Diapsiquir - 180º

Año: 2016
Sello: Necrocosm Productions
País de origen: Francia

No puedo resistirme al encanto de la música cuando ésta es el fruto de la autenticidad y la audacia. Claro, no todo lo que posee dichas cualidades logra atraparme, pero, en muchos casos, estas características, desarrolladas por artistas talentosos, suelen hacer estragos en mi cerebro. Y Diapsiquir, el trío francés al cual, probablemente, conozcan gracias al split que hicieron junto a Peste Noire, es una de esas bandas que derrochan tres cosas que combinadas, resultan infalibles para éste servidor: talento, audacia y autenticidad.
Siempre al borde la locura, y a veces, traspasando dicho límite sin temor alguno, la banda integrada por T.H., SxC y Rats, se libera de la demencia (momentáneamente) delineando composiciones cuyos límites son difusos, cuyas formas no son nunca definitivas, y con parámetros musicales y sonoros que no cualquiera sabe alcanzar ni combinar. Claro, hablamos de gente que absorbe y transforma todo lo que llega a ellos, reciclando sonidos e ideas de géneros y estilos como el Hip Hop francés, Avantgarde, Industrial, Rock de corte experimental, elucubraciones musicales cargadas de esa melancolía tan francesa, astucia para incorporar elementos electrónicos, y algún coqueteo con las guitarras crujientes y electrizantes de su colega Famine (sí, me refiero a Peste Noire); mas, por favor, no se les ocurra usar una etiqueta como Black Metal para clasificar a esta banda. Ese género les queda chico a tamaños artistas.
"180º" es el fruto de improvisaciones llevadas a cabo por los franceses, dejándose llevar hasta alcanzar un climax compositivo tan libre y tan de ellos (la banda suena con una personalidad única, fácil de identificar), que uno puede imaginarlos, verlos, en el momento exacto en que cada idea comienza a surgir, hasta continuar su senda natural en dicha improvisación. Por cierto, si bien todas las canciones nacieron de la improvisación, posteriormente fueron re-arregladas para ser puestas en el disco.
"Credo", "Vitriol" y "Dangeureuse onction" son lo más parecido que uno puede encontrar a una canción en éste disco, sin que ello implique que las mismas posean algún acercamiento al formato convencional de lo que conocemos como Canción. Aquí todo suena a Diapsiquir, y Diapsiquir aborrece las maneras ortodoxas de crear música. Apelan a fuentes de inspiración que parecieran alterar sus estados mentales naturales, y sacando provecho de dicha alteración para dar vida a un compendio de creaciones que descolocan al oyente de a pie, a ese que sólo piensa en Rock convencional de guitarras.
Por cierto ¿sabían que acá hay un ex miembro de Arkhon Infaustus? ¿No? Bueno, tampoco es tan importante. Lo realmente importante es saber abandonar los prejuicios al momento de escuchar el cuarto disco full de una banda que nadie debería ignorar.

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Dutch Futurismo - Festival of Misfits

Año: 2016
Sello: Ektro Records
País de origen: Hungría

De la tierra de Bela Bartok nos llega éste fantástico dúo de experimentadores del sonido, quienes han creado, para ésta ocasión, un encantador trabajo en homenaje al aniversario número 100 de Dada. O sea, una obra inspirada en el manifiesto y creaciones dadaísta, a cargo de los audaces artistas llamados Éva Polgár y Sándor Vály.
En la tradición de dicha corriente de pensadores y artistas vanguardistas, el dúo húngaro, junto a Nea Lindgren y Mikael Jurmu, nos invitan a un paseo en donde no hay estructuras convencionales, en el cual el proceso creativo está basado en la improvisación, abordando los formatos de las ¿canciones? con arreglos y búsquedas tan peculiares como cautivantes, y capturando buena parte de los sonidos aquí registrados usando solamente un micrófono como testigo de tamaña exhibición de arte.
Al mejor estilo de maestros como John Cage, Dutch Futurismo, quienes están claramente influenciados por el Manifiesto Futurista escrito por Filippo Tommaso Marinetti a fines de 1908 (además de usar "instrumentos" improvisados, objetos de la vida cotidiana, que los posicionan dentro del llamado Arte Povera o Arte Pobre), Polgár y Vály rompen estructuras para crear nuevas formas, manipulando la música que hay en el ambiente, en los objetos, pero que no muchos logran percibir dentro del caudal de sonidos que la gran mayoría jamás consideraría como potables para hacer música.
El disco comienza con tres piezas tan indescifrables como llenas de un magnetismo inmenso. "Dutch Futurismo" (la canción), "Manifeste Cannibale" y "Enemy Alien", muestran al conjunto en un estado de trance absoluto al instante de parir y darle forma a sus obras, aunque pareciera que nunca las formas son definitivas. Siempre dejan espacio para que la mente llene esos espacios silenciosos, los silencios que dicen tanto o más que los sonidos, para que el oyente juegue con la imaginación y los llene usando la misma.
En cuanto al trabajo vocal, pues consiste en recitados de poemas dadaístas de Hans Arp, Hugo Ball, Kurt Schwitters y Francis Picabia, todos entonados de manera cuasi inexpresiva, pero, nuevamente, manipulando esa supuesta inexpresividad en pos de lograr una atmósfera que desafía la lógica, lo convencional. Dicho todo esto, debo admitir que me encanta éste disco, al punto de que voy a empezar a seguir a estos húngaros de ahora en más, sin perderles pisada alguna.

