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domingo, 15 de marzo de 2026

Mis temas favoritos (LXXXVIII)


En 1984 el canadiense Leonard Cohen editaba Various Positions, un disco que sería clave en su carrera, con algunos de los temas que pasarían a formar parte de sus grandes intocables en vivo. Uno de ellos era Hallelujah, y otro era Dance me to the end of love que además iniciaba el trabajo. Este tema que es precioso, es a la vez en su letra sombrío y brutal, ya que habla de vida y hermosura de manera muy genuina a la vez que maneja un mensaje de cataclismo no tan evidente. En una entrevista al artista explicaba la génesis de la composición: "La inspiración vino de escuchar o leer o conocer que en los campos de concentración, al lado de los crematorios, en algunos de los campos de la muerte, un cuarteto de cuerdas era presionado a tocar mientras este horror continuaba. Y estaban tocando música clásica mientras sus compañeros de prisión estaban siendo asesinados y quemados, por lo tanto esa música, 'llévame bailando hasta tu belleza con un violín ardiente', que significa la belleza allí siendo la consumación de la vida, el final de la existencia y del elemento pasional en esa consumación. Pero a la vez, es el mismo lenguaje que usamos para entregarnos a la persona amada, de ahí la canción, no es importante que nadie conozca el origen de la misma, ya que si el lenguaje viene de ese recurso apasionado, será capaz de abarcar toda la actividad apasionada".

Os dejo con el tema y vídeo de Dance me to the end of love.




De las versiones que se han hecho me quedo con la realizada en su disco de este año 2026 Weapons of beauty, por Jay Buchanan, que le da la vuelta como un calcetín y la lleva a un terreno pop-country.

Os dejo con Dance me to the end of love por Jay Buchanan.

Mis temas favoritos (LXXXVII)

Tony Joe White fue un músico norteamericano nacido en Goodwill, Louisiana. En 1968 sin tener todavía un álbum completo grabado editó el single Polk Salad Annie que pasó sin pena ni gloria por las listas, y fue considerado un fracaso por su sello discográfico Monument Records. Pero cuando se incluyó el tema en su primer disco de 1969 Black and white, la canción logró entrar en el Top 10, llegando al número 8, siendo su mayor éxito. Pero esta canción tiene su historia, que podría ser extrapolada aquí como la de un lugar recóndito de Extremadura, Andalucía o Castilla, ya que este éxito del músico sureño recreaba la dura vida y costumbres de su Louisiana natal durante su infancia, como por ejemplo, las humildes ensaladas que hacían con una especie de hierba silvestre del lugar, la Phylotacca, parecida a la espinaca, con la que en momentos de necesidad se alimentaban los moradores de aquellas tierras de Estados Unidos, esa ensalada precisamente era conocida como Poke Salad o Polk Salad. A su vez, White recordaba otros pasajes de su infancia, como los pantanos de la zona llenos de cocodrilos o a la endurecida Annie, cuya madre cumplía condena haciendo trabajos forzados y que era toda una especialista en dichas pobres ensaladas para comer. Musicalmente el tema es una delicia y captura la esencia del llamado swamp rock, un género que fusionaba blues, country y soul con un ambiente sureño y pantanoso y que practicaban también gente como Creedence Clearwater Revival por ejemplo.


Os dejo con el Polk Salad Annie por Tony Joe White en estudio.



Obviamente cuando Elvis Presley la versionó, la canción alcanzó cotas increíbles, un tema que El Rey hacía suyo de manera impecable. Elvis la graba en 1970 en Las Vegas y luego la incluye en su disco On Stage de ese mismo año. El propio autor del tema expresó en varias ocasiones su aprecio por la versión de Presley.


Os dejo con la versión de Elvis de su disco On stage.




La banda española se surf-rock Los Coronas, comandada por Fernando Pardo, hicieron su versión instrumental en el año 2004 para su disco Surfin' Tenochtitlan, una pasada.




