora vocalista de los pioneros Tormentor), Rune "Blasphemer" Eriksen (a quien todos conocemos por su paso por Mayhem y actual integrante de Aura Noir), Mirai Kawashima (de los vanguardistas japoneses SIGH) y el genial David Tibet (de esa fabulosa creación llamada Current 93). Juntos han dado vida y forma a un disco al cual, más allá de lo noble de su razón de ser, no se le pueden poner etiquetas tan fácilmente. Es que Costin y sus colegas crearon un disco que funciona como un soundtrack oscuro y climático, el cual podría ser parte de alguna película tipo "Der Todesking", pasajes de algún film de David Lynch o bien, banda sonora de alguna película europea de corte experimental.
Lánguido, intimista, sombrío y sofisticado, "The Quest For A Morning Star" debe ser escuchado en un momento puntual, alejado de muchedumbres, en soledad y, en lo posible, en la oscuridad. Es de esa manera que los matices, los sonidos utilizados para llevar adelante el relato sonoro, alcanzan su máximo esplendor y se imponen como un torrente de colores fríos y tenebrosos, logrando en "A Storm Shall Take The Words Away" su punto álgido en cuanto a turbulencia y dramatismo.
Por momentos, Costin (quien, además de ser músico, ha realizado trabajos visuales para bandas como Darkthrone, Aura Noir, Centinex y Arch Enemy, entre muchos otros), junto a los eximios artistas que lo acompañan, ponen al oyente en situación, en el escenario de la tragedia y nos hacen comprender lo duro del escenario y el momento, sin caer en sensacionalismo ni golpes bajos: simplemente sonidos, atmósferas, texturas.
Loable lo de estos artistas, poniendo su talento al servicio de una causa noble. Y más loable es que lo hagan creando música anticonvencional y de buena calidad.

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The Physicists - My Love is Dead

Año: 2015
Sello: Inverse Records
País de origen: Finlandia

Un disco inclasificable, tal como me gusta a mí. Muchos les ponen la etiqueta Industrial Metal, y la verdad es que hay mucho de eso, pero ¿es simplemente una banda de Industrial Metal? No, The Physicists recorren otras vías también, y no temen levantar elementos en su trayecto para incorporarlos a su extraño y amplio bagaje musical.
Nacidos como banda en la capital de Finlandia (Helsinki) hace 10 años ya, estos artistas entienden que el estudio de grabación, y mismo, la sala de ensayos, son un laboratorio dentro del cual los sonidos pueden llegar siendo una cosa para ser transformados en otra, mediante algo tan necesario y gratificante llamado Experimentación. Eso es lo que hacen estos fineses, experimentan, aunque están bastante bien definidos en lo musical y sonoro; es decir, no es que experimentan sin rumbo, los tipos saben hacia dónde van.
Como mezclar Mr. Bungle con Marilyn Manson, eso fue lo primero que me vino a la mente. La voz de MC Omega zero (quien además toca la guitarra y se encarga de los loops) recuerda al señor Brian Warner (sí, Marilyn Manson) cuando decide no cantar a los gritos. Pero ¿y la banda? En ese aspecto hay mucho más. Si bien hay una contable conexión con el material más sombrío y electrónico (o Industrial) de Manson y sus muchachos, lo concreto es que acá hay mucha más variedad, y ahí viene el nombre de MR. Bungle, pues los fineses toman cosas circenses, Avantgarde, Trip Hop (sólo en algún que otro ritmo), arrebatos de Noise y hasta dejos de Mathcore. Quizás sea "Sundae (XMP mix)" la composición que mejor resume la propuesta del grupo, pero es un Quizás y solamente eso; podemos sumar a mi gran favorito "Babylon (XMP mix)" a la lista de las canciones que logran sintetizar lo que es ésta banda, si quieren. Sin embargo, acá no hay nada definitivo, todo es difuso y para nada convencional, como era de esperarse.
Seguramente, aquellos que están acostumbrados a escuchar música de todo tipo, y que aman afrontar éste tipo de experiencias tan anormales, se sentirán familiarizados con lo que éstos audaces fineses ofrecen en muchos pasajes, a mí me ha pasado en cada sesión auditiva que le he brindado a éste disco. Pero ello no quita que la mayoría de la gente que vaya (o haya tenido) a tener acceso a este disco se vaya a sentir un poco, o quizás demasiado, perdida. Tal vez esa sea la idea, puede que a éstos Físicos les guste no sólo experimentar con los sonidos, sino también con las reacciones de los oyentes. Cómo sea, "My Love is Dead (cuarta grabación del grupo y segundo disco full) no es una obra maestra, pero es un encantador experimento.

