DRÁCULA

En las películas de la Hammer me siento como en casa.

Siempre ha sido así. Siempre he querido estar en uno de esos salones, con una gran chimenea ardiendo, saboreando un brandy con Peter Cushing y Christopher Lee, aunque el momento no sería completo si no estuvieran con ellos Barbara Shelley, Terence Fisher, Jimmy Sangster, Michael Carreras, James Bernard y tantos nombres que ayudaron a construir la casa más insólita del terror. The house that hammer built. Mis películas favoritas, el terror como se filmaba en la Hammer, aunque luego también me convertí en fan de la Amicus, tal para cual. Terror según lo hacían aquellos elegantes tipos ingleses.

Christopher Lee acaba de morir. Me alegra que haya tenido una vida tan larga y repleta de logros, y que las nuevas generaciones le hayan podido admirar. Christopher Lee es Drácula, la Criatura de Frankestein, la Momia, Nicolas en la brutal The Devil Rides Out o, pienso siempre, el profesor Meister de The Gorgon, la película de terror más bonita que he visto nunca.

"20.000 DAYS ON EARTH"

No por ser fan a morir de Nick Cave, por amar su música desde hace décadas, voy ahora a pasar por alto esta soberana estupidez llamada 20.000 days on earth.

Un documental realidad/ficción que trata de llegar al interior del Cave creador durante un día de su vida, entre el sueño y el verité y blah, blah, blah. Maldita sea, qué pedantería. Un sola secuencia como prueba: Nick deja al colgado al pobre Warren Ellis con las anguilas a medio comer, para ir a un puto archivo oscuro donde una especie de agentes del FBI sacan envueltos como piezas del Antiguo Egipto objetos, recuerdos y fotos de su carrera, que él va comentando como desinteresadamente, ante el asombro de los investigadores. Hay que verlo para creerlo. Y las escenas de diálogo con antiguos camaradas como Blixa o Kylie Minogue (a quién se le da una importancia que no entiendo, olvidando a otras musas como PJ Harvey, y tantas que no conozco), son tontas y vacías. Y Nick dice obviedades, y no te lo crees.

Naturalmente, al final el documental recurre a filmaciones del Cave actual reinando en escena, que es lo que tendrían que haber hecho de buen principio. Mucha, mucha tontería, palabrería hinchada sobre el arte y la creación, y pose e imaginería del Nick Cave más sobado. A veces, lo peor del mundo es un artista hablando de si mismo.

"LAST DAYS HERE" (2011) DIARIO DE UN DESPOJO HUMANO

Se nos han puesto de moda en los últimos años los reportajes de músicos de culto venidos a menos, bien, a mucho menos, que tratan de redimirse, y finalmente, gozan de su merecida última oportunidad.

Last days here documenta la vida del despojo humano que lideró a una de las cult bands más subterráneas el rock duro, los fantásticos Pentagram, creadores de un muro de sonido sabbathiano que, acudo al tópico, acunó al futuro doom norteamericano. Bobby Liebling està muy jodido. Yonqui, viviendo con sus pedres como un niño cuando ya pasa de los 60 años, inútl y confundido en su mundo de soriasis, roña y crack. Pero gozará de una nueva oportunidad, como marca este nuevo género que ha visto grandes y populares piezas como Anvil! The story of Anvil o Searching for Sugar Man.

Sin embargo, lo que más me ha emocionado de Last days here es la pasión que siente por la música, y la incomprensible fe por la persona, de Sean Pelletier, el fan que sueña con que su héroe vuelva a ser lo que una vez fue, y que se deja la piel y la vida en ese imposible empeño. La gloria se la lleva el viejo Bobby, pero nada sería de él ahora sin fans como Pelletier. Ahí està el corazón de la película. Y a eso se le llama amar la música.

Aquí os dejo con la peli entera y con subtítulos. A disfrutarla ¡y a sufrirla! 

