Chencho Fernández - Dadá estuvo aquí (2014)

Hay veces que escuchas un álbum y no te dice nada o casi nada, otras veces que te impactan a la primera escucha, y otras que a base de oír canción a canción ocurre un momento en el que salta la chispa y el concepto del disco cambia completamente y pasas de tenerlo en cuenta a adorarlo. Esto fue lo que me pasó a mi con Dadá estuvo aquí de Chencho Fernández. Éste álbum se editó en el año 2014, su segundo disco en solitario, al que en su día no pude prestar atención, pero que tanto por recomendaciones de amigos blogeros, como por mi escucha a mi ritmo del mismo, ha acabado por llegarme a tocar la fibra en los últimos tiempos, poco a poco, paso a paso, como un buen vino, que se degusta con tragos buenos. Chencho, nacido en Oviedo, es un artista afincado en Sevilla (quien lo iba a decir, no lo aparenta para nada) cuya primera banda fue Sick Buzos, un grupo indie sevillano de la segunda parte de los 90 que editó sólo un álbum en 1997 "Introducción en blanco y negro", como él mismo dice su escuela musical y vital. En 2006 editó su primer disco "Nuevo debut" que no tuvo distribución, y por tanto, tampoco difusión. Después de una época de transición dedicado a otras actividades, fue en 2014 cuando por fin salió a la luz este trabajo, que parece como un re-debut, que tuvo una reedición en 2015. 
Su melancolía a la hora de contar las historias es embaucadora y su estilo es muy personal y auténtico. Se trata de un artista de esos que salen muy de vez en cuando y que es de agradecer que sea patrio y lo podamos disfrutar por nuestra tierra. Ese corazón algo maldito de Chencho desprende mucho romanticismo urbano y narra historias de amores perdidos, de relaciones que no tuvieron feliz final...
Musicalmente, podemos definirlo como un pop-rock clásico, con aires countries en ciertos pasajes, y cuyas influencias en el lado patrio están por los primeros Burning, y del extranjero por Syd Barret, Bob Dylan y Lou Reed.

El disco empieza con La estación del Prado, uno de los temas por los que me enganché al álbum, como digo de forma tardía, donde la conjunción de melodía, letra e instrumentación me parece sublime, una manera brutal de empezar. Se trata de un tema antiguo que ya estaba en Nuevo debut, pero aquí remozada, es sublime. Muchacha rural es un medio tiempo con cierto tono country, donde a una base de escobillas de percusión, se unen el bajo y la guitarra hasta que llega la voz, para describir una letra de esas de amores fugaces, en este caso una chica rural... Este matrimonio no casa es para mi una canción de pop-rock perfecta, cuya letra según me confesó en la entrevista que le hice al propio Chencho, se forjó en una discusión con su novia, y la que habla es ella, mientras él esgrime una risa inoportuna, digamos que es el punto de vista de ella en la voz de él, algo muy curioso. La garçonne, es de corte bastante clásico, con arreglos de cuerda y una letra afrancesada totalmente y esos coros femeninos que quedan de lujo, un sainete glorioso. El rayo a punto de caer es un medio tiempo delicioso, que empieza con batería, bajo y guitarra hasta que entra la voz, y aquí el aire chulesco sale a relucir hablando de dandys, y situaciones que hay detrás de las personas.
Radio Fan Club es un tema rápido, alegre, quizás el más dicharachero del álbum en el que se celebra que una sala está abierta, la celebración del tiempo que vivimos y el que nos queda por vivir. La canción, es de esos temas lentos que te enamoran, con su tono acústico de corte clásico despacha una letra absolutamente maravillosa, de esas canciones que a cualquier músico le gustaría componer con esa letra... "uno de estos días voy a darte la canción, para que no la olvides nunca jamás" ahí queda eso. Dadá estuvo aquí, tema que da título al álbum, recuerda a una antigua sala sevillana que ya no existe, metáfora de un tiempo que no volverá y donde su ritmo es muy reivindicativo ,con el riff de guitarra muy presente en todo el tema. Si alguna vez mueres jóven es un medio tiempo fantástico, otra de esas tonadas donde música y letra van de la mano de manera gloriosa, muy a destacar la línea de bajo en esta canción, donde habla de su propia muerte y su propia resurrección. Una buena noche cierra el disco, obra maestra en si misma, al estilo Tom Waits, cuya narración transcurre en una Nochebuena, y sus paradas y arranques son maravillosos, mientras te deleitas escuchando esa letra... "se acerca un frente lluvioso, dice el parte meteorológico emocional en la tele de un comercio, me digo tu ya no existes...".

He expresado mi opinión sobre este disco, de como llegué a él y qué me hace sentir, puede que otras personas lleguen de otra manera, cada persona es un mundo, pero lo que si recomiendo es escuchar este trabajo mínimo dos o tres veces, si no te entra, pues nada, no es tu disco, ahora si te entra no podrás soltarlo y dejar de escucharlo.

Os dejo con el tema Radio Fan Club.

The Soul Jacket - Black Cotton Limited (2014)

Cuando uno hace una lista de lo mejor del año, por lo menos en mi caso, es de lo que ha oído hasta ese momento, si pudiera escuchar todo lo que sale sería muy bonito, y desde luego que dichas listas variarían. En el caso de los discos nacionales, hay uno que no me dio tiempo material en su momento a escuchar, y que desde que viera a la banda en vivo en este 2015 (crónica realizada aquí) y me hiciese con una copia de él, de sabios es rectificar y admitir que lo habría colocado sin ningún lugar a la duda, entre los primeros de mi lista. Hablo del nuevo trabajo de los gallegos The Soul Jacket, de los que ya hablé aquí de su primer trabajo Wood Mama de 2012, en el que dejaban claro que no eran una banda de paso, y que su proyecto e ideas tenían una base muy sólida. Su gran arranque lo confirmaban en aquel EP titulado Gunpowder Valley, pero es definitivamente en Black Cotton Limited donde los vigueses rompen la baraja. Con un sonido muy compacto, con el rock sureño como base, con mucha carga de soul rock (que marca mucho la voz de su cantante), pero ampliando la paleta a más estilos, incluso metiéndose en terrenos de rock latino con onda psicodélica (onda Santana de los inicios) realizan un trabajo de calado que se agiganta de manera descomunal con cada escucha.

El trabajo, por si fuera poco, cuenta con Hendrik Röver a la producción, y fue grabado en los GuitarTown Recording Studios del líder de Los Deltonos. Trabajo artesanal de altos vuelos.

Toño López es el cantante, que es una especie de mezcla entre Joe Cocker y Chris Robinson, ahí es nada. Las guitarras las llevan Jorge Mizer y Guillermo Gagliardi, el Órgano Hammond corre a cargo de Xabier Vieitez, el bajo es de Jann Zerega y la batería la despacha Mauro Comesaña. También se han grabado vientos en el disco a cargo de Mike Trompy a la trompeta y Toñito Torroso al trombón.