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Sons of Providence - A Conscious End to Suffering

Año: 2015
Sello: Independiente
País de origen: USA

Refrescante, me llevo esa sensación tras haber escuchado este disco varias veces. "A Conscious End to Suffering" es un disco refrescante, aporta aires renovadores a un mundo saturado de clones obsesionados por demostrar que ellos pueden tocar mejor que nadie lo que ya ha sido hecho por otros miles. No es que hayan creado un disco trascendental en la historia de la música, pero al menos se animan a romper barreras y prueban con algo que suele no fallar a la hora de sobresalir de la masa: tener identidad propia.
Hay un responsable directo en todo esto: el señor Memphis Roarke, según he leído, la mente maestra tras todo lo que se escucha en este segundo disco de la banda de Phoenix, Arizona. El muchacho en cuestión no sólo se hace cargo del piano, programación, sintetizadores y el bajo, sino que canta con un estilo muy singular, como una especie de crooner borracho, aunque su tono de voz me recuerda a alguien de quien ahora no puedo recordar con precisión su nombre. No importa, ya lo recordaré, no es algo importante. Lo importante es que Sons of Providence cuentan con un líder talentoso y audaz, quien está acompañado por 2 músicos igual de audaces y talentosos. Me refiero a Alex Bartnett en guitarra, piano, sintetizadores y programación, y a Zebulon Jessup en batería y percusión. Como verán, el Power Trío no se dedica a lo convencional ya desde las responsabilidades de cada uno en la banda.
Todo esto me lleva a lo siguiente, la música. Y si hablamos de música y etiquetas que sirvan para clasificar lo que hace este trío, pues entonces hay que apelar a la etiqueta que más cómoda resulta ante bandas como Sons of Providence: Avant Garde. Si bien hay cosas tomadas de otros géneros (lo más intimista del Industrial, cosas de Jazz en algunos ritmos, Electrónica en cuanto a ciertos pasajes rítmicos y la programación en algunos tracks y, ocasionalmente, algo de Rock), lo concreto es que estos tipos se sienten más cómodos moviéndose dentro del libre y extraño mundo que ellos mismos se han creado, por lo que dicha etiqueta (Avant Garde) les calza como un guante. Eso sí, no esperen un Avant Garde extremadamente alocado, ecléctico e intenso al mismo tiempo, lo de los muchachos de Phoenix es más intimista, como una gran introspección vista desde distintos ángulos, pero manteniendo la identidad siempre. Si bien hay guitarras eléctricas con su respectiva distorsión, ésta no es realmente heavy y aparece en momentos puntuales. De hecho, lo mejor del disco, esas adorables piezas llamadas "Wish" (canción que me recuerda bastante a "Hurt" de NIN) y "Conscious" (con toda su carga dramática a cuestas), no toman nada del Rock ni del Metal, ni de nada que se parezca a estos estilos basados en el riff y el ritmo intenso.
Estamos ante un disco que exige ser escuchado con calma y atención, que pide que el oyente se comprometa y adopte la misma postura introspectiva, que ambiente su espacio con la atmósfera intimista que impera en la placa, para así poder adentrarse en la obra y de esta manera llegar a comprenderla. En otras palabras, escuchar un álbum como "A Conscious..." implica una participación activa del oyente, detalle que, a mi entender, habla realmente bien de esta banda llamada Sons of Providence.