Y por último justo este año la banda norteamericana Handsome Jack en su último disco Barnburners! han hecho una extraordinaria versión en su estilo blues-rock que les ha quedado fabulosa, en la que además citan al autor en el principio.

domingo, 9 de noviembre de 2025

Mis temas favoritos (LXXXVI)

En enero de 1969 la banda de Liverpool The Beatles edita Yellow submarine, el 13 de enero en Estados Unidos y el 17 en Gran Bretaña, un disco donde la primera cara eran singles de la banda que no tuvieron cabida antes y la segunda una banda sonora compuesta por George Martin para el film del mismo título, que era una película animada y que había sido estrenada en junio de 1968. De los singles de la primera cara Yellow submarine perteneciente a Revolver ya había sido lanzada como single, al igual que All you need is love que se incluyó en Magical Mystery Tour. Realmente se trataba de un asunto contractual del grupo, a quienes se les pidió incluir cuatro temas en la banda sonora del film, con lo que fue una mezcla de temas hechos para la banda sonora y otros desechos de otros proyectos. Por ejemplo los temas de George Harrison Only a northern song, descarte del Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, se decidió meter aquí e It's all too much fue grabada justo antes de que saliera el disco, aunque se recortó su duración original que se iba a ocho minutos. Hey Bulldog y All together now son las que se hicieron para este disco, aunque Lennon en un primer momento lo negara, con respecto a Hey Bulldog, tema del que dijo "Suena bien, pero no significa nada".
Hey Bulldog es una joya, tiene un riff de piano, algo poco habitual en los temas de los Fab Four y tiene como anécdota que fue la primera sesión de grabación a la que acudió Yoko Ono. Otra particularidad es que Paul McCartney que aparece como compositor junto a John, hace la armonía baja en la voz, cuando solía hacer la alta.



Bien, pues en ese mismo año 1969, una banda británica de rock psicodélico llamada The Gods, que eran de Hatfield, en el Este de Inglaterra y que se habían formado en 1965, editaron un single con su versión de este tema, y que realmente resulta de lo más interesante y donde mezclan el riff con piano y con guitarra.


Os dejo con la original con su vídeo por The Beatles.




Y con la versión de The Gods.

Mis temas favoritos (LXXXV)

La banda de Andover, condado de Hampshire en Inglaterra, The Troggs, editaron su primer disco de estudio titulado From nowhere en 1966. En ese disco había un single titulado Wild Thing, que realmente era una versión de Chip Taylor, nombre artístico de James Wesley Voight, hermano del actor Jon Voight, y la primera vez que se interpretó fue en 1965 por el grupo norteamericano The Wild Ones. Pero fue la versión de los británicos (y posteriormente la de Jimi Hendrix en el Festival de Monterrey) la que tuvo un éxito increíble. Hablamos de una formación liderada por su cantante y compositor Reg Presley, que completaban Chris Britton a la guitarra y coros, Pete Staples al bajo y coros y Ronnie Bond a la batería. Ejecutaban una música con cosas de proto-punk cruda y visceral, con riffs de guitarra demoledores, ritmos tribales, letras sexuales y voces ásperas, incluso teniendo aspectos más pop con melodías de alto nivel e influencias psicodélicas.
Su versión de Wild Thing fue número 1 en Estados Unidos y Australia y número 2 en UK y Canadá.


Pues de las muchas versiones que se han hecho obviamente la citada de Jimi Hendrix con su Jimi Hendrix Experience en el Festival de Monterrey en 1967 es brutal, pero también hay una que hizo Tom Petty con sus Heartbreakers en 1982, y que pudimos empezar a disfrutar el año pasado en la edición de lujo de Long after dark, en cuyo segundo disco aparece esta versión.

Pues vamos allá con todas ellas.

Primero la de The Wild Ones de 1965, los primeros que la grabaron.





Luego la de The Troggs de 1966.





La versión en vivo en 1967 de The Jimi Hendrix Experience.