La primera carga de profundidad es People, que deja claras esas señas de identidad, y es que la voz de Toño es puro soul, además del despliegue instrumental de la banda que es una locura, que aportan con la potente sección rítmica un toque funky bestial. Moonshine whisky rye es bastante más rock sureño, poderío rock blues donde se emparentan con bandas estilo Black Crowes, pero con los Grateful Dead de fondo. The fisherman & the silver key de aire folk inicial en plan balada, para luego desarrollar la parte movida que tira claramente a las aventuras en solitario de Chris Robinson. Where's my money? con su letra de protesta hacia los bancos que dejan a las gentes sin casas, es un tema espectacular con su mezcla de soul, funky y rock y un sólo de guitarra de quitar el hipo y ese estribillo la mar de cantable y adictivo. Sleeping bag boogie es un rock and roll de tomo y lomo, con la base de John Fogerty y los suyos metidos hasta el tuétano. Brothers I, II y III juega a ser una miniópera de rock sureño y en muchos momentos los consigue, y desde luego demuestran la madurez de la banda, siendo la segunda parte la más rockera y salvaje y la tercera la más country.

Black Cotton con el inicio de la guitarra es una barbaridad, un disfrute absoluto de tema donde la música corre y fluye a ritmo de gran blues rock. Pictures on the Wall es un baladón blues donde Toño desata su poderío vocal al mejor estilo soul de Joe Cocker. Flamingos sigue ahondando en el soul con una calidad extrema y esas percusiones gloriosas. The bóxer es un abuso, rollo funky soul de cagarse por la pata abajo, estirando la paleta más todavía, con ese aire a Bobby Womack. Do it right te deja con la baba colgando, soul como una catedral. Smokin' house es de corbata de seda, desatando una mezcla con aire a humo de garito de las 6 de la mañana (¿chill out-soul?) incluso after hour. Natalie cierra la joya, una balada de country-soul maravillosa.

En definitiva un disco donde la siempre espectacular voz de Toño López no pierde relevancia ante una mayor atención hacia la instrumentación y la banda da la sensación de crecer a pasos agigantados con cada una de sus canciones, consiguiendo un conjunto espectacular en muchos momentos.

Os dejo con el tema People.

Kaiser Chiefs - Education, Education, Education & War (2014)

La sensación de los últimos años, pongamos 10-12 años, de la música británica es un tanto dispersa, por un lado hay grandes grupos como Franz Ferdinand y Arctic Monkeys que siguen demostrando disco a disco que lo suyo no era flor de un día y han mantenido el tipo e incluso realizan discazos a día de hoy. En 2005 aparecieron Kaiser Chiefs, con un primer disco rompedor, lleno de temazos, mucha energía y letras que llamaban la atención y con dirección aparente al público adolescente. Su segundo álbum mantuvo el nivel, pero el bajoncillo vino en el tercero, intentado recuperarse en el anterior The future is medieval. Editaron el recopilatorio de singles Souvenir y hace justo dos años el batería Nick Hodgson abandonó el grupo, cosa que quizás en otras bandas pueda no tener una importancia suprema, pero aquí era uno de los principales compositores, por lo que se creaba un cisma en el grupo, que no se sabía como saldría adelante. Pues, para sorpresa de muchos, es un gran disco, o por lo menos a mi así me lo parece, con una formación que ha recuperado brío y un disco con 10 temas realmente variados y sugerentes. No van a salvar el rock británico, pero van a hacerlo menos lánguido y ñoño.

El trabajo vino precedido de polémica y no precisamente por el tema musical, sino por la portada del disco, ya que una empresa que construye fragmentos de bicicletas acusó a la banda de plagio, al robarles dicho logotipo de la misma, Sturmey Archer, para la portada del álbum. Por ello dicha empresa los ha rebautizado como "Kaiser Thiefs".

Desde el grupo aseguran que la portada "homenajea" a los embalajes de la fábrica, además de que según ellos las letras del disco son una mirada al pasado de Gran Bretaña, incluyendo un homenaje al legado de Sturmey Archer mediante el uso de su diseño, sin intención de molestarlos.

Sea como fuere, y centrándonos en el tema musical que es lo que me interesa, vuelven a su esencia con temas enérgicos muy bien acabados que por momentos rozan el punk, y baladas muy buenas que para mi dan en el clavo y con un Ricky Wilson (cantante de la banda) que a pesar de pasarse a jurado de The Voice (cosa por la que aquí sería ultrajado) mantiene una voz espléndida.

Comienza el álbum con The Factory gates, canción cuyo sonido de gaviotas inicial precede a la entrada chirriante de teclados (muy presentes de siempre en el sonido del grupo) guitarra y sección rítmica con esa voz de Ricky mandando, tema potente que deja claro que este no es un disco más. Coming home fue la balada elegida como primer single, bajo mi punto de vista un temazo de cabo a rabo, con una preciosa melodía que se te va metiendo poco a poco hasta conquistarte y unos acertados cambios de ritmo, además del estribillo tremendo. Misery company vuelve al rock humeante que tan bien se le da a esta banda cuando lo hacen bien, gran tema (que para mi debería ser single en algún momento) con cambios brutales y una onda pelín oscura muy agradable. Ruffians on parade con una entrada atropellada de la batería y esa guitarra que describe la melodía nos introduce en una canción muy llamativa de cambios constantes y muy potente. Meanwhile up in heaven es el baladón en mayúsculas del disco, para mi una melodía tremenda con el teclado constante que se te mete en la cabeza y no se va, de esos singles cantables una y otra vez. One more last song recupera brío, fuerza y garra con gran acierto, otro pepinazo en la mejor onda de la banda. My life es un medio tiempo fantástico, otro single rotundo, de los que gana muchísimo con las escuchas y ya no lo puedes soltar con ese estribillo tan tarareable y un sólo de guitarra muy bueno. Bows and arrows recupera esa lado oscuro que tanto me gusta cuando ellos lo practican, con una melodía potente y unos cambios acertadísimos y un muy destacable trabajo a las baquetas del nuevo batería Vijay Mistry. Cannons es el tema más largo del álbum (cuando hasta este momento los temas están en su justa duración) y dónde aparece la letra del título del álbum que hace referencia a un discurso sobre educación de Tony Blair, un buen tema algo barroco con una última parte que para mi sobra. Roses acaba el ábum, una balada tierna como acertado y correcto final.

Me congratula la recuperación de un grupo, al que pensaba perdido, pero que afortunadamente ha superado con nota la fuga de uno de sus activos, con un álbum que desde luego pasa a engrosar la lista de buenos discos de este año y de los mejores del grupo.