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Flummox - Selcouth

Año: 2016
Sello: Tridoid Records
País de origen: USA

Esto sí que es raro. Raro, pero sumamente atractivo para mi cerebro. El mismo colorido, la misma escenografía psicodélica y confusa que nos muestra la portada, ese mismo escenario encontramos en la música de este grupo de Murfreesboro, Tennessee. Un trío que tiene tanto de Stoner como de Frank Zappa, como así también hay cosas que recuerdan a Led Zeppelin y otras que me llevan a pensar en bandas como los olvidados Last Crack. Así de variada, extraña y desestabilizadora es la música de estos audaces y talentosos músicos.
"Selcouth" es el segundo disco full de la banda, y en él podemos encontrar una gama de arreglos e ideas que, te lo aseguro, te van a dejar con la mandíbula por el piso. Para bien o para mal, estos tipos sorprenden a cada instante, experimentan todo el tiempo, juegan con las estructuras constantemente, incluso con aquellas que suenan muy familiares para el oído de aquel que está acostumbrado a escuchar Stoner, Doom o Hard Rock. Es por eso que nombré a Frank Zappa apenas comencé la reseña. Tienen ese desparpajo, esa locura intrínseca que les permite manejar las tendencias a virar hacia un lado u otro con total libertad, sin apegarse nunca a nada. Flotan todo el tiempo y te hacen volar con ellos, pero sin un rumbo predefinido.
Escuchen el track que abre el disco, una extensa pieza llamada "Selcouth", en la que desandan los senderos del Stoner y el Doom indistintamente, pero aplicando arreglos a la Zeppelin en momentos puntuales. ¿Y luego? Luego tiran por la borda cualquier intento de encasillamiento, luego enloquecen y hacen lo que les viene en gana. Ruido, Psicodelia, Noisecore, Jazz, Country, música de dibujos animados, oscuridad, humor, demencia, caos...no te dejan espacio para inmiscuir un pensamiento o frase que sirva para ponerle una etiqueta fija a lo que hacen.
"A National Selection", "The Ghost of Ronnie Dio", "Hummingbird Anthem", ahí tienen ejemplos contundentes de lo que digo. Pero, si lo que buscan es algo más "convencional", pues "Flight Through the Cosmos/Unibirth" te da algo de lo que mostraron al comienzo, y eso permite usar etiquetas conocidas por todos: Stoner, Doom, etc. Sin embargo, acá las etiquetas son un mero adorno, pues acá reina la libertad y eso hace que uno deba escuchar el disco sin prejuicios, despojado de preconceptos. ¿Será por eso que "Selcouth" me gusta tanto? Quizás sea eso, mas es lo de menos. Lo realmente importante aquí es que estamos ante una banda diferente, realmente diferente.

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Violent Vatican - Vice City

Año: 2014
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Canadá

Bien, vamos a salirnos del molde habitual de este blog. Vamos con algo diferente, desafiante y vanguardista. Ni Death Metal, ni Grindcore, ni Crust, ni ninguno de los géneros que solemos difundir aquí. Violent Vatican están más cerca de Mr. Bungle o Naked City que de cualquier otra cosa. Ya desde el nombre del grupo uno tiene la sensación de que se va a encontrar con algo irreverente, algo que no sigue parámetros convencionales. Y así, pues Violent Vatican se sienten a gusto fusionando Jazz, Hardcore, Funk, Rock Progresivo y Avantgarde sin prejuicios, cagándose en los rótulos, dejando en ridículo a cualquier tipo de limitación impuesta por las etiquetas. Hacen lo que quieren, y lo hacen de la manera en que quieren hacerlo.
Arrancan con 3 tracks instrumentales que sirven para que los canadienses pongan de manifiesto su amor por el Jazz y lo Porgresivo. Recién a partir del cuarto track, llamado "Brink", aparece la voz (aguerrida, Hardcore al estilo de Black Flag), aparece la distorsión y los ritmos más frenéticos. Pero en esa misma canción hay Funk y Jazz fundidos con el costado más agresivo del grupo. "Rose City Relapse" es similar a "Brink", pero con mayor influencia del Jazz, con mucha presencia del Saxo. Y el final, con "City Limits" es, justamente, una especie de declaración de principios a través del título del disco. No sólo porque aquí continúan abordando su lado más violento y demente, sino porque vuelven a mezclar todos y cada uno de los elementos que encontramos en la música de la banda, sino también porque confirman que a ellos les interesa estar al margen de los límites, traspasar fronteras y sentirse libres haciendo lo que hacen.
"Vice City" es un disco vicioso, pero elegante y difícil de asimilar a primera oída. Si estás acostumbrado a escuchar este tipo de bandas, tan arriesgadas y originales, seguro que vas a disfrutar como un loco escuchándolos. Y si no te gusta la mezcla de todos los estilos antes mencionados, probablemente termines odiando a Violent Vatican. A mi me encanta, sinceramente, y deseo fervientemente que haya más bandas como esta. Siempre es bueno encontrarse con audaces como estos canadienses.