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Horseback - Dead Ringers

Año: 2016
Sello: Relapse Records
País de origen: USA

¿Nunca sintieron la necesidad de experimentar, de forma consciente, el nadar libremente en líquido amniótico? Veamos, todos lo hemos hecho durante nuestro estado prenatal, pues en ese líquido flotamos, nos rodea y amortigua mientras estamos en el vientre materno. Bien, la música Psicodélica, el Krautrock y estilos similares, aquellos que hacen de los viajes mentales un culto, siempre han estado ligados a dicha etapa en la vida del humano, además de obsesionarse por el cosmos y todo lo que lo completa. Yo, claro está, soy un fan empedernido de los estilos antes mencionados, y da la casualidad de que Horseback aborda ambos géneros, además de incorporar elementos de otros estilos cercanos o similares.
"Dead Ringers" tiene eso de poner el oyente en estado de trance, como si estuviera viviendo hoy, en su vida adulta, la experiencia de estar cubierto por el líquido en cuestión, y también permite imaginar sin ataduras un viaje galáctico con nuestras mentes, con todo lo que ello implica a la hora de expandir nuestra percepción. El responsable de tan encantadora experiencia se llama Jenks Miller, y viene creando discos de ensueño desde 2007, en su North Carolina natal.
Tomando cosas que van desde la hipnótica gama de sonidos de la Psicodelia ("Descended from the Crown" y sus 16 minutos con 40 segundos resumen a la perfección la pasión de éste muchacho por la Psicodelia), el Krautrock de Can o Neu! (el primer track "Modern Pull" es Krautrock puro), pasando por la tensión/distensión de un Neil Young ("In And Out of Form", aunque la Psicodelia no se apaga en ningún momento, la influencia de Young está muy presente), con estallidos Drone que encastran a las perfección dentro del contexto generalizado, voces que flotan, van y vienen, sonidos añejos y otros más modernos, y un aire retro/futurista exquisitamente fusionado y tratado, Miller pinta cuadros sonoros con una sutileza y profundidad subyugantes.
Completamente autoproducido, "Dead Ringers" es una obra intimista y magnética, usando instrumentos que se superponen para crear capas de sonidos eléctricos que inducen al oyente a estar en un trance cuasi constante, durante los casi 58 minutos que dura el disco. Y es, a mi parecer, su obra menos Metal de todas, abandonando cualquier atisbo de Post Metal que pudo haber tenido Horseback en algún instante en sus albores.
Por supuesto, no puedo obviar el hecho de que lo edite Relapse, uno de mis sellos favoritos justamente porque ha brindado apoyo incondicional a artistas de la talla de Jenks Miller, a quien vienen editándole discos desde el 2010. Y éste, el que tal vez sea mi favorito de Horseback, sale nuevamente a través de dicho sello. Ojala la unión dure varios años más.

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Crowhurst - II

Año: 2016
Sello: Broken Limbs Recordings
País de origen: USA

Crowhurst nació como un grupo de un solo hombre, el cual se inclinaba para el lado del Noise/Power Electronics. Esto pasó entre 2011 (año de creación de la banda) y 2014, año en que Crowhurst pasó a ser un quinteto (aunque éste disco fue grabado como trío). Pues bien, se nota que los orígenes del grupo estuvieron en el Noise y los sonidos experimentales más perturbadores, ya que el disco comienza con un experimento sonoro que fácilmente podemos incluir en dicho ámbito. De hecho, en cada jodida canción del disco, el Noise emerge triunfante y endiablado, como un elemento discordante que surge desde las profundidades para aportar caos a la locura, y locura al caos.
Pienso en The Body como referencia cercana a la hora de comprender por dónde van Jay Gambit y sus muchachos. Vale aclararlo, Gambit es el padre de la criatura y se encarga de la voz, sintetizadores y efectos. Repito, pienso en The Body como punto comparativo, pero lo cierto es que Crowhurst no posee ese sonido pesado y opulento de la banda de Chip King y Lee Buford. Lo de Crowhurst se apoya en guitarras que oscilan entre lo esquelético y los eléctrico, siempre fibroso y crujiente, pero muy pocas veces pesado; en todo caso, acá hay más tendencia al ruido que a la pesadez. Y les queda bárbaro ese detalle, pues Crowhurst, si bien tienden a tomar cosas del Sludge/Doom, lo concreto es que cambian de piel constantemente y modifican su manera de presentarse a través de la rotación de estilos, a veces, en una misma canción. Así podemos encontrar Post Black (prestar atención cuando pisan el acelerador), el Deathrock a la Christian Death (incluso, Gambit usa algunas inflexiones fantasmagóricas a la Rozz Williams. Escuchen "The End" como ejemplo), y como ya dije, el Noise y demás experimentos anormales que solamente generan placer en las mentes desquiciadas.
Las guitarras zumban, explotan, se difuminan en el aire y vuelven a tomar color y forma. Los ritmos son sinuosos, dando la sensación de temblor, como si hubiesen sido creados y ejecutados mientras la tierra se movía. La voz de Gambit trae rabia y locura, se ubica inquietantemente entre ambos estados y no se aleja jamás de ellos; y lo hace con soltura, como si entre esos estados estuviera su verdadero ser.
Las piezas que integran el todo derrumban la cordura del oyente en un santiamén, siendo "No Saviors" y su formato esquizode/tribal (nuevamente las influencias del Deathrock y el Post-Punk se hacen presentes) la canción que orada los sentidos del oyente hasta derrumbarlo. Para cuando llega "Fractured Lung" y su muralla de ruido retorcido, el oyente ya sucumbió y se encuentra de rodillas, por lo que la banda saca provecho de dicha situación para engendrar un experimento del tipo Drone llamado "Dried Blood and Old Earth", con el cual abren las puertas de la percepción humana hasta hacernos dudar acerca de la supuesta realidad que hemos vivido hasta éste preciso instante.
"II", por si aun no lo saben, no es el segundo disco de la banda; Crowhurst cuentan con una vasta lista de grabaciones(más de 40 ediciones en 5 años de carrera. Solamente éste año lanzaron siete discos). Da igual si es el disco número 40 o si es el segundo en la historia del grupo, "II" es uno de los trabajos más excitantes del año por su valentía, por su afán de desestabilizar los cimientos del mundo de la música pesada (tan confortable últimamente), y porque es la clase de locura artística fuera de serie que yo tanto amo. Discazo.