COMUNICAR EL CINE A LOS NIÑOS

Ayer se cumplía el 124 aniversario del nacimiento de Charles Chaplin. Y pensaba en que el cine mudo quedará pronto olvidado como un párrafo más, o un par de líneas en los libros de historia. En mis clases mantengo mi humilde cruzada para que eso no ocurra. Los niños ven pelis de Charlot, Buster Keaton, Méliès, Segundo de Chomón... Antes de cada fragmento, trato de meterles en el ajo, de venderles el producto (siempre me gustaron aquellas presentaciones que hacía Garci en su programa antes de cada proyección), de comunicar lo que cada escena me ha comunicado a mi anteriormente. Inocular el veneno del cine, mudo en este caso, y si alguno pide para reyes un dvd de Charlot, ya me doy por satisfecho. Y si no también. Los que educamos plantamos semillas, y luego algunas crecerán más que otras, y la mayoría serán olvidadas, aunque quedará el sedimento, la sustancia de las cosas aprendidas. Igualmente, me conformo con que se rían con una escena de El Chico, o les parezca increíble que Buster Keaton hiciese todo eso ¡él! El cine, y en mayor medida el rock n´roll, me ha mantenido a flote, me ha reconstruído varias veces, me ha dado sabiduría y amor. Qué placer intentar que los niños de esta generación de cambios inmediatos, puedan acceder a eso.

LAST DAYS (2004, GUS VAN SANT)

Cómo me ha gustado Last Days, la película de 2004 de Gus van Sant, que especula sobre cómo debieron ser las últimas horas de Kurt Cobain en este planeta. Junto con Melancolía, de Lars von Trier, es la descripción más bestia, real y auténtica que he visto de la enfermedad de la depresión. Los murmullos de Cobain (llamado Blake en el film), sus contorsiones inútiles por el suelo, su desinterés atroz por lo que le rodea, su terror a volver a entablar contacto normal con otro ser humano, solo tienen una salida, la que todos conocemos. En esta atmósfera irreal, en la humedad del bosque y el frío de la casa de la estrella del rock a quién incluso visita la mismísima Kim Gordon para intentar, por última vez, hacerle volver al mundo de los vivos, Blake consigue componer su última canción, preciosa, salida directamente de su vacío y, finalmente, muerta desde su nacimiento porque nadie la escuchará jamás. Realmente Last Days me ha impresionado.

LAS MELODÍAS DE LA BASURA

Landfill Harmonic es un documental basado en un proyecto musical que ayuda a los niños a empezar a expresarse con los instrumentos utilizando materiales reciclados de la calle. Espectacular acercamiento de la música clásica a las capas más bajas de la sociedad. Como dice una de las chicas, que toca un violín fabricado a partir de un tenedor, los niños no le dan sentido a la vida y por eso entran en las drogas, el crimen etc. Si el arte baja del escenario a la calle, si nos esforzamos en ayudar a los niños a sacar al ser creativo que tienen dentro, estaremos dando sentido a su vida. Y que tu vida tenga sentido es lo más importante. A ellos les permitirá salir de casa con un objetivo, progresar, derribar barreras, levantarse, amar y ser amados.

CLINT EASTWOOD, REPUBLICANO

A muchos les habrá cabreado que su héroe Clint Eastwood haya sido la estrella de la convención del Partido Republicano celebrada en Tampa, la que ha designado a Mitt Romney como candidato a batallar con Obama por el poder del mundo. Me encanta la mitomanía, mis héroes del cine y la música, pero lo triste es cuando algunos los moldean según sus expectativas. Nadie con un mínimo conocimiento de Clint Eastwood desconoce sus filiaciones conservadoras, punto uno; punto dos, ya voy oyendo y leyendo estúpidas opiniones de decepcionados fans ¿cómo alguien tan grande puede ser republicano? ¡Clint Eastwood nos ha fallado! Como si el hecho de ser republicano lo hiciera al bueno de Clint peor ser humano o indigno de nuestra admiración. Desgraciadamente, la izquierda más tontaina suele pensar así (y la derecha tiene ahí una brecha para meter el dedo en la herida), ser de derechas es como... ¡ser peor persona! Que una opción política se crea con el monopolio de la bondad es bastante idiota. Clint Eastwood, el director de Cartas de Iwo Jima, Million Dollar Baby, Sin Perdón ¡el jodido Jinete Pálido! Si este hombre es republicano, que le aproveche y lo disfrute. Por muchos años.