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Los Random - Pidanoma

Año: 2014
Sello: Las Tías Records
País de origen: Argentina

Había escuchado los discos anteriores, y ambos me gustaron lo suficiente como para que se despierte en mí un respeto y una admiración profundos hacia el grupo. Su música, llena de vaivenes y sorpresas, me obligó a sentarme y escuchar atentamente, sin perder detalle alguno. Pero con este disco todo lo que despertaron en mi las obras anteriores, se potenció al máximo. Sinceramente, Los Random han hecho un muy buen disco. No sólo, nuevamente, me vi obligado a dejar todo lo que estaba haciendo de lado para concentrarme en la obra en cuestión, sino que me sentí movido a escuchar el disco 3 veces en el mismo día (algo poco habitual en mi), algo que me permitió conocer detalles semi-ocultos en sus composiciones, cosas que salen a la luz con las sucesivas oídas. No es que los tipos metan arreglos subliminales, ni nada por el estilo. Es que hay abundancia de ideas, arreglos, cortes, atmósferas. Y no todo surge de entrada, no todo se pone frente al oyente a primera oída. Más bien hay que escarbar, bucear y escuchar con toda la finura de la percepción puesta al servicio del disco. Así vas encontrando partes tan exquisitas como voladas, que contrastan con los momentos más duros de un disco al cual clasificarlo resulta ser una ordalía.
He leído por ahí términos como Metal Progresivo, Avant-Garde Metal, Avant-Garde a secas, y demás etiquetas. Ninguna está mal, pero ninguna es exacta. Tampoco es que Los Random sean el grupo más original del mundo, y que su música sea un compendio de ideas revolucionarias que harán que una marea de bandas nuevas copen el mundo copiando su estilo. Hay influencias claras, como Mastodon, Opeth, Porcupine Tree, algo de The Legendary Pink Dots y los olvidados (injustamente) Last Crack. Pero no hay intentos de copiar a nadie. No hay pretensiones de convertirse en divos snobs buscadores de elogios, usando su talento como herramienta para cosechar alabanzas, en vez de usarlo para crear buena música. Todo lo opuesto, Los Random ponen sus capacidades al servicio de la música, y eso queda al descubierto con tan sólo escuchar el primer track de este nuevo, y atrapante nuevo opus. "Corto Normal" es una especie de muestreo de lo que el grupo es capaz de hacer; mas no es lo único que saben hacer. Y eso se comprueba con el extenso "Guri Guri Tres Piñas", en donde los tucumanos se pasean (y te pasean) por una gran cantidad de climas, arreglos, ritmos y sonidos, algo que provocaría que más de uno se mareé, pero que en mi caso no hizo más que dejarme con la mandíbula por el piso.
Recién dije que Los Random no van a causar una revolución, y creo que haberme equivocado. Pero, hay que ser justos, lo de estos tipos está tan bien hecho, que merecen ser vistos como unos audaces revolucionarios en su propio país. Al fin y al cabo, dentro de lo que ellos hacen, nadie los emparda en este país.
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Kayo Dot & Bloody Panda - Split

Año: 2006
Sello: Holy Roar Records
País de origen: USA

Split no apto para oídos acostumbrados a las estructuras convencionales, de entrada lo aclaro. Juntar a unos chiflados como Kayo Dot, con su mezcla entre Avantgarde, Noise y Drone (pero un Drone que escapa a los cánones de un estilo que no tiene un formato para nada tradicional, así que imaginen como suena Kayo Dot), y Bloody Panda con su Drone enfermizo, muy duro y difícil de tragar de un sólo bocado, nos atormentan con 3 tracks que te recomiendo los escuches de día, pues si los escuchás antes de dormir es muy probable que termines teniendo alguna pesadilla larga y lenta.
Kayo Dot se despachan con una nada amena canción de 11 minutos, en la cual meten ruido a lo bestia, juegan con el Jazz gracias a la intervención insolente de una trompeta, un clarinete y un violín, además de los instrumentos más clásicos son utilizados para generar texturas tan irreverentes y surrealistas que por momentos me hacen pensar en esto: si Dalí viviera hoy, sería fan de Kayo Dot.
Bloody Panda van por la senda más ¿clásica? del Drone, con esos lánguidos acordes que se repiten hasta el cansancio, de estructuras minimalistas y tortuosas, con la voz Yoshiko Ohara emitiendo fraseos tenebrosos y dolorosos. Y ahí tienen, eso es lo que van a encontrar en este aberrante, pero excitante split, ideal para que tus vecinos confirmen que estás totalmente loco.