Este texto fue escrito por mi para Exile SH Magazine y ahora reposa en mi espacio.

Os dejo con el tema Ruffians on parade en vivo.

AC/DC - Rock or bust (Disco) (2014)

Seis años después de Black Ice, su último trabajo de estudio, salpicado con algún directo como el de River Plate, para hacer más amena la espera, el grupo de rock and roll por excelencia australiano AC/DC editan su decimosexto álbum de estudio, Rock or bust. Un disco que aparece en uno de los momentos más complicados de la banda, desde la muerte de Bon Scott en 1980, y es que a la traumática baja por demencia de Malcom Young, se ha unido la historia de conflictos con la justicia del batería Phil Rudd, con el que no sabemos si se va a poder contar para la gira mundial. Así pues, el disco se ha grabado con Angus Young como guitarra solista, Stevie Young (sobrino de Malcom) en la guitarra rítmica, Phil Rudd a la batería, Cliff Williams al bajo y Brian Johnson al cante. Malcom aparece como compositor, ya que muchos riffs fueron ideados a pachas con su hermano (según declaraciones de Angus).

El disco en si es muy directo, 35 minutos de puro y duro rock and roll, para qué más.

Los dos primeros cortes son dos pepinazos a la yugular, Rock or bust, como ya adelanté aquí cuando puse el vídeo, donde la letra “In rock we trust, it’s rock or bust” se erige como una declaración de principios en el estribillo. Play Ball es quizás menos agresiva, más llevadera, pero igual de buena en su resultado final, con un estribillo la mar de pegajoso y adictivo. El que no se de cuenta después de los dos primeros cortes de que la banda sigue a pleno rendimiento y en su línea, es que no tiene oído. Rock the blues away es un tema que me recuerda más al grupo en los 80, con esos coros melódicos y festivos. Miss adventure tiene un potente riff, y me recuerda en parte a Thunderstruck por las voces y los coros. Dogs of war será single sin duda, con un estribillo muy marcado y en esa línea de rock con coros fuertes. Got some rock and roll thunder es un tema muy bluesero y hasta con aires de rock sureño, pero claro con la marca de los australianos. Hard times es un boogie con gotas de blues, que en los últimos trabajos tanto gusta al grupo meter en los discos, aunque es más lenta de ritmo. Baptism by fire recupera mucho ritmo con Brian excelente a la voz (me recuerda a Fire your guns) que huele a estilo setentero. Rock the house me parece un tema muy zeppeliano, donde Brian se vuelve a salir del tiesto y Angus en el sólo es muy Jimmy Page, curioso.

Los dos últimos temas es donde el disco para mi decae un poco, con Sweet Candy con un ritmo rockero bastante sencillo y Emission Control bastante simple y puede que el tema de relleno.

En resumen un disco necesario para salir de gira, con varios pepinazos incontestables para el directo y que ahonda en un estilo de rock and roll que no sorprende, pero que ellos hacen como nadie, porque en esto son los reyes y nadie les tose. Les acusan de hacer siempre lo mismo, pues por mi que sigan así, porque me encanta lo que hacen, no les pido ni experimentos ni leches en vinagre, les pido lo que me han dado siempre, que es mucho y buen rock and roll.

Os dejo con el tema Dogs of war.

Neil Young - Storytone (2014)

Hoy Neil Young cumple 69 años, ahí es nada, y aquí lo celebramos hablando de su nuevo disco Storytone. Este año, el canadiense ya editó su frikada particular "A letter home" que bajo mi punto de vista, era una de esas cosas que a un genio como él... le podemos permitir que haga, como si fuera un divertimento. Pero con este nuevo disco, se ha puesto serio de nuevo, y ante todo nos demuestra que es capaz a sus ya 69 años, de seguir arriesgando, y sobre todo de mantener un estado de forma, que muchos de su generación no le aguantan.

Ante todo, decir que este álbum es doble, primero contiene las canciones desnudas, tal y como Tío Neil las compuso acústicas y luego en el segundo disco con las versiones orquestadas de dichas composiciones. Esa orquesta de 92 miembros, la dirige Michael Bearden, con gran acierto. Pero lo que más me gusta de este nuevo disco, es que nuestro Tito Neil sale a bailar en gayumbos, y si me apuras con las zapatillas de estar por casa y se monta una fiesta en un pequeño pueblo a su aire, con calma, pero con sapiencia.

Cuando dicen que el rock está muerto... es que no han oído a Neil que se reinventa una y otra vez y le sigue dando vida de múltiples formas.

Además este álbum, tiene la, últimamente curiosa habilidad, de que gana muchísimo con las escuchas. Además la atracción de la voz del genio y su manera de emocionarme siguen ahí muy presentes. Y ojo que eso de mezclar rock y orquesta me recuerda a eso del choque de dos placas tectónicas que producen un terremoto... transmisión de energía sin duda.

El primer tema Plastic flowers, es una gozada para los oídos, con un piano de base y la voz es maravillosa, donde él se sienta a ver como el agua corre, y la naturaleza sigue su curso. Who's gonna stand up? es una tonada de esas que te ponen la piel de gallina, con un banjo que lleva el ritmo, en plan campestre y country, tiene un estribillo demoledor, un tema para reflexionar de que quizás ya sea demasiado tarde para salvar la tierra. En I want to drive my car notamos al Neil guerrero, bluesero y rockero, además se nota que está afectado por la separación de su mujer de toda la vida, y él quiere conducir su coche, y olvidarse de ese dolor. En Glimmer también sale a relucir su situación actual, también acompañada de piano, y con su voz dominante. Say hello to Chicago es el tema más estilo swing o de barra americana, con una armónica muy presente, muy bien resuelto. En Tumbleweed nos sorprende con un ukelele, que suena genial para que su letra de cierta nostalgia se cuele en nuestros oídos. Like you used to do con esa armónica introductoria, nos avanza una guitarra rockera que lleva el ritmo, haciéndose pasar por un Sinatra con botas rockeras. I'm glad I found you tiene una letra tan emotiva y tan profunda que sobran las palabras. When I watch you sleeping es una obra maestra, estilo Heart of gold, de esos temas que te dejan para atrás, sólo hay que oír y disfrutar de esta maravilla. All those dreams cierra el final del trayecto, del camino recorrido entre sueños, y vistas atrás con ese banjo campestre.

En el segundo disco, muy destacables para mi las versiones orquestadas de Who's gonna stand up?, I want to drive my car, Say Hello to Chicago (versión crooner total), Tumbleweed (en plan cuanto de adas), Like you use to do (estilo swnig-blues brutal), I'm glad I found you (tremenda) y All those dreams.