THE ARTIST

Lo mejor es cuando sales del cine pensando que esa película que acabas de ver la han hecho para ti, y solo para ti. Supongo que con respecto a The Artist, miles de espectadores tienen esa misma sensación, como yo. Cine mudo (sigo adorando el mudo), el drama que significó para parte de la industria la transición del mudo al sonoro (recordad aquellas desternillantes escenas de Cantando bajo la lluvia), música (con fragmentos enteros de la partitura de Vertigo, de Bernard Herrman), dos actores principales que iluminan (tanto la sonrisa de Jean Dujardin, que me temo buscaremos en su futura filmografía, haga lo que haga, como la vida que tansmite la bellísima Bérénice Bejo), y una historia filmada, utilizando las viejas y sólidas artes del medio cinematográfico, para que te emociones, la mezcles con tus propios problemas, anhelos y dificultades, y como resultado, salgas pensando en que, a pesar de todo, hay esperanza. Eso se respira cuando bajan los títulos de crédito y se encienden las luces, se respira en toda la sala.

UN DIOS SALVAJE

Polanski ha filmado Un dios salvaje sin intención de huir de su original teatral, a excepción de los planos que abren y cierran el film, necesario el del principio, irónico el del final. La película es un regalo para sus actores, envenenado en el caso de Jodie Foster, que se pasa y no me convence, y adecuado para la siempre luminosa, cada vez mejor Kate Winslet, y un Christoph Waltz al que da gusto paladear, aunque le va a ser difícil huir de su condición de "cazajudíos" ganada apulso con Tarantino, y más si él no pone nada de su parte. Rápida, como digo irónica, deviene en comedia más al uso a partir de que sus cuatro personajes empiezan a ingerir scotch de 18 años, a media película. La conclusión es la esperada: los conflictos de nuestros hijos son un reflejo de nuestras contradicciones, miedos y bajezas. Casi que mejor que los niños se eduquen entre ellos.

SENNA

Senna es un documental ejemplar. Consistente, sintético, no abre teorías sobre el personaje que después no pueda cerrar. Y es respetuoso con un mito, su dimensión personal (con su carácter religioso en primer plano), profesional (un piloto diferente que reivindica la autenticidad del deporte) y social (el héroe de Brasil). Cuando estaba vivo y pilotaba, Ayrton Senna me parecía un loco y un prepotente, yo era más de Alain Prost, que era un tipo menos rebelde. Ahora ya sé que la del francés y el brasileño, eternos rivales, es una historia más cercana a la de Salieri y Mozart. Me alegra también comprobar que ese rostro, el de Senna, sigue siendo tan atractivo y misterioso años después. Cómo no confiar en un piloto con esa mirada. El film maneja jugosas imágenes de archivo, con un Senna inconformista luchando contra los poderes fácticos -la política- de la F1, representados por el insoportable Jean-Marie Balestre, aunque ciertamente, el del motor es un mundo lleno de pinzones sin escrúpulos, que con la cara ya pagan: Ecclestone, Briatore, Mosley... Documental perfecto también para los que recordamos mediodías de domingo con aquellas carreras sin electrónica ni toda la pajillería mental que tiene la competición actual, la cual me parece lo más aburrido del mundo.

CÓDIGO FUENTE

Duncan Jones debería dirigir una película por año, y aún así no me dejaría saciado. Moon era ciencia ficción de maqueta, casi táctil, a la vieja usanza, y un guión con una idea infalible llevada a cabo con tal tiento que vista una segunda vez, la peli me emocionó aún más. Ahora, Código fuente sale de las cuatro paredes de Moon, pero no mucho más, esto no es una superproducción ni de lejos. A caballo entre Atrapado en el tiempo y Origen, es una historia con un personaje encerrado en un mismo bucle temporal. Cada escena es una respuesta y una nueva pregunta, un puzzle frenético. El punto de partida: te despiertas en un tren, una chica guapísima habla contigo. Miras tu cartera y no te reconoces en el DNI, ¿quién eres?, miras tu reloj, quedan 8 minutos... ¿para qué?