The Tiger Lilies - Punch & Judy

Año: 2004
Sello: Misery Guts Music
País de origen: UK

Puro Ruido se viste de gala para presentar a una de las agrupaciones más originales, audaces y desestructuradas que hayan aparecido en mucho tiempo: The Tiger Lillies. Desde cantos fúnebres hasta sucias canciones de cabaret de los 40´s. Desde Blues de New Orleans hasta Jazz callejero de perdedores, llegando a delirios operísticos o delicias a lo Edith Piaf. Todo pintado de negro, jugando con matices netamente darkies. The Tiger Lillies atrapan y desconciertan. Alegran y entristecen. Van y vienen, muestran y ocultan. Nada es lo que parece, y sin embargo, todo suena muy familiar. Nunca se llega a saber si la cosa va en serio o si es una parodia. Lo que sí podemos decir, y dar fé de ello, es que son geniales. Ya de entrada, contar la historia de Punch & Judy, utilizando formatos musicales tan tradicionales, y tan poco convencionales a la vez, es una demostración de audacia sin igual. Es que hay ponerse a pensar un rato largo para meterle una etiqueta a ésto. Y eso es, precisamente, una de las cosas que más me atraen de tan singular trío (aclaro algo: la utilización de etiquetas en este blog, es meramente accesoria y sirve de guía. No me soy amigo de las etiquetas). La inquietante voz de Martyn Jaques, quien usa y abusa del falsete con maestría, nos toma de sorpresa desde el primer canto, y nos lleva hacia un mundo de horrores, maldad, locura, perversión. Todo relatado con una voz aguda, dramática, operística y cabaretera a la vez. Acompañando tan surreal relato, aparecen banjos, ukeleles, guitarras, acordeones, piano, armónica, una base que no sabe de limitaciones estilísticas y mete desde blues hasta foxtrot, todo en una línea muy avant garde, y como dije hace unas líneas, surrealista.
Ojalá pudiera encontrar las palabras exactas para describir éste extraño, atrapante y perturbador disco. Un disco creado por una banda a la cual le caben los 3 mismos adjetivos, que no queden dudas. En pocas palabras, es un álbum sencillamente fabuloso.

Noxagt - Idem

Año: 2006
Sello: Load Records
País de origen: Noruega

¿Rock? ¿Noise? ¿Experimentación sin barreras? ¿Avant Garde? O tal vez todo a la vez. Noxagt puede ser eso y mucho más. Los límites son delgados, fáciles de atravesar, y los noruegos se divierten pasando hacia el otro lado; o al menos, les gusta empujar esos límites, hacerlos menos estrechos. Lo que nació como un proyecto unipersonal de Kjetil Brandsdal, un loco enamorado del quilombo sonoro, derivó en un trío asesino, ruidoso y libre a la hora de crear. ¿Buscás Metal o Punk? Mejor seguí de largo si sos un purista. Pero si buscás ruido y clase al mismo tiempo, en dosis casi iguales, Noxagt te deleitan. No se toman en serio las posibles limitaciones estilísticas, se burlan despiadadamente. No hay voces, sólo sonidos y estructuras que empujan al oyente a la alienación, texturas que coquetean con el Free Jazz dentro de una bola de ruido ensordecedora. Lightning Bolt y The Melvins son citados como influencias (o similares). Tal vez sea así, tal vez no. Acá nada es lo que parece, todo es una ilusión; o mejor dicho, una alucinación. Un grupo único, dedicados a construir rascacielos endebles, que se desmoronan porque ellos mismos se encargan de tirar todo a la mierda. Se la juegan, y ganan. 
Hay que arriesgar, amigos, hay que arriesgar. Noxagt y su Noise tan singular, nos demuestran que hay que correr riesgos para ganar. Y ellos, a su manera, son triunfadores.

Yakuza - Of Seismic Consequence

Año: 2010
Sello: Profound Lore

Una de las bandas más excitantes y audaces en la actualidad. Uno de los grupos que mejores discos han sacado en los últimos 10 años. Una de las mejores placas del año pasado. Yakuza viene creciendo a paso firme y corriendo riesgos a cada paso. Uno no puede menos que agradecer tanta audacia, tanta valentía y tanto talento. Y sobre todo, hay que agradecer que sea tan dificil encasillarlos, pues es les da un encanto mayor aun. Es que los Yakuza (no son japoneses. Aclaro para aquellos que no conocen a la banda) simplemente crean, hacen de su obra lo que se les canta. Suenan agresivos practicamente todo el tiempo, pero eso es tan sólo una de las sendas que siguen los muchachos a la hora de sacar a relucir su locura creativa. La agresividad puede venir del Hardcore (o Post-Hardcore), del Metal (del Doom sobre todo, por los ritmos), del Noise, la Psicodelia misma y hasta el Jazz!! Pero de repente, y desde senderos que se cruzan, emergen sutilezas apabullantes, climas etéreos que elevan al oyente hacia alturas inconcebibles, pintando paisajes de alienación y desolación, desde los cuales lanzan su mirada al y sobre el mundo.
Escuchar Yakuza es una experiencia que puede provocar que uno sienta que están representando tanto la alienación de una sociedad humana en total estado de decadencia, como puede resultar un viaje astral sin igual. Todo eso, y más aun, es Yakuza, un grupo que hay que escuchar, sí o sí.