Y por último la de Tom Petty & The Heartbreakers de 1982.

domingo, 6 de octubre de 2024

Mis temas favoritos (LXXXIV)


Después de su veto en Estados Unidos, The Kinks eran demasiado picantes para los americanos, lo suyo era la decadencia europea donde se centran, si afinamos más la del extinto Imperio Británico, aunque en sus inicios importaban el rhythm and blues del otro lado del charco, como casi todos los grupos de su época. En Face to face su disco de 1966, Ray Davies, con su mordaz manera de contar las cosas, empieza en este disco a convertirse en uno de los grandes letristas de la historia del rock, creando con textos sencillos ricas viñetas en situaciones y personajes. 
Aquí hubo un single que fue número 1 en cuatro países, el mítico Sunny afternoon, concretamente en Gran Bretaña, Canadá, Nueva Zelanda y Australia con una melodía mítica y esa letra que habla de holgazanear en una tarde soleada en verano, algo que todos hemos hecho.
Bien, pues la cara B de ese enorme single, era otro tema de esos que marcan la carrera de una banda, I'm not like everybody else, que evidentemente no corrió la suerte de la Cara A del single, pero para los que somos fans absolutos de la banda, sí que es mítico. Y lo mejor de todo es que el tema tiene su pequeña historia, ya que esta maravilla compuesta por Ray Davies fue ofrecida a The Animals, pero Eric Burdon y sus chicos lo rechazaron (¡qué huevazos!) y volvió a su sitio de partida, pero sufrió un pequeño cambio y es que la canta Dave Davies, siendo compuesta por Ray que solía cantar siempre sus composiciones, limitándose a hacer coros en este tema. Y la letra que vamos a decir, "Yo no soy como los demás", con esa declaración de intenciones queda todo dicho.


Os dejo con I'm not like everybody else por The Kinks.





En 1984 la banda sueca The Nomads editaron Temptation pays double, un disco donde hacían su propia versión de ese tema de The Kinks, muy garagera, con tintes claros de su época ochentera, pero no sé porqué me parece una actualización perfecta del momento y que The Kinks si la hubieran grabado de nuevo en ese momento se parecería mucho a esta versión.

Os dejo con la versión de The Nomads.

Mis temas favoritos (LXXXIII)


En 1969 la banda británica The Who editó Tommy, una ópera rock que trata sobre la vida de un niño que, producto de un trauma, quedó ciego, sordo y mudo. El trasfondo de la historia de Tommy, está llena de expresiones y vivencias del propio Pete Townshend, guitarrista y compositor de la banda, quién siempre quiso hacer una obra con características conceptuales y sin desviarse de lo que era el rock and roll, quizás de usarla como herramienta de desahogo hacia ciertos episodios violentos que a él mismo le tocó vivir en su infancia (abusos sexuales).
Esta obra tuvo adaptaciones al teatro y al cine, llegándose a grabar una película en 1975, dirigida por Ken Russell, protagonizada en el papel de Tommy por Roger Daltrey, vocalista de The Who, y donde también participaron Elton John, Tina Turner, Eric Clapton, Arthur Brown o Jack Nicholson, entre otros.
Uno de mis temas favoritos de siempre es el Pinball wizard, un tema editado como single que alcanzó el puesto 19 en el Billboard norteamericano y el 4 en el Reino Unido. Dicha canción trata de cómo Tommy queda absorto en su mundo interior, desarrollando como única respuesta ante la sociedad una increíble maestría a la hora de enfrentarse a las máquinas de pinball, es por esto que la canción narra las glorias del protagonista en las salas de juegos realizada por uno de sus contrincantes, mientras que musicalmente es una maravilla que es un clásico con esta banda a pleno rendimiento.


Os dejo con la interpretación de The Who en el Festival de la Isla de Wight en 1970.





En 1975 Elton John hizo su versión de Pinball Wizard para la película de Ken Russell, y la verdad es que manteniendo la idea original en muchos parámetros, le queda realmente bien a su registro y a su estilo, una gran versión que mantiene la fuerza y garra de la primigenia. Después de una introducción coral, Elton agregó su inconfundible estilo de piano para reemplazar las líneas originales de guitarra acústica solista de Pete, mientras que Davey Johnstone contribuyó con una guitarra eléctrica solista estridente. Completaban la formación Dee Murray al bajo y coros, Nigel Olson a la batería y coros y Ray Cooper a la pandereta y congas. Esta versión fue incluida en ediciones remasterizadas del disco Caribou de 1974, ya que fue grabada en esas sesiones.