HEROIS

Me gustó dejarme embaucar por la dulzura de Herois, por las escenas de amor y amistad veraniega pre adolescente, por los detalles años 80 con los que se sabe que a los treintañeros nos tienen en la palma de la mano (desde los Bonis a las BH, los posters de los Goonies y las camisetas de Bruce Springsteen), por la música (demasiado pomposa), las gotas de humor aquí y allá (esos padres del gafotas del grupito no tienen precio) y por el sorprendente giro que da la película en un momento determinado, y que me parece genial. ¿Defectos? Bueno, los hay, pero como digo me los comí con patatas y entré de lleno en el verano de la película. Mis veranos también eran en la costa, pero en pocas ocasiones tuve pandillas con las que buscar aventuras montados en las bicicross BH. Tenía una abuela que jugaba a la brisca y era tan cariñosa como la del film, que interpreta Ana Lizarán, y de vez en cuando me visitaba algún amigo que me sacaba de la urna de cristal con jardín en la que me depositaban mis padres desde mediados de julio hasta septiembre. Había playa y la sensación de que muchas cosas estaban por llegar y las quería aquí y ahora. Una película que te hace pensar en ti ha de ser buena ¿verdad?

LA RED SOCIAL

Corre el peligro La Red Social de ser confundida con una película de adolescentes gilipollas, fiestas en casas con piscina, ex compañeros de piso de Sheldon, y tonterias universitarias varias, y ah, una película sobre Facebook. Aunque dudo que saliendo del cine muchos sigan con esa idea. La Red Social es David Fincher, pero también un guión de Aaron Sorkin trepidante, vibrante y finalmente terriblemente sórdido. El personaje protagonista, el Mark Zuckerberg que puede ser como el Mark Zuckerberg real o no, pero que no importa, interpretado de forma alucinada, gélida, despiadada, por Jesse Eisenberg, lo dice todo sobre lo que significa el triunfo en la sociedad que nos ha tocado vivir, sobre el hecho de ser un inadaptado, una víctima, y en última instancia un ser ruín. Hay dos escenas que guardaré durante mucho tiempo en mi memoria de pez cinematográfica, la primera, cuando Mark "rompe" con su novia, principio de todo, y luego los dos, tres últimos minutos de film. Una carrera vertiginosa a la cima y al fin, al vacio.

EL GRAN VÁZQUEZ

Me encanta la ambientación, la luz, el atrezzo, los cigarrillos encendidos y el humo, los baretos de esa Barcelona de hace cuarenta años, las animaciones de personajes de los tebeos de Vázquez -idea a todas luces desaprovechada- y la ilusión que pone Santiago Segura en empujar a su personaje, y por extensión, a toda la película. Pero por lo demás, la historia de El gran Vázquez, dirigida por Óscar Aibar, cuenta bien poco. En el tramo medio, antes de que el dibujante entre en la cárcel, me resulta aburrida y repetitiva, parece querer ser graciosa sin que se note, y al final no hace ni media gracia. Y cuando intenta resultar dramática, pues tampoco funciona, no te lo crees. Me hubiera gustado más una historia centrada en el por qué de la mente creativa de un tipo como Vázquez, antes que una sucesión de chanchulleos y pillerías, gracietas y embrollos de un calavera que, como bien dice uno de los personajes del film, piensa que todo el mundo es gilipollas menos él.