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - Bird´s Lament: Tribute To Moondog

Año: 2009
Sello: Parallel Corners

Un desafío excitante es éste: escuchar un disco de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble sin sentirse absorvido por la oscuridad reinante en éste EP de tan sólo un track. Un track de casi 10 minutos en donde conviven la belleza, la locura, la oscuridad, la luz, el virtuosismo y las ganas de romper moldes. ¡Que importan las etiquetas! ¡Si con grupos así lo único que importa es la música! Llámenlo como quieran: Avant-garde, future jazz, dark jazz, experimental, o lo que se les venga en gana. Yo lo único que puedo asegurarles es que esta banda es algo serio. Y si no me creen, pues entonces escuchen la línea de bajo que ejecuta Köhnen y diganme si no se sienten atrapados por la densidad y el groove que le mete con su instrumento a un tema que nos deja con las ganas de más. Presten atención al trabajo del Cello, o a lo que hace el trombón. Déjense llevar por la sutileza de una guitarra que, cuando quiere, no tiene nada de sutil. Y arrojarse a los brazos de la melancolía, lo negro, lo que está oculto, siguiendo el down tempo de una batería exquisitamente tocada por Kiers.
¿Quieren más? Ahí tienen el dueto vocal entre Cegarra y el recitado poético de G. Satan. Todo esto y más, pues nada es lo que parece, siempre hay algo nuevo para descubrir, escucha tras escucha. Pero no sólo eso hay en esta joya. Si no conocés a Moondog (artista revolucionario que es considerado un pionero en la escena del avant-garde minimalista, a quien tributan los TKDJE), tras escuchar éste chifle tan delicioso, de seguro que salís a recorrer tiendas (o la web) para conseguir material del homenajeado en cuestión. Y como no, te abre las puertas, éste tema, para seguir buceando en el peculiar mundo artístico de un combo contracultural que ya se ganó mi admiración y respeto incondicionales.
Dato para aquellos que deseen conseguir éste disco original: se vende a través del website del grupo  http://www.tkde.net/tkdenet/tkde.html.

Maudlin Of The Well - Leaving Your Body Map

Año: 2001
Sello: Dark Symphonies

Disco dificil de catalogar, Disco dificil de escuchar. Disco dificil de todo de lo que quieran agregar. Eso sí, una vez que le agarrás el gusto, es dificil que lo largues. Claro, primero tenés que superar todas las barreras que estos señores amantes de la complejidad te ponen en el medio. A ver, clarifiquemos el panorama:
acá hay integrantes de una banda tan especial y compleja como Kayo Dot (si aun no los escuchaste, es hora de que lo hagas), de Gregor Samsa (otra gema del under para oídos exigentes) y de los oscuros, etéreos y elegantes Autumn Tears. Juntos, estos estupendos artistas conjugan cosas que podemos encontrar en sus otras bandas, pero la onda de Maudlin Of The Well aprehende otros elementos que encuentran por ahí y los adhieren a su críptica obra. Hay voces podridas y hay voces limpias. Hay guitarras heavys, densas, pero hay guitarras limpias y cristalinas. Hay bases sencillas pero contundentes, como así también hay bases complicadas, ejecutadas de manera precisa, asquerosamente precisa. Hay Avantgarde, hay Metal Progresivo y hasta hay Doom y Dark Wave y todo lo que puedan meter. Hay categoría de pies a cabeza, y hay ganas de hacersela dificil al oyente.
Dark Symphonies nunca se jugaron por bandas incapaces de crear algo que rompa los moldes establecidos por el establishment; todo lo contrario, es un sello que gusta de arriesgarse, de editar bandas que son jodidas de encasillar, de escuchar, de lo que sea. Maudlin Of The Well no son la excepción a la regla...por suerte.
Si andan con ganas de sentarse a escuchar buena música, pero sin estridencias excesivas, sino algo exquisito y elegante, pero pesado cuando es conveniente, mandense de lleno a escuchar este disco.

Swans - My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky

Año: 2010
Sello: Young Gods recs.