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The Black Birch

Hate&Merda - La Capitale del Male

Año: 2016
Sello: Toten Schwan Records, Sangue Dischi, Dischi Bervisti, Shove Records, Zas Autoproduzioni Records, Icore Produzioni, UTU Conspiracy e DioDrone (LP & digital) / Simula Records (tape).
País de origen: Italia

"No hay filosofía que pueda contemplar el Mal. Cuando éste llega, se come todo...todo...y se apaga todo". Con esas palabras, pronunciadas de manera lacónica y directa, Stefano Santoni nos da la bienvenida al nuevo opus de estos exploradores del caos sonoro llamados Hate&Merda. Un caos que no se produce ni se reproduce a grandes velocidades, sino que explota, casi siempre, lentamente. No, no es Doom Metal, sino Noise pesado, asfixiante y odioso. Bueno, sí, el Noise es una de las maneras que mejor se adaptan, en cuanto a sonidos, a la expresión del odio sin tapujos. Pero, Hate&Merda no es Noise a la Merzbow ni nada por el estilo. Lo de ellos conlleva en su interior cosas del Post Metal, Sludge, Hardcore Punk a la Black Flag, guitarras más pesadas que un dique desmoronándose, y partes de una relajación inquietante en donde hay algo de Post Rock. Pero, insisto, la esencia del grupo está en ese estilo que nació para convertirse en el odio hecho sonido: el Noise.
Justamente, el odio es el motor que impulsa a estos italianos, quienes no se privan de experimentar con las texturas y algunos ritmos, pasando de esa lentitud densa y aplastante a cosas más sincopadas. Acordes atronadores sobre ritmos tribales o golpes asestados en la nuca, sin ninguna prisa. Una voz que se revienta en el espacio y se expande como la peste. Una carga de nihilismo voluminoso copando cada rincón de la placa, y, como dicen ellos mismos, un fastidio tremendo convirtiendo cada canción en una lluvia de negatividad. Y buena música, claro, que sin la música, todo lo demás es accesorio. O sea, la música es el vehículo para expresar todo lo que expresan estas personas, que en su cuenta de facebook, al momento de brindar información acerca de sus miembros, nos escupen un frío Innecesario 1 e Innecesario 2. Pero, lo que viene junto a la música, toda esa carga de ira incontenible, en éste caso, no es menos importante que los sonidos, que las composiciones: es una de las partes que conforman el todo, y cada parte es tan importante como la otra.
"La Capitale del Male" es un disco complejo por su carga emocional, o por la ausencia de emociones en ciertos pasajes en donde el nihilismo reina a sus anchas. Es un disco jodido, perturbador y pesadísimo. Es como un estruendo que se perpetúa en el espacio/tiempo, haciéndose gigantesco a medida que avanza. Y es en ese estruendo devastador que tenemos piezas claves para entender la obra, tal es el caso de "In Itinere", "La Capitale del Mio Male" y "Vai Via", momentos de tensión y calidad imperdibles para todo aquel que disfrute de los sonidos más atronadores.
Los conocía, había escuchado otras grabaciones de ellos y los tenía en mente a la hora de buscar material para difundir. Mas, éste nuevo disco de Hate & Merda me agarró en el momento justo, pues estoy deseoso de escuchar más bandas así, como ésta, y estaba/estoy deseoso de encontrarme con discos tan insanos y sísmicos como "La Capitale del Male".