 

Storytone en definitiva nos recupera al mejor Tío Neil, sin quizás ser su mejor disco, pero tiene varios momentos geniales y sobre todo un disco que me está ganando con cada escucha y le estoy cogiendo un cariño tremendo.

 

Os dejo el tema When I watch you sleeping interpretado en directo.

 

Foo Fighters - Sonic Highways (2014)

Foo Fighters, después de 3 años de silencio editan Sonic Highways, su octavo disco de estudio. Como es lógico nos encontramos ante un disco de rock por los cuatro costados, pero con cambios y evoluciones, de hecho el grupo ha grabado un documental de ocho capítulos para la cadena HBO en el que cuentan paralelamente las influencias de las que beben y aprovechan para relatar la música de Estados Unidos a través de 8 ciudades distintas (Chicago, Austin, Nashville, Los Ángeles, Seattle, Nueva Orleans, Washington D.C. y New York). Para hilar la historia y que fuese coherente, la banda grabó cada canción del disco en cada una de esas ciudades, para intentar reflejar ese momento y esa experiencia que cuentan en la serie.

Y la verdad es que el disco suena muy americano, eso es innegable, pero sin perder señas de identidad de la banda. Butch Vig coproduce el álbum junto con el grupo y desde luego se nota en lo contundentes que suenan todas las canciones.

Pero ojo, no hay que dejar de lado que aunque el trabajo de disco + documental es irreprochable, yo me centro en la música, que al fin y al cabo es lo que me interesa.

Something from nothing abre el disco, el primer single, con un guiño al tema Holy Diver de Dio en uno de los riffs de guitarra, pero nos encontramos ante un tema de comienzo tranquilo que se va alborotando para acabar de manera rotunda y muy rockera. The Feast and the Famine es la que más me recuerda a trabajos anteriores y a los Foo Fighters más reconocibles, un tema de desarrollo fuerte y rápido desde el inicio, con Dave Grohl desatado a la voz, coros épicos y una parte media simplemente bestial. Congregation es un tema más clásico y melódico, con riffs que apuestan por menos amplificador y más desarrollos melódicos, pero quizás es un  tema algo largo de duración, en 3 minutos y medio habría quedado liquidada.

What Did I Go?/God As My Witness es un tema de aire bluesero que como ya dice el título se divide en dos partes, la primera juguetona y alegre, para a la mitad recuperar la melodía inicial hacia un lado más nostálgico. Outside, el quinto corte, recupera caña desde el inicio para luego pasar a los versos que canta Dave en tono más pop, el tema tiene incresendo y rompe en el estribillo, tremendo temazo. In the clear tiene un inicio con arreglos orquestales bastante curioso y algo pomposo, y de hecho es quizás el tema que suena menos a Foo Fighters, el menos reconocible, con estrofa sencilla y estribillo repetitivo. Subterranean es una tema lento, en plan balada, bastante oscuro, pero no me acaba de explotar a pesar de unos arreglos de cuerda preciosos, parece como si la canción no terminara de rematar.

I am a river con bonitos arpegios de guitarra al inicio nos dan la bienvenida, para una canción bien ejecutada, muy buena la entrada de la batería, bonito estribillo, y en conjunto un tema bien estructurado y desarrollado, sin olvidar que es el más largo del álbum.

En definitiva un disco que no es el mejor de la carrera del grupo, ni mucho menos, pero que si aporta cosas en su evolución, algunas positivas y otras negativas. Pero suele pasar, que después de un discazo como Wasting light cueste igualar el nivel, o por lo menos acercarse...

Os dejo con el  vídeo del tema The feast and the Famine.

U2 - Songs of Innocence (2014)

 

U2, el grupo irlandés, lanza nuevo álbum a través de iTunes, previo acuerdo con Apple (lo que hizo que sus acciones subieran) esa era la noticia a principios de septiembre. A mediados de octubre estará disponible en formato fśico y en edición de lujo. Este año ya habíamos tenido noticias de que U2 podrían lanzar un nuevo disco, y eso se ha confirmado, bajo el título de Songs of innocence. Lanzaron dos singles: “Ordinary Love” para la BSO de Mandela: Long Walk To Freedom, e “Invisible”para una campaña contra el SIDA, digamos... adelantos, que luego no están incluídas en la edición normal del disco.

Hasta aquí esta es la noticia, pero a día de hoy, musicalmente hablando, U2 ya no me dice nada, y lo que es peor, hace 14 años que no me dice nada. Su último disco con buenas canciones, bajo mi punto de vista, fue All that you can´t leave behind, a partir de ahí dos discos que básicamente se podían haber ahorrado y un declive musical terrible, eso si, haciendo giras basadas en sus temas antiguos, donde claro, sacaban rédito económico.

Pero el problema de Bono y sus chicos es tremendo, porque han sido una banda que en los 80 y 90 han hecho grandes discos, han sido muy buenos, y esa época la adoro, pero como siempre digo, cuando un grupo nota que ya no tienen nada que decir es mejor retirarse a tiempo y quedarnos con un gran recuerdo, pues no, los irlandeses se empeñan en seguir manchando su imagen, y lo que es peor para su fama, es que ahora ya se les meta en el mismo saco con Apple, en este caso, y se vaya más a lo comercial, que a lo meramente musical, donde la banda ya no tiene nada que decir.

Y ojo, porque es un grupo que supo reinventarse a finales de los 80, cuando parecía que su época de esplendor se acababa y sacaron su gran obra maestra, Achtung baby. Recuerdo como en el anterior e infumbale "No line on the horizon" hicieron el viaje a Marruecos, a ver si así recuperaban inspiración, como en su día para la grabación de aquel mítico disco, pero ya no la había, probablemente un disco totalmente prescindible.

Lo peor de todo es que en la primera escucha de este artefacto, parece como que la banda quiere sonar bien, pero sin hacer daño y sin arriesgar una castaña, un pop de cristal, de ese tipo que cuando ha pasado el tema no te quedas con nada y ni la recuerdas, y encima por si fuera poco, dedican el primer tema a Joey Ramone, que si levantara la cabeza haría lo que se puede ver la imagen de abajo, meterle a Bono el móvil por el ojete. The miracle (Of Joey Ramone) es un tema del montón, con una melodía que lo intenta pero aburre, y esos coros prescindibles... mal empezamos y encima ese deje al final de las frases de Bono que me aburre mortalmente. Every breaking wave es una baladita que se queda en un intento de ser un buen tema, pero ya no me la cuelan, ya no me emociona, no me llega. California (There is not end to love) con ese comienzo de vocecillas me echa para atrás, dios santo entre los últimos Coldplay y esto me da un ataque, es que tener que oír esto con lo que han sido... Uooo Uooo Ohhhh, por favor... Song for someone sigue en la línea sosa del disco y cuidado que si me dijeran que es un grupo que empieza no le prestaría la menor de las atenciones, otro tema prescindible con esas dobles voces. Iris (Hold me close) con más vocecillas... hace que me vaya durmiendo lentamente, madre mía a lo que ha llegado este grupo. Volcano con el comienzo del bajo parece querer decirte algo, pero ya viene Bono a dejarte claro que no, que se ha despertado con bostezos y que no... que volvemos a la misma miseria. Raised by wolves es otro coñazo de tema que no arranca, y los desvaríos de Bono me hacen echarme la siesta, hasta que cambia muy tarde para terminar en fango. A partir de aquí me canso... ya no les soporto más, Cedarwood road donde quieren volver al rock... pero no, va de coña, ya no pueden. En Sleep like a baby tonight me duermo totalmente, si quieres quedarte sopa ponte este tema. Y tanto en This is where you can reach me now, como en The troubles... la atmósfera de somnífero se ha apoderado de mi tanto que ya no me quedan ganas de nada.