CLAUDE CHABROL

No se me dan bien los obituarios, y menos después de haber perdido hace bien poco a una persona a la que quería (y que justamente dedicó una gran parte de su vida a amar el cine), pero la noticia de la muerte de Claude Chabrol, director francés enmarcado en la renovación del cine de autor de finales de los 50 y principios de los 60, la Nouvelle Vague, me obliga a escribir algo al respecto. Nunca fuí muy de Godard, si un poco de Rohmer y Malle, y un bastante de Truffaut, pero el director francés de la Nouvelle Vague que más me impresionó desde el primer momento fue Chabrol. Me recuerdo analizando el fino suspense de El carnicero con mi amigo Victor, y prendarme de la por entonces esposa del director, Stéphane Audran, en Las Ciervas y Una mujer infiel. El director de la burguesía provinciana de Francia lo llamaban, y es cierto, siempre adoré esos paisjes tranquilos, con aquellos pueblecitos franceses habitados por buenas familias, donde todo precía idílico hasta que el lado salvaje del ser humano irrumpía despiadadamente. Qué diferente es el cine de Chabrol a lo que se hace hoy en día, y qué necesario será a partir de ahora reivindicarle. En su vejez, Chabrol todavía firmaba grandes películas como La flor del mal, o la tremenda La ceremonia, de 1995, cuyo final todavía me hiela la sangre. Me prometo bajar las persianas, desconectar el móvil y el portátil y revisar lo que pueda de su filmografía.

FANTASTIC MR. FOX

Digamos que una película en la que a los pocos segundos suena Heroes & Villains de los Beach Boys ya tiene medio sobresaliente ganado. Sofisticada, cool, divertida, Fantastic Mr. Fox, basada en una novela del cada vez más presente Roal Dahl, es una joya ideal para quién piense que en animación no todo empieza y termina con Disney-Pixar. Wes Anderson -de él me gusta hasta la criticada The Life Aquatic- tiene un universo propio que es como la habitación soñada por un niño, con miles de juguetes amontonados, escondrijos y trampas secretas, miniaturas, y personajillos, zorros, tejones y castores, que bailan (divertidísimas coreografías las que van apareciendo durante toda la película) y revolotean entre lo bruto y la charme más exquisita. La técnica stop-motion llevada un paso más lejos (desde la añorada Chicken run que no me divertía tanto con un film de estas características), cine de animación entre las palomitas y el gin tonic.

'Where the Wild Things Are' The Sun is Going to Die

Esta película podría fascinar a muchos niños como me ocurrió a mi con Cristal Oscuro, quizás les vaya grande, y más acoastumbrdos como están a lenguajes bien distintos como el televisivo o el estilo Pixar, pero he comprobado que las cosas que menos he olvidado de cuando era crío son las que nunca entendí, aquellas películas que escondían secretos que yo era incapaz de asimilar. Pero lo que Spike Jonze ha hecho con Where the wild things are es mucho mejor que cualquier Cristal Oscuro. Hace poco escribía en un post sobre los niños que gritan y odian y nunca sabes porque, bien, esta película con su isla de seres peludos siempre tristes podría ser la respuesta. Los niños que gritan y odian tienen islas con monstruos que se sienten solos y tristes, y eso no les da la razón claro, pero es así. Como ser John Malkovich, Adaptation, Where the wild things are, increíble triplete el de Spike Jonze. Memorable la poesía de escenas como esta, cuando Max le cuenta a Carol, su amigo y su propia metáfora, que el sol algún día desaparecerá para siempre.

SHUTTER ISLAND

A la hora de estar viendo Shutter Island pensé que me habían invitado a un festín de los de copa y puro, la temática, la historia, la ambientación, los personajes, todo era perfecto e iba a más, es como, ponte cómodo en la butaca y disfruta. Una gozada seguir a Leonardo DiCaprio (un actor al que Scorsese ha revivido y hecho madurar) por esa isla-manicomio y dejarte llevar por la sorpresa y el lado oscuro de la mente. Frenética y hasta cierto punto visceral, como lo era la excelente Infiltrados, la película va cambiando luego y se adentra en la bruma de la duda, del qué es y qué no es real, sombras, visiones e imágenes oníricas en un último tramo en el que todo cambia y te despegas del personaje principal para acabar pensando lo que sueles pensar cuando ves películas sobre manicomios: ¿quién está verdadéramente loco? ¿nosotros o ellos? La primera escena en el barco, rara y normal a la vez, ya es un sutil aviso de lo que vendrá después, con un precioso decorado de fondo marino intencionadamente falso. Disfrutareis como enanos de la primera parte de Shutter Island, y por eso dadle una oportunidad a la segunda, emocionante, bella y compleja deconstrucción de la mente del personaje protagonista. Banda sonora de Robbie Robertson, by the way.