Esta es la versión de Elton John.

domingo, 12 de mayo de 2024

Mis temas favoritos (LXXXII)

En el año 1971 la banda británica Led Zeppelin editaban IV, su cuarto álbum de estudio, que ya les elevaría a la categoría de mitos, en muy buena parte gracias al tema Stairway to heaven, incluido en el mismo. Pero el trabajo comenzaba con un rock demoledor titulado Black Dog, una canción cargada de alta adrenalina y energía, además de un estilo muy rockero, duro y pesado con el potente riff de guitarra de Jimmy Page, esa sección rítmica bestial de John Paul Jones al bajo y John Bonham a la batería que marca el paso, mientras que la interpretación de Robert Plant es sublime, estirando su voz a más no poder. Uno de los grandes clásicos de esta banda, siempre presente en sus conciertos y en cualquier recopilatorio que se tercie.


Os dejo con el Black Dog por Led Zeppelin en vivo en el Madison Square Garden en 1973.





De las versiones me quedo con la del grupo finlandés Steve 'N' Seagulls que hicieron en su disco de 2015 Farm Machine, llevándola a su terreno campestre de bluegrass y country con banjos, mandolinas y demás.

Os dejo con el vídeo de Black Dog por Steve 'N' Seagulls.

Mis temas favoritos (LXXXI)

La banda británica The Who editó su primer single de verdadero alcance I can´t explain a finales de 1964 y principios de 1965. La curiosidad es que salió el 15 de diciembre en Estados Unidos y el 15 de enero de 1965 en Gran Bretaña con Shel Talmy de productor, donde llegó a estar entre los diez mejores puestos. Escrita por Pete Townshend tiene un marcado riff de guitarra, mientras la sección rítmica de John Eintwistle al bajo y Keith Moon a la batería apuntala la canción, mientras Roger Daltrey canta de lujo y cuya letra habla de un sentimiento que tiene en la cabeza y que no puede explicar el protagonista, quizás el amor. Como cara B del single estaba su versión del Bald headed woman.


Os dejo con el tema y vídeo de I can't explain.






De las versiones me quedo con dos, la primera la que hizo en 1973 en su disco de versiones Pin Ups David Bowie, fan absoluto de The Who, que le daba la vuelta como un calcetín, hasta ser casi irreconocible.

Os dejo con la versión del camaleón.





Y en segundo lugar la que hicieron los alemanes Scorpions como reclamo para su recopilatorio Best of rockers 'n' ballads de 1989, llevándola de manera increíble a su terreno.

Os dejo con la versión de Scorpions.

lunes, 1 de abril de 2024

Mis temas favoritos (LXXX)

En el año 1968, concretamente el 5 de abril de ese año, se publicó en Estados Unidos el single Mrs. Robinson de la pareja artística Simon & Garfunkel, que alcanzó el número 1 en las listas, y era la segunda vez para ellos después de The sounds of silence. Esta canción terminó formando parte de su disco de ese año Bookends, cuarto álbum de estudio de la discografía del dueto. Una temprana versión de la canción había aparecido unos tres meses antes, junto con otros temas del dúo en la banda sonora de la película de Mike Nichols "El Graduado". Nichols era un enamorado de la música de Simon y le pidió un par de temas para su película, el músico sin mucho tiempo debido a las constantes giras, le mostró un par de temas que eran Punky's dilemna y Overs (que irían finalmente en Bookends), que no impresionaron mucho al director, que le pidió alguna otra más, Paul le mostró entonces una pieza inacabada llamada por entonces Mrs. Roosevelt que no estaba destinada al film, en palabras de Paul: "es una canción sobre tiempos pasados de Mrs. Roosevelt y Joe Di Maggio y cosas así..." a lo que Nichols entusiasmado dijo: "pues ahora la canción trata sobre Mrs. Robinson en el puesto de Mrs. Roosevelt". Fue tal la insistencia y el empeño del cineasta que las partes sin letra se sustituyeron por "di di di di di...". Es obvio que tanto los músicos como la película se retroalimentaron del éxito.
Posteriormente para el single y el álbum Bookends, Simon reescribió y regrabó la canción, cuya versión definitiva con la letra completa sería la que llegó al número 1 en Estados Unidos y alcanzó el Top 10 en países como Reino Unido, Irlanda o España, además de recibir un Grammy por disco del año.