 

En definitiva, y como dije hace tiempo, este grupo chochea y debería dejarlo, por el bien de la humanidad, ya no van a remontar, están una cuesta abajo de esas de ir sin frenos y a lo loco... Que alguien les recoja cuando caigan y los ponga en su sitio porque dan mucha pena.

 

Os dejo con ese milagro de Joey Ramone, al que a este paso resucitan pero para que les pegue.

 

Ryan Adams - Ryan Adams (2014)

Mucha espera son 3 años para un artista del calibre de Ryan Adams, que en la primera década de este siglo ha facturado discos de manera muy prolífica, tanto que no había un año sólo o en compañía de los Cardinals, que no sacara disco el buen hombre. Y no hablo de discos culaquiera, algunos de ellos de lo mejorcito que se ha facturado en esa década, Gold, Rock and roll, o aquel Cold Roses con los Cardinals, tanto en la vertiente rockera, como en la más country y folk del de Jacksonville, y no olvidemos su última joya de 2011, aquel genial Ashes and fire.

Y llega 2014 y nos adelantó hace un tiempo un single, Gimme something good, un buen tema (del que hablé ya aquí) y que además recupera al Ryan más pop-rock de buenas melodías.

El disco navega por ahí, entre melodías que son agradables, un sonido pop-rock de guitarras bien acentuadas, y dejando el lado country y folk más aparcado, aunque también presente en menor medida. Es Ryan Adams, un musicazo, pero por momentos es un disco que me pide el cuerpo algo más, después de 3 años, esperaba quizás algo más potente o que me soprendiese de alguna manera. A veces la catarata compositiva no dura todo lo que nos gustaría, y todos los artistas tienen sus subidas y bajadas. Ojo, no digo que el disco sea prescindible, ni mucho menos, es un disco agradable al oído, con muy buenos temas, y un sonido muy limpio que me encanta. Pero cuidado, que con las escuchas gana muchísimo, como me pasa con el disco de Gaslight Anthem.

Comienza el álbum con Gimme something good con esos guitarrazos y el teclado que anuncian el gran tema que es, potente, con fuerza y su voz ajustada perfectamente que nos lleva a un tema de gran pop, porqué no decirlo. Kim sigue con un ritmo algo más lento, pero bien llevado y con buena melodía, gran tema. Trouble es un temazo de tomo y lomo, desde el principio, canción redonda con pedazo de melodía, singelazo brutal que debería sonar por todos lados. Am I safe es otra gran canción, con el toque acústico del principio, pero desarrolando una letra y melodía arrebatadoras de principio a fin, de esos temas que ganan una barbaridad con las escuchas. My wrecking ball es curioso pero me recuerda en el principio al Bruce Springsteen más acústico, además de coincidir en título con un disco del Boss, cosa curiosa, tema de tono tranquilo y con dominio de la voz. Stay with me vuelve a la senda de pop-rock de buen gusto que despacha la mayoría del álbum, buenos cambios de ritmo y bien desarrollada con ese estribillo. Shadows es un tema más oscuro y quizás sombrío, pero no por ello menos bueno. Feels like fire sigue por la senda marcada, tema de aire pop rock con una batería algo repetitiva y machacona. I just might con esa guitarra a modo de intro, que sigue siendo el hilo conductor haciendo la labor de la acústica que en su día serviría para componer el tema, buena canción de voz y guitarra sin sección rítmica casi. Tired of giving up es un gran tema pop, delicia compositiva, y un estribillo atractivo. Let go cierra el disco con la guitarra acústica y algo de melancolía.

Buen disco el de este songwritter que siempre tiene perlas a las que acudir en cada uno de sus trabajos, a veces es el disco entero, a veces la mitad, a veces tres cuartos.

Os dejo con Stay with me interpretado en vivo en julio de este año en el State Theatre de Portland.

The Gaslight Anthem - Get hurt (2014)

 

Hay cosas que no cambian, y en este país menos. El día 11 y 12 de agosto se puso a la venta en Europa y Estados Unidos el nuevo trabajo de la banda de New Yersey, The Gaslight Anthem, pero claro cuando decimos Europa... España, en agosto sigue estando fuera del mapa (este país sigue cerrado a cal y canto en este mes), ya que hoy he adquirido el disco, porque hoy ha llegado a las tiendas, de traca.

Muchos cambios apuntaba su líder Brian Fallon sobre el nuevo álbum, y los hay, ya que él decía que no era el típico disco de Gaslight Anthem y en efecto, han cambiado cosas, quizás el enfoque de los temas, o por lo menos de la mayoría de canciones del disco. Veníamos de Handwritten, un gran disco con temas excelentes, quizás muy enfocado a crearse un puesto importante dentro de la música, pero con canciones por delante y singelazos rompedores con una producción algo mejorable.

En Get Hurt, las guitarras parecen hacerse más duras y dominar el trabajo, pero hay señas de identidad que nunca se pierden, y tanto la voz de Brian como determinados temas son factoría Gaslight, cosa que se nota en las más lentas. Lo que queda claro, es que el grupo está en un gran estado de forma, tiene mucha fuerza y además... de canciones buenas van sobrados.

En cuanto a las letras, la reciente ruptura matrimonial de Brian se nota, letras que han pasado del amor a la catarsis, con rabia, y como una carta abierta en ocasiones.