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Costin Chioreanu - The Quest For A Morning Star

Año: 2015
Sello: Avantgarde Music
País de origen: Rumania

El 30/10/2015, una tragedia golpeó a la escena metalera mundial debido a la muerte de 60 personas en el Club Colectiv, ubicado en Bucarest, Rumania, en donde se presentaba la banda Goodbye To Gravity. Con el propósito de brindar una ayuda económica a las víctimas, sobrevivientes y familiares de los desaparecidos, el artista Costin Chioreanu se juntó con gente tan talentosa como él y pergeñaron este excelso álbum, en donde las etiquetas quedan al margen en pos de crear algo distinto, cautivante y libre de ataduras. Para llevar a cabo dicho trabajo, Costin se juntó con gente que sabe lo que se debe hacer a la hora de experimentar con sonidos, elaborar texturas no convencionales y manipular atmósferas. Los nombres de sus compañeros son Attila Csihar (sí, cantante de Mayhem y otrora vocalista de los pioneros Tormentor), Rune "Blasphemer" Eriksen (a quien todos conocemos por su paso por Mayhem y actual integrante de Aura Noir), Mirai Kawashima (de los vanguardistas japoneses SIGH) y el genial David Tibet (de esa fabulosa creación llamada Current 93). Juntos han dado vida y forma a un disco al cual, más allá de lo noble de su razón de ser, no se le pueden poner etiquetas tan fácilmente. Es que Costin y sus colegas crearon un disco que funciona como un soundtrack oscuro y climático, el cual podría ser parte de alguna película tipo "Der Todesking", pasajes de algún film de David Lynch o bien, banda sonora de alguna película europea de corte experimental.
Lánguido, intimista, sombrío y sofisticado, "The Quest For A Morning Star" debe ser escuchado en un momento puntual, alejado de muchedumbres, en soledad y, en lo posible, en la oscuridad. Es de esa manera que los matices, los sonidos utilizados para llevar adelante el relato sonoro, alcanzan su máximo esplendor y se imponen como un torrente de colores fríos y tenebrosos, logrando en "A Storm Shall Take The Words Away" su punto álgido en cuanto a turbulencia y dramatismo.
Por momentos, Costin (quien, además de ser músico, ha realizado trabajos visuales para bandas como Darkthrone, Aura Noir, Centinex y Arch Enemy, entre muchos otros), junto a los eximios artistas que lo acompañan, ponen al oyente en situación, en el escenario de la tragedia y nos hacen comprender lo duro del escenario y el momento, sin caer en sensacionalismo ni golpes bajos: simplemente sonidos, atmósferas, texturas.
Loable lo de estos artistas, poniendo su talento al servicio de una causa noble. Y más loable es que lo hagan creando música anticonvencional y de buena calidad.

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Rotten Smile - Horror Music

Año: 2013
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: Chile

Recibí un email que contenía en el mismo, un link. Ese link me llevaba directamente a la cuenta de Bandcamp de este artista chileno, proveniente de Santiago, que abarca estilos como el Industrial, Dark Ambient y aspectos más experimentales aun. Tuve que elegir cuál disco reseñar, y elegí este, "Horror Music". No sé si es lo mejor de Rotten Smile o no, pues no escuché otros discos, a decir verdad. Lo que sí puedo decir, es que tiene muchos altibajos. Veamos, abordar los estilos antes mencionados no es cosa sencilla. Estamos hablando de música anti-comercial, anti-convencional, por lo que hay que andar con cuidado, pues, a veces, pasar de la locura y el caos al ridículo está tan cerca como un paso. Rotten Smile no cae en el abismo del ridículo, pero deja sabor a poco. Me expreso mejor: carece de ciertas cualidades intrínsecas a los estilos antes mencionados, sonando buena parte del disco de manera...convencional. Es como si se hubiera apegado a determinados formatos, a fórmulas que ya han sido utilizadas varias veces a lo largo de la historia, provocando de esta manera que sus composiciones suenan predecibles. Y eso, en un disco/grupo/proyecto de esta clase, es inadmisible. Además, las creaciones de este artista no transmiten esa elaboración fría, obsesiva, cuidadosa y desestructurante que uno espera de algo que lleva el mote de Experimental. En todo caso, suena como si hubiera sido hecho a las apuradas, sin tener detrás de la placa ese trabajo esquemático que hace pensar en un científico loco manipulando elementos hasta dar con algo genial...o alocado al menos. Y esto hace que se resientan 2 valores elementales: "Horror Music" no es violento ni intenso. No posee esa violencia, latente o tangible, que te eriza los pelos, ni tiene ese grado intensidad que permanece ahí, debajo o arriba de todo, siempre presente, sacudiendo de distintas maneras al oyente. "Run Away!" es lo más logrado del disco por lejos, pues contiene aspectos elementales en la música que practica este chileno, y que no aparecen en buena parte del disco. Mecánico, sombrío, intenso, inquietantemente violento, pero sin ser violento de manera plausible, este track desestabiliza, tal como debe ser. Luego viene una pieza para piano realmente hermosa, llamada "Hard Memories", en donde la faceta Dark Ambient sale en su mejor forma. Cuando uno escucha estos tracks, se convence de que Rotten Smile puede, y debe estar mucho mejor, pues está claro que hay con qué mejorar, que hay elementos para mejorar. Mientras que el resto del disco se mueve de manera excesivamente segura, estos 2 tracks sobresalen por, justamente, romper el propio molde de Rotten Smile. Entonces queda preguntarse y preguntarme ¿todos los discos de Rotten Smile están marcados por estos aspectos, en donde la mayoría de los tracks no dicen nada, y en medio de estos emergen piezas exquisitas que te hacen ilusionar? Aun no lo sé, desconozco la mayor parte de su material. Pero, al menos en lo que concierne a este disco, esa es la impresión que me llevo.