Os dejo con Mrs. Robinson en vivo interpretada en el mítico concierto de Central Park.




De las muchas versiones que hay me quedo con la que en el año 1992 hizo la banda bostoniana The Lemonheads y que incluyeron en su quinto disco de estudio titulado It's a shame about Ray, que inicialmente no iba en el álbum y que posteriormente se incluyó como bonus-track.

Os dejo con el tema de Mrs. Robinson por The Lemonheads que añadieron un toque más rockero.

domingo, 31 de marzo de 2024

Mis temas favoritos (LXXIX)


The Lovin' Spoonful fue una formación neoyorkina que editó su primer álbum en 1965 titulado Do you believe in magic. Esta banda tiene su origen en el Greenwich Village donde Fred Neil, Bob Dylan y Tim Hardin dieron sus primeros pasos. En este ambiente intelectual del legendario barrio de New York, cuatro jóvenes de entre 21 y 22 años decidieron crear su propio grupo de rock con influencias de la música folk que escuchaban en clubs de la zona. The Beatles habían marcado el camino y en ese momento eran ya la cúspide y muchas formaciones intentaban emular esa fórmula de éxito, sin embargo este grupo no querían ser otra formación inspirada en los Fab Four si no algo fresco y claramente americano, explotando las raíces de la música de Estados Unidos bajo el pop imperante de aquel momento.
En 1966 editaron dos trabajos, el segundo de su carrera titulado Daydream editado en marzo que alcanzó el puesto 10 en la lista de discos de Estados Unidos y el 8 en Gran Bretaña, y el tercero Hums of The Lovin' Spoonful editado en noviembre de ese año y que alcanzó el puesto 14 en EEUU. En este tercer álbum había un tema que los cerraba titulado Summer in the city que si alcanzó un rotundo número 1 en el Billboard. Con aire claramente sixtie la canción expone el contraste entre las masificadas y calurosas avenidas de la mañana y lo misteriosas, sórdidas y encantadoras que se vuelven las calles al caer la noche y reta a la mujer en general a que no hagan iguales los días y las noches, vamos al desmelene colectivo, excusas para ensalzar las excelencias y los pecados de vivir en una urbe como Nueva York.


Os dejo con el Summer in the city por The Lovin' Spoonful.

 




De las versiones me quedo con la de Joe Cocker de 1994 que incluyó en su disco Have a little faith, donde la lleva totalmente a su terreno cercano al soul, además de actualizarla 28 años después de la salida de la original, incluso añadiéndole un cierto toque reggae en el ritmo.

Os dejo con el Summer in the city por Joe Cocker.

Mis temas favoritos (LXXVIII)

En 1969 la banda británica The Who editó Tommy, una ópera rock que trata sobre la vida de un niño que, producto de un trauma, quedó ciego, sordo y mudo. El trasfondo de la historia de Tommy, está llena de expresiones y vivencias del propio Pete Townshend, guitarrista y compositor de la banda, quién siempre quiso hacer una obra con características conceptuales y sin desviarse de lo que era el rock and roll, quizás de usarla como herramienta de desahogo hacia ciertos episodios violentos que a él mismo le tocó vivir en su infancia (abusos sexuales).
Esta obra tuvo adaptaciones al teatro y al cine, llegándose a grabar una película en 1975, dirigida por Ken Russell, protagonizada en el papel de Tommy por Roger Daltrey, vocalista de The Who, y donde también participaron Elton John, Tina Turner, Eric Clapton, Arthur Brown o Jack Nicholson, entre otros.
Una de las canciones del disco que siempre me gustó mucho es The Acid Queen, tema que canta Pete Townshend y es un tema en el que los padres de Tommy intentan curarlo, utilizando a una especie de bruja llamada The Acid Queen, la cual le suministra varios tipos de drogas alucinógenas y también mucho sexo, en un intento de liberarlo del aislamiento en el que estaba atrapado. Musicalmente un tema clásico de la banda con su rock enérgico y muy buenos cambios de ritmo.