 

 

En cuanto a los temas, ese comienzo furioso con Stay vicious y 1,000 Years impresiona, aunque puede confundir, ya que el atronador comienzo de las guitarras y esa voz de Fallon sacada casi de una cueva, se vuelven las de siempre a los 50 segundos de tema. En Get hurt, tema que da título al disco vuelven los mismos chicos de New Jersey, con esas guitarras tranquilas, y esos medios tiempos que se les dan de vicio. Stray Paper y Helter Skeleton siguen por la senda rockera, ojo son temas que para directo son rompedores. Underneath the ground es un medio tiempo que hace de nexo de unión o puente perfecto. Rollin' and tumblin' es un singelazo de tomo y lomo (ya revisado aquí) que será sin duda estrella en los conciertos con un ritmo bestial y un estribillo muy molón. Red violins es otra canción típica del grupo, con esos cambios de ritmo donde Alex Rosamilia apuesta más por líneas de guitarra que por sólos, muy acertadamente. Selected poems, es de esos temas rabiosos donde Fallon descarga su momento actual, y Alex se sale en el sólo con la sección rítmica a tope. Ain't that a shame puede parecer un tema que sobra, para nada, es otro más de su inagotable factoría, enérgico y con garra. Break your heart por fin apacigua el disco, con esa entrada de guitarra acústica deliciosa y donde la letra demuestra algo de tristeza. Dark places acaba el álbum, quizás la canción menos inspirada, pero con todo y con eso la salvan a base de ser insistentes en su estilo.

En la edición deluxe que un servidor ha conseguido, hay 3 temas extras y de ellos destaca Sweet Morphine, una balada que para mi es realmente gloriosa con una melodía preciosa. Mama's boys introduce una armónica para esperar a la voz y a la sección rítmica, un tema nada despreciable. Halloween parece el típico descarte, pero nunca está de más bajo mi punto de vista incluirlo, ya que tiene partes destacables sobre todo en la voz de Fallon y los coros.

 

No es el mejor disco de The Gaslight Anthem, aunque a estas alturas tampoco creo que necesite serlo, ya que es una banda que factura en cada nueva entrega un mínimo de 7 u 8 joyas que hacen engordar su ya extenso repertorio. Eso si, mejora y mucho con las escuchas, como todo trabajo en el cual hay cambios (que para mi no son tantos), pero esperemos que estos chicos no se pierdan y no les abandonen las musas, porque tienen mucha calidad.

 

Os dejo con el tema 1,000 Years interpretado en directo en unas sesiones.

 

 

Tom Petty & The Heartbreakers - Hypnotic Eye (2014)

De todos era sabido que hoy es el día que se pone a la venta en las tiendas el nuevo trabajo de El Rubio de Florida y sus Rompecorazones. Mucha comparativa noto con Mojo, y son dos trabajos que poco tienen que ver, ya que en el anterior disco de hace 4 años la banda experimentó y buscó sorprender dentro de un estilo donde la sorpresa sólo cabe a los elegidos, y a fe que lo consiguieron, porque es un discazo de tomo y lomo.

Pero en Hypnotic Eye, vuelven a la senda de siempre, eso si, con temazos, desde luego si hay que volver a la senda clásica, que sea así con cancionacas como estas, por tanto bienvenido el disco que probablemente será uno de los discos de año.  

Eso si, cuidadín con la portada que puede provocar estrabismo. La pena, como siempre, será lo difícil de poder ver a Tom Petty & The Heartbreakers en directo, ya sabemos del miedo a volar de Petty.

Comienza el álbum con American Dream Plan B con ese rotundo riff de guitarra de Mike Campbell que te deja con el cuerpo dado la vuelta, y un cambio de ritmo tremendo para entrar la melodía, ese juego entre las dos partes de la canción es extraordinario, a parte de la voz de Petty que sigue siendo preciosa. Fault lines, con esa entrada de la sección rítmica y la guitarra es asombrosa para luego desarrollar una fantástica melodía con ese toque medio melancólico brutal. Red river desarrolla un buen rock and roll de proporciones gigantes en algunos momentos, de esos temas que siempre suben el nivel de un disco, con ese estribillo y coros de vicio. Full grown boy es un tema pausado, como contrapunto al inicio demoledor del disco, perfecta transición donde Petty es el protagonista con su melódica voz. All you can carry vuelve a la senda del rock and roll a tope, desaforado y por la línea correcta, sin descarrilar, perfecta melodía y ritmo de guitarra realmente glorioso. Power drunk va a las raíces del blues (quizás el tema que si va más en la onda de Mojo) con un ritmo contagioso, y un desarrollo muy bien encauzado con la guitarra de Mike en plan estelar, porque vaya sólo se marca. Forgotten man es otro tema rápido, de gran empaque y ese aroma a rock and roll añejo que tanto me gusta. Sins of my youth es una pieza delicada, casi una nana al estilo Tom. U get me high es otro de esos ritmos potentes de guitarra del disco, temazo sideral de proporciones gigantescas, de esos que te reafirman que este tipo es necesario es nuestras columnas vertebrales musicales, coros deliciosos, estribillo estelar y carne de gallina como no. Burn out town es otro blues cargado de country y de esencia de raíces de la música americana, con esa armónica que es una maravilla. Cierra el discarro Shadow people con la entrada del piano, y ese ritmo de guitarra oscuro pero de puro rock and roll, vaya manera más grande de acabar un disco, con un Petty en estado de levitación vocal.

En resumen, un disco de máximo rock and roll para ser degustado con una cerveza helada, con los calores que corren.

Os dejo con U get me high, una de las muchas canciones en letras mayúsculas del disco, interpretada en directo en gira.

Manic Street Preachers - Futurology (2014)

El año pasado los galeses Manic Street Preachers adelantaban que tenían material para dos discos, pero que ambos serían distintos, el lanzado a finales de 2013 "Rewind the film" más acústico, e intimista, e incluso con tonos casi navideños (colaboraba Richard Hawley). Esta es la segunda entrega, "Futurology", más reivindicativa, más europea, no tan en la onda kraut que barruntaban ellos mismos, pero si bastante alemana. Dentro del álbum hay una clara temática de la situación de Europa, y de la sociedad actual, y la incertidumbre por el futuro, algo bastante habitual en la larga carrera del grupo que siempre se ha mojado en temas políticos claramente. El problema que detecto en una primera escucha es la producción a cargo de Loz Williams casi toda, demasiado ochentera bajo mi punto de vista, aunque en el fondo hay bastante del Bowie de la trilogía berlinesa...