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Thaw - Earth Ground

Año: 2014

Sello: Witching Hour Productions

País de origen: Polonia

Hay una nueva ola de bandas blackers polacas que, lisa y llanamente, son geniales. Bandas como Mgla (los mejores y más avezados de dicha movida), Odraza, Wedrujacy Wiatr, Eerie, Kriegsmaschine, entre otros, Furia, sacan una luz de ventaja con respecto a las bandas de las escenas Black metaleras de otros países. Una de las bandas que hace que yo me sienta fascinado por dicha movida, es Thaw, una de las mejores bandas polacas de Black Metal que he escuchado en estos últimos 5 años, y una de las más creativas y cautivantes bandas del estilo a nivel mundial hoy. Ya supe escribir algo acerca de ellos, más precisamente, sobre su disco autotitulado, una muy buena obra en la que los polacos dejaron en claro que lo de ellos va muy en serio. Pues bien, ahora me toca escribir acerca de “Earth Ground”, segundo full lenght de Thaw, el cual, antes de escucharlo, me generaba preguntas. Se habrán superado? Habrán sido capaces, al menos, de igualar lo hecho en su primer disco? Se habrá estancado, o seguirán evolucionando? Todas esas respuestas empezaron a ser respondidas a medida que el disco iba avanzando. Estancarse? Nunca, mis amigos, nunca. Estos tipos no saben lo que es aferrarse a una idea y morir con ella; todo lo opuesto, siempre buscan incorporar elementos de diferentes estilos, amalgamándolos con lo que ellos ya son, con lo que hacen de por sí, y de esa manera empujar los límites siempre un poco más allá. Superarse? Sí, aunque aun no sé si “Earth Ground” es superior al debut; pero lo iguala en todo aspecto, y eso implica la cuestión más importante para una banda tan talentosa como esta: la calidad en las composiciones e interpretaciones. Impecables en todo aspecto, los polacos oriundos de Sosnowiec dan cátedra de cómo evolucionar sin perder de vista la esencia del grupo, pero sin apoltronarse en el sitio de privilegio al cual han llegado gracias a su innegable capacidad.

“Earth Ground” es un disco amplio, profundo, que necesita de toda la atención del oyente para no perderse los detalles que son insertados cuidadosamente en todas y cada una de las canciones que integran este muy buen álbum. Algunos de esos detalles, como por ejemplo, las atmósferas, los exquisitos instantes en donde reina una tensa calma, los momentos más furiosos, o el manejo de las texturas y timbres sonoros, según lo requiera la ocasión, ponen al oyente en vilo, cautivado y extasiado, pero pendiente de lo que vendrá. Así es hasta el final del disco, de principio a fin. Y esos detalles terminan convirtiendo a obras maestras como “Sun”, “No Light” y “Winter´s Bone”, en piezas fundamentales de un disco que no tiene ni un solo altibajo, ni fisuras ni nada. Otra vez, Thaw se han dado el lujo de entregarnos un álbum que ronda la perfección. Aun no han hecho el disco perfecto, pero tengo la sensación de que van en camino a lograrlo.

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Sunken - Recoil

Año: 2014
Sello: GodHatesGod Records
País de origen: Bélgica

Este disco me llegó el año pasado, y se lo pasé a uno de los colaboradores que tenemos en el blog. Me fue sincero y me dijo que el disco no le gustaba, que prefería escribir acerca de otra banda. Bien, luego se lo envié a otro colaborador, y pasó lo mismo. Así que me puse a escucharlo...y no sabía qué pensar, qué decir, qué hacer con este disco. Lo dejé allí, guardado por un tiempo, hasta que hace unos días atrás decidí retomar la idea de hacer la review. Y bien, aquí estoy opinando acerca de un disco que me genera sensaciones encontradas. Por un lado, celebro la idea de hacer música pesada prescindiendo de la guitarra, instrumento por excelencia a la hora de hacer todo tipo de música con formato Heavy. Y también celebro que no haya voces, que sea todo instrumental, pues supone un verdadero desafío para el oyente y el creador (o los creadores) de la obra. Sí, como ya imaginan, Sunken consiste en un bajo y una batería, y nada más. El problema es que, si bien tienen algunas buenas ideas, y si bien esas ideas son puestas en práctica acertadamente, los tipos tienden a repetirse demasiado, al punto de sonar monótonos durante buena parte del disco. De hecho, y aun siendo que "Recoil" no es un disco extenso, a mi se me hizo largo. Considero que el aspecto introspectivo que le confieren a su obra me atrajo bastante, y que el hecho de haberlo grabado en la sala de ensayo le da al disco un aire de crudeza, improvisación y frescura interesante. Pero se repiten constantemente, las canciones parecen creadas a partir de un molde fijo, inamovible, y eso termina provocando cierto hastío en el oyente. Al menos en mi caso, para poder escribir esta review tuve que escucharlo varias veces al disco, y de manera separada: 4 tracks ahora, 5 más tarde, así cada vez que me dispuse a escucharlo. Repito, hay cosas para destacar aquí, en especial el formato que eligieron para llevar adelante su obra. Pero fallan en algo esencial: mantener al oyente atrapado de principio a fin. Quizás más adelante superen ese escollo, quizás no. Por el momento, esto es lo que encontré, esto es lo que les transmito a quienes leen esta review.