Michael Gira resucitó a su gran creación. Michael Gira ha vuelto, y yo estoy alucinando de alegría. Ok, la música de Swans no es para alegrarse precisamente, pero a mi me alegra el regreso de Gira y su banda. Soy un adicto irrecuperable, su música me produce lo mismo que le puede producir la heroína a un adicto a ésta droga. Por eso, cuando Rodrigao me comentó que Swans regresaban (sin Jarboe, cabe aclararlo), mi estado de ánimo se fue por las nubes. Volvían las estructuras retorcidas, los climas opresivos, los temas bellos pero más oscuros que el fondo de una caverna subterránea, la voz de Gira (dramática, profunda, inigualable), las orquestaciones, las sorpresas, la audacia. Volvían los maestros vanguardistas por excelencia. Y lo hicieron con uno de los mejores discos de su carrera. "My Father Will Guide..." vuelve a poner todo en su lugar, el mismo lugar en donde las cosas habían quedado allá por 1997, cuando Gira le puso fin a SU banda, cansado de los excesos, los problemas, la locura, los excesos. Y 13 años después regresó y demostró que el talento está intacto, que la locura sigue siendo esencial en su capacidad creadora, y que la oscuridad sigue tan impenetrable como de costumbre, pero sin resignar nada, pero absolutamente nada de la belleza que inunda sus discos menos inaccesibles.
Y Gira no se guarda nada, pero nada de nada. Dirige una orquesta, a su manera claro. Y toca la guitarra. Y canta, por supuesto. También ha elegido a músicos idóneos para tamaña empresa, exhuberante oda a la clautrofobia, y a todo tipo de fobias en general. Entre los implicados está Bill Rieflin, otrora baterista de Ministry en la época de "Psalm 69", aquí oficiando de multiinstrumentista (guitarra, percusión, bajo, batería, piano, sintetizador). Más una turba de eximios músicos y perfectos desequilibrados mentales, quienes ponen tanto su talento como sus trastornos mentales al servicio de Swans.
Entonces, no hay que ahondar demasiado: los resultados son impresionantes. Y gracias a esos resultados, el disco es inolvidable. Por ende, el universo vuelve a estar en armonía. Armonía dentro del caos.

Deathspell Omega - Paracletus

Año: 2010
Sello: Norma Evangelium Diaboli/SOM

¡Que enfermos están estos franceses! ¡Y que talento tienen! Ya con el monumental "Kénôse", los limados éstos habían entrado en mi lista de blackers favoritos, gracias a su capacidad para experimentar, sacudir y enloquecer al oyente. Mezclando Black a lo Mayhem con sonidos Industriales de otro mundo, más arranques de neto corte avantgarde, los D.O. daban una cátedra en tres temas extensos, pero que de tan buenos, parecían cortos. Pero no podían quedarse quietos, el conformismo no es lo de ellos. Así que redoblaron la apuesta, pusieron a laburar su inagotable creatividad, y salió ésto: "Paracletus", un disco que tal vez sea la obra maestra definitiva de un grupo sobrenatural.
¿Cómo escribir algo acerca de ésta insana creación sin sentirse abrumado por tamaña demostración de poder y locura? ¿Cómo decir algo coherente, si escribo absorto, atrapado por los infernales acordes disonantes que plagan la placa? Escalas que parecen no serlo, o que lo son, pero de una manera atípica. Disonancias, acordes que se entremezclan y dan forma a una sucesión monstruosa de sonidos enfermizos. Una voz que subyuga, atormenta, te derrota a puro alarido, gruñido, odio. Las bases, jugando incansablemente, suben, bajan, explotan, se caen hasta el mismísimo averno, te toman del cuello y te arrastran. La banda toda es un sube y baja, una montaña rusa, pero de sensaciones oscurísimas, muy, pero muy mala onda.
Se superan disco a disco, tema a tema, segundo a segundo. Y te matan, te aniquilan, te enloquecen.
Ésto es increible, ésto es majestuoso. Se termina el año, un año de grandes ediciones, y Deathspell Omega, casi sobre el final, se mandó uno de los discos del año. Y lo hicieron aportando una sinfonía (cacofonía) del horror más espeluznante que un ser humano pueda experimentar.  