Futurology abre el disco, una canción de buena melodía, y estribillo con una parte acústica al principio y luego un cambio a tema de puro pop-rock. Seguimos con el primer single Walk me to the bridge, un tema animoso, de buenas intenciones, pero con una producción que para mi destruye lo que podría ser una gran canción. En Let's go to war se tratan cuestiones como las excusas para la guerra y las falsas economías que hablan falsamente sobre tus sueños, en una canción que nos recuerda a los Manic de los primeros 90 más guerreros y tirando al punk-rock. The next jet to leave Moscow es un tema claramente pop que habla del revuelo que causó hace unos años su visita a Cuba donde actuaron. Europa Geht Durch Mich, es un tema de pura reivindicación donde colabora la actriz Nina Hoss (protagonista de la serie "Barbara"), y dónde no hay nada al azar, un tema quizás algo machacón, pero muy convincente. En Divine Youth colabora Georgia Ruth Williams, una balada lenta que es el contrapunto a la segunda parte del disco. Sex, Power, Love and money habla de la obsesión por el capital, rotunda, bien acabada y musicalmente novedosa, con guitarra cañera, y un estribillo enorme, podría ser eñl mejor single del álbum. Dreaming a city (Hughesovka) es el tema instrumental del disco, una mezcla de rock y electrónica bastante acertada, casi de banda sonora. Black Square es quizás la canción mejor elaborada del disco, un temazo de tomo y lomo, melodía, cadencia, la voz de James Dean Bradfield tremenda, y un acertado teclado aquí, que da sentido a todo. Between the clock and the bed es otra gran canción, dónde colabora a la voz Green Gartside, en tono medio, casi pop delicado. Misguided Missile ahonda en los terrenos más crudos, electrónicos y glam, que realmente dominan el disco, muy en esa onda de finales de los 70, con el bajo de Nicky Wire muy presente. The view from stow hill es una mezcla de tema acústico y electrónica bastante conseguida que junto a la precisa aportación de Sean Moore a las baquetas, hace de esta canción que sea muy atrayente. Mayakovsky cierra el álbum, un caos sonoro que empieza con la batería y la guitarra muy rompedoras para desgranar un ritmo muy pegadizo, que tras subidas y bajadas vuelve, es casi como una jam sesión perfecta para acabar un buen disco.

La edición que yo tengo adquirida incluye un segundo cd con todas las demos (13) de los temas del disco y 3 bonus tracks. Desde luego si valoramos los dos trabajos juntos, he de decir que no pasan inadvertidos, aunque yo prefiera este por la onda que tiene. No creo que la banda pegue otro petardazo como en los 90, aunque nunca se sabe, pero no creo que a estas alturas lo necesiten.

 

Os dejo con el tema Europa Geht Durch Mich.

 

Kasabian - 48:13 (2014)

Quinto disco del grupo de Leicester, que están ya consolidados como una de las grandes bandas de Gran Bretaña, no sin cierta falta de reconocimiento de algún sector algo retrógrado. En éste trabajo deciden arriesgar otro poco más, quizás su evolución no sea tan grande como lo fue en Velociraptor!, pero nunca debemos olvidar que Kasabian es un grupo de electrónica que cuando lo quieren mezclar con rock han sido grandiosos, y ese es para mi su gran punto fuerte.

Sin embargo, a pesar de que el disco contiene auténticos bombazos y rompepistas, el resultado en cojunto se queda algo menos compacto que su anterior álbum. Sergio Pizzorno sigue al mando de las composiciones y Tom Meighan cantando de lujo.
Eso si, es un disco que con las escuchas (como está pasando con varios discos últimamente) gana muchísimo.

La pequeña intro de (Shiva) sirve para chocarte de frente con el primer corte explosivo del disco que es Bumblebeee, un cañonazo de rock y electrónica a partes iguales que el grupo sigue facturando como rosquillas, donde destacan unas segundas voces arrolladoras. Stevie con una leve introducción de cuarteto de cuerda, irrumpe con un ritmo fantástico en una canción que recuerda mucho a la onda del anterior disco. (Mortis) es el siguiente corte de transición para que llegue Doomsdey un tema que va a ser clásico también en sus conciertos, muy en la onda electrónica-rockera con estribillo accesible. Treat nos traslada más a su primer trabajo, tema casi experimental y de onda muy electrónica. Glass es quizás el más psicodélico y lisérgico tema del disco, muy de onda Pizzorno con cambios de ritmo muy acertados. Explodes sigue en la línea de experimentación con teclados casi en onda Kraftwerk, y una melodía acertada. (Levitation) es la tercera microcuña que sirve para enlazar con Clouds, una canción en el mejor estilo de la banda inglesa y que desde luego a mi me resulta el tema más excitante del disco, muy bailable a la vez. Pero si hablamos de rompepistas, Eez-eh cumple esa premisa totalmente, y por eso quizás fue elegida primer single sin duda algúna, tema redondo y muy potente. Bow navega a medio camino entre la balada y la evolución, y se queda como a medias, sin definir del todo. S.P.S acaba el disco tranquilamente con coros y preciosas voces en una bonita balada. 

 

En definitiva, un buen disco, que sirve de gran excusa para petar estadios, festivales y todo lo que se les ponga por delante, porque en directo son una auténtica apisonadora.

 

Os dejo con Eez-eh interpretado en vivo en el programa de Jools Holland, un tema para reventar pistas y que yo ya he comprobado en mis sesiones.

 

Jack White - Lazaretto (2014)

 

El próximo 9 de junio sale el segundo álbum en solitario de Jack White, Lazaretto, un disco esperadísimo por mi, y entiendo que por mucha gente, ya que queramos o no, te guste o no, estamos ante uno de los genios del siglo XXI, aunque empezara su andadura con White Stripes a finales del siglo XX. Y qué queréis que os diga, después de dos escuchas concienzudas... me sigue pareciendo que este tipo tiene mucho que decir y lo dice y hace muy bien. Lazaretto contiene 11 temas, que abarcan multitud de estilos, es decir, rock and roll de alto octanaje y enérgico, country-folk campestre, y pasajes más experimentales y oscuros, pero con su sello particular siempre presente y la debilidad de Mr. White por explorar entre los sonidos más extravagantes, misteriosos e incluso podría decir que de toda esa mezcolanza tenemos el propio sonido con marca Jack White, que procedente de Detroit vive en Nashville de lo más feliz con su propio estudio y su propio sello discográfico Third Man Recordings.

Para mi este hombre conjuga a la perfección el ser un defensor de las técnicas añejas y analógicas de grabación, y a la vez mezclarlo con un sonido actual y contemporáneo.