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Obsidian Kingdom - Torn & Burnt: The Mantiis Remixes

Año: 2013
Sello: Autoproducido/Independiente
País de origen: España

Esta banda no deja de sorprenderme. Su anterior trabajo, el exquisito "Mantiis", si bien no me dejó boquiabierto, me hizo pasar momentos de placer sensorial gracias a la intensa y elegante exposición sonora por parte de estos españoles. Pues resulta que esa banda que supo provocarme sensaciones tan placenteras con su mezcla de estilos (desde el Post Black hasta cosas más experimentales, Shoegaze, partes que me recuerdan a David Bowie, Música Electrónica, Post Metal, Katatonia etc) se contactó conmigo y, muy amablemente, me pasaron el link para que escuche este nuevo trabajo, que no es otra cosa que la versión remixada de 7 de las canciones incluidas en "Mantiis". Los responsables de los remixes son artistas como Oktopus (Dälek), Subheim, Poordream, Necro Deathmort,  Jr Morgue, Drumcorps, Larvae y Mothboy. Por supuesto, y al igual que en el disco anterior, aquí predominan las sensaciones variadas, etéreas, para nada exuberantes, pero sí elegantes. Sin repetirse, dejando que cada artistas convierta a la canción en cuestión en algo distinto desde lo estructural, pero manteniendo el espíritu, esa cosa intangible pero inherente a la canción, de forma intacta, el álbum transcurre entre medio de colores varios, paisajes tan terrenales como cósmicos, y un buen gusto encomiable.
Si me dan a elegir un remix por sobre otro, debo decir que "The Nurse" (Larvae Remix) asoma como la gran favorita para quien esto escribe. Pero ello no debe ser interpretado como que mi elección va en detrimento del resto de las composiciones/remixes, pues el disco entero resulta ser agradable, elaborado de manera casi obsesiva en cuanto al cuidado de los detalles (nada para librado al azar), y, por sobre todas las cosas, distinto a lo que uno conoce del grupo, pero manteniendo la esencia impasible ante las modificaciones vividas por las composiciones.
El disco en cuestión se puede conseguir, gratis, en formato digital, a través de la cuenta que la banda posee en Bandcamp. Pero si les va tenerlo en formato físico, pues se lo pueden comprar directamente al grupo a través del website oficial de Obsidian Kingdom. Yo recomiendo esto último, si es que, al igual que yo, necesitas limpiar tus oídos tras tanto ruido y descontrol sonoro. Siempre viene bien tener a mano algo tan ameno y propenso a crear imágenes en mi cerebro, algo que ya había sucedido mientras escuchaba "Mantiis", y que esta vez se dio de nuevo, pero desde otro lugar, de otra manera, y con otras herramientas. Mas que hayan hecho las cosas de manera distinta no cambia en nada la calidad de estos tipos, quienes parecen no detenerse en su afán por sorprenderse a sí mismos, y, de paso, al oyente también.

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Sarcastic Metamphetamine Addiction - Self Pleasure Technicians

Año: 2012

Sello: Autoproducido/Independiente

País de origen: España

Hace un tiempo ya, publicamos a un grupo de Grindcore procedente de España llamado Brain Collapse. El mismo nos había dejado una muy buena impresión con su Grind de toques Hardcoreros, muy intenso y salvaje lo de los muchachos. Lamentablemente la banda dejó de funcionar. Pero uno de sus miembros, Omar, sigue activo y por duplicado. Por un lado nos llegan noticias de un grupo de Power Violence llamado Clint Eastwood, grupo que debe estar por sacar su primer Ep. Y, por otro lado, nos llega este proyecto llamado Sarcastic Metamphetamine Addiction, el cual nada tiene que ver con el Grind ni con el Power Violence. Lo de S.M.A. es Noise, o Ambient, muy retorcido y caótico, por cierto. Ni siquiera en los momentos de mayor calma el bueno de Omar deja de atormentar al oyente con los climas opresivos y las estructuras anormales propias de estos géneros. Utilizando ciertos parámetros del Drone, e incluso del Industrial, S.M.A. despoja al oyente de sus barreras morales y éticas, y lo pone al desnudo ante una maraña de sonidos retorcidos y poco convencionales. Miren, yo no sé si Omar es adicto a la Metamfetamina y demás drogas sintéticas/químicas. Lo que sí puedo afirmar, es que a través de su obra, el tipo logra meterse, y meternos a nosotros, dentro de la cabeza del consumidor de este tipo de drogas. Y en ese viaje, logramos observar desde muy cerca, e incluso, llegamos a experimentar, algunas de las sensaciones/estados que invaden y dominan al consumidor de esas drogas. Si esa fue o no la intención de Omar, no lo sé. Pero es lo que me sucede a mi cuando escucho la placa. Es en lo que pienso, es lo que experimento mientras los sonidos se introducen en mi mente, dibujando situaciones y generando estados que antes no estaban en mi interior. Es justamente esa capacidad para crear escenarios en la mente del oyente lo que más me atrae de este trabajo de S.M.A. Es justamente esa capacidad para dominar el estado de ánimo del oyente lo que más admiro de lo hecho por Omar en este nuevo proyecto. Y son, justamente, esas cualidades, las que me llevan a recomendarte este disco.  