Os dejo con The Acid Queen por The Who.






En la banda sonora de la película citada de 1975, la versión que hacía Tina Turner de este tema me parece realmente destacable, una canción que solía interpretar en sus shows en directo.

Os dejo con The Acid Queen por Tina Turner.




sábado, 30 de marzo de 2024

Mis temas favoritos (LXXVII)


Prince en el año 1986 edita el disco "Parade" con su banda The Revolution, marcado por el single Kiss, que fue un auténtico hit. Pero se trata un álbum del que el propio artista sólo recordaría como memorable ese tema y no el resto del álbum y ahí he de disentir, es un buen trabajo con ese toque soul y funky adelantado a su tiempo y desde su perspectiva, con lo que consigue un buen compendio de temas muy disfrutables. Su norma en esa época era ir a contracorriente, pero a la vez marcar tendencia por lo adelantado que iba, ajeno a modas.
El genio de Mineápolis editaba disco cada año, ya que en esa década su productividad era de una intensidad verdaderamente bestial. El primer single de este álbum fue Kiss número 1 en Estados Unidos y un auténtico hit con sello de Prince 100%, con una voz casi de eunuco (claro falsete) y esa mezcla de soul, funky y gotas de música dance, el cóctel perfecto donde El Príncipe se manejaba en su salsa y con una producción y arreglos muy cuidados.


Os dejo con el tema y vídeo de Kiss.




En 1988 Tom Jones, el Tigre de Gales, se unió a la banda británica de synthpop The Art of Noise para hacer una versión del tema de Prince, Kiss, que sin tener esa guitarra del genio de Mineápolis, mantiene la estructura de la canción y las potentes cuerdas vocales del galés hacen de esta versión algo extraordinario que hizo revitalizar la carrera de él y de la propia banda británica. Tom Jones al año siguiente incluiría la canción en su disco At this moment. The Art of Noise era, más que un grupo, un proyecto de los productores Trevor Horn, Gary Langan, JJ Jecsalik, el periodista Paul Morley, y la extraordinaria arreglista y compositora inglesa Anne Dudley. Sus discos eran un mosaico de samplers y líneas melódicas, normalmente instrumentales. Era una propuesta adelantada a su tiempo, pero se les encasillaba en el tecno, el dance, etc., Después de una tirada de buenos discos, su mayor éxito en ventas fue su Greatest hits titulado The best of The Art of Noise de 1988, cuyo single promocional fue la versión en cuestión de Kiss, canción a la que la banda invitó a Tom Jones a cantarla, con lo que resucitó la carrera del cantante, pero a su vez él hizo que el proyecto fuera muy popular, colocando el single en el Top 40 del Billboard a principios de 1989, se retroalimentaron ambos con éxito.

Os dejo con el tema y vídeo de Kiss de Tom Jones y The Art of Noise.

domingo, 19 de noviembre de 2023

Mis temas favoritos (LXXVI)