QUO VADIS & ESPARTACO

El género bíblico me encanta. Las películas con tipos fornidos en túnica, sagradas escrituras, crucifixiones, emperadores locos y decorados en cartón piedra son de mi agrado desde que veía Ben Hur con mi abuela. Si bien prefiero las desviaciones mitológicas y más cochambrosas de estos "kolossal", y lo paso pipa con cualquier peplum de Steve Reeves, o con subpeplums como Maciste en el Infierno de Gengis Kahn (¡guau!), en estos días me alegra pillar por la tele clásicos de un cine que trataba de aplastar el auge de la televisión en los 50 a base de grandes presupuestos y grandes espectáculos.


(Peter Ustinov, la locura y la pereza del poder)

Hoy he visto Quo Vadis y Espartaco, en TV1, por tanto sin pausas publicitarias, y me he reencontrado con la primera, dirigida por Mervin LeRoy, prototipo de kolossal académico, todo espectáculo, todo melodrama, con el zorrón de Petronio interpretado por Leo Genn que borda la pantalla y con Peter Ustinov disfrutando de lo lindo entre rácimos de uva y copones de vino. Quo Vadis marca la línea de meta de este tipo de films, a partir de ahí nada nuevo podía suceder, a menos que un tipo llamado Stanley Kubrick dirigiese Espartaco, que es todo plasticidad, ritmo y movimiento, y deja la anterior en un film carca y pasado de moda. Espartaco es mucho más que un kolossal, es un film de lenguaje moderno, cuya influencia ha durado hasta ahora, y del que todos guardamos ese u otro momento imborrable, en mi caso cualquier plano donde aparezca Charles Laughton, y la energía e ilusión que tenía Kirk Douglas en sus ojos. El final siempre me hace llorar, inevitable, y sigue sorprendiéndome la escena censurada en la época y recuperada en los años 90, en la que Lawrence Olivier trata de seducir a Tony Curtis con eso de las ostras y los caracoles. La escena impacta por el diálogo, claro, es porno de serie Z y cuartelillo, increíble que la rodaran.


(Lawrence Olivier confiesa sus gustos gastronómicos)

DUFFY - AN EDUCATION - SMOKE WITHOUT FIRE

Duffy es una persona afortunada por sus cualidades vocales, su personalidad y su físico, y sin embargo muchos no le dan el crédito que merece. Se orquestó hace poco tiempo una perfecta campaña promocional con su imagen y su tema Mercy, y se la vendió como lo que viene después de Amy Winehouse, tanto que parecía de mentira, no podías creer que detrás de su look Paris 60´s hubiera algo auténtico. Bien, por mi Amy Winehouse ya se puede ir al cuerno, hablando en plata hace un par de años que debería haberlo hecho, y también pueden dar un paso atrás los que meten a Duffy en el saco de figurines poperos de un solo día. Todos babeamos con Eli Paperboy Reed pero miramos a otro lado cuando oímos algo de Duffy, si es que así no aprenderemos nunca. Hablo de ella porque en los créditos finales de la dulce An Education, una de esas películas tan delicadamente pintadas y barnizadas que pasas como un gorrión por encima de cualquier defecto que pueda tener y te limitas a disfrutar, una historia de adolescencia, de decisiones y de la escuela de la vida, y una película que recomiendo sin dudarlo; a lo que voy, que en los créditos finales del film suena una composición escrita por la misma Duffy, Smoke without fire que es, mínimo, majestuosa, y que te deja pegadito a la butaca. Cuánto talento hay en cada verso, y como alarga las sílabas en lo finales, y la autoridad de esas cuerdas vocales. En sus giras, Duffy toca con Bernard Butler (Suede), aunque ella no necesita crédito rockero de ningún tipo, se vale por si misma.