Dato Extra: la portada fue diseñada por Daniel Espinosa, guitarrista de otra muy buena banda española de Grindcore: Ernia.

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Sadomysa/El Caos Reptante - Split

Año: 2012

Sello: Autoproducido/Independiente

País de origen: Argentina

Split editado en conjunto por 2 grupos que tienen a un componente en común: el señor Juan Pablo Gareca. Por un lado tenemos a Sadomysa, en una veta Experimental/Electrónica/Industrial, y por el otro tenemos a El Caos Reptante, con su estilo propio, al cual llaman Necroblues. Pero mejor diseccionemos el cadáver, así se hace más claro el contenido del split.

El mismo comienza con Sadomysa, dúo integrado por Juan Pablo Gareca en bajo y guitarra, y Leandro Nahuel Buceta en guitarra, programación, sintetizador, bajo y V-piano. Entre los 2 se las ingenian para experimentar con sonidos volados y de tendencia Ambient, en donde se dan cita influencias que van desde lo más opresivo del Industrial (Godflesh, Skinny Puppy, NIN) hasta pasajes de introspección y calma electrónica, transitando por pasajes de índole Vintage hasta arreglos de corte más futurista, paseando al oyente por distintos lugares y tiempos. Si bien Sadomysa no llegan a romperme la cabeza, los 5 tracks aportados por el dúo convencen y, además, sirven para demostrar que aquí hay propuestas diferentes y jugadas que permiten abrir puertas nuevas de cara al futuro. El material de Sadomysa fue grabado y mezclado por Buceta en LNB Studios, y pasterizado por Diego Martinez en La Nave de Oseberg entre febrero y marzo de este año.

Luego viene al otro combo que tiene a Gareca como protagonista, aunque, esta vez, la cosa viene bien distinta desde lo estilístico. Llámenlo Sludge, Stoner, Doom o simplemente Blues pesado. Como sea, El Caos Reptante (nombre extraído del genial relato de Lovecraft) se autodefinen como Necroblues, que vendría a ser una mezcla de todos los estilos antes citados, pero con un toque del Rock Pesado que se hacía en Argentina en los 70s. Ellos reconocen influencias de Pentagram (USA), Black Sabbath, Pescado Rabioso, King Crimson y otras bandas de los 70s. Y la verdad es que hacen bien en reconocer esas influencias, pues se hacen evidentes en los 4 tracks grabados para la ocasión (tremendo el primer tema, llamado Grifos de Alas Negras, un temazo de aquellos). Eso sí, tanto el sonido como el tratamiento que le dan a cada canción, tienen un gustito a Stoner y Doom noventoso que combina bastante bien con el estilo que de por sí practican los de Buenos Aires. El material de los muchachos estos es parejo, fuerte y climático, muy atractivo y recomendable. Además, el contraste de propuestas (las de las 2 bandas que integran el split, claro) hacen de este split una grabación ágil, fácil de escuchar sin caer en el sopor que pueden llegar a ocasionar esas grabaciones que traen varios grupos con estilos iguales, en las que no se puede distinguir a un grupo del otro.

Además, eso de poner primero a un grupo que hace uso (más no abuso) de elementos y sonidos que tiran hacia el lado Electrónico (pero sin ser absolutamente electrónico), con otro que es completamente valvular y orgánico, hacen del split un grabación fresca y poco usual en un ámbito tan sectario y prejuicioso como lo es el del Rock en Argentina en general. Por suerte, ni Sadomysa ni El Caos Reptante son víctimas de esos prejuicios y hacen lo que les gusta. Ahora falta dar el siguiente paso evolutivo, paso que sería enorme si ambos grupos se logran desprender de ciertos clichés que, a mi entender, no son necesarios si se quiere seguir creciendo. Por lo pronto, este trabajo se deja escuchar sin problemas. De hecho, se disfruta bastante. 

Dato Extra: El Caos Reptante tienen un muy interesante blog, de donde se pueden bajar el split.