Corría el año 1968 y The Beatles editarían un disco doble llamado simplemente The Beatles, que pasó a llamarse The White Album por su color blanco de la portada. En ese grandioso disco hay muchos de los mejores momentos de los Fab Four en su segunda época y dentro de las 29 canciones que lo componían había auténticas joyas. Una de ellas era Savoy Truffle, canción situada casi en la última parte del disco, tema compuesto por George Harrison que lo escribió como un tributo a la adicción a los chocolates de su amigo Eric Clapton, derivando el título y muchas de las líneas del tema de una caja de bombones de una marca llamada Mackintosh Good News. Savoy Truffle era el nombre de uno de los chocolates, así como Cream Tangerine, Montelimat y Coffee Desert. Se supone que todos los nombres indicados eran auténticos, excepto la crema de cereza (Cherry Cream) y el dulce de coco (Coconut Fudge), lo que le dio un carácter muy humorístico e informal. Cuando en el coro del propio George y Paul que dicen "But you'll have to have them all pulled out after the Savoy Truffle" (pero tendrán que sacártelos todos después del Savoy Truffle) es una referencia al deterioro de un diente después de comer muchos dulces. La letra también incluye una referencia al tema Ob-La-Di-Ob-La-Da del mismo disco. Musicalmente una maravilla con guitarras de todo tipo tocadas por Harrison, saxos distorsionados (hasta 6, tres tenores y tres barítonos) y ese Órgano Hammond que toca el mismo George. John Lennon no participó en la grabación de este tema, recordemos que en las sesiones de este álbum el grupo andaba poco unido.


Os dejo con la versión original remasterizada de Savoy Truffle de 1968 por The Beatles.





En 1969 Ella Fitzgerald editó Ella, un disco editado en el subsello Reprise de Warner Bros y con Richard Perry de productor, en el que hacía una extraordinaria versión de Savoy Truffle. Es una de las cantantes de jazz más prolíficas de la historia, con una cantidad de grabaciones inabarcable. Era una persona tímida e insegura, rasgos que le acompañaron toda su vida, quería gustar y ser aceptada, pero nunca se consideró a la altura de otros cantantes de la época, incluso más jóvenes que ella, siempre se vio inferior a Billie Holiday, Frank Sinatra o Sarah Vaughan, y nunca actuó como una diva sobre el escenario, casi siempre diciendo frases como "voy a intentar este tema... o espero que me salga bien..."
Pues Savoy Truffle le salió de cine, en un estilo que era una mezcla de soul, jazz e incluso sonidos caribeños con muchos coros maravillosos, una delicia que llevó a su terreno completamente.

Os dejo con Savoy Truffle por la gran Ella Fitzgerald.

sábado, 18 de noviembre de 2023

Mis temas favoritos (LXXV)

El primer sencillo de doble Cara A de The Beatles se produjo a finales de 1965 con los temas Day Tripper y We can work it out, canciones que estaban en las sesiones de grabación de Rubber Soul, pero que se quedaron como singles con vistas a las Navidades de ese año, algo bastante habitual en la banda, debido a su éxito constante. La canción por supuesto está firmada por Lennon/McCartney, para la que John en su composición se inspiró en el tema de Bobby Parker "Watch your step" y en el sencillo pero efectivo riff de Satisfaction de los Rolling Stones, además la letra era casi entera de John con aporte de versos de Paul. La canción se grabó tres días después de Drive my car, dentro de unos días que según Paul fueron los más divertidos y llenos de bromas de esas sesiones. El subtexto de la letra incluye referencias a situaciones cotidianas de la vida nocturna como ligar con una chica que aparentemente parece querer entrar al trapo e incluso insinuarse, pero que luego no quiere nada, lo que se llama vulgarmente una calienta...  

Os dejo con el tema y vídeo de Day Tripper.







En 1966 Otis Redding, uno de los reyes del soul, editó Complete & Unbelievable-The Dictionary of soul, donde incluía una versión llevada al soul totalmente, como había hecho un año antes con el Satisfaction de The Rolling Stones, con unos teclados incendiarios y esos vientos siempre destacados, además por supuesto de la voz del genio maravillosa. Una versión diferente y que le daba la vuelta, como me gusta recalcar que debe ser una versión.

Aquí está el Day Tripper por el gran Otis Redding.






Y en el año 2004 la banda española de surf-rock Los Coronas comandada por Fernando Pardo, editaron Caliente Caliente, un gran disco en el que incluían su particular versión instrumental de la gran canción de The Beatles.