Shining - Blackjazz

Año: 2010
Sello: Indie recordings

¡Noruegos tenían que ser! Sólo a ellos se les puede ocurrir hacer algo tan insano como ésto. "Ésto" es Shining, un combo de psicópatas que mezclan Black enfermizo y elaborado, con los delirios esquizoides de King Crimson (hacen un cover de la banda de Fripp), sonidos Industriales, mucho Noise y experimentación al por mayor. Los resultados no sólo son fabulosos, sino que abren las puertas a un futuro enorme y lleno de gloria (dije gloria, no éxito). Casi que no se puede concebir tanta audacia, tanta experimentación y tanto ruido juntos. Los tipos han creado una montaña rusa de sensaciones alienantes, subiendo y bajando los tempos a su antojo, pero manteniendo casi siempre la intensidad sonora, apoyándose en una muralla de sonidos retorcidos y escalas practicamente imposibles de ser creadas y tocadas por seres humanos comunes y corrientes.
Obviamente, los blackers más ortodoxos van a poner el grito en el cielo (que irónico sería eso), pues éstos nórdicos tan sólo utilizan determinados moldes del Black, para transformarlos (y deformarlos) mezclándolos con elementos propios de los estilos que nombré al principio de la review.
"Blackjazz" es adictivo, más que cualquier droga química/sintética, más que cualquier cosa que puedas meterle a tu organismo. "Blackjazz" se perfila para ser uno de los mejores discos de la década, pero a su vez, una de las cosas más extrañas y jodidas de todos los tiempos. Por momentos llegué a pensar que se trataba de Frank Zappa (resucitado) junto Mothers Of Invention, burlándose del Black Metal, haciéndolo a través de esa mixtura que te enajena desde el primer acorde, pulso, tempo, grito, sonido, lo que sea.
Esto es demasiado amigos, es demasiado. Es casi perfecto. Y si no lo considero perfecto, es porque tengo la esperanza de que en el próximo disco se vayan más al carajo. No se que decir, sólo que ya tenía mis discos favoritos del año, y éstos noruegos dementes me cagaron la lista, obligándome a rearmarla por completo.
Al Top 10 del 2010.

Slagmaur - Von Rov Shelter

Año: 2009
Origen: Noruega
Sello: Osmose
Formacion:
Aatselgribb - Vocals
General Gribbsphiiser - Guitar, Bass
Lt. Wardr - Drums, Keyboards
Letras: Anti-Religion, Odio, Desesperacion

Desde el país del Black Metal les presentamos a Slagmaur, una de las propuesta mas interesantes del metal negro que salio en mucho tiempo. herederos de la misantropía propia de los grandes del genero y la oscuridad distintiva nórdica estos blacker nos despachan con una obra tan oscura como experimental en su tercer disco 1º lanzado por Osmose, un sello conocido para los amantes del black metal.
La pagina oficial de la banda promociona este trabajo asi: "Von Rov Shelter" promete ser uno de los álbumes más oscuros de toda la historia, todo bien con este disco pero me parece que exageraron un poco, así mismo la música es impecable acá no hay blast beast, velocidad al limite, tecladitos melodicos, vikingos sonido de mierda "true" y otros tantos recursos a veces gastados por el exceso de banditas que salen todos los días queriendo imitar a las leyendas del genero, Slaugmar es todo lo contrario, es oscuridad absoluta en base a la experimentación de riffs lentos y constantes tambores que van marcando el ritmo en forma lenta y demoniaca como para entrar en trance, los teclados crean una atmósfera siniestra y la voz sin palabras... pero no todo es oscuridad hay pasajes clásicos breves pero presentes dandole un toque de distinción y personalidad recurso que ya lo habían usado en obras anteriores. Slaugmar es una gema que es esta puliendo y ganando lugar de a poco. recomendado para fans de Burzum del filosofem.

Link:http://www.mediafire.com/?1lz2c403bhy

Un Aporte
de Rodrigao

Stolen Babies - Idem e.p

Año: 2002

Sello: No Comments

Formación:

Dominique Persi: Voz y acordeón

Rani Sharone: bajo y guitarra

Ben Rico: teclados

Gil Sharone: batería

Que banda más rara, por favor. ¿Cómo etiquetarlos? Algunos los clasifican como Experimental Progressive Metal. Otros les ponen el rótulo de Gothic Rock. Hay quienes prefieren decir que Stolen Babies son una mezcla de ambas etiquetas. Yo sólo me atrevo a decir que están muy locos, y que tienen una capacidad instrumental/creativa fuera de serie. Por momentos me recuerdan -vagamente- a The Residents; de a ratos coquetean con la locura de Fantomas y algún toque Mathcore a la Dillinger Escape Plan, pero menos extremo. Pero inmediatamente se cambian de carril y se meten en las lúgubres tierras del Gothic, con ciertos visos a Cinema Strange, Sex Gang Children y rarezas por el estilo. ¿Confuso? Tal vez sí, tal vez no; que importa. Lo que realmente importa es que Stolen Babies se salen del molde, y lo hacen con categoría. Seguramente te va a costar agarrarles el gustito, pues no son fáciles de digerir. De hecho, es probable que jamás les enganches la onda, pero es el riesgo que corren grupos que se atreven a despedazar los moldes. Y te puedo asegurar que, en caso de que jamás te lleguen a gustar, a ellos les importa más bien poco. Pues, por lo visto, hacen lo que quieren sin preocuparse por el que dirán. Bien por ellos.

Link: http://www.mediafire.com/download.php?n3zzgmmemnv