Blog y Descarga

Current 93 - Black Ships Ate The Sky

Año: 2006
Sello: Durtro
País de origen: Inglaterra

Una de las obras más extrañas de Current 93 es, paradójicamente, un disco compuesto por canciones. Alejado del esquema tan esquizoparanoide y extraño al cual nos tiene acostumbrados David Tibet, "Black Ships..." se apoya sobre una canción fundamental: "Idumea", compuesta por Charles Wesley en 1763. Idumea es el país habitado por los descendientes de Edom. No voy a adentrarme en dicho tema, pues sería perder de vista al motivo por el cual posteamos el disco: la música. Y si hay algo que aqui sobra es, precisamente, música. De entrada aparece la mejor versión del tema en cuestión, con un Marc Almond inspiradísimo en la voz. Pone la piel de gallina la emoción transmitida en tan preciosa versión. Las otras versiones de la misma canción poseen algunos retoques, adaptadas al clima y al momento del disco. Es que, basicamente, éste disco es eso: una historia, un relato, el cual es acompañado por una música climática, que casi no tiene visos del Industrial/Ambient retorcido que Current 93 viene practicando desde 1982. Así, entre versiones de la bellísima "Idumea", aparecen atrapantes piezas en donde la melodía prepondera y el clima lo es todo. En "Black Ships..." David Tibet es un pintor, un pintor cuyo pincel deja lugares en blancos, que en términos musicales vendrían a ser silencios; silencios que no hacen más que aumentar la paz en el oyente, para luego seguir llevándolo hacia los rojos paisajes del mundo que nos describe Tibet en ésta gran placa.
Es increíble como Tibet conjuga momentos de paz infinita con otros en donde pareciera cernirse sobre nuestras cabezas un inminente apocalipsis. Así, con contrastes, pero siguiendo una línea bien marcada, Current 93 nos asombra nuevamente. Pero, y por sobre todas las cosas, nos hipnotiza con un disco tan majestuoso como sencillo en su raíz creativa, a pesar de ser más complejo de lo que pareciera ser. En definitiva, Tibet impone su compleja mente.

Noxagt - Idem

Año: 2006
Sello: Load Records
País de origen: Noruega

¿Rock? ¿Noise? ¿Experimentación sin barreras? ¿Avant Garde? O tal vez todo a la vez. Noxagt puede ser eso y mucho más. Los límites son delgados, fáciles de atravesar, y los noruegos se divierten pasando hacia el otro lado; o al menos, les gusta empujar esos límites, hacerlos menos estrechos. Lo que nació como un proyecto unipersonal de Kjetil Brandsdal, un loco enamorado del quilombo sonoro, derivó en un trío asesino, ruidoso y libre a la hora de crear. ¿Buscás Metal o Punk? Mejor seguí de largo si sos un purista. Pero si buscás ruido y clase al mismo tiempo, en dosis casi iguales, Noxagt te deleitan. No se toman en serio las posibles limitaciones estilísticas, se burlan despiadadamente. No hay voces, sólo sonidos y estructuras que empujan al oyente a la alienación, texturas que coquetean con el Free Jazz dentro de una bola de ruido ensordecedora. Lightning Bolt y The Melvins son citados como influencias (o similares). Tal vez sea así, tal vez no. Acá nada es lo que parece, todo es una ilusión; o mejor dicho, una alucinación. Un grupo único, dedicados a construir rascacielos endebles, que se desmoronan porque ellos mismos se encargan de tirar todo a la mierda. Se la juegan, y ganan. 
Hay que arriesgar, amigos, hay que arriesgar. Noxagt y su Noise tan singular, nos demuestran que hay que correr riesgos para ganar. Y ellos, a su manera, son triunfadores.

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - Bird´s Lament: Tribute To Moondog

Año: 2009
Sello: Parallel Corners

Un desafío excitante es éste: escuchar un disco de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble sin sentirse absorvido por la oscuridad reinante en éste EP de tan sólo un track. Un track de casi 10 minutos en donde conviven la belleza, la locura, la oscuridad, la luz, el virtuosismo y las ganas de romper moldes. ¡Que importan las etiquetas! ¡Si con grupos así lo único que importa es la música! Llámenlo como quieran: Avant-garde, future jazz, dark jazz, experimental, o lo que se les venga en gana. Yo lo único que puedo asegurarles es que esta banda es algo serio. Y si no me creen, pues entonces escuchen la línea de bajo que ejecuta Köhnen y diganme si no se sienten atrapados por la densidad y el groove que le mete con su instrumento a un tema que nos deja con las ganas de más. Presten atención al trabajo del Cello, o a lo que hace el trombón. Déjense llevar por la sutileza de una guitarra que, cuando quiere, no tiene nada de sutil. Y arrojarse a los brazos de la melancolía, lo negro, lo que está oculto, siguiendo el down tempo de una batería exquisitamente tocada por Kiers.
¿Quieren más? Ahí tienen el dueto vocal entre Cegarra y el recitado poético de G. Satan. Todo esto y más, pues nada es lo que parece, siempre hay algo nuevo para descubrir, escucha tras escucha. Pero no sólo eso hay en esta joya. Si no conocés a Moondog (artista revolucionario que es considerado un pionero en la escena del avant-garde minimalista, a quien tributan los TKDJE), tras escuchar éste chifle tan delicioso, de seguro que salís a recorrer tiendas (o la web) para conseguir material del homenajeado en cuestión. Y como no, te abre las puertas, éste tema, para seguir buceando en el peculiar mundo artístico de un combo contracultural que ya se ganó mi admiración y respeto incondicionales.
Dato para aquellos que deseen conseguir éste disco original: se vende a través del website del grupo  http://www.tkde.net/tkdenet/tkde.html.