Os dejo con la versión de Los Coronas.

Mis temas favoritos (LXXIV)

Nappy Brown era un cantante de Rythym and Blues nacido en Charlotte (Carolina del Norte) cuyos temas formaban junto a contemporáneos suyos como Little Richard, Chuck Berry o Fast Domino esa primera ola de músicos negros cuya música tuvo acogida y era aceptada por los blancos, de hecho Elvis Presley decía que no se perdía las actuaciones de Nappy cuando iba a cantar a Memphis. Su voz era poderosa y la combinaba con su delicado y emotivo estilo desarrollando su carrera sobre todo en los años 50 y se le consideró como uno de los precursores del soul. Como muchos de su generación empezó cantando góspel, hasta que consiguió un contrato con Savoy Records en 1954, ya haciendo Rythym & Blues y teniendo éxitos importantes.
Pero fue en 1957 cuando grabó y editó The right time, que curiosamente no tuvo tanto éxito y no logró entrar en las listas, pero cuando Ray Charles la "tomó prestada" y la versionó convirtiéndola en (Night time is) The right time, el tema se convirtió en un absoluto hit.


Os dejo con la versión original de Nappy Brown.






Como decía antes Ray Charles la versionó en 1958 incluyendo un cambio en el título y grabada junto a The Raelettes (feat. Margie Hendricks). Tom Dowd dijo tiempo después que ese fue el primer dueto de Ray Charles. Con su manera de tocar el piano y cantar junto a las voces femeninas, hizo que el éxito del tema fuera muy importante.

Os dejo con el tema por Ray Charles.



Y para cerrar, lo hacemos con la versión que hicieron los californianos Creedence Clearwater Revival en su disco Green River de 1969, reconvirtiendo de nuevo este tema en más rockero y llevándolo a su estilo con la poderosa voz de John Fogerty.

Os dejo con la versión de la Creedence.

lunes, 14 de agosto de 2023

Mis temas favoritos (LXXIII)

The Temptations, la banda de soul, rhythm and blues y pop oriunda de Detroit, editaron en 1972 el disco All directions, que incluía un single titulado Papa was a rollin' stone, canción compuesta por los famosos compositores del sello Motown Norman Whitfield y Barrett Strong un año antes, siendo grabada primero por The Undisputed Truth, pero sin éxito alguno, aunque como Whitfield trabajaba con los Temptations habitualmente, la desempolvó, se la presentó al grupo y decidieron intentarlo. La formación que graba el disco es Dennis Edwards, Damon Harris, Richard Street, Melvin Franklin y Otis Williams a las voces, con Norman Whitfield de productor, The Funk Brothers a la instrumentación y una comuna de músicos de estudio a las guitarras, bajos, pianos, trompetas, etc...


El tema fue número 1 en Estados Unidos y el grupo lograba remontar el vuelo, volver a la gloria y popularidad mundial después de experimentaciones musicales influenciadas por la psicodelia setentera y el soul en su estado más oscuro. Pero no todo fue un camino de rosas, ya que uno de los cantantes, Dennis Edwards, odiaba el tema en cuestión, y la causa era que al principio del tema se cita la fecha del 3 de septiembre, que coincidía con la fecha de la muerte de su padre, que era un famoso predicador. Ese detalle no era una mera coincidencia para él, y su disgusto lo pagó con Whitfield al que increpó violentamente en una sesión de grabación. El caso es que, más allá de las peleas y demás, esta es una de las joyas de esta formación donde hay una combinación de arreglos musicales muy notables, como ese muy interesante bajo (bastante misterioso) de Bob Babbitt, ligeros toques jazzísticos tanto en platillos como en vientos, etc., que le hacen ser una pieza de soul psicodélico de alto nivel.

Os dejo con Papa was a rollin' stone por The Temptations.



De las versiones me quedo con la de The Black Crowes del año pasado donde hacían covers de canciones de ese año 1972.


Os dejo con su interpretación en el programa de Jimmy Kimmel.