 

 

El disco comienza con Three Women con ese teclado y la batería que anuncian un tema cañero, y efectivamente lo es, a partir de ahí su voz y la amalgama de sonidos se mezclan con la melodía para entregarnos una canción enérgica tremenda con la que comenzar el disco. Lazaretto refleja a la perfección lo que digo de la experimentación y sonidos oscuros, pero con el sello de Jack patente en todo momento gracias a ese ritmo curioso de la guitarra, su voz y esos ecos a los Led Zeppelin, un tema fantástico que no me extraña nada que sea single, sin olvidarnos de ese maravilloso punteo solista. Temporary ground es un tema de country-folk campero, con esos violines, y esa sensación de estar en el campo disfrutando de un día sensacional, además de los coros femeninos que tan bien le sientan al de Detroit y que sabe dosificar con elegancia. Would you fight for my love? con ese teclado y guitarra iniciales que te anuncian algo, para luego pasar a las voces a coro que permiten que entre la melodía es un tema estremecedor, realmente en canciones como esta el amigo White demuestra lo gran compositor que es, ya que a la delicada pieza la aplica unos cambios de ritmo bestiales consiguiendo un poderío tremendo. High ball stipper fue la primera canción que se conoció del disco (de la que se habló aquí), con ese piano juguetón que se enlaza con la guitarra en un tema instrumental que no pasa ni mucho menos desapercibido. Just one drink se balancea entre el country, el aire irlandés de taberna, y como no el propio sonido sello White, un medio tiempo ejecutado con precisión absoluta. Alone in my home entra con un piano saltarín precioso que ya te susurra la melodía, y permite entrar a la voz y sus coros, otra vez deliciosos, otra gozada de la factoría de este genio. Entitlement es un tema lento de claro acento country y que es el perfecto contrapunto a lo que hasta ahora habíamos oído. That Black Bat Licorice tiene un riff de guitarra demoledor al principio que marca el tema, la voz casi de ultratumba acompaña para luego desatarse, además de un sonido compacto, y una banda que suena de lujo, temazo de tomo y lomo. I think I found the Culprit es totalmente folk, bebiendo de las mejores esencias de Crosby, Stills, Nash & Young como no, cambios de ritmo muy acertados y ese aire oscuro que sobrevuela la canción y le hace muy atractivo. Want and Able remata el discazo con armonía, voces preciosas y sentido positivo.

 

En definitiva un disco de escucha gloriosa, por lo menos por mi parte del tirón, y dónde hay multitud de matices que da gusto comentar. Jack White no suele dejar nada al azar y desde luego este disco es un gran trabajo. Sigue la senda marcada por Blunderbluss, pero encima para mi, la supera.

 

Os dejo con el vídeo de Lazaretto, un tema temendo, y no menos dicho vídeo.

 

The Black Keys - Turn Blue (2014)

The Black Keys sacan al mercado su nuevo trabajo "Turn Blue" el próximo martes día 13, pero algunos afortunados ya hemos oído el disco, por lo que pasaré a darle mi visión.

Para muchos de aquellos que piensen que antes de Lonely boy no había nada, decirles que si, que ya había 6 discos como 6 soles, partiendo del blues rock más crudo, que fueron puliendo y dándole forma, hasta llegar a tonos más soul, sobre todo a partir de la colaboración con Danger Mouse, ese productor que les moduló el sonido y lo hizo, digamos que más atractivo a todo tipo de oídos. Eso empezó en Brothers en 2010, continuó con El Camino a finales de 2011 (dónde ya pegan el pelotazo a nivel mundial) y sigue casi 2 años y medio después con este nuevo disco. La demora temporal, se debe sin duda a la multitud de conciertos, premios recibidos, y demás historias que acompañan al éxito, pero os puedo asegurar que después de varias escuchas, eso no les ha cambiado ni a Dan Auerbach ni a Patrick Carney y siguen haciendo su propio camino, afortunadamente sin ninguna injerencia que se sepa o que yo haya notado.

El álbum suena muy soul, pero también están el blues y el rock psicodélico que tanto les gusta. Si esperáis otro Lonely boy, tranquilos/as porque no lo hay, pero es que no hace falta. Hay grupos que no saben asumir su éxito por un tema, en el caso de los chicos de Arkon, Ohio, en ese aspecto van sobrados.

El disco empieza con Weight of love, un tema de casi 7 minutos, con esos arpegios de guitarra y ese teclado hasta que viene la batería, sólo de guitarra bluesero de Dan para encauzar la melodía, y tras un pequeño descanso entra la voz perfecta que te deja atontado, qué manera de cantar, con un ritmo casi funky que conduce el resto de la canción. In time con ese riff de guitarra inicial y la entrada vocal nos descubre una melodía fantástica (muy emparentada con temas de El Camino), con coros de voces dobles y un ritmo muy resultón. Turn blue, el tema que da título al disco es muy soul, con un bajo muy presente al inicio, pero dónde la voz del señor Auerbach es la gran protagonista, dentro de una pieza a medio tiempo y etérea. Fever fue el primer single del disco, y la verdad es que es un tema que ya me encantó en su momento, y que en sucesivas escuchas se refuerza esa primera impresión, con un ritmo muy pegadizo, voz y aire soul-funky de un gran empaque, un gran single bajo mi punto de vista. Year in review comienza con la batería de Patrick mandando, coros angelicales de acompañamiento hasta que entra la voz de Dan, y se descubre como un tema a medio tiempo en el que estos chicos se han hecho especialistas, creando atmósferas y melodías muy agradables, que yo particularmente no me canso de oír. Bullet in the brain es la canción más acústica en su inicio, a la que acompaña la voz lejana de Dan, a la vez que entra la batería casi sin querer de manera majestuosa, para navegar en una melodía fastuosa que explota a partir del primer minuto en un tema marchoso y movidete, uno de los temas con mejores cambios de ritmo y más currados de todo el álbum, con preciosos detalles de sonidos que dan un acabado genial. It's up to you now con una fanfarria de batería inicial es bulliciosa, hasta la entrada de la voz y esa guitarra constante y chirriante, aquí está esa parte de rock blues más oscuro y psicodélico que la banda tan bien factura. Waiting on Words es una pieza preciosa, de guitarra inicial hasta que viene la voz del señor Auerbach (hay que llamarle majestad casi) porque canta que te mueres, hasta que entra la batería para darle empaque a la bella melodía, gran medio tiempo. 10 Lovers es la canción que me tiene subido por las paredes, ritmo soul, tecladito genial, y esa voz que te sube a los altares, posiblemente uno de los mejores medios tiempos marchosos que he oído jamás, con un cambio de ritmo para meter el estribillo que te deja con la boza abierta, tema antológico para pinchar, qué delicia. In our prime con ese piano del inicio es un tema lento pero apacible, dónde melodía y voz conviven de manera apabullante, es que estos chicos también saben hacer temas lentos, y muy bien, aunque a mitad de la canción, surge la furia que siempre les distingue. Gotta get away con ese riff de guitarra inicial nos recuerda invariablemente a los Stones, pero es una canción rockera con la que acaba el álbum, de manera fantástica, muy buen remate a un disco para mi excepcional.

Que este disco cierra una trilogía gloriosa con Brothers y El Camino, de eso no tengo ninguna duda, y no sabemos si habrá cuarta parte, pero de lo que no tengo tampoco ninguna duda es que no tiene nada que envidiar a sus dos predecesores y que es un gran disco.

Os dejo con el tema de fever interpretado en el programa de Jools